Месть женщин в абстрактном искусстве: 10 художников, которых стоит открыть

Хильма аф Клинт

Хильма аф Клинт (26 октября 1862 г. – 21 октября 1944 г.) была шведской художницей и мистиком, ныне признанной одним из самых ранних абстракционистов в истории западного искусства. Работая раньше Кандинского, Малевича и Мондриана, она создавала картины, в которых исследовались глубокие духовные концепции. Стиль Хильмы аф Клинт представляет собой уникальное слияние геометрии, фигуративности, символизма и духовности. Ее работы, часто большого масштаба, исследовали концепции органического роста и естественных процессов, вдохновленные ее научными и ботаническими исследованиями.

Одним из шедевров Хильмы аф Клинт является   «N. 7, Взросление», часть серии «Десять самых больших» в цикле «Картины для храма» . Эта большая работа, более трех метров в высоту, сочетает в себе текучие органические формы и яркие цвета, такие как желтый, красный и зеленый на нежном сиреневом фоне. Напоминая ботанические и математические формы, картина символизирует рост и существование. В этом жизненно важном контексте критик Адриан Сирл распознал влияние теорий Дарвина, в частности идею о том, что развитие растений и природных форм следует математической прогрессии. В этом смысле присутствие «стилизованных» цифр и букв добавляет дополнительные слои символизма.

Кроме того, Марк Хадсон, ученый, отметил, что изогнутые формы и загадочные надписи, такие как «sox, sax, sex» или «eros wu», также предполагают тонкий скрытый эротический заряд. Наконец, стоит подчеркнуть, что техника, использованная для « Взрослой жизни » , нарисованной на бумаге, а затем наклеенной на холст, предвосхищает предпочтение больших форматов, более часто ассоциируемых с абстрактными экспрессионистами и часто зарезервированных для художников-мужчин.

Джорджия О'Киф, Восход солнца, 1916. Акварель на бумаге.

Джорджия О'Киф

Джорджия Тотто О'Киф (15 ноября 1887 г. – 6 марта 1986 г.) была пионером американского модернизма, признанной одной из самых влиятельных фигур в истории искусства 20-го века. Художница известна своей способностью смешивать абстракцию и репрезентацию таким образом, чтобы запечатлеть суть и силу природы. Одним из отличительных аспектов ее стиля является использование «увеличенных» форм, особенно в ее цветочных картинах, где она сосредоточивала внимание на деталях, превращая их в абстракции посредством гармоничного слияния цвета и формы. Ее яркие цветовые палитры и мягкие линии также служили для того, чтобы вызвать, помимо видимого изображения, глубокое чувство эмоции и связи с творением.

Одной из ее самых ранних и важных абстрактных работ является акварель «Восход» (1916). Созданная в период, когда она преподавала в Южной Каролине, эта работа на бумаге передает нежность и силу восхода солнца посредством мастерского использования цвета и «синтетической» формы. Палитра шедевра включает оттенки красного, фиолетового и желтого, чтобы оживить небо, постепенно освещающееся, с концентрической композицией, которая вызывает лучистую энергию солнца, выходящего из-за горизонта. Видение передает чувство покоя, но также и зарождающейся жизненной силы, подчеркнутой контрастом между интенсивным светом в центре и более темными оттенками по краям.

Наконец, эта работа незаменима, поскольку она знаменует собой решающий момент в карьере О'Киф: окончательный переход художника к личному визуальному языку, сочетающему чувство абстракции с изображением природного мира.

Агнес Мартин, «Счастливого праздника», 1999.

Агнес Мартин

Агнес Бернис Мартин (22 марта 1912 г. — 16 декабря 2004 г.) — канадско-американская художница-абстракционистка, известная своим минималистским стилем и вкладом в абстрактный экспрессионизм. Ее работы, характеризующиеся простыми сетками и линиями, передают чувство безмятежности и духовности, находясь на стыке различных художественных течений 20-го века, сочетая элементы минимализма и живописи цветового поля. Хотя эти черты не являются образными, они отражают сильную связь с природой, очевидную в названиях ее работ, а также в ее сочинениях. Фактически, Мартин черпала вдохновение в простоте повседневной жизни и органическом мире, которые она позже организовала в сетки, где были расположены мягкие, безмятежные и светящиеся цвета. Этот подход также позволил художнице исследовать бесконечные вариации цвета и формы, способные передавать духовное и созерцательное спокойствие, в резком контрасте со строгой и уединенной жизнью художницы.

Одним из самых представительных шедевров Агнес Мартин является «Happy Holiday» (2000), абстрактная картина, разделенная на четырнадцать горизонтальных полос одинаковой ширины, чередующихся между белым и персиковым. Линии, разделяющие полосы, нарисованы вручную карандашом и короткой линейкой, что создает ощущение легкости и простоты, типичное для ее подхода к живописи. Несмотря на использование линейки, линии на самом деле имеют дрожащее и неровное качество, подчеркивая важность рисунка в ее работе и ее внимание к ручной детализации. Наконец, основа холста, подготовленная слоем белого грунта, придает всей картине яркую светимость, в то время как акриловые краски, нанесенные тонкими слоями, кажутся плавающими на поверхности.

Джоан Митчелл, «Болюс», 1956. Живопись. Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк.

Джоан Митчелл

Джоан Митчелл (12 февраля 1925 г. – 30 октября 1992 г.) – американская художница, известная своим вкладом в движение абстрактного экспрессионизма, хотя ее творчество отличалось от более спонтанного подхода, типичного для Action Painting. Тем не менее, ее творчество было отмечено эмоционально интенсивным стилем, навеянным пейзажами, которые она помнила, и великими мастерами постимпрессионизма, такими как Анри Матисс. Манера письма Джоан Митчелл отличается своей интенсивностью жестов, сочетая смелые цвета с решительными мазками. Также известно, что Митчелл планировала свои композиции, вызывая воспоминания, часто связанные с природой и поэзией, метод, который придавал ее работам рефлексивное качество, которое уравновешивало импровизацию с более определенной структурой.

Ее холсты, как правило, были большими и насыщенно окрашенными, часто разделенными на несколько панелей, поскольку художница отвергала идею «равномерно распределенного» искусства. Как отметил куратор Джон Яу, работы Митчелл «продвигали идею о том, что картина может быть сделана из отдельных, но переплетенных частей», что позволило ей выделиться в мире искусства, где доминировали мужчины, сделав ее одной из важнейших фигур в абстрактном экспрессионизме.

Среди самых известных шедевров Митчелла — «Хемлок» (1956), картина маслом на холсте, характеризующаяся смелыми жестовыми мазками, где доминируют холодные тона, а белый цвет пересекается с зелеными и черными горизонтальными линиями, вызывая в памяти зимний вечнозеленый пейзаж. На самом деле, «Хемлок» берет свое название от дерева, упомянутого в стихотворении Уоллеса Стивенса «Доминирование черного», которое, безусловно, было источником вдохновения для художника.

Хелен Франкенталер, «Горы и море», 1952. Масло и уголь на холсте. Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия

Хелен Франкенталер

Хелен Франкенталер (12 декабря 1928 г. – 27 декабря 2011 г.) была одним из самых влиятельных художников 20-го века, сыгравшим решающую роль в истории послевоенной американской живописи. Родившись в Манхэттене, она рано вошла в художественную сцену Нью-Йорка, где познакомилась с такими деятелями, как Джексон Поллок, Франц Клайн и Роберт Мазервелл, за которого она позже вышла замуж. Несмотря на влияние абстрактного экспрессионизма, Франкенталер разработала свою собственную отличительную технику, «замачивание-пятно», которая произвела революцию в использовании цвета в живописи. Этот процесс, который включал в себя заливку разбавленной краски на негрунтованный холст, создавал светящиеся размывки, которые смешивались с тканью самой основы, устраняя любую иллюзию трехмерности. Хотя ее работы изначально ассоциировались с абстрактным экспрессионизмом, художница больше известна своим вкладом в живопись цветового поля, движение, которое прославляло использование больших пространств чистого цвета на холсте. Несмотря на абстракцию, ее картины часто были вдохновлены впечатлениями от природных ландшафтов, запечатленными в их ощущениях и атмосфере с помощью цвета.

«Горы и море» считается шедевром, ознаменовавшим решающий поворотный момент в карьере Хелен Франкенталер, поскольку в этой картине 1952 года художница впервые представила свою революционную технику. Композиция была вдохновлена пейзажами Кейп-Бретона в Новой Шотландии, которые Франкенталер посетила незадолго до создания работы. В этом натуралистическом контексте цвет играл центральную роль: размывки розового, синего и зеленого очерчивали холмы, скалы и воду. Наконец, важно отметить тонкий контраст между слегка набросанными угольными линиями и яркими оттенками, которые свободно растекаются по негрунтованному холсту.

Ли Краснер, Гея, 1966. Холст, масло. Музей современного искусства, Нью-Йорк.

Ли Краснер

Ли Краснер (27 октября 1908 г. — 19 июня 1984 г.) — американская художница и одна из важнейших фигур абстрактного экспрессионизма, работавшая в основном в Нью-Йорке. Получив академическое образование в Женской художественной школе Cooper Union и Национальной академии дизайна, она познакомилась с миром современного искусства через знакомство с постимпрессионизмом в Музее современного искусства в Нью-Йорке. В 1930-х годах она училась у Ганса Хофманна, включая элементы кубизма в свои работы, а во время Великой депрессии работала в Федеральном художественном проекте. Десять лет спустя Краснер стала заметной фигурой в Нью-йоркской школе наряду с такими художниками, как Виллем де Кунинг и Марк Ротко. Однако ее брак в 1945 году с Джексоном Поллоком, центральной фигурой абстрактного экспрессионизма, часто затмевал ее карьеру. После трагической гибели Поллока в автокатастрофе в 1956 году Краснер пережил период глубокой скорби, но продолжил работать с новой художественной интенсивностью, получив в последующие годы все большее признание.

С точки зрения стиля, творчество Краснер характеризуется постоянной эволюцией и исключительной художественной универсальностью. Хотя изначально ее ассоциировали с абстрактным экспрессионизмом, она отвергла повторяемость, которую она видела в работах некоторых своих современников, таких как Марк Ротко и Барнетт Ньюман. Ее стремление к обновлению, которое она называла «перерывами», привело ее к разработке новых форм художественного выражения, включая знаменитую серию «Маленькое изображение» в конце 1940-х годов, а также ее смелые коллажи 1950-х годов и ее большие, ярко окрашенные холсты 1960-х годов. Краснер также была одним из первых художников, экспериментировавших с техникой «все по всему», вдохновленной работами Пита Мондриана, которые позже повлияли на знаменитые картины Джексона Поллока, выполненные методом капельной живописи. Ее искусство развивалось, не ограничиваясь одной техникой или стилем: ее тенденция пересматривать и перерабатывать собственные творения была очевидна в ее практике разрезания и повторного использования старых холстов для создания коллажей, процесс, который отражает влияние Анри Матисса. Более того, Краснер стремилась не только исследовать абстракцию, но и выражать глубокую связь с природой и органическим миром.

Среди наиболее представительных работ Ли Краснер — «Гея» (1966), монументальная картина маслом на холсте, воплощающая ее яркие исследования цвета и глубокую связь с природой.

Элейн де Кунинг, «Вакх» № 81, 1983. Музей искусств Джорджии, Атене, США.

Элейн де Кунинг

Элейн де Кунинг (12 марта 1918 г. — 1 февраля 1989 г.) была абстрактной экспрессионисткой и фигуративной художницей, работавшей в послевоенный период. Также известная как художественный критик и преподаватель, она была одним из самых энергичных и влиятельных голосов на нью-йоркской художественной сцене. На ее карьеру оказали влияние ключевые фигуры движения, включая ее мужа Виллема де Кунинга и Аршила Горки. Хотя поначалу она была в тени славы мужа, Элейн де Кунинг разработала собственный художественный язык, который смешивал абстрактные и фигуративные элементы, часто изображая друзей, спортсменов и даже президента США.

Что касается стиля, то, приняв Action Painting и ее жестовый, динамичный подход, она сосредоточилась на передаче энергии и личности своих персонажей, а не на их точном сходстве. В своих портретах де Кунинг стремилась передать сущность человека с помощью живых, текучих мазков, избегая чисто реалистичного представления. Этот подход также очевиден в ее работах, посвященных мифологическим сюжетам и примитивным темам, которые она часто использовала для исследования напряженности между формой и движением.

Например, «Вакх № 3» (1978) — один из шедевров Элейн де Кунинг: эта большая картина отличается яркими зелеными, серыми и синими тонами, которые смешиваются по всему холсту, в то время как на поверхности появляются черные линии, напоминая о фигуре скульптурной группы, вероятно, вдохновленной скульптурой Вакха в Люксембургском саду в Париже.

Кармен Эррера, Без названия, 1952. Музей современного искусства, Нью-Йорк.

Кармен Эррера

Кармен Эррера (31 мая 1915 г. — 12 февраля 2022 г.) — кубино-американская художница, известная своим вкладом в абстрактное и минималистское искусство. Родилась в Гаване, большую часть жизни провела в Нью-Йорке, куда переехала в середине 1950-х годов. Художница работала в период, когда абстракция доминировала на нью-йоркской художественной сцене, но ее стиль не полностью соответствовал стилю ее коллег по движению абстрактного экспрессионизма. Фактически, часто работая в изоляции, ее художественный язык характеризовался формальной чистотой, сочетающей геометрию с вдумчивым и ярким использованием цвета. Ее стиль основан на простоте и точности, отмечен резкими линиями и плоскими полями цвета, направленными на создание существенных и важных композиций. Действительно, ее работы исследуют взаимосвязь между формой и цветом, уделяя особое внимание взаимодействию между поверхностями и пространствами.

Этот подход связывает ее с такими движениями, как абстракция с жесткими границами и оп-арт, хотя ее работа остается уникальной благодаря строгой формальной редукции и вниманию к гармоническому расположению. Говоря о шедеврах, «Без названия» (1952) является одной из самых значительных картин художницы. Работа, созданная синтетической краской на холсте, характеризуется черными и белыми линиями, которые пересекают поверхность, разделяя холст на две треугольные секции. Простая, но поразительная композиция исследует напряжение между порядком и движением, с острыми краями, которые предполагают почти сильную вибрацию. Наконец, геометрические формы и цветовые контрасты создают визуальный эффект, напоминающий оп-арт, но энергия, которая исходит от работы, является результатом определенно более интуитивного и экспериментального подхода.

Лигия Кларк, Planes in Modulated Surface № 4, 1957. Формика и промышленная краска на дереве. Музей современного искусства, Нью-Йорк.

Лигия Кларк

Лигия Кларк (23 октября 1920 г. — 25 апреля 1988 г.) была одной из самых влиятельных бразильских художниц 20-го века, известной своими абстрактными картинами и интерактивными инсталляциями. Она тесно связана с бразильским конструктивистским движением и позже стала соучредителем движения Neo-Concrete вместе с такими художниками, как Амилкар де Кастро, Франц Вайсман и Лигия Папе. Ее работы отличались новаторством во взаимодействии между произведением искусства и публикой, выводя концепцию участия в искусстве на новый уровень. Фактически, Кларк исследовала принципы, связанные с чувственным восприятием и психологической связью с шедевром, придя к определению своей работы как «живого опыта».

Начиная с 1970-х годов она все больше сосредотачивалась на терапевтическом использовании искусства, используя объекты и вовлеченность как средства решения психологических травм и личных переживаний. По этой причине художница постепенно отходила от традиционной живописи, чтобы исследовать новые способы выражения, которые активно вовлекали зрителя, которого она считала неотъемлемой частью произведения искусства.

Однако, говоря о ее живописных работах, следует отметить шедевр «Открытие органической линии» (1954). Сохраняя прочную геометрическую основу, эта работа знаменует начало ее исследования трехмерного пространства и ее переход к большему взаимодействию с публикой.

Джуди Чикаго, «Званый ужин», 1979.

Джуди Чикаго