Топ 10: коллаж

CIRCLE 3 (2021) Коллажи Моргана Паслье.

10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1...

10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1: с помощью этой числовой кульминации, именуемой топ-10, мы поставили самые актуальные коллажи в истории искусства на первое место после другой, в порядке актуальности, я хочу приблизить читателя к знанию художественной техники, которая часто остается на обочине перед лицом более популярной живописи, скульптуры и фотографии. Поэтому, преследуя это чисто дидактическое намерение, я стремлюсь соответствующим образом представить мою кураторскую подборку, кратко объяснив происхождение и специфику коллажа, чтобы читатель мог лучше оценить этот способ выполнения работ, полученных путем наложения работ. , фотографии, предметы, вырезки из газет, журналов и т. п., которые наклеиваются на подложку, которая может быть разной, но, как правило, жесткой. С историко-художественной точки зрения упомянутая техника зародилась в начале ХХ века, в период, когда она использовалась при создании многочисленных шедевров авангарда, созданных, прежде всего, мастерами-кубистами Пикассо и Браком и , позже также представителями футуризма и геометрического абстракционизма, а также более сложными сборками нео-дадаизма, сюрреализма, поп-музыки и модерна. Это, однако, история, рассказанная нам европоцентричными западными книгами по искусству, которые часто слишком скудны в объяснении того, как, собственно, коллаж был впервые использован во времена изобретения бумаги, т. е. в Китае в 200 г. до н.э. с 10-го - японскими каллиграфами, которые стали применять клееную бумагу, используя тексты на поверхностях, при написании своих стихов. Тем не менее, западному миру, безусловно, следует приписать изобретение фотомонтажа, то есть коллажа, сделанного из фотографий, метода, одним из величайших представителей которого по сей день оказывается Ричард Гамильтон. В любом случае стоит отметить, что фотомонтажом называют и другие способы соединения изображений, такие как, например, викторианская печать, печать более чем с одного негатива на одном листе печатной бумаги, фронтальная проекция, приемы компьютерного редактирования. Теперь, после этого краткого «урока», мы подошли к судьбоносному моменту, так как теперь, загруженный понятиями, я оставляю вас созерцать, а также понимать мой топ-10 по рассматриваемой технике...

СОДЕРЖАНИЕ (2020) Коллажи Эмили Кубар (Мил.)

Аннегрет Солтау (Автопортрет).

10. Аннегрет Солтау (Автопортрет)

Моя десятка лучших начинается с Аннегрет Зольтау, немецкой художницы, чьи работы, сосредоточенные исключительно на искусстве фотомонтажа, в основном с изображением человеческого тела и лица, сшитых или соединенных черными нитками, стали вехой в искусстве 1970-х годов. 1980-е годы. Автопортрет Зольтау, который я выбрал для иллюстрации этой подборки, представляет собой свод нескольких ключевых понятий, которые повторялись в творчестве художника, таких как, например, сочетание идеи линии, переданной нитями, с идеей человеческая фигура, в данном случае олицетворенная самой Аннегрет. Кроме того, такое сочетание приводит к созданию произведений, в которых предмет, связанный упомянутыми черными шелковыми нитями, порождает своего рода «автопортрет», в данном случае способный соединить два совершенно разных возраста жизни художника, проявляется одновременно в ее юности и зрелости. Таким образом, Аннегре также пишет свою очень личную историю как женщины, намекая через фрагменты своей фигуры на конфликты, оживляющие маргинальное положение «слабого пола» в социальном контексте, а также на гендерное давление. и дискриминация. В конце концов, сопоставляя две версии самой себя, она может еще больше подчеркнуть физические и психологические изменения, с которыми человек естественным образом сталкивается на протяжении всего своего существования.

Ханна Хёх, Разрезание кухонным ножом Дада через последнюю веймарскую культурную эпоху пивного живота в Германии, 1919–1920. Коллаж. Берлин: Национальная галерея, Государственный музей Берлина.

9. Ханна Хёх, Разрезание кухонным ножом Дадаизм через последнюю веймарскую культурную эпоху пивного живота в Германии (1919–1920)

На девятой позиции мы находим еще одну женщину, а именно Ханну Хёх, немецкую художницу-дадаистку, родившуюся в 1978 году, известную своими новаторскими политическими коллажами и фотомонтажами, построенными с использованием и комбинацией изображений и текстов из средств массовой информации, с целью объяснения культурная критика, направленная как на неудачи Веймарской республики, так и на социально сконструированные роли женщин. Стоит отметить, что ее работы отражают не только личные взгляды художницы, но и озвучивают идеологию, разделяемую значительной частью немецкого народа того времени, часто воодушевленную тем мятежным и критическим духом, которым отмечен период между двумя войн, воспринятых многими как начало новой эпохи, в которой авангард взял на себя роль экспликатора недовольства. Что касается шедевра, выбранного для иллюстрации моего рейтинга, а именно «Разрезание кухонным ножом Дада через последнюю веймарскую культурную эпоху пивного живота Германии», то он полностью отражает стилистические особенности и идеалы художника, описанные выше, в том, что самая известная работа Хёха преследует намерение, с помощью ее методов синтеза, предназначенных для объединения газетных вырезок, бросить вызов расистским и сексистским кодексам, которые управляли Веймарской Германией, делая явными эксперименты с формой искусства, способной продемонстрировать, как само творчество может быть включено в динамику повседневной жизни. современная жизнь.

Джон Стезакер (портрет обложки монографии галереи Уайтчепел)

8. Джон Стезакер (Портрет обложки монографии галереи Уайтчепел)

Достигнув позиции номер восемь, я пользуюсь этой возможностью, чтобы прояснить, каким образом во время написания этого топ-10 я часто ловил себя на том, что отчаянно ищу названия рассматриваемых работ, настолько, что часто не могу найти их. , я сообщил в скобках только тип изображенного предмета, демонстрируя, непреднамеренно, то, что я ожидал во введении, а именно меньшую популярность техники коллажа и, как следствие, ограниченный доступ к соответствующей информации. Прояснив это, я кратко представляю фигуру Джона Стезакера, британского концептуального художника, родившегося в 1949 году, известного своими сюрреалистическими тональными творениями, часто выполненными с помощью техники коллажа, с изображениями, взятыми с открыток, кадров из фильмов и рекламы. фотографии. В основном этот способ работы был направлен на то, чтобы дать жизнь композициям, способным иллюстрировать гламурные портреты 1950-х годов, иногда включая присутствие голливудских звезд, которые были смешаны с изображениями пейзажей, возмущающий эффект которых можно наблюдать, например , в коллаже, выбранном в качестве обложки монографии галереи Уайтчепел (2011 г.), где женская фигура на уровне глаз разбита наличием скалистого ракурса.

7. Эйлин Агар, «Драгоценные камни» (1936)

В работе британского фотографа и художника Эйлин Агар «Драгоценные камни» запечатлен силуэт мужского лица в профиль, который кажется наклеенным на белый лист бумаги, где, в свою очередь, он обрамлен присутствием третьего медиума, который порождает красную рамку, очерчивающую изображение. Возвращаясь к основному предмету, фигура, о которой идет речь, была вырезана из книги, иллюстрирующей некоторые драгоценные камни, точное расположение сетки которых контрастирует с частично произвольным контуром изображения, зеркалом сюрреалистических тенденций мастера, который часто выражал себя с помощью техники коллажа. Кроме того, если на мгновение отложить в сторону приведенные выше описания, работа также имеет отношение к делу, поскольку она представляет собой одну из самых ранних работ Агара, направленных на включение изображения головы и бюста в профиль, предмета, который позже станет несколько повторяющимся для художника. . В любом случае, в конкретном случае этой работы важно отметить, что мужское лицо частично было смоделировано по образу мужа Эйлин, а именно, Джозефа Барда, который, отнюдь не случайно, действительно был заядлым коллекционером драгоценные камни. Наконец, еще одним источником вдохновения для создания «Драгоценных камней» послужили, безусловно, древние монеты, чьи портреты в профиль теперь выполнены в гораздо более игривой, наивной и образной манере.

Миммо Ротелла, Euromsa, 1963. Деколлаж.

6. Миммо Ротелла, Pepsi (1979)

Фрагмент рекламы Pepsi конца 1970-х годов, наклеенный на подставку или, возможно, «оторванный» от нее, переносит нас в самое сердце модерн-реализма того времени, современного движения американского поп-арта, часто воспринимаемого как его транспозиция. во Францию, главным итальянским представителем которой был сам Миммо Ротелла. Работа последнего как раз сосредоточена на исследовании техники деколлажа, которая, в отличие от вышеупомянутого художественного подхода, сопровождалась сборкой и реди-мейдом, сделанным из предметов, купленных у торговцев старьем, таких как пробки от бутылок, веревки и т. д. Все из этого восходит к повседневным, повседневным предметам ровесника поп-арта, хотя с начала 1970-х художник, как и в случае с Pepsi, стал развивать дополнительную точку зрения, начав вмешиваться в журнальную рекламу с использованием растворителей, чтобы довести их до стадии фроттажирования или стереть.

Ричард Гамильтон. Что же делает современные дома такими разными, такими привлекательными? , 1956. Коллаж, 26 см × 24,8 см. Кунстхалле Тюбинген, Тюбинген.

5. Ричард Гамильтон. Что же делает современные дома такими разными, такими привлекательными? (1956)

Под номером пять я поместил значок техники коллажа. Что же делает современные дома такими разными, такими привлекательными? Многие критики и искусствоведы считают его первым поп-произведением в истории! Этот шедевр создан путем объединения вырезок фотографий и изображений, взятых из американской прессы, которые оживляют причудливый домашний интерьер, где расставлено множество предметов и несколько персонажей, среди которых, безусловно, черты полуголого бодибилдера. выделиться, логотип Ford, размещенный на абажуре, фигурка очаровательной девушки, лежащей на диване, изображение домохозяйки вдали, комикс Young Romanca, размещенный на стене, и т. д. Если то, что мы описываем, мы представляем себе в цвете, важно знать, что работа возникла для каталога лондонской выставки «Это завтра», события, в связи с которым она была фактически представлена в черно-белом цвете, настолько, что позже Гамильтон также создал несколько версий тот же сюжет, в котором он переработал композицию.

Beeple, Everydays: the First 5000 Days , 2021. Цифровое искусство.

4. Beeple, Everydays: the First 5000 Days (2021)

Позиция номер четыре рассказывает нам о фотомонтаже в его варианте, реализованном с помощью компьютерных технологий, инструмента, с помощью которого воплотились в жизнь «Каждые дни: первые 5000 дней», цифровой коллаж, направленный на сопоставление 5000 изображений, изображающих повторяющиеся темы и цветовые схемы, способные создание эстетического целого, которое, организованное в хронологическом порядке, выявляет наличие абстрактных, фантастических, гротескных и абсурдных образов, умело размещенных рядом с текущими событиями, а также моментами личной жизни. То, что только что было описано, интерпретирует самый сердечный страх перед технологиями, желание и обиду на богатство, а также политические потрясения Америки, которые художник признал главными язвами общества. Наконец, крайне важно знать, что этот коллаж был размещен рядом с подиумом, поскольку он добился культового успеха, поскольку его NFT был продан за 69,3 миллиона долларов на Christie's в 2021 году, став самым дорогим невзаимозаменяемым токеном за всю историю. О создателе Майкл Джозеф Винкельманн (1981 г.р.), известный как Beeple, является американским цифровым художником, графическим дизайнером и аниматором, чье искусство использует различные средства для создания комических и фантасмагорических произведений, предназначенных для объяснения политических и социальных комментариев, часто с использованием поп-культуры. символы в качестве ссылок.

Ман Рэй, Дора Маар , 1936 год.

3. Ман Рэй, Дора Маар (1936)

Невозможно забыть сюрреалиста Ман Рэя, особенно если предметом его коллажа, датированного 1936 годом, является именно Дора Маар, французский фотограф хорватского происхождения, поэтесса и художница, которая, известная своими давними отношениями с Пабло Пикассо, часто увековечивалась американский фотограф, игравший с женственностью, формой и мультиэкспозицией. Именно благодаря последнему подходу к предмету был запечатлен образ вышеупомянутого успешного фотографа, который сначала обучался как художник в мастерской Андре Лоте, а затем стал, в начале 1930-х годов и под влиянием Ман Рэй, любительница объективов, известная своими необычными и увлекательными приемами, которые позволили ей исследовать альтернативные художественные направления, такие как пленочная, городская и фэшн-фотография. Пабло Пикассо, с другой стороны, определенно был впечатлен Маар как моделью, настолько, что еще до того, как он встретил ее лично, он настоял на том, чтобы сохранить ее портрет, сделанный Рэем, а позже даже хотел увековечить ее сам. настолько, что она стала предметом некоторых из его самых известных шедевров, в том числе, например: «Портрет Доры Маар» (1937) и «Плачущая женщина» (1937). Однако, к сожалению, последнее произведение открывает нам всю хрупкость женщины, изображенной измученной фигурой, способной превратиться в олицетворение горя. Несмотря на это, испанский художник признавался, что именно меланхолия Доры дала ему достойное вдохновение, способное воплотить в жизнь эмоционально сильные женские образы, иногда даже изображенные в слезах.

Жорж Брак, Скрипка и трубка , 1913. Мел, уголь, коллаж, бумага, 74 x 106. Париж: Центр Помпиду.

2. Скрипка и трубка (1939)

В начале 1900-х годов такие художники, как Брак и Пикассо, начали использовать метод, называемый коллажем, для создания новаторских произведений искусства. на второй высшей ступени пьедестала со своей «Скрипкой и трубкой» 1913 года, произведением, входящим в серию папье-коллес, в которых французский художник выдвинул на первый план двустороннее прочтение таблицы и самой картины. Этот образный подход является результатом художественного исследования, проведенного синтетическим кубизмом в рамках предмета натюрморта, который в данном случае состоит из газет, вырезанных и наклеенных печатных обоев, угля, графита и пастели на бумаге, закрепленной на картон, опора, на которой оживают скрипка и дудка, интерпретированные в подчас почти абстрактном ключе. Помимо шедевров, стоит отметить, как Брак использовал технику коллажа, чтобы развить понимание взаимодействия формы и цвета на живописном уровне, подавая пример другим мастерам, таким как Джим Дайн и Уэйн Тибо.

Пабло Пикассо, «Гитара и бокал» , 1912. Коллаж, 47,9 × 37,5 см. Нью-Йорк: МЕТ.

1. Пабло Пикассо, «Натюрморт с мягким стулом» (1912)

Первое место достается старейшему коллажу в истории западного искусства: «Натюрморт с мягким стулом», шедевру 1912 года, призванному увековечить поверхность стола овальной формы, покрытую вырезом из холста, на котором находятся различные предметы. , выполненные с помощью также живописного вмешательства, а также использования вощеного холста, бумаги и веревки на холсте. Помимо техники, такая работа важна еще и потому, что именно она ознаменовала продвижение процесса утверждения синтетического кубизма, в котором, вслед за аналитическим, художник расточал свои усилия по уходу за автомобилем, чтобы воплотить в жизнь синтез планов, изображая их на одном уровне холста, сводя движения к одному изображенному мгновению. Возвращаясь, наконец, к описанию произведения, в вышеупомянутом коллаже веревка предстает перед зрителем как карниз, а фрагмент камыша воспроизводит образ мягкого стула, предмета, рядом с которым художник помещает другой, едва намекнутый, иногда фрагментированные объекты, как будто он хотел вызвать их или дать иллюзорное представление о них, а не описывать их, придерживаясь ныне устаревших реальных данных.