Эдвард Хоппер, «Солнечный свет второй истории». 1960. Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк.
История американского искусства в 6 пунктах
Прежде чем познакомить вас с десятью самыми знаменитыми художниками в истории американского искусства, а также с кратким обзором их жизни и упоминанием их стилистических особенностей, я хотел бы познакомить вас с контекстом, к которому они принадлежат: Америкой и ее художественной традицией. Чтобы справиться с этой обширной и сложной темой, я решил использовать «ножницы и клей», вырезая и вставляя соответствующий материал тут и там, выделяя только ключевые моменты. Из этого намерения вытекает тема, обобщенная в 6 пунктах, которые, тем не менее, важно иметь в виду:
- Традиции : важно учитывать, как художественная традиция США на самом деле берет свое начало из искусств, практикуемых местными культурами.
- Европейцы : Только после прибытия европейцев развилось отчетливо западное искусство, которое мы знаем сегодня, первоначально приняв форму в жанрах портретной живописи и пейзажа.
- 19 век : Именно в 19 веке возникло сплоченное американское художественное движение, а именно появление Школы реки Гудзон.
- 20-й век : В 20-м веке американское творчество было направлено не только на подражание Европе, но и на демонстрацию американских городских центров, а также сельских регионов.
- После Второй мировой войны : абстрактный экспрессионизм послевоенного периода привлек внимание к американскому контексту. С этого момента художественное влияние США продолжало распространяться по всему миру, особенно благодаря всемирному успеху минимализма и поп-арта.
- Сегодня : Современная глобализация затрудняет понимание тенденций в искусстве, конкретно и исключительно привязанных к определенному контексту, до такой степени, что во всем мире легче идентифицировать отдельные личности, чьи работы действительно повлияли на мир живописи во все более взаимосвязанном мире».
Топ 10
«Теперь мы наконец готовы составить топ-10, так что давайте приступим!
Гилберт Стюарт, Джордж Вашингтон, 1796. Холст, масло, 121,9×94 см. Музей изящных искусств, Национальная портретная галерея, Бостон.
1. Гилберт Стюарт (1755-1828).
Биография : Гилберт Стюарт — американский художник, наиболее известный благодаря созданию официальных портретов первых пяти президентов США, а также многих других выдающихся общественных деятелей того времени.
Стиль : Специализируясь на портретной живописи в Лондоне, где он был учеником Бенджамина Уэста, Стюарт разработал неоклассический идеализированный стиль. Он тщательно уловил характер и статус своих героев, тщательно изучая их позу, одежду, цвета и окружение.
Шедевр : Бесспорным шедевром Стюарта, несомненно, является «Джордж Вашингтон (Портрет Атенеума)» (1796). Работа, изображающая государственного деятеля Вашингтона на коричневом фоне, намеренно осталась незавершенной, поскольку художница не хотела отдавать ее покровителям, которыми была жена героя. Стюарт хотел создать копии, чтобы использовать известность изображенной модели. Однако эта намеренная незавершенность сделала произведение искусства знаменитым, поскольку оно, похоже, было тщательно разработано, чтобы подчеркнуть лицо президента, рассматриваемого как моральный образец, излучающий силу и авторитет.
Мэри Кассат, Маленькая девочка в синем кресле, 1878 год. Холст, масло, Музей Орсе.
2. Мэри Кассат (1844-1926)
Биография : Мэри Кассат была американской художницей, которая провела значительное время во Франции, учась у Дега и выставляясь вместе с импрессионистами.
Стиль : Уникальный стиль Кассат сочетал в себе типичную манеру письма импрессионистов с использованием светлых тонов, часто обогащенных постоянным влиянием традиционного японского искусства. Своей манерой письма она часто изображала женщин, «запертых» в домашней обстановке, возможно, намекая на то измерение, в котором она, как женщина, часто была заключена.
Шедевр : Одной из самых известных работ художника, несомненно, является «Маленькая девочка в синем кресле» (1878), изображающая молодую девушку в сопровождении только маленькой собачки, возможно, йоркширского терьера, подражающую ей, расслабляясь в кресле, расположенном в интерьере. возможно, напоминающий гостиную. Эта сцена передает беззаботную природу и расслабленность юности, словно призвана вызвать у зрителя воспоминания об утраченном детстве. Тем не менее, выдающееся положение мебели на картине также может указывать на то, что персонаж временами чувствует себя подавленным миром взрослых».
Джон Сингер Сарджент, Портрет мадам X, 1884. Холст, масло, 2,35 х 1,1 м. Метрополитен-музей, Манхэттен.
3. Джон Сингер Сарджент (1856-1925).
Биография : Джон Сингер Сарджент, американский художник-эмигрант, считается одним из самых значительных портретистов 19 века. Путешествуя по всему миру, он также рисовал в документальном стиле, запечатлевая такие знаковые места, как Венеция.
Стиль : Джон Сингер Сарджент известен своими характерными импрессионистическими мазками, которые ожили в рамках традиционных композиций. В его работах увековечены как черты характера героев портрета, так и пейзажи, написанные им на пленэре. Это стало результатом его умелой переосмысления учения таких мастеров, как Антонис Ван Дейк и Диего Веласкес, обогащенного импрессионистическими нюансами.
Шедевр : Нельзя не упомянуть «Портрет мадам Х» (1884)! Пожалуй, самая известная работа мастера, на ней изображена Виржини Амели Авеньо Готро, великосветская женщина, которая не сама заказывала картину. Фактически, художник выбрал ее в качестве модели, чтобы запечатлеть очень обсуждаемую фигуру в парижском обществе. Сплетни возникли из-за определенных физических и характерных особенностей героини, чьи соблазнительные способности в сочетании с поразительной привлекательностью были прекрасно изображены на картине, демонстрирующей ее алебастровую кожу и дерзкое декольте. Благодаря этим уникальным качествам произведение искусства попадает в жанр современного портрета, поскольку оно эффективно передает фактическое отношение объекта.
Эдвард Хоппер, «Ночные ястребы», 1942. Холст, масло, 84 см х 1,52 м. Школа Художественного института Чикаго.
4. Эдвард Хоппер (1882–1967)
Биография : Википедия справедливо утверждает, что Эдвард Хоппер был «одним из самых известных художников Америки, влияние которого на искусство и массовую культуру было значительным». Он проявил себя как деятель американского реализма, создав аутентичное изображение современного американского общества, пронизанного глубоким чувством одиночества.
Стиль : Термин «американский реализм» охватывает всех тех художников, которые предпочитали изображать повседневную деятельность обычных людей, предлагая правдивый взгляд на реальную жизнь между серединой 19 и началом 20 веков. Однако величие Хоппера выходило за рамки этого; он углубился и раскрыл темную сторону человеческого опыта, раскрывая психологию своих испытуемых. В результате люди, которых он изображал, страдающие от недугов той эпохи, часто казались изолированными и оторванными от своего окружения, которое часто характеризовалось наличием повторяющихся разоблачающих огней.
Шедевр : Приведенное выше описание служит интерпретацией одной из самых известных работ мастера, «Ночные ястребы» (1942), действие которой происходит в нью-йоркской закусочной поздно ночью, когда улицы пустынны, и несколько фигур собрались вместе. , усталые и почти немые, поддаются своим мыслям, сознавая свое вечное одиночество.
Джорджия О'Киф, Красная Канна, 1924 год. Масло, 73,7 × 45,7 см.
5. Джорджия О'Киф (1887–1986)
Биография : Джорджия Тотто О'Киф была американской художницей, чья работа, в значительной степени независимая от художественных течений, уделяла особое внимание изображению природных форм. Она часто изображала цветы и пейзажи, некоторые из которых посещала лично.
Стиль : Названная «матерью американского модернизма», О'Киф направила свои художественные изыскания на передачу эмоций, которые часто материализовались в абстракции мира природы, прежде всего в виде очень детализированных крупных планов различных видов цветов.
Шедевр : Одна из самых знаковых работ художницы — «Красная Канна» (1924), картина, которая ясно демонстрирует ее стилистическую уникальность, хотя в данном случае она обращена к цветку, часто встречающемуся в ее работах: канна лилии. Хотя О'Киф оправдывала свой интерес, говоря, что она хотела показать, как она видела эти растения, многие критики интерпретировали их как явный намек на интимное изображение женской формы, точку зрения, которую сама художница позже заявила, что не разделяет».
Грант Вуд, Американская готика, 1930. Бобровый картон, масло, 78 см × 65,3 см. Институт искусств Чикаго, Чикаго.
6. Грант Вуд (1891–1942).
Биография : Грант ДеВолсон Вуд — американский художник, известный своей связью с регионализмом, получивший прежде всего признание за свои картины, изображающие сельские районы Среднего Запада Америки. Особую известность он получил благодаря созданию произведения «Американская готика» (1930).
Стиль : В соответствии с движением «Регионализм» Вуд посвятил свою художественную карьеру реалистичному изображению вышеупомянутых сельских сюжетов, изображая их как свидетелей тяжелого труда на полях. Это было достигнуто за счет «цитирования» двух разных стилей: ясности искусства Северного Возрождения и органических изогнутых линий дизайна в стиле ар-деко. Другие особенности творчества Вуда включают использование сложных формальных композиций и часто своеобразных перспектив, призванных увлечь зрителя. Однако за всем этим скрывалось конкретное критическое намерение, готовое разоблачить беды эпохи Великой депрессии.
Шедевр : Давайте вернемся к вышеупомянутой «Американской готике», произведению, признанному одним из типичных символов американской живописи 20-го века. Оно относится к жанру жанровых сцен, отсылая в данном случае к примеру фламандского Возрождения Яна Ван Эйка. Однако Вуд заимствует у последнего, чтобы изобразить, возможно, по иронии судьбы, пару пуритан, символизирующих провинциальную, неизведанную, изолированную и отсталую Америку, далекую от более популярных и экспортируемых образов «американской мечты».
Джексон Поллок, «Осенний ритм: номер 30», 1950. Холст, эмаль, 266,7 × 525,8 см. МЕТ, Нью-Йорк.
7. Джексон Поллок (1912–1956).
Биография : Американский художник Пол Джексон Поллок был фундаментальной фигурой в движении абстрактного экспрессионизма, оставив неизгладимый след своим своеобразным использованием техники капающей живописи.
Стиль : Именно вышеупомянутая техника капания, которую художник начал использовать в конце 1940-х годов, прославила работы Поллока. С помощью этой техники Поллок позволял краске капать прямо из тюбика или банки с краской на холст, лежащий на земле. Следуя этому методу, возник один из самых радикальных абстрактных стилей в истории искусства, революционно отделивший линию от цвета и переопределивший рисунок, живопись и изобразительное пространство. Чтобы раскрыть связь между техникой и инстинктом, стоит отметить, что капание у Поллока возникло из естественного импульса физического акта рисования, что позволило завершенному произведению передать эмоциональную силу жеста.
Шедевр: «Осенний ритм: Номер 30» (1950)! Эта работа создана за счет наличия линейной структуры черной краски, на которую наносились дополнительные полосы краски различных цветов, образующие толстые, тонкие, светлые, темные, прямые, изогнутые линии и многое другое. Как следует из названия, он передает атмосферу осени, особенно благодаря землистым тонам.
Рой Лихтенштейн, Whaam!, 1963. Акрил, масляные краски, Magna, 1,7 х 4 метра. Тейт Модерн.
8. Рой Лихтенштейн (1923 – 1997)
Биография : Рой Фокс Лихтенштейн был американским художником и выдающейся фигурой в движении поп-арта, оказавшим глубокое влияние на его стили и темы, наряду с такими художниками, как Энди Уорхол, Джаспер Джонс и Джеймс Розенквист.
Стиль : Рой Лихтенштейн прежде всего известен своим зрелым стилем, который он разработал, начиная с 1960-х годов, во многом вдохновленный миром комиксов и реализованный посредством слияния механического воспроизведения и рисованных элементов. В этом контексте проявляется его самая отличительная стилистическая особенность: использование знаковых точек Бен-Дэя, показывающих, как поп-арт был готов фильтровать все аспекты эпохи, от рекламы до кино и, особенно, комиксов.
Шедевр : «Ух!» (1963), картина, воспроизводящая панель из комиксов, где американский истребитель сбивает ракетой вражеский самолет. В соответствии с уникальным языком комиксов, оформление дополнено панелью, явно демонстрирующей слова победившего пилота, а звук взрыва передается звукоподражанием «ВАУ!» Однако то, что здесь описано, не является исключительно плодом воображения Лихтенштейна: шедевр 1963 года представляет собой художественную адаптацию панно 1962 года, нарисованного художником комиксов Ирвом Новиком и появившегося в выпуске №89 журнала All-American Men of War. "
Энди Уорхол, «Банки с супом Кэмпбелл», 1962. Polimero sintetico su tela, 51×41 см. Музей современного искусства, Нью-Йорк.
9. Энди Уорхол (1928–1987).
Биография : Энди Уорхол — выдающийся мастер поп-музыки, поскольку он выражал стили и идеалы этого движения не только через живопись и шелкографию, но также через фотографию, скульптуру, кино и музыку (он создавал культовые обложки пластинок).
Стиль : Работы Уорхола, в первую очередь исследующие взаимосвязь между художественным выражением, рекламой и культурой знаменитостей, затрагивают эти темы посредством использования ярких цветов и навязчиво повторяющихся сюжетов. Он стремился превратить символы эпохи во вечные иконы, подобные вечным божествам, избранным обществом потребления.
Шедевр : «Банки с супом Кэмпбелла» (1962), инсталляция, состоящая из 32 картин, изображающих одноименные банки с супом Кэмпбелла. Художник задумал его, чтобы задокументировать промышленную серийность продуктов супермаркетов, поскольку расположение этих предметов было специально разработано для воспроизведения их отображения на полках. Вышеупомянутая серийность присутствует не только в тематике шедевра, но и в его исполнении, поскольку «Банки с супом Кэмпбелла» созданы с использованием полумеханизированной техники шелкографии, подчеркивающей концепцию воспроизводимости произведений искусства.
Баския, Без названия, 1982. Холст, акрил, аэрозольная краска, масляная палочка, 183,2 см × 173 см.
10. Жан-Мишель Баския (1960-88).
Биография : Жан-Мишель Баския был американским художником, который начинал как граффити-художник, а затем стал одним из выдающихся деятелей неоэкспрессионизма, движения, благодаря которому он принес язык граффити из метро в художественные галереи. Почему Баския часто ассоциируется с Энди Уорхолом? Важно подчеркнуть, что именно встреча с последним открыла перед молодым художником двери известных галерей Нью-Йорка!
Стиль : Искусство Баскии представляет собой встречу двух разных миров: мира кисти, то есть живописи в более традиционном смысле, и мира баллончика, выразителя особого языка граффити, проявляющегося в основном в стилизованных рисунках и надписях. Такое сочетание порождает экспрессивный стиль, иногда частично абстрактный, богатый отсылками к культуре времени художника, а также явным осуждением расизма и социального неравенства. Богатые и бедные, черное и белое, а также постоянное исследование, которое заставило художника сопоставить свой внутренний мир с внешним, что привело к его близости к экспрессионизму, сильному интересу к человеческой фигуре и бедам ее существования.
Шедевр : Вышеупомянутые аспекты можно найти в «Без названия (картина черепа Баския)» (1982), картине с изображением черепа, похожей по тематике на работу, созданную Баския всего годом ранее, я имею в виду «Без названия (череп )» (1981). Оба, давая нам представление о том, что скрывается под нашей кожей, кажется, способны передать внутренние и внешние аспекты жизни, позволяя им сосуществовать на холсте.
Olimpia Gaia Martinelli
| Журнал ArtMajeur