Raphaël Prenovec

À chaque fois le peuple exulte, jubile et fête la victoire du bien sur le mal. Marc Twain a dit « l’histoire ne se répète pas, elle rime ». Mais alors à quoi rime cette répétition jubilatoire ? Les hommes et les femmes tirent-ils véritablement les leçons du passé ? Se peut-il que les élans de réjouissance victorieuse rendent amnésique la mémoire collective des peuples ?
L’évocation de l’entre-deux guerres ramène aux scènes de liesse et de jubilation exprimées par les peuples libérés du joug de l’oppresseur, mais aussi aux années d’amusement des années folles, des années 30 et des années 40 marquées par les danses du Swing telles le Lindy hop, le Jitterbug, le Jive et le Charleston. Fred Astaire était incontestablement le danseur en couple le plus gracieux de l’histoire du vaudeville, du théâtre et du cinéma de cette époque et Guillaume Apollinaire l’un des plus grands poètes du début du 20ème siècle. Troublé par la seconde Guerre mondiale, cet enchantement populaire de l’entre-deux guerres n’aura pas duré longtemps. Les G.I. américains seront accueillis en héros libérateurs. Et une nouvelle fois, les peuples d’Europe seront gagnés par l’ivresse de liberté et par l’éternel désir d’en finir avec la guerre et l’oppression. La nouvelle victoire aura apporté un vent d’espoir ou d’illusion d’une vie meilleure, un nouvel emballement pour la fête et la joie partagée. Mais à quoi rime cette répétition jubilatoire ? Serait-elle l’expression d’un aveu d’impuissance à atteindre l’essentiel ou le vrai bonheur ? Combien même il ait été sincère, peut-on réduire cet emballement collectif à une parenthèse passagère, éphémère, véloce, précaire et fugitive ? Les hommes et les femmes auraient-ils négligé leur bonheur ? Auraient-ils oublié l’essentiel ? L’amour déployé n’aurait-il pas permis de panser les maux de la guerre et d’ancrer définitivement dans le temps la construction d’un monde meilleur ? Symbolisé par le baiser fougueux de Times Square d’un marin et d’une infirmière (14 août 1945), si cet amour incarne pour les Américains la joie du « VJ Day » (Victory Over Japan Day), il est loin d’incarner celle d’une paix définitive. Comment ne pas l’inscrire, lui aussi, dans une logique de répétition de l’Histoire ? Comme le souligne Karl Marx « l’histoire se répète, d’abord comme une tragédie, puis comme une farce ». Et si finalement, les efforts passés n’avaient-ils servi à rien, si les souffrances endurées n’avaient-elles pas permis de marquer les esprits et si l’amour n’avait-il pas permis d’éviter le pire, à quoi riment ces répétitions jubilatoires laissées par les images du passé ? Comment interpréter la joie, pourtant réelle, qui s’exprime sur les visages des foules victorieuses ou des couples qui s’aiment ? De quelle victoire s’agit-il exactement ? L’histoire ne se joue-t-elle pas de nous ? S’agit-il d’une farce ?
La question cruciale que posent les œuvres de cette série intitulée « Répétitions jubilatoires » est celle du sens à donner aux scènes répétitives de peuples en liesse aux lendemains de guerres dévastatrices ? Si elles ne donnent pas de réponse, elles donnent l’occasion au spectateur de se questionner sur la portée des jubilations collectives, victorieuses et triomphantes de la première moitié du 20ème siècle. Elles interrogent sur la possibilité d’effacement des erreurs du passé par des moments d’enchantements collectifs fugitifs et sans avenir. C’est moins la répétition des joies et des baisers partagés qui pose question que celle des conflits à répétition qui s’ensuivent toujours après, au point de mettre en doute la volonté des hommes et des femmes à construire leur propre bonheur. Qu’attendons-nous pour être heureux ?

Tout commence et tout finit avec l’enfance. J’aimerais que mon art me permette de retrouver mon innocence perdue et surtout ce sentiment de vie pure et simple, de vérité et de puissance dans la simplicité.
Cette série de toiles est composée d’une suite de douze partitions qui retracent les chemins d’art et de vie que j’ai empruntés et qui mènent de mon enfance perdue à mon enfance progressivement retrouvée grâce à la peinture. Chacune des partitions évoque une expérience s’inscrivant dans un espace intérieur en permanente évolution et dans un processus de maturation artistique.
C’est une traversée longue, solitaire, personnelle et progressive de l’imaginaire pictural intérieur dont l’exploration a débuté dans mon adolescence et dont j’ai parachevé récemment en en prenant pleinement conscience de qui j’étais en tant qu’artiste peintre et de ce que cela impliquait sur le plan personnel. Si je lui ai donné le nom de « Solitudes » c’est parce que c’est dans les moments de solitude que cet espace s’est développé et enrichi en moi. En somme « Solitudes » dit la construction et la transformation de mon travail artistique et suggère mon identité en tant qu’artiste peintre.
Les lignes horizontales se présentent comme autant de portées dont la musicalité est donnée par des notes de couleur. Et à l’occasion de cette suite de douze partitions, j’offre aux spectateurs curieux l’opportunité de découvrir mon travail, d’en déchiffrer l’écriture picturale qui est à la base de sa musicalité et de ce qui habite au plus profond ma peinture, à savoir la couleur.

L’idée de réaliser ces douze tableaux sur le thème du mensonge m’est venue de l’intérêt que je porte à la mythologie grecque.
Je me souviens de ce passage où Héraclès (Hercule) délivre Prométhée (fils de Zeus) du rocher du Caucase sur lequel il a été condamné à être enchaîné pour l’éternité. En échange de cette délivrance, Prométhée lui dit comment se procurer les pommes d’or qu’on lui a ordonné de cueillir dans le jardin des Hespérides (nièces de ce dernier et filles de son frère le Titan Atlas). Rappelons que dérober ces pommes d’or était l’un des douze travaux d’Héraclès. Seul Prométhée pouvait savoir comment s’y prendre : par la ruse et le mensonge. Et si je passe sur les détails de cette légende que tout le monde connaît plus ou moins bien c’est pour mieux me concentrer sur la thématique qui est liée à ce fruit emblématique qu’est la pomme.
Très vite je me suis approprié cette histoire, avec cette idée que la pomme était toujours associée à un pouvoir symboliquement sacré ou maléfique comme dans la mythologie grecque, dans la Bible, dans le monde celtique, dans la fiction (Agatha Christie), dans le cinéma (Le monde de Narnia) ou dans la BD ou encore dans les mangas. Le jardin des Hespérides est devenu mon espace pictural avec pour gardiennes mes créations, à la fois protectrices et garantes de mon évolution. Ainsi, cette série des « Pommes de la discorde » symbolise mon rapport à l’art et à mes créations. Et si la figure de Prométhée symbolise la figure de l’artiste, un être à la fois conquérant et victime de sa démesure, figure qui rappelle incontestablement celle du Christ et sa dimension sacrificielle, la figure d’Héraclès symbolise quant à elle celle de l’art et de l’artifice nécessaires à l’accomplissement d’une œuvre.
A la fois symboles d’immortalité, de sagesse et de pouvoir, les « pommes de la discorde » s’inscrivent dans une tension conflictuelle, permanente et inévitable au cœur de la création artistique entre l’artiste et son art. « L’art est difficile » disait Philippe Néricault Destouches. C’est précisément cette difficile nécessité que j’ai voulu représenter dans ce travail.