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Para selecionar pinturas para sua coleção que combinem com seus gostos e estilo, você pode usar as opções do menu lateral. Simplesmente selecionando opções como cor, tema, preço, assunto, sua seleção será atualizada automaticamente. Você também pode salvar quaisquer obras de arte que desejar como favoritas: isso permitirá que você preserve seus favoritos pessoais para uso futuro. Se você precisa compartilhar suas obras de arte com outras pessoas, você também pode tornar suas coleções públicas, é uma forma criativa de compartilhar sua arte preferida com outros amantes da arte, amigos ou até mesmo clientes.
Pode haver um grande número de obras de arte relacionadas a emballage : Quer você esteja comprando online pela primeira vez, ou já seja um comprador frequente, pode ser intimidante e demorado encontrar a obra de arte certa online:
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A Land Art, também conhecida como Earth Art, é criada diretamente na paisagem, esculpindo-a ou construindo ali estruturas de materiais naturais. Os primórdios do movimento ambientalista e a ampla mercantilização da arte americana no final dos anos 1960 tiveram impacto em ideias e obras que foram, em graus variados, alienadas do mercado de arte. O movimento foi um desenvolvimento do conceitualismo e do minimalismo.
As principais preocupações do movimento artístico eram sua oposição à comercialização das artes e seu entusiasmo pelo movimento ecológico emergente. A prevalência do sentimento antiurbano e sua paixão compensatória pela vida no campo coincidiram com o movimento artístico. As aspirações espirituais para que a Terra servisse como lar da humanidade estavam entre esses impulsos.
Um método baseado em processo de criação de arte, onde o artista faria excursões no ambiente circundante para coletar objetos ou realizar intervenções específicas do local, evoluiu rapidamente do que havia começado como uma tendência na escultura para incorporar materiais naturais como terra, pedras , e plantas. Enquanto alguns artistas criaram intervenções temporárias e limitadas na paisagem, outros usaram equipamentos mecânicos de terraplenagem para criar suas obras de terraplenagem. Para apresentação em galerias, os artistas frequentemente usavam fotografias, filmes e mapas para documentar suas obras de terraplenagem. Além disso, combinando elementos orgânicos do ambiente em esculturas e instalações, os artistas da terra criaram arte nas galerias.
Land art foi um protesto contra a "comercialização implacável" da arte na América ao longo dos anos 1960 e 1970. No entanto, a documentação fotográfica era frequentemente exibida em espaços de galeria convencionais. Durante esse período, os defensores da land art rejeitaram o museu ou a galeria como cenário para a atividade artística e criaram projetos paisagísticos monumentais que estavam fora do escopo da escultura transportável tradicional e do mercado de arte comercial. A arte minimalista e conceitual, bem como tendências contemporâneas como De Stijl, cubismo, minimalismo e as obras de Constantin Brâncuși e Joseph Beuys serviram de inspiração para a Land art.
A primeira Land Art foi criada na Escola de Pintura e Escultura Skowhegan por Douglas Leichter e Richard Saba em 1967, de acordo com o artigo da crítica de arte Grace Glueck no The New York Times. O súbito surgimento da Land art em 1968 pode ser atribuído a uma geração de artistas, a maioria dos quais com quase 20 anos, que estavam respondendo ao aumento do ativismo político do ano, bem como ao rápido crescimento dos movimentos ambientais e de libertação das mulheres.
Um exemplo de land art que serviu como meio de identificar publicamente um grupo de artistas pioneiros foi uma mostra coletiva de 1968 chamada "Earthworks" realizada na Dwan Gallery em Nova York. "Earthworks" exibiu a documentação de projetos específicos do local de artistas como Sol LeWitt, Robert Morris, Claes Oldenburg, Dennis Oppenheim e Stephen Kaltenbach, uma vez que alguns dos artistas da exposição estavam tendo problemas para encontrar terrenos apropriados para seus trabalhos específicos do local. Por meio de mapas, fotos, transparências e desenhos, a exposição catalogou como seu trabalho foi conceituado. Ironicamente, apesar dos esforços desses artistas para rejeitar as instituições convencionais, eles frequentemente tiveram que aceitar financiamento delas para desenvolver seus projetos.
Robert Smithson talvez tenha sido o artista mais conhecido que trabalha nesse gênero. Como resposta ao afastamento do Modernismo das questões sociais, seu ensaio de 1968 "A Sedimentação da Mente: Projetos da Terra" ofereceu uma estrutura crítica para o movimento. O Spiral Jetty (1970), que Smithson criou como um longo cais em forma de espiral (1.500 pés) que se projeta para o Great Salt Lake, no norte de Utah, nos Estados Unidos, é sua obra de arte terrestre mais conhecida e provavelmente mais famosa. Quanto do trabalho, se houver, é visível depende da mudança dos níveis de água.
O primeiro museu americano a apresentar uma exposição de arte da Terra, simplesmente intitulada Earth Art, foi o Herbert F. Johnson Museum of Art na Cornell University em fevereiro de 1969. As obras de arte estavam em exibição no museu, bem como em todo o campus de Ithaca da Cornell University. , proporcionando um local para peças que mais tarde continuariam a desafiar o status da arte como mercadoria, particularmente aquelas instalações que borravam as linhas entre o contexto de um objeto e seus arredores.
A recessão teve um impacto significativo no financiamento da arte da Terra em meados da década de 1970. Muitos artistas dependiam de patrocinadores para pagar por terrenos caros para que pudessem terminar obras em grande escala. O movimento perdeu uma de suas figuras mais significativas quando Robert Smithson morreu em um acidente aéreo em 1973, e acabou. Aqueles cujas reputações foram construídas na arte da Terra, como De Maria, Heizer, Morris e Andre, mudaram o foco de seu trabalho para se adequar a ambientes institucionais e de galerias. Embora conceitualmente não relacionado com as obras de vanguarda dos pioneiros da land art, a palavra "land art" entrou no mainstream da arte pública e às vezes é mal utilizada para descrever qualquer forma de arte na natureza.
O trabalho pioneiro de Robert Smithson deve ser incluído em qualquer análise da land art. Para criar composições escultóricas tridimensionais, ele começou a combinar vários materiais. Isso deu origem a uma série de trabalhos "non-sites", nos quais esculturas feitas de terra e rochas trazidas de expedições foram colocadas dentro de galerias. Essas esculturas freqüentemente incluíam mapas, lixeiras, espelhos, vidro e neon. As obras de Smithson Spiral Jetty (1970), Broken Circle/Spiral Hill (1971) e Amarillo Ramp (1973) são suas criações mais famosas (1973). Ao remover completamente a arte do contexto da galeria e integrá-la ao terreno natural, ele alterou para sempre os conceitos preconcebidos de forma escultural na arte contemporânea.
Andy Goldsworthy é um conhecido escultor e fotógrafo de land art que trabalha na e com a natureza. Sua produção pode ser classificada em projetos permanentes e temporários. Os últimos são projetados para desaparecer no final do ciclo de vida e são construídos a partir de componentes orgânicos e transitórios. Ele cria uma série de desenhos repetitivos, incluindo espirais, círculos e linhas sinuosas, a partir de galhos, folhas, pedras e gelo. A efemeridade no centro dessas iniciativas é um reflexo de uma ecologia frágil e de um ambiente natural em constante mudança.
Apesar de ser ofuscada por seu famoso marido, Robert Smithson, Holt criou um corpo de trabalho que era único dele e tinha conotações mais futuristas. Alguns dos melhores trabalhos de Holt dificilmente aparecem quando se usa uma estratégia de não deixar rastros. Holt reconheceu a ligação entre arte e ecoativismo mais cedo e com mais clareza do que os outros Land Artists.
Um dos pontos turísticos mais conhecidos é o Memorial dos Veteranos do Vietnã, projetado por Maya Lin, em Washington, DC. Sua assinatura foi o uso de uma parede simples e baixa para seguir os contornos do terreno circundante. A sua abordagem minimalista à arte pública envolve a adição de algo que parece ter sido adicionado posteriormente, mas ainda assim se encaixa.
Suas instalações ao ar livre apresentam pequenas ondulações de terra quase imperceptíveis que podem passar despercebidas se não as olharmos de uma grande altura ou de uma grande distância. Sua última atenção tem sido em esculturas de interior, que evocam intelectualmente e visualmente o terreno ondulado de áreas geográficas distantes e preservam uma preocupação ambiental implícita.
Uma figura influente no desenvolvimento da Land Art, particularmente na forma como o corpo humano interage e retorna à natureza, foi a artista feminista cubana Ana Mendieta. Mendieta produziu mais de 200 peças usando seu corpo e a terra como suporte para suas esculturas provocativas. Seu trabalho é multifacetado, profundamente filosófico e relacionado a várias tradições artísticas, incluindo conceitualismo, land art, performance e body art. Mendieta se estabeleceu como pioneira da arte da terra por meio de sua série de fotos e vídeos Silueta (1973–1980). Para demonstrar o vínculo inquebrantável entre o planeta e a natureza humana, a artista esculpiu seu corpo em diversas paisagens para seu projeto.
Em suas esculturas, instalações e landworks, Walter de Maria utilizou formas geométricas para produzir uma sucessão de repetições que exploravam a ligação entre o relativo e o absoluto. Lighting Field (1977), sua obra de arte terrestre mais conhecida, é uma grade de uma milha por um quilômetro quadrado que foi colocada em uma parte remota do deserto do Novo México. Quatrocentos postes de aço inoxidável polido com mais de seis metros de altura e pontas pontiagudas que definem um plano horizontal - o ponto de atração dos raios - compõem a grade. O visitante pode entrar na grade fisicamente ou observá-la à distância, em uma série de poderosas ilusões de ótica que variam com o tempo e o espaço, arte, paisagem e natureza colidem.
Michael Heizer tem sido uma figura significativa no movimento da Land Art. Ele é conhecido por sua capacidade de construir obras de grande escala e explorar a interação entre espaço positivo e negativo. Iniciando sua carreira artística com uma série de telas curvas que chamou de "pintura negativa". No final dos anos 1960, ele criou seu primeiro pedaço de terra negativo, que era “Norte, Leste, Sul e Oeste”. Este projeto foi sua primeira tentativa de terraplenagem em grande escala e foi feito de uma coleção de buracos com formas geométricas que foram cavados no deserto de Sierra Nevada.
No final da década de 1960, o artista inicia sua interação direta com a natureza, utilizando como meio o passeio, motivado pelo desejo de utilizar a paisagem de novas formas. Long tentou subverter a linguagem e as aspirações da arte e trazê-la para um nível mais básico, íntimo e fundamental por meio de uma sequência de gestos repetitivos ou caminhadas solitárias prolongadas. Seu objetivo era exemplificar em si mesmo as possibilidades de uma conversa não adulterada entre o homem e o meio ambiente. Tempo, espaço e distância são os temas deste inovador projeto conceitual de land art, e eles são expandidos em grande escala.
Junto com Michael Heizer, Nancy Holt, Walter De Maria, Robert Smithson e Oppenheim, a primeira geração de artistas Land incluiu Oppenheim. Na década de 1960, eles criaram esse novo gênero de arte usando a própria terra como meio. As primeiras intervenções de Oppenheim no mundo natural, em contraste com as de muitos de seus contemporâneos, assumiram a forma de remoção, voltando ao princípio escultórico tradicional de esculpir, nas palavras do próprio artista, "tirar em vez de adicionar". Limites geopolíticos, fusos horários e degradação natural são apenas alguns exemplos dos sistemas sociais e naturais referenciados e destacados em Annual Rings (1968), um trabalho específico do local. A reprodução do mapa serve para demonstrar como o mapeamento desempenha um papel na criação de fronteiras não naturais e frequentemente violentas entre os estados e o rio, uma fronteira natural, serve como uma ferramenta para essas fronteiras internacionais.
Oppenheim questionou "os valores relativos dos sistemas de ordenação pelos quais vivemos", justapondo elementos naturais com ideias artificiais, como nacionalidade e fusos horários. Ao mesmo tempo, artistas da terra como Robert Smithson e Walter de Maria também estavam produzindo trabalhos de terra específicos onde ambientes naturais eram colocados em conflito com intervenções artificiais.
"Os nomes dos minerais e dos próprios minerais não diferem uns dos outros, porque no fundo tanto do material quanto da impressão está o início de um número abismal de fissuras. Palavras e rochas contêm uma linguagem que segue uma sintaxe de rachaduras e Olhe para qualquer palavra por tempo suficiente e você a verá se abrir em uma série de falhas, em um terreno de partículas, cada uma contendo seu próprio vazio.
“Não sou performer, mas ocasionalmente trabalho deliberadamente em um contexto público. Algumas esculturas precisam do movimento das pessoas ao seu redor para funcionar.”
“Mesmo no inverno, uma mancha isolada de neve tem uma qualidade especial.”
"Você é uma pequena partícula neste vasto espaço."
“A arte é muito complicada porque é o que você faz por si mesmo. É muito mais difícil para mim fazer essas obras do que os monumentos ou a arquitetura. ”
"Minha arte é baseada na crença de uma energia universal, que percorre tudo: do inseto ao homem, do homem ao espectro, do espectro à planta, da planta à galáxia. Minhas obras são as veias de irrigação desse fluido universal. Através eles ascendem a seiva ancestral, as crenças originais, as acumulações primordiais, os pensamentos inconscientes que animam o mundo.”
"Gosto de desastres naturais e acho que eles podem ser a mais alta forma de arte possível de se vivenciar."
"Toda boa obra deve ter pelo menos dez significados."
“Uma obra de arte forte realmente deixa as pessoas sem palavras. Eles se sentem um pouco zangados porque não entendem isso.”
“Uma escultura, um mapa, uma fotografia; todas as formas do meu trabalho são iguais e complementares. O conhecimento de minhas ações, em qualquer forma, é a arte. Minha arte é a essência da minha experiência, não uma representação dela.”
“A maior parte do meu trabalho vem de ideias. Normalmente, consigo fazer apenas algumas versões de cada ideia. Land Art e Body Art foram conceitos particularmente fortes que permitiram muitas permutações. Mas, no entanto, eu me vi querendo seguir em frente em outra coisa.”
Obras de arte originais, edições limitadas e gravuras: Compre arte original dos melhores artistas do mundoNossa galeria de arte online apresenta a maior coleção de obras de arte originais online, incluindo uma seleção exclusiva de obras de arte emballage de artistas emergentes e famosos de todo o mundo. Artmajeur de fato oferece milhões de obras de arte como pinturas, esculturas e fotos dos maiores artistas contemporâneos de hoje!
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Para selecionar pinturas para sua coleção que combinem com seus gostos e estilo, você pode usar as opções do menu lateral. Simplesmente selecionando opções como cor, tema, preço, assunto, sua seleção será atualizada automaticamente. Você também pode salvar quaisquer obras de arte que desejar como favoritas: isso permitirá que você preserve seus favoritos pessoais para uso futuro. Se você precisa compartilhar suas obras de arte com outras pessoas, você também pode tornar suas coleções públicas, é uma forma criativa de compartilhar sua arte preferida com outros amantes da arte, amigos ou até mesmo clientes.
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A Land Art, também conhecida como Earth Art, é criada diretamente na paisagem, esculpindo-a ou construindo ali estruturas de materiais naturais. Os primórdios do movimento ambientalista e a ampla mercantilização da arte americana no final dos anos 1960 tiveram impacto em ideias e obras que foram, em graus variados, alienadas do mercado de arte. O movimento foi um desenvolvimento do conceitualismo e do minimalismo.
As principais preocupações do movimento artístico eram sua oposição à comercialização das artes e seu entusiasmo pelo movimento ecológico emergente. A prevalência do sentimento antiurbano e sua paixão compensatória pela vida no campo coincidiram com o movimento artístico. As aspirações espirituais para que a Terra servisse como lar da humanidade estavam entre esses impulsos.
Um método baseado em processo de criação de arte, onde o artista faria excursões no ambiente circundante para coletar objetos ou realizar intervenções específicas do local, evoluiu rapidamente do que havia começado como uma tendência na escultura para incorporar materiais naturais como terra, pedras , e plantas. Enquanto alguns artistas criaram intervenções temporárias e limitadas na paisagem, outros usaram equipamentos mecânicos de terraplenagem para criar suas obras de terraplenagem. Para apresentação em galerias, os artistas frequentemente usavam fotografias, filmes e mapas para documentar suas obras de terraplenagem. Além disso, combinando elementos orgânicos do ambiente em esculturas e instalações, os artistas da terra criaram arte nas galerias.
Land art foi um protesto contra a "comercialização implacável" da arte na América ao longo dos anos 1960 e 1970. No entanto, a documentação fotográfica era frequentemente exibida em espaços de galeria convencionais. Durante esse período, os defensores da land art rejeitaram o museu ou a galeria como cenário para a atividade artística e criaram projetos paisagísticos monumentais que estavam fora do escopo da escultura transportável tradicional e do mercado de arte comercial. A arte minimalista e conceitual, bem como tendências contemporâneas como De Stijl, cubismo, minimalismo e as obras de Constantin Brâncuși e Joseph Beuys serviram de inspiração para a Land art.
A primeira Land Art foi criada na Escola de Pintura e Escultura Skowhegan por Douglas Leichter e Richard Saba em 1967, de acordo com o artigo da crítica de arte Grace Glueck no The New York Times. O súbito surgimento da Land art em 1968 pode ser atribuído a uma geração de artistas, a maioria dos quais com quase 20 anos, que estavam respondendo ao aumento do ativismo político do ano, bem como ao rápido crescimento dos movimentos ambientais e de libertação das mulheres.
Um exemplo de land art que serviu como meio de identificar publicamente um grupo de artistas pioneiros foi uma mostra coletiva de 1968 chamada "Earthworks" realizada na Dwan Gallery em Nova York. "Earthworks" exibiu a documentação de projetos específicos do local de artistas como Sol LeWitt, Robert Morris, Claes Oldenburg, Dennis Oppenheim e Stephen Kaltenbach, uma vez que alguns dos artistas da exposição estavam tendo problemas para encontrar terrenos apropriados para seus trabalhos específicos do local. Por meio de mapas, fotos, transparências e desenhos, a exposição catalogou como seu trabalho foi conceituado. Ironicamente, apesar dos esforços desses artistas para rejeitar as instituições convencionais, eles frequentemente tiveram que aceitar financiamento delas para desenvolver seus projetos.
Robert Smithson talvez tenha sido o artista mais conhecido que trabalha nesse gênero. Como resposta ao afastamento do Modernismo das questões sociais, seu ensaio de 1968 "A Sedimentação da Mente: Projetos da Terra" ofereceu uma estrutura crítica para o movimento. O Spiral Jetty (1970), que Smithson criou como um longo cais em forma de espiral (1.500 pés) que se projeta para o Great Salt Lake, no norte de Utah, nos Estados Unidos, é sua obra de arte terrestre mais conhecida e provavelmente mais famosa. Quanto do trabalho, se houver, é visível depende da mudança dos níveis de água.
O primeiro museu americano a apresentar uma exposição de arte da Terra, simplesmente intitulada Earth Art, foi o Herbert F. Johnson Museum of Art na Cornell University em fevereiro de 1969. As obras de arte estavam em exibição no museu, bem como em todo o campus de Ithaca da Cornell University. , proporcionando um local para peças que mais tarde continuariam a desafiar o status da arte como mercadoria, particularmente aquelas instalações que borravam as linhas entre o contexto de um objeto e seus arredores.
A recessão teve um impacto significativo no financiamento da arte da Terra em meados da década de 1970. Muitos artistas dependiam de patrocinadores para pagar por terrenos caros para que pudessem terminar obras em grande escala. O movimento perdeu uma de suas figuras mais significativas quando Robert Smithson morreu em um acidente aéreo em 1973, e acabou. Aqueles cujas reputações foram construídas na arte da Terra, como De Maria, Heizer, Morris e Andre, mudaram o foco de seu trabalho para se adequar a ambientes institucionais e de galerias. Embora conceitualmente não relacionado com as obras de vanguarda dos pioneiros da land art, a palavra "land art" entrou no mainstream da arte pública e às vezes é mal utilizada para descrever qualquer forma de arte na natureza.
O trabalho pioneiro de Robert Smithson deve ser incluído em qualquer análise da land art. Para criar composições escultóricas tridimensionais, ele começou a combinar vários materiais. Isso deu origem a uma série de trabalhos "non-sites", nos quais esculturas feitas de terra e rochas trazidas de expedições foram colocadas dentro de galerias. Essas esculturas freqüentemente incluíam mapas, lixeiras, espelhos, vidro e neon. As obras de Smithson Spiral Jetty (1970), Broken Circle/Spiral Hill (1971) e Amarillo Ramp (1973) são suas criações mais famosas (1973). Ao remover completamente a arte do contexto da galeria e integrá-la ao terreno natural, ele alterou para sempre os conceitos preconcebidos de forma escultural na arte contemporânea.
Andy Goldsworthy é um conhecido escultor e fotógrafo de land art que trabalha na e com a natureza. Sua produção pode ser classificada em projetos permanentes e temporários. Os últimos são projetados para desaparecer no final do ciclo de vida e são construídos a partir de componentes orgânicos e transitórios. Ele cria uma série de desenhos repetitivos, incluindo espirais, círculos e linhas sinuosas, a partir de galhos, folhas, pedras e gelo. A efemeridade no centro dessas iniciativas é um reflexo de uma ecologia frágil e de um ambiente natural em constante mudança.
Apesar de ser ofuscada por seu famoso marido, Robert Smithson, Holt criou um corpo de trabalho que era único dele e tinha conotações mais futuristas. Alguns dos melhores trabalhos de Holt dificilmente aparecem quando se usa uma estratégia de não deixar rastros. Holt reconheceu a ligação entre arte e ecoativismo mais cedo e com mais clareza do que os outros Land Artists.
Um dos pontos turísticos mais conhecidos é o Memorial dos Veteranos do Vietnã, projetado por Maya Lin, em Washington, DC. Sua assinatura foi o uso de uma parede simples e baixa para seguir os contornos do terreno circundante. A sua abordagem minimalista à arte pública envolve a adição de algo que parece ter sido adicionado posteriormente, mas ainda assim se encaixa.
Suas instalações ao ar livre apresentam pequenas ondulações de terra quase imperceptíveis que podem passar despercebidas se não as olharmos de uma grande altura ou de uma grande distância. Sua última atenção tem sido em esculturas de interior, que evocam intelectualmente e visualmente o terreno ondulado de áreas geográficas distantes e preservam uma preocupação ambiental implícita.
Uma figura influente no desenvolvimento da Land Art, particularmente na forma como o corpo humano interage e retorna à natureza, foi a artista feminista cubana Ana Mendieta. Mendieta produziu mais de 200 peças usando seu corpo e a terra como suporte para suas esculturas provocativas. Seu trabalho é multifacetado, profundamente filosófico e relacionado a várias tradições artísticas, incluindo conceitualismo, land art, performance e body art. Mendieta se estabeleceu como pioneira da arte da terra por meio de sua série de fotos e vídeos Silueta (1973–1980). Para demonstrar o vínculo inquebrantável entre o planeta e a natureza humana, a artista esculpiu seu corpo em diversas paisagens para seu projeto.
Em suas esculturas, instalações e landworks, Walter de Maria utilizou formas geométricas para produzir uma sucessão de repetições que exploravam a ligação entre o relativo e o absoluto. Lighting Field (1977), sua obra de arte terrestre mais conhecida, é uma grade de uma milha por um quilômetro quadrado que foi colocada em uma parte remota do deserto do Novo México. Quatrocentos postes de aço inoxidável polido com mais de seis metros de altura e pontas pontiagudas que definem um plano horizontal - o ponto de atração dos raios - compõem a grade. O visitante pode entrar na grade fisicamente ou observá-la à distância, em uma série de poderosas ilusões de ótica que variam com o tempo e o espaço, arte, paisagem e natureza colidem.
Michael Heizer tem sido uma figura significativa no movimento da Land Art. Ele é conhecido por sua capacidade de construir obras de grande escala e explorar a interação entre espaço positivo e negativo. Iniciando sua carreira artística com uma série de telas curvas que chamou de "pintura negativa". No final dos anos 1960, ele criou seu primeiro pedaço de terra negativo, que era “Norte, Leste, Sul e Oeste”. Este projeto foi sua primeira tentativa de terraplenagem em grande escala e foi feito de uma coleção de buracos com formas geométricas que foram cavados no deserto de Sierra Nevada.
No final da década de 1960, o artista inicia sua interação direta com a natureza, utilizando como meio o passeio, motivado pelo desejo de utilizar a paisagem de novas formas. Long tentou subverter a linguagem e as aspirações da arte e trazê-la para um nível mais básico, íntimo e fundamental por meio de uma sequência de gestos repetitivos ou caminhadas solitárias prolongadas. Seu objetivo era exemplificar em si mesmo as possibilidades de uma conversa não adulterada entre o homem e o meio ambiente. Tempo, espaço e distância são os temas deste inovador projeto conceitual de land art, e eles são expandidos em grande escala.
Junto com Michael Heizer, Nancy Holt, Walter De Maria, Robert Smithson e Oppenheim, a primeira geração de artistas Land incluiu Oppenheim. Na década de 1960, eles criaram esse novo gênero de arte usando a própria terra como meio. As primeiras intervenções de Oppenheim no mundo natural, em contraste com as de muitos de seus contemporâneos, assumiram a forma de remoção, voltando ao princípio escultórico tradicional de esculpir, nas palavras do próprio artista, "tirar em vez de adicionar". Limites geopolíticos, fusos horários e degradação natural são apenas alguns exemplos dos sistemas sociais e naturais referenciados e destacados em Annual Rings (1968), um trabalho específico do local. A reprodução do mapa serve para demonstrar como o mapeamento desempenha um papel na criação de fronteiras não naturais e frequentemente violentas entre os estados e o rio, uma fronteira natural, serve como uma ferramenta para essas fronteiras internacionais.
Oppenheim questionou "os valores relativos dos sistemas de ordenação pelos quais vivemos", justapondo elementos naturais com ideias artificiais, como nacionalidade e fusos horários. Ao mesmo tempo, artistas da terra como Robert Smithson e Walter de Maria também estavam produzindo trabalhos de terra específicos onde ambientes naturais eram colocados em conflito com intervenções artificiais.
"Os nomes dos minerais e dos próprios minerais não diferem uns dos outros, porque no fundo tanto do material quanto da impressão está o início de um número abismal de fissuras. Palavras e rochas contêm uma linguagem que segue uma sintaxe de rachaduras e Olhe para qualquer palavra por tempo suficiente e você a verá se abrir em uma série de falhas, em um terreno de partículas, cada uma contendo seu próprio vazio.
“Não sou performer, mas ocasionalmente trabalho deliberadamente em um contexto público. Algumas esculturas precisam do movimento das pessoas ao seu redor para funcionar.”
“Mesmo no inverno, uma mancha isolada de neve tem uma qualidade especial.”
"Você é uma pequena partícula neste vasto espaço."
“A arte é muito complicada porque é o que você faz por si mesmo. É muito mais difícil para mim fazer essas obras do que os monumentos ou a arquitetura. ”
"Minha arte é baseada na crença de uma energia universal, que percorre tudo: do inseto ao homem, do homem ao espectro, do espectro à planta, da planta à galáxia. Minhas obras são as veias de irrigação desse fluido universal. Através eles ascendem a seiva ancestral, as crenças originais, as acumulações primordiais, os pensamentos inconscientes que animam o mundo.”
"Gosto de desastres naturais e acho que eles podem ser a mais alta forma de arte possível de se vivenciar."
"Toda boa obra deve ter pelo menos dez significados."
“Uma obra de arte forte realmente deixa as pessoas sem palavras. Eles se sentem um pouco zangados porque não entendem isso.”
“Uma escultura, um mapa, uma fotografia; todas as formas do meu trabalho são iguais e complementares. O conhecimento de minhas ações, em qualquer forma, é a arte. Minha arte é a essência da minha experiência, não uma representação dela.”
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