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Há uma grande variedade de tradições artísticas de toda a Ásia que compõem a história da arte asiática. Ásia Central, Ásia Oriental, Ásia Meridional, Sudeste Asiático e Ásia Ocidental são as partes mais proeminentes do continente asiático.
A arte da Ásia Oriental compreende as culturas da China, Japão e Coréia, enquanto a arte da Ásia Central é dominada por criações dos povos turcos da estepe eurasiana. A arte do Sudeste Asiático consiste nas artes da Tailândia, Laos, Vietnã, Cingapura, Indonésia e Filipinas, enquanto a arte do Sul da Ásia se refere às artes do subcontinente indiano. A arte do Oriente Próximo, ou da Ásia Ocidental, inclui a arte mesopotâmica da antiguidade e a arte islâmica da era moderna.
A evolução da arte asiática é semelhante à da arte ocidental em muitos aspectos. As culturas se misturaram através de meios como a transferência de arte da Rota da Seda, intercâmbio cultural durante a Era dos Descobrimentos e colonização, e através da internet e da globalização atual. Se excluirmos a arte da Idade da Pedra, a arte da Mesopotâmia é a arte mais antiga da Ásia.
O Quirguistão contemporâneo, o Cazaquistão, o Uzbequistão, o Turcomenistão, o Azerbaijão, o Tadjiquistão, o Afeganistão, o Paquistão e algumas regiões da atual Mongólia, China e Rússia são considerados parte da região da Ásia Central, que abriga uma rica história e uma grande variedade de tradições artísticas. A arte da Ásia Central desde a antiguidade até a Idade Média ilustra a diversidade populacional e a herança cultural da região. A herança cultural da Ásia Central reflete a composição multicultural da região de maneiras surpreendentes, como evidenciado pelos artefatos artísticos da região. A arte cita, a arte greco-budista, a arte serindiana e até a cultura persa moderna fazem parte dessa história complicada, que também inclui a transmissão da arte pela Rota da Seda.
Pastores migrantes que praticavam economias mistas na periferia de comunidades sedentárias têm chamado as pastagens da Ásia Central (do Mar Cáspio ao centro da China e do sul da Rússia ao norte da Índia) de lar desde o final do segundo milênio aC até relativamente recentemente. A arte pré-histórica do “estilo animal” desses nômades pastorais revela não apenas seus mitos zoomórficos e rituais xamânicos, mas também sua abertura para incorporar os símbolos da cultura estabelecida em suas próprias práticas.
Culturas de todo o mundo se encontraram e se fundiram na Ásia Central, tornando-a o centro nervoso da antiga Rota da Seda que ligava a China ao Mediterrâneo. As comunidades em crescimento no terceiro e segundo milênios aC faziam parte de uma vasta rede comercial que ligava a Ásia Central ao Vale do Indo, Mesopotâmia e Egito.
A arte islâmica teve uma grande influência na arte ocidental nos últimos séculos, mas as culturas mais antigas se inspiraram em uma ampla gama de fontes, incluindo as artes da China, Pérsia e Grécia, bem como o estilo Animal, que surgiu entre os nômades de as estepes.
As práticas culturais do Leste Asiático incluem as artes visuais, a literatura e as artes cênicas da China, Coréia e Japão. Dado que não têm finalidade prática e não envolvem trabalho manual, apenas a pintura e a caligrafia recebem o status de "belas artes reais" na China. A escultura, juntamente com a fundição e a escultura em bronze, bem como a produção de cerâmica, têxteis, metalurgia e laca, são consideradas artesanato. Os edifícios tradicionais chineses são quase sempre feitos de madeira e têm uma plataforma, estrutura de postes e lintel, suportes de suporte do telhado e um telhado inclinado e pesado.
Três fatores, incluindo iconografia budista, temas e tradições indígenas japonesas e artes visuais chinesas, tiveram impactos significativos na cultura visual japonesa. O Templo Hry, construído no século VII, foi a primeira estrutura a utilizar os traçados assimétricos que viriam a caracterizar a arquitetura japonesa. A xilogravura policromada, que se desenvolveu na icônica gravura ukiyo-e, e as pinturas em tela e painel dos séculos XVI a XVIII são os principais exemplos da preocupação dos pintores japoneses com a abstração da natureza. O uso de pedra na construção e escultura e o desenvolvimento de um requintado esmalte celadon são duas das contribuições mais distintas da Coréia para as artes.
Entre as literaturas do mundo, a da China tem a mais longa história ininterrupta (mais de 3.000 anos). Sua história está intrinsecamente entrelaçada com a da linguagem escrita que compartilha com a Coréia e o Japão. Baladas, lendas, dramas de máscaras, textos de shows de marionetes e textos p'ansori ("canto de histórias") fazem parte da rica história oral da Coréia, e o país também tem uma robusta tradição escrita de poesia (principalmente formas hyangga e sijo) . Como nem o Japão nem a Coréia tinham sua própria língua escrita, as tradições literárias de ambos os países emprestaram muito da China (embora os sistemas silabários japoneses tenham surgido por volta de 1000 e o Hangul coreano tenha sido desenvolvido no século XV). A poesia do Japão, especialmente na forma de haiku, é conhecida em todo o mundo por sua delicada sensibilidade e remonta ao século VII, juntamente com muitos tesouros literários do país, como O Conto de Genji.
A música do leste asiático, como a música ocidental, criou uma escala pentatônica baseada em um vocabulário de 12 tons, mas sua base é distinta. Os conjuntos do leste asiático tendem a ser relativamente pequenos, e os compositores da região normalmente priorizam a melodia e o ritmo acima da complexidade harmônica. Vale a pena notar que nos países do Leste Asiático, música, dança e teatro estão frequentemente ligados, e não há evidência de evolução distinta da forma nas categorias associadas de dança e teatro do Leste Asiático. Procissões dançadas, ópera dançante (jingxi, ou "Pequim" e outros tipos de ópera chinesa), teatro de sombras, teatro de marionetes e peças de diálogo com música e dança são apenas algumas das muitas variedades de artes cênicas do Leste Asiático (por exemplo, artes cênicas japonesas). kabuki). As obras de Bash, Bo Juyi, Du Fu, Hiroshige Ando, Lu Xun e Murasaki Shikibu também merecem ser investigadas, assim como ikebana, dobradura de papel no estilo Jgan, pintura em pergaminho, shinden-zukuri, shoin-zukuri, estilo sukiya, Arquitetura de estilo Tempyu e estilo Tori.
As artes da Índia, Paquistão, Bangladesh e Sri Lanka são frequentemente conhecidas como Sul da Ásia. Uma infinidade de literatura textual antiga em sânscrito, prkrit e línguas regionais ajudou a unir as pessoas do subcontinente indiano, assim como uma perspectiva cultural e ética compartilhada. Apesar da divisão da região em um caleidoscópio de padrões políticos ao longo dos séculos, o subcontinente como um todo tem tradições musicais e de dança comuns, rituais rituais, práticas religiosas e ideias literárias.
Os épicos do sul da Ásia, como o Rmyaa e o Mahbhrata, fornecem informações sobre a complexa rede de relacionamentos entre os muitos povos da região. Há evidências claras de uma relação familiar entre os deuses e heróis de locais amplamente separados, e muitos dos próprios nomes de lugares aludem a antecedentes compartilhados. Houve também esforços persistentes para estabelecer uma ordem política unificada na área. No século III aC, por exemplo, o imperador Aoka controlava a maior parte dessa área; no século XI dC, Rajendra I de Chai capturou grande parte da Índia e do Sudeste Asiático; e no século XVI dC, o grande Mughal Akbar fez o mesmo. As fronteiras cresceram e encolheram ao longo da história do sul da Ásia, juntando-se e separando-se oficialmente como regiões completas, mas a cultura permaneceu consistente por toda parte.
Houve uma apreciação generalizada pela beleza das montanhas e rios da região por causa de seu ambiente físico compartilhado. Os Himalaias, que correm ao longo da fronteira norte, são as montanhas mais altas do mundo e representam um ideal cultural de grandeza, pureza e neve intocada. Rios como o Brahmaputra e o Indo são homenageados como "mães" em suas respectivas regiões por causa da abundância de água que fornecem.
Existe uma crença generalizada de que duendes aquáticos e fadas silvestres, respectivamente conhecidas como ngas e yakas, habitam os lagos e nascentes da região. O nome de uma dinastia inicial na Caxemira, Karkoa, é em si um símbolo da adoração de nga. Artefatos religiosos antigos, como estátuas de ngas e yakas que foram desenterradas em vários locais, sugerem um ethos devocional compartilhado, assim como textos religiosos que foram transmitidos oralmente por eras sem perder sua entonação primitiva. Esculturas representando uma dança clássica semelhante podem ser encontradas nas cidades paquistanesas de Gandhra, Bhrhut e Amarvat.
No sul da Ásia, é essencial ser bem versado em várias artes diferentes antes de poder se especializar em apenas uma. Como a escultura, como a pintura e a dança, retrata o mundo inteiro, é lógico que não se pode se tornar proficiente em cada forma de arte sem primeiro dominar a outra. A dança é uma forma de expressão através do movimento e do ritmo; portanto, uma compreensão do ritmo musical é crucial. O conhecimento da literatura e da retórica é visto como importante para estimular a emoção na música e na dança; o sabor (rasa) a ser expresso em música, dança, escultura ou pintura requer alguma familiaridade com a palavra escrita. As artes estão, portanto, interconectadas em muitos níveis.
As artes no sul da Ásia não eram praticadas apenas por si mesmas como um lazer respeitável, mas também como um ato de devoção e adoração a um poder superior. Há referências literárias a príncipes inspecionando obras de arte em busca de falhas. As realizações e ambições, tanto na teoria quanto na prática, do artista são exemplificadas por uma única inscrição que menciona o nome do stra-dhra ("arquiteto") do templo Mallikrjuna em Pattadakal, construído no século VIII.
As culturas do sul da Ásia há muito concedem aos artistas um status privilegiado. A corte estava cheia de poetas, músicos e dançarinos. Um dançarino brilhante recebeu elogios de Rjendra Ca, e o arquiteto do templo em Tiruvoiyr, que também foi apoiado por Rjendra, foi elogiado por sua extensa compreensão de arquitetura e arte em uma inscrição. No entanto, havia uma forte ligação entre as artes populares e as artes eruditas. Havia semelhanças, por exemplo, entre danças de grupos tribais e arte, dança e música clássicas ocidentais. O subcontinente indiano tem uma rica história artística, com escultura em redondo (citra) e escultura em relevo (ardhacitra) ambas ocupando posições significativas.
Citrbhsa, que se traduz como "a aparência da escultura", é a terceira forma de arte mais elevada. Um verso de um drama do poeta do século V Klidsa explica como o olhar tropeça nas alturas e profundidades retratadas na modelagem de uma pintura, demonstrando quão essencial foi a influência do claro-escuro (ou seja, o uso de luz e sombra para expressar a modelagem) . Os mestres dão a maior importância ao esboço da linha de uma pintura, que deve ser desenhada com firmeza e graça, seguida do sombreamento e da representação da modelagem, que são valorizados por outros, o elemento decorativo, que apela ao gosto feminino, e o esplendor da cor , que agrada ao gosto comum. É muito impressionante que você tenha conseguido indicar tanta forma com tão pouco desenho. Existem inúmeros exemplos literários de retratos bem-sucedidos na pintura e escultura do sul da Ásia, demonstrando a centralidade do retrato nas artes visuais da região. O Viudharmottara, escrito no século VI, divide o retrato em quatro categorias: natural, lírico, sofisticado e misto. Também categoriza diferentes tipos de pessoas com base em suas formas e cores de cabelo e olhos. Inclui um resumo das muitas perspectivas artísticas, bem como uma explicação dos fundamentos do escorço. Como um poema espelha o poeta, pensava-se que pinturas e esculturas assumiriam as características de seus criadores.
Apesar da longa história de exposição do sul da Ásia a influências estrangeiras, a região sempre encontrou maneiras de combinar esses elementos em práticas indígenas, produzindo uma síntese única e não uma mera cópia. Isso também se reflete nas obras de arte da região de Gandhra, no Paquistão, que na época (século IV aC) estava mergulhada na cultura greco-romana. A incorporação de motivos e estilos indianos no estilo ocidental dominante é uma marca registrada da escultura desta época.
Após a invasão de Kushan no primeiro século dC, houve um claro influxo de influência externa, mas finalmente a cultura indígena triunfou. O Império Mughal, que governou o sul da Ásia a partir do século XVI e consistia de muçulmanos da Ásia Central, unificou a região culturalmente ao impor uma educação predominantemente indiana aos seus súditos. A arte muçulmana floresceu sob o reinado do segundo imperador mogol, Humayn, que trouxe artistas da corte do xá persa e criou uma história de fusão dos estilos indiano e persa.
A arte de cada região reflete sua própria estrutura política, normas morais e éticas e estruturas sociais. Já no século III aC, os governantes demonstravam disposição para servir o povo e tratá-los quase como filhos. Magníficas moedas do Império Gupta do norte da Índia nos séculos 4 e 6 retratam o ideal do monarca como o arqueiro incomparável, o unificador, o espírito nobre alto e majestoso, o sacrificador pelo bem-estar dos súditos e o herói de sua pessoas (que o imaginam em um elefante imponente). Obra retratando apenas conquista e apenas guerra. Guerra e conquista, sacrifícios simbólicos de cavalos, conselho do rei, recepções diplomáticas, negociações de paz, construção de templos, apreciação das belas artes (incluindo dança e música) e a coroação de reis são apenas algumas das muitas atividades governamentais retratadas na extensa série de esculturas que retratam a história da dinastia Pallava do sul da Índia dos séculos IV-IX.
Semelhante a como as esculturas que enfatizam o dharma, as convenções ou leis que orientam a obrigação refletem atitudes morais, também as esculturas que retratam atos morais. Uma maneira comum pela qual o princípio de ahimsa, ou não violência em relação aos outros, é visualizado é através da imagem de um cervo, e o ideal de um local sagrado é tipicamente representado como um local onde o cervo pode vagar livremente. As obras de arte geralmente retratam cenas em que os sujeitos estão se divertindo com seus próprios sacrifícios ou com os dos outros. Histórias do Paca-tantra, uma das primeiras coleções de fábulas do mundo, são retratadas em esculturas de maneira direta, mas eficaz. A arte do sul da Ásia retrata consistentemente a piedade, a fé e o respeito pela moralidade que permeia a estrutura social do subcontinente há gerações.
As artes do Sudeste Asiático incluem suas formas escritas, orais e visuais. Embora a cultura indiana tenha tido um impacto significativo no desenvolvimento da área, existem algumas características compartilhadas que antecedem essa época. Estilos de arte não derivados da Índia, como tecidos batik, orquestras de gamelão e teatro de marionetes wayang, permanecem populares. Cultivo indígena de arroz úmido (ou padi), metalurgia, navegação, cultos ancestrais e adoração nas montanhas eram comuns.
O Sudeste Asiático abrange a vasta Península da Indochina, bem como as outras ilhas da região, muitas vezes conhecidas como Índias Orientais. O Sudeste Asiático pode ser dividido em duas partes distintas: o continente e as ilhas. Myanmar (Birmânia), Tailândia, Laos, Camboja, Vietnã, Malásia, Cingapura, Indonésia e Filipinas são as entidades governamentais que compõem esta área. Embora as Filipinas não fossem inicialmente consideradas parte do Sudeste Asiático, agora são geralmente consideradas parte da região devido à sua proximidade com a China e o Japão e as estreitas semelhanças culturais que tem com as culturas do Sudeste Asiático.
Todo o Sudeste Asiático compartilha clima e topografia semelhantes, que moldaram a história e a cultura da região. Culturalmente, aqueles que vivem nas montanhas tendem a divergir daqueles que vivem nos vales.
Originalmente, acreditava-se que os povos do Sudeste Asiático compartilhavam uma falta de originalidade que remonta aos tempos pré-históricos e que eram mais "receptivos" do que "criativos" em suas interações com outras culturas. Escavações e descobertas posteriores em Mianmar e na Tailândia levaram alguns estudiosos a argumentar contra a teoria aceita de que a civilização se mudou para o Sudeste Asiático da China em tempos pré-históricos. Em vez disso, eles argumentaram, o povo do sudeste da Ásia continental estava cultivando plantas, fazendo cerâmica e trabalhando em bronze na mesma época que o povo do antigo Oriente Médio, e assim a civilização se espalhou do sudeste asiático para a China um milênio antes. Por estarem sempre mais interessados no trabalho prático de criar coisas bonitas, os do Sudeste Asiático não têm uma rica herança de teoria da arte, crítica literária ou dramática.
Não é possível traçar passo a passo a criação e evolução das formas de arte no Sudeste Asiático, pois as pessoas, especialmente na metade ocidental do continente, trabalhavam com materiais não duráveis. Dada a história de floresta densa da área, é lógico que a madeira teria sido o material mais antigo empregado por razões estéticas. Apesar de sua recém-descoberta proficiência com metal e pedra, eles nunca abandonaram a prática tradicional de escultura em madeira, que continuou a prosperar mesmo após a grande era da escultura em pedra e da construção em pedra (por volta do século XIII). No estado de Shan, no oeste de Mianmar, ao longo do rio Salween, arqueólogos descobriram desenhos de cavernas pré-históricas que apresentam uma notável semelhança com esculturas Naga posteriores em postes de casas. Semelhante a como o símbolo do sol pode ser encontrado como um motivo de arte em todo o Sudeste Asiático, e como as esculturas sob os beirais das casas Naga aludem ao espanto, ao triunfo e à alegria de adquirir uma cabeça humana, a tradição estética posterior do Sudeste Asiático ecoa a pinturas rupestres de um par de mãos humanas com palmas abertas segurando o sol e um crânio humano. A pintura rupestre é a prova de que as artes da região sempre estiveram entrelaçadas com seu passado mágico-religioso.
Antigamente, acreditava-se que a técnica de fundição de tambor de bronze empregada em Dong Son, perto de Hanói, tinha se originado na China. No entanto, novas escavações na Tailândia mostraram que tanto os tambores quanto a chamada civilização Dong Son são indígenas do sudeste da Ásia continental. Independentemente disso, os tambores de bronze lançados pelos Karen por milênios até os primeiros anos do século 20 mostram a continuidade do legado estético do Sudeste Asiático. A metalurgia teve que ter se desenvolvido desde o início, pois as montanhas do sudeste da Ásia forneceram ouro, prata e outros metais. Os povos das montanhas do Sudeste Asiático têm uma longa história de fabricação e uso de requintados botões, cintos e joias de prata. Os padrões têxteis seguem a mesma linhagem estética. Canções, danças e outras formas de expressão musical eram tradicionalmente usadas em cerimônias tribais.
Sob o apoio dos governantes em todo o Sudeste Asiático, as artes prosperaram. Por volta da época do nascimento de Cristo, tribos tribais começaram a se organizar formalmente em cidades-reinos ou conglomerados de aldeias após anos de vida estabelecida como produtores de arroz. Nesta visão, um rei era pouco mais do que um chefe tribal supremo. Como as tribos já tinham a tradição de cultuar os espíritos, os monarcas buscavam uma nova divindade que se tornasse objeto de devoção de todos. Esse anseio por novos deuses nacionais contribuiu para a abertura do Sudeste Asiático aos deuses do hinduísmo e do budismo. Os reis do sudeste da Ásia foram responsáveis por difundir novas religiões, por isso os templos da região tiveram uma idade de ouro desde o primeiro até o século XIII.
Os templos tornaram-se centros de atividade cultural e suas paredes tornaram-se telas para arquitetura, escultura e murais religiosos. Estudiosos do sânscrito, a língua dos textos sagrados do hinduísmo, eram cortesãos nos antigos impérios da Indochina oriental e das ilhas, onde criaram uma literatura sânscrita local. Somente através dos grandes épicos hindus Mahabharata e Ramayana esse esforço literário chegou ao povo comum. Histórias sobre deuses hindus, demônios e homens poderosos eram essenciais para explicar o hinduísmo ao povo em geral quando as escrituras sânscritas estavam fora de seu alcance. Em toda a península no império Pyu-birmanês de Prome, que floresceu antes do século VIII, tal desenvolvimento não ocorreu por duas razões: primeiro, o hinduísmo nunca foi amplamente aceito na Birmânia e, segundo, a sociedade birmanesa mais aberta não desenvolveu nem a instituição de um deus-rei nem o de uma nobreza hereditária.
Mais tarde, os reis pagãos foram cercados por especialistas em Pali, mas o estudo de Pali não foi realizado no palácio, mas em mosteiros em todo o reino, levando os ensinamentos do Buda até as aldeias mais remotas. Monges budistas e acadêmicos de todo o mundo viajaram para Pagan para estudar Pali, enquanto as cortes dos reis no Camboja e Java permaneceram apenas centros regionais de pesquisa em sânscrito. As histórias de Jataka (o nascimento de Buda) eram usadas para explicar o budismo às pessoas comuns que não podiam ler as escrituras em Pali, assim como os épicos indianos eram usados para explicar o hinduísmo às massas. Os templos no Camboja e Java eram decorados com esculturas e afrescos representando cenas dos Jatakas, muito parecidos com os que retratam eventos dos grandes épicos.
A chegada do Islã na ilha do Sudeste Asiático após a dinastia Majapahit estabeleceu uma terceira camada cultural em cima das já existentes indígenas e hindu-budistas. Um novo império birmanês se desenvolveu das cinzas do antigo e continuou a missão de espalhar o budismo pelo sudeste da Ásia continental. A invasão birmanesa do Sião no século XVIII trouxe consigo a cultura hindu, que ajudou a fomentar o desenvolvimento do jogo birmanês. Reconquistado pela China, o Vietnã do outro lado da península tornou-se cada vez mais influenciado pela cultura chinesa. Após um breve apogeu cultural islâmico, os povos indígenas das nações insulares do Sudeste Asiático foram forçados a se submeter à dominação estrangeira. Somente na Birmânia e no Sião, dois governos do Sudeste Asiático que emergiram de anos de luta como reinos poderosos, as artes nativas continuaram a florescer.
A religião e a história nacional têm sido centrais para a arte do Sudeste Asiático. Além da vida e do caráter do Buda e dos deuses do hinduísmo, a doutrina religiosa não era um grande ponto de interesse. Depois que os grandes impérios caíram, mas sua memória de glória e força persistiu, um novo tema surgiu na história nacional: a veneração de heróis lendários do passado.
Embora a imagem de Buda tenha evoluído ao longo do tempo, continuou a ser um assunto popular para os artistas. Além de introduzir a cor local usando como pano de fundo cenas da própria contemporaneidade do artista, retratar cenas de suas vidas anteriores em afrescos e esculturas em relevo serviu ao propósito de ensinar ao povo a ética budista, pois os Jatakas enfatizavam certas virtudes morais do Buda em suas vidas anteriores.
O mesmo acontecia com as representações de eventos dos épicos hindus, que ofereciam ao artista uma chance semelhante e serviam a uma função semelhante. Com o passar do tempo, personagens das escrituras budistas e hindus como deuses e deusas, heróis e princesas, eremitas e mágicos, demônios e dragões, cavalos voadores e donzelas aladas, e assim por diante, fundiram-se com figuras nativas semelhantes, e enredos de contos folclóricos foram incorporados ao temas religiosos abrangentes.
Diferentes representações do naga, uma espécie de espírito sobre-humano, surgiram em diferentes partes do mundo quando o naga foi apropriado das escrituras budistas e hindus e fundido com análogos nacionais. A naga da Birmânia tem uma crista distinta na cabeça. Para os mon, naga era um crocodilo, mas para os khmer e indonésios, era uma serpente de nove cabeças.
Embora os demônios do Sudeste Asiático tenham sido agrupados sob o termo páli-sânscrito yakkha ou yaksha, suas identidades distintas foram preservadas nas esculturas e pinturas de cada país. Não familiar para a floresta das monções, o leão, no entanto, tornou-se um emblema e tema nativo popular por causa de sua associação com os deuses da mitologia hindu e budista. Mesmo depois que o Império Khmer abandonou a prática de adorar o dragão-cobra como um deus da fertilidade, as nagas de nove cabeças tornaram-se um símbolo de proteção e poder real, e as nagas de pedra vigiavam os palácios reais e os templos sagrados. A adoração de Naga era desaprovada pelos budistas.
Ao longo da história da arte birmanesa e mon, a naga sempre foi retratada em um papel subserviente ao Buda, muitas vezes fazendo um assento de suas bobinas para o Buda ou levantando seu enorme capuz para protegê-lo dos elementos. A figura guardiã de um templo Mon era tradicionalmente representada como um leão com dois corpos e uma cabeça humana, enquanto a figura guardiã de um templo birmanês era tradicionalmente representada como um leão com crista. Apesar da alegação do Tai de herdar as tradições artísticas Khmer e Mon naga, o bom demônio serviu como guardião do templo nessas culturas.
Os animais indianos tornaram-se parte do antigo simbolismo e imagens animais que entraram nas artes. Por exemplo, os Mons escolheram o sheldrake vermelho como seu emblema, os birmaneses reformularam o sol como seu pássaro favorito, o pavão, alegando que na mitologia budista o pavão está associado ao sol, e na Indonésia o pássaro mítico chamado Garuda, o veículo de Vishnu, fundiu-se com a águia local. As representações dessas aves encontraram uso como ornamentação. Versões estilizadas dos animais que outrora decoravam os telhados de palha e as paredes de madeira das casas do Sudeste Asiático chegaram aos palácios e templos mais opulentos. Desenhos de árvores, frutas e flores das florestas das monções foram combinados com padrões florais indianos e motivos geométricos antigos.
A arte do Sudeste Asiático é completamente distinta da arte de qualquer outra região, com exceção da Índia. Embora a Birmânia tenha sido historicamente um elo comercial vital com a China, as influências chinesas estão surpreendentemente ausentes da arte tradicional birmanesa. Os Tai chegaram tarde ao Sudeste Asiático, trazendo consigo algumas tradições artísticas chinesas, mas rapidamente abandonaram essas práticas em favor dos Khmer e Mon. Hoje, os únicos vestígios desses contatos anteriores podem ser vistos nas características arquitetônicas dos templos, principalmente no teto afunilado e na laca.
Como o Vietnã foi uma colônia da China por um milênio, a cultura chinesa influenciou a arte vietnamita. Evidências arqueológicas do hinduísmo no sul do Vietnã moderno remontam à época da antiga monarquia de Champa, que foi capturada pelo Vietnã no século XV. As influências chinesas podem ser vistas nas estátuas budistas do norte do Vietnã. Comparar os túmulos-templo do Camboja e da Indonésia com os dos imperadores do Vietnã ou as opulentas e dignas imagens de Buda do Vietnã com as imagens ascéticas e graciosas de Buda do Camboja e da Birmânia revela as diferenças fundamentais de objetivo estético e estilo entre as artes do Leste Asiático e os do Sudeste Asiático. A arte islâmica, que rejeita figuras animais e humanas e busca revelar a realidade por trás da beleza ilusória do mundo cotidiano, também compartilha pouco com a arte do Sudeste Asiático. A arte do Sudeste Asiático ignorou os ensinamentos do hinduísmo e do budismo de que o mundo sensual era ilusório e impermanente.
Na arte do Sudeste Asiático, realidade e fantasia coexistem, e uma visão positiva da vida permeia cada peça. Alguns notaram que a arte clássica do Khmer e da Indonésia se concentrava em representar a vida cotidiana dos deuses, mas para uma perspectiva do Sudeste Asiático, a vida cotidiana dos deuses era a mesma: alegre, terrena e divina. Não só a arte do Sudeste Asiático não refletia a concepção européia de "arte pela arte", mas também não refletia a divisão européia da arte em categorias seculares e religiosas. Os mesmos motivos que enfeitavam um templo magnífico e uma bandeja de laca foram tatuados nas coxas de um birmanês. O artista do Sudeste Asiático não precisava usar modelos, pois, ao contrário de seus colegas europeus, não se preocupava com a precisão em todos os aspectos anatômicos. O uso de elementos fantásticos e a ênfase em celebrar o bem da vida humana são o que diferencia a arte do Sudeste Asiático.
Existe uma grande variedade de formas de arte e meios relacionados com a "arte japonesa", desde a cerâmica e esculturas antigas à pintura a tinta e caligrafia sobre seda e papel, pinturas ukiyo-e e gravuras em xilogravura, cerâmica e origami contemporâneos. manga e anime contemporâneos. Desde os primeiros sinais da existência humana no Japão no 10º milénio a.C. até aos dias de hoje, o Japão tem uma história rica e variada.
O Japão experimentou influxos rápidos de ideias estrangeiras e um longo isolamento do resto do mundo. Os japoneses têm uma longa história de assimilação e adaptação de aspectos de outras culturas que consideram esteticamente agradáveis. Nos séculos VII e VIII, a arte sofisticada no Japão foi criada em resposta à disseminação do budismo. À medida que os japoneses se afastaram da China e desenvolveram seus próprios estilos de expressão no século IX, as artes seculares ganharam destaque; a partir de então até o final do século 15, as artes religiosas e seculares prosperaram. Quando a Guerra Nin eclodiu no Japão (1467-1477), deu início a mais de um século de agitação política, social e econômica. As obras de arte que sobreviveram aos expurgos do xogunato Tokugawa eram em grande parte seculares, e a religião desempenhava um papel muito menor na vida cotidiana. A súbita introdução de estilos ocidentais foi um evento significativo durante o Período Meiji (1868-1912).
No Japão, tanto amadores quanto especialistas se envolvem na pintura como sua principal forma de expressão artística. Os japoneses estão especialmente sintonizados com os valores e a estética da pintura porque, até a era moderna, usavam um pincel em vez de uma caneta. Durante o período Edo, a impressão em xilogravura tornou-se uma importante forma de arte, e os métodos usados para criar suas impressões vibrantes foram refinados para atender às necessidades de uma cultura popular crescente. À medida que o significado religioso do budismo tradicional japonês diminuiu durante esse período, os japoneses descobriram que a escultura era um meio menos atraente para expressar sua visão criativa.
É geralmente aceito que a cerâmica japonesa é da mais alta qualidade artística e inclui alguns dos primeiros artefatos do Japão; exportação de porcelana do Japão tem sido uma atividade econômica significativa em vários momentos. Os artigos de laca japoneses, primorosamente decorados com maki-e, têm sido uma exportação popular para a Europa e a China, e essa tendência continuou ao longo do século XIX. A arquitetura tradicional japonesa destaca os materiais naturais e a integração da vida interna e externa.
Ukiyo-e, ou xilogravuras japonesas, estão crescendo em popularidade no Ocidente. Seu nome vem da frase "imagens do mundo flutuante", que descreve seu assunto. A crença budista de que a felicidade é passageira e que apenas a ausência de desejo pode levar à iluminação forneceu a inspiração para sua imagem elevada e sem peso.
Os shoguns do Japão feudal foram fundamentais para o desenvolvimento da gravura japonesa, que começou na região de Edo (atual Tóquio). Sob a política de Sakoku, que significa literalmente "país isolado ou fechado", o Japão se isolou do resto do mundo. Perry, um general americano, visitou o Japão em 1853 para negociar com a administração Meiji. Muitas gravuras de Ukiyo-e, uma forma de arte contemporânea que estava florescendo quando Perry visitou Edo, podiam ser encontradas à venda nas calçadas da cidade.
Cenas da história e lenda japonesas eram frequentemente retratadas em ukiyo-e, assim como retratos de artistas de kabuki, cenas do teatro, casais apaixonados, cortesãs renomadas e paisagens. Viajantes do Ocidente gostaram instantaneamente das gravuras Ukiyo-e, por isso não é de surpreender que as trouxessem de volta para casa, apresentando ao mundo o estilo único de arte do Japão.
As impressões de arte Ukiyo-e foram feitas pressionando blocos de madeira com tinta sobre papel depois que as imagens foram esculpidas para trás nos blocos. Quando a impressão começou, tudo era feito em preto e branco. Okomura Masanobu e Suzuki Harunobu foram pioneiros no campo da impressão em xilogravura colorida, que exigia um bloco separado para cada cor.
Foi necessário um bloco-chave para os contornos e blocos individuais para cada matiz. Além disso, uma vez que um pequeno número de impressões pode ser feito a partir de um único bloco, um número significativo de blocos precisaria ser esculpido para imprimir um número substancial de cópias. O artista foi apenas um dos muitos profissionais envolvidos na produção de gravuras artísticas japonesas. Outros incluíam designers, planejadores de moldes, cortadores de moldes e prensas de moldes.
Por volta de 1912, o movimento de gravura conhecido como Offshoots of Ukio-e começou a desaparecer, mas duas outras escolas de gravura logo se formaram para preencher o vazio. Sosaku Hanga e Shin Hanga são os dois nomes para eles. Existem duas escolas de pensamento quando se trata do processo de impressão: Sosaku Hanga, que defende que o artista deve desempenhar um papel central em todas as etapas, e Shin Hanga, que é mais tradicional e sustenta que o editor é o mais central, tão diferente os artistas podem ser responsáveis pelo design, bloqueio e impressão.
Para comprar e vender gravuras Ukiyo-e, é importante conhecer algumas terminologias japonesas para apreciar e apreciar adequadamente essa fascinante forma de arte. Ao se referir a uma gravura japonesa, o termo "atozuri" indica que ela foi impressa após o término da tiragem inicial, mas ainda usava as xilogravuras originais. As estampas Shozuri são as primeiras edições, enquanto as estampas fukkoku são cópias. Assinaturas de artistas e números de edições impressas não eram normalmente incluídos nas etapas finais do processo de gravura japonesa até a segunda parte do século XX. Em vez disso, cada impressão tinha um selo que nomeava seu criador, bem como seu editor e escultor.
No entanto, à medida que os europeus aprenderam sobre a cultura única do Japão, surgiu uma moda para todas as coisas japonesas, e remessas maciças de gravuras de arte japonesas foram enviadas para o continente no final da década de 1860. As editoras no Japão rapidamente perceberam que precisariam produzir reproduções das xilogravuras mais famosas para atender à crescente demanda.
É fácil dizer quais impressões são autênticas e quais são duplicadas por causa de selos e outras marginais. A originalidade de um documento muitas vezes pode ser determinada pela condição do papel e da cor. Como o colecionador de arte comum provavelmente não sabe ler caracteres japoneses, ele deve procurar o conselho de um especialista antes de comprar uma impressão de arte japonesa autêntica.
A partir do período neolítico, artistas na China retrataram plantas em suas obras de arte. Flores, pássaros e insetos são usados como adorno, e não apenas porque são bonitos; eles também carregam uma riqueza de significado. Durante a dinastia Song (960-1279), um aumento no número de pinturas intituladas "pássaro e flor" solidificou o status das imagens florais como um assunto proeminente na arte chinesa. Além de pinturas em pergaminho, esse tema pode ser visto em uma ampla variedade de obras de arte tridimensionais, incluindo porcelanas, laca, esculturas de jade, tecidos, móveis e muito mais.
Enquanto nos preparamos para receber a Primavera, examinaremos o simbolismo das flores na arte chinesa, olhando para uma seleção de pinturas da coleção de arte asiática da AGGV do século XIX. As obras de arte deste álbum são todas representações exatas de flores e borboletas com base em sua flora e fauna reais. É provável que a combinação tenha surgido pela primeira vez no século 18 em produtos que foram especialmente encomendados para serem dados como presentes de aniversário. Os rebuses de borboleta podem ser usados para expressar vários bons desejos de uma só vez. Esses itens, que também estão ligados à longa vida, são ótimos símbolos de aniversário. As borboletas, no taoísmo, representavam a libertação do espírito. As flores representam muitas coisas positivas, e sua inclusão nessas obras apenas aumenta suas conotações positivas.
De acordo com um conto popular chinês sobre dois amantes que foram tragicamente separados pela guerra, a papoula representa fidelidade e lealdade entre parceiros em um relacionamento romântico. A história gira em torno de papoulas, que cresceram no local onde a esposa se comprometeu após a morte de seu marido soldado.
A expressão huakaifugui sugere que as camélias, que florescem durante o Ano Novo Chinês (final de janeiro a meados de fevereiro), devem ser utilizadas para embelezar a casa e receber boa sorte no próximo ano. a flor é frequentemente retratada em itens destinados à venda em outros lugares. Como a rosa chinesa floresce com frequência ao longo do ano, o nome "flor permanente da primavera" passou a ser aplicado a ela.
Orgulho da Manhã As flores em forma de trombeta da ipomeia, que florescem em um roxo vibrante, foram inicialmente utilizadas como elemento decorativo em produtos azuis e brancos Ming no século XV. Alega-se que esta flor simboliza a felicidade no casamento. A China é o lar de muitas espécies de azaleias, todas com suas próprias estações de floração. Quando usada em conjunto com borboletas, a azaléia assume a conotação de 'talento criativo na arte', representando a beleza feminina que é tão prevalente na arte.
Orientalismo refere-se à prática de emular ou estereotipar elementos do Oriente, e é encontrado nos campos da história da arte, literatura e estudos culturais. Autores, designers e pintores ocidentais são os mais frequentemente responsáveis por esses retratos. Dos vários subgêneros da arte acadêmica popular no século 19, a pintura orientalista – que se concentrava em mostrar o Oriente Médio – era uma das mais proeminentes. Da mesma forma, a literatura ocidental da época mostrou um grande interesse pelo exotismo do Oriente.
Nos círculos acadêmicos, o termo "Orientalismo" tornou-se comum desde que o Orientalism de Edward Said foi publicado em 1978. Este termo é usado para descrever uma perspectiva ocidental condescendente sobre as culturas asiática e africana. Segundo Said, o Ocidente essencializa essas culturas como estagnadas e subdesenvolvidas, criando uma imagem da cultura oriental que pode ser pesquisada, retratada e reproduzida a serviço da autoridade imperial. Como Said aponta, essa falsidade se baseia na suposição de que a sociedade ocidental é progressiva, inteligente, adaptável e superior. Isso dá aos ocidentais a liberdade de imaginar culturas e pessoas "orientais" como exóticas e perigosas.
O termo "Orientalismo" é usado na história da arte para descrever o corpo de trabalho criado por artistas ocidentais ao longo do século XIX que se concentraram em temas e motivos orientais como resultado de suas explorações da Ásia Ocidental. Na época, artistas e acadêmicos eram muitas vezes rotulados ironicamente de "orientalistas", um termo popularizado pelo crítico de arte francês Jules-Antoine Castagnary. A Sociedade Francesa de Pintores Orientalistas, com Jean-Léon Gérôme como presidente honorário, foi criada em 1893, apesar da ampla desaprovação social do gênero; em contraste, na Grã-Bretanha, "orientalista" significava simplesmente "artista".
As perspectivas dos artistas mudaram por volta do final do século XIX com o estabelecimento da Sociedade Francesa de Pintores Orientalistas, que permitiu que os membros se reconhecessem como parte de um movimento artístico maior. Embora vários estilos distintos de pintura orientalista tenham surgido durante o auge do movimento no século XIX, o termo "pintura orientalista" é geralmente usado para se referir a um único subgênero da arte acadêmica. Muitos historiadores da arte classificam os pintores orientalistas em duas categorias: aqueles que pintaram a partir da observação direta e aqueles que criaram cenários fantásticos em seus estúdios. É geralmente aceito que as figuras mais proeminentes do movimento orientalista foram artistas franceses como Eugène Delacroix (1798-1863) e Jean-Léon Gérôme (1824-1904).
A desastrosa invasão de Napoleão ao Egito e à Síria em 1798-1801 influenciou a pintura orientalista francesa e foi documentada pelos pintores da corte de Napoleão, especialmente Antoine-Jean Gros, nos anos que se seguiram, apesar do fato de Gros não viajar para o Oriente Médio com o exército . Bonaparte Visiting the Plague Victims of Jaffa (1804) e Battle of Abukir (1806) centram-se no Imperador, como ele era naquela época, mas também apresentam muitos indivíduos egípcios. O menos bem sucedido Napoleão na Batalha das Pirâmides também tem muitos egípcios (1810). Também significativo foi La Révolte du Caire (1810) de Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson. O governo francês produziu vinte volumes de uma descrição ilustrada das antiguidades do Egito entre 1809 e 1828 sob o título Description de l'Égypte.
Antes mesmo de pisar na Grécia ou no Oriente, Eugène Delacroix teve seu primeiro grande sucesso com O Massacre de Quios (1824), que, como A Balsa da Medusa, de seu amigo Théodore Géricault, retratava uma tragédia recente em um lugar distante que havia levantado opinião pública. Enquanto os gregos ainda lutavam pela liberdade dos otomanos, o país era tão exótico quanto as seções mais orientais do império. Delacroix então pintou Grécia nas Ruínas de Missolonghi (1827) para comemorar um cerco ocorrido no ano anterior, e A Morte de Sardanapalus (1828), que foi inspirado por Lord Byron e é dito ter sido a primeira obra de arte combinar sexo, violência, preguiça e exotismo. Em 1832, como parte de uma missão diplomática ao sultão de Marrocos, Delacroix finalmente viajou para o que hoje é a Argélia, um território recém-capturado pelos franceses. Ele ficou profundamente comovido com o que testemunhou, traçando paralelos entre o modo de vida do norte da África e o dos antigos romanos, e continuou pintando temas de sua viagem depois de retornar à França. Muitas de suas imagens mostravam judeus ou guerreiros a cavalo porque, como muitos pintores orientalistas subsequentes, ele achava difícil retratar mulheres. Poucas cenas de harém seguintes poderiam fazer a mesma alegação de realismo, mas aparentemente ele foi capaz de obter acesso aos aposentos femininos (ou harém) de uma casa para esboçar o que se tornou Mulheres de Argel.
Foi Ingres, diretor da Académie de peinture francesa, que popularizou um Oriente erotizado por meio de sua nebulosa generalização das figuras femininas em sua representação de cores vivas de um banho turco (que pode ter sido todos do mesmo modelo). No misterioso Oriente, exibições mais ostensivas de sexualidade eram toleradas. As pinturas semi-nuas do período Nice de Henri Matisse e seu uso de trajes e padrões orientais são exemplos desse uso contínuo desse motivo no início do século XX. O navio a vapor tornou as viagens muito mais fáceis, e muitos artistas visitaram o Oriente Médio e além para pintar uma ampla variedade de cenas orientais. Antes de visitar o Oriente, Théodore Chassériau (1819-1856), aluno de Ingres, já havia alcançado sucesso com seu nu O Toilette de Esther (1841, Louvre) e retrato equestre de Ali-Ben-Hamet, califa de Constantino e chefe de os Haractas, seguidos por sua escolta
Muitas dessas obras perpetuaram um retrato estereotipado, exótico e sexualizado do Oriente. Obras de arte desse tipo geralmente se concentravam nas culturas árabe, judaica e outras semíticas, porque é para onde os pintores franceses viajavam para aprender sobre a história e o desenvolvimento da região à medida que a França imperial expandia sua influência no norte da África. Vários artistas franceses, como Eugène Delacroix, Jean-Léon Gérôme e Jean-Auguste-Dominique Ingres, retrataram odaliscas em suas pinturas da cultura islâmica. Eles enfatizaram lentidão e visuais chamativos. Pinturas de gênero, em particular, foram criticadas por serem muito semelhantes a exemplos europeus do mesmo assunto, ou por expressarem uma visão de mundo orientalista no sentido Saidiano. Gérôme foi o progenitor e muitas vezes o mestre de um grupo de pintores franceses do final do século conhecidos por suas representações descaradamente sexuais de haréns, banhos públicos e leilões de escravos (os dois últimos também disponíveis com decoração clássica) e por contribuir para "o equação do orientalismo com o nu em modo pornográfico".
A partir do final do século XV, o estilo mourisco de adorno renascentista foi uma adaptação européia do arabesco islâmico que continuou a ser utilizado em certos campos, como como encadernação, até praticamente os dias atuais. O termo "Revival Indo-Sarraceno" descreve o uso ocidental precoce de temas arquitetônicos indianos. A frente do Guildhall de Londres remonta a esse período (1788–1789). Por volta de 1795, quando as visões da Índia foram publicadas por William Hodges e William e Thomas Daniell, o estilo adquiriu popularidade no Ocidente. Entre os exemplos mais conhecidos da arquitetura "hindô" estão a Sezincote House (c. 1805) em Gloucestershire, que foi construída para um nababo que havia retornado recentemente de Bengala, e o Royal Pavilion em Brighton.
O emprego de estilos "turcos" nas artes decorativas, a adoção ocasional de trajes turcos e o interesse pela arte representando o Império Otomano faziam parte do movimento Turquerie, que começou no final do século XV e durou até pelo menos o século XVIII. Mesmo que a França tenha se tornado mais importante após o século 18, o centro original era Veneza, a antiga relação comercial dos otomanos.
O nome "Chinoiserie" refere-se ao estilo geral de decoração com elementos inspirados na China que era popular na Europa Ocidental a partir do século XVII e atingindo seu apogeu em várias ondas, principalmente durante o período rococó (cerca de 1740-1770). A complexidade técnica da cerâmica chinesa foi tentada e apenas parcialmente bem-sucedida por designers ocidentais desde o Renascimento até o século XVIII. Foi no século XVII que países como Inglaterra (com sua Companhia das Índias Orientais), Dinamarca (com sua Companhia das Índias Orientais), Holanda (com sua Companhia das Índias Orientais) e França (com sua Companhia das Índias Orientais) começaram a mostrar sinais da Chinoiserie (a Companhia Francesa das Índias Orientais). No início do século 17, oleiros em Delft e outras cidades holandesas começaram a usar a mesma autêntica porcelana azul e branca que havia sido produzida na China durante a dinastia Ming. Pratos, vasos e utensílios de chá dos primeiros locais de produção de porcelana real, como Meissen, imitavam as formas tradicionais chinesas (ver porcelana chinesa de exportação).
Os parterres formais dos palácios alemães do barroco tardio e do rococó tinham pavilhões de prazer no "gosto chinês", e painéis de azulejos em Aranjuez, perto de Madri, retratavam estruturas semelhantes. Mesas de chá e armários de porcelana, em particular, foram adornados por Thomas Chippendale com vidros e grades em 1753-1770. A naturalização também ocorreu nas sombrias homenagens aos móveis dos primeiros estudiosos do Xing, como o tang, que se tornou uma mesa lateral meio georgiana e poltronas quadradas de espaldar adequado para cavalheiros ingleses e estudiosos chineses.
Nem todas as interpretações ocidentais da estética tradicional chinesa são consideradas "chinoiserie". Exemplos de mídia Chinoiserie incluem figuras de cerâmica e enfeites de mesa, papéis de parede pintados em forma de folha e imitações de laca e pratos de estanho pintados que evocavam o Japão. Pagodes de tamanho normal foram instalados em jardins, enquanto versões em miniatura foram colocadas em lareiras. O Grande Pagode, criado por William Chambers, é uma estrutura impressionante em Kew. Localizado em Stuttgart, o Wilhelma (1846) é um edifício que exemplifica o estilo mourisco. Construída para o artista Frederic Leighton, a Leighton House apresenta um exterior tradicional, mas interiores ornamentados em estilo árabe, com azulejos islâmicos genuínos e outros componentes e trabalho orientalizante vitoriano.
Devido em grande parte à introdução de gravuras ukiyo-e no Ocidente, o movimento estético conhecido como japonismo floresceu após 1860. Particularmente influente em artistas franceses modernos como Claude Monet e Edgar Degas foi a estética japonesa. As estampas japonesas inspiraram a artista americana Mary Cassatt, que viveu e trabalhou na França. Ela incorporou o uso de padrões em camadas, planos planos e perspectiva dinâmica em seu próprio trabalho. Alguns dos melhores exemplos de arte de inspiração japonesa são encontrados em The Peacock Room, uma coleção de pinturas de James Abbott McNeill Whistler. A Gamble House e outros edifícios de Greene e Greene da Califórnia foram influenciados pela arquitetura japonesa.
A arquitetura renascentista egípcia era um estilo popular no início e meados do século 19, e persistiu como um estilo menor no início do século 20. No início do século 19, as sinagogas estavam entre os principais beneficiários do estilo mourisco que se originou nos estados alemães. Um estilo arquitetônico conhecido como renascimento indo-sarraceno surgiu no Raj britânico por volta do final do século XIX.
A estética da decoração oriental está entre as mais atraentes do mundo. Popular nas indústrias de móveis e decoração de interiores, o uso de elementos decorativos orientais está em ascensão. Esta coleção de formas de arte asiáticas é procurada há milênios e apresenta obras de uma ampla variedade de países asiáticos.
O termo "arte oriental" muitas vezes evoca imagens de gueixas no Japão ou aquarelas chinesas, mas esses não são os únicos exemplos. Com suas cores vibrantes e atenção aos detalhes, os pergaminhos, vasos e pinturas orientais perduram há séculos. Guarda-chuvas, leques e lâmpadas são outros exemplos de outras formas de arte oriental.
Uma das razões pelas quais a arte oriental é tão apreciada são suas linhas limpas e cores vivas. Os hemisférios orientais e ocidentais incorporaram elementos da decoração oriental em seus interiores. Devido à sua elegância e funcionalidade, pode ser usado em ambientes fora do comum. Adicionar uma peça de arte oriental à sua casa é uma ótima maneira de dar uma aparência única. O leque de parede é um exemplo icônico da arte oriental. Decorar com itens do Oriente é uma ótima ideia porque são estilosos e baratos.
Como muitos especialistas da área sugerem, os leilões são uma das melhores maneiras de adquirir obras de arte oriental. Portanto, você pode simplesmente navegar pelos catálogos de leilões e começar a decorar sua casa com peças de sabor orientalista. Sobre a arte japonesa, no entanto, o leilão geralmente inclui gravuras, cerâmicas, armaduras e muito mais.
Obras famosas do artista chinês Gu Kaizhi incluem Admoestações da governanta às senhoras da corte e Instruções para mulheres ilustres. Ele também foi um poeta e teórico da arte. Ele era um filósofo taoísta que teve uma vida colorida e às vezes demonstrou grande cinismo. Funcionário do governo iniciado em 366, Gu Kaizhi (c. 344-406) nasceu em Wuxi, província de Jiangsu, mas seus talentos se estendiam muito além da política. Ele também foi um talentoso poeta, ensaísta, pintor e praticante de caligrafia chinesa. Três obras, On Painting, Introduction to the Famous Paintings of the Wei and Jin Dynasties, and Painting Mount Yuntai, encapsulam as numerosas teorias de Gu sobre o meio. O trabalho de sua vida está documentado em mais de 70 pinturas que se concentram em figuras humanas e divinas, animais, paisagens e vias navegáveis. Buda do Templo de Nanjing (criado para gerar dinheiro para a construção do templo), Admoestações da governanta às senhoras da corte e A ninfa do rio Luo são todas obras comumente atribuídas a ele. Obras de Gu Kaizhi agora são encontradas em coleções em todo o mundo. Entre cerca de 220 d.C. e 581 d.C., houve uma idade de ouro da pintura chinesa. Apesar das guerras e mudanças dinásticas que ocorreram na China ao longo de 300 anos, a vida cultural do país permaneceu vibrante. Isso se deveu em grande parte às muitas escolas diferentes que deram um impulso significativo ao desenvolvimento artístico do país. Existem vários exemplos de virtuosismo na caligrafia e arte chinesas durante esse período, incluindo pinturas de túmulos, esculturas de pedra e tijolo e pinturas em laca. Também são teorizadas as regras pictóricas que vemos sob a pintura chinesa contemporânea, regras como a Teoria Gráfica e a Teoria das Seis Regras. Um dos mais influentes e conhecidos desses artistas é Gu Kaizhi, muitas vezes considerado o criador da pintura tradicional chinesa. Suas obras resumem a época em que viveu.
Dos anos de 990 a 1020, Fan Kuan foi um proeminente pintor taoísta do "estilo do norte" na China. O melhor mestre dos séculos X e XI, entre outras coisas, são atribuídos a ele. Um pergaminho vertical intitulado Viajantes em meio a montanhas e córregos, de Fan Kuan, é amplamente considerado a obra de arte fundamental para a Northern Song School. Ele estabelece um padrão para a pintura de paisagem gigantesca que muitos artistas procurariam posteriormente para orientação. Está claro que a velha ideia chinesa de três dimensões, próximo, médio (representado por água e névoa) e distância, está em ação aqui. Em contraste com os primeiros exemplos de pintura de paisagem chinesa, o esplendor do mundo natural é o foco e não uma reflexão tardia. Na base do monólito, uma linha de cavalos de carga pode ser vista emergindo dos arbustos. Convenções da antiga Dinastia Tang podem ser vistas no estilo visual da obra de arte.
É o estilo ukiyo-e que Katsushika Hokusai popularizou como pintor e gravurista no Japão. Ele era um pintor preciso e excêntrico que é mais conhecido por suas gravuras. No entanto, ele continuou a trabalhar em ambos os meios ao longo de sua vida. Com mais de sessenta anos de carreira, já havia experimentado xilogravuras com temas teatrais, gravuras de saudação para circulação privada (surimono) e, a partir da década de 1830, séries de paisagens, como evidenciam obras como Vistas de Pontes Famosas e Cachoeiras Famosas em Várias Províncias e Trinta e Seis Vistas do Monte Fuji, o que reflete em parte um apego pessoal ao famoso vulcão. A Grande Onda de Kanagawa, também parte deste cânone, é uma obra associada. Após um período de grandes dificuldades causadas por vários problemas familiares, entre os quais a propensão de seu sobrinho para o jogo, ele publicou uma série de guias de desenho e mangá voltados para amadores e profissionais. Escrever e desenhar uma grande variedade de livros de mistério e contos para mulheres e crianças, bem como trabalhar na ilustração de grandes obras-primas literárias, foi inspirado por seu amor pela literatura ao longo da vida, que provavelmente começou durante sua adolescência como menino de recados para uma viagem. biblioteca. Os haicais que ele escreveu também eram muito bons. Devido à ampla influência de sua arte em impressionistas europeus como Claude Monet e pós-impressionistas como Vincent van Gogh e o pintor francês Paul Gauguin, três biografias sobre Hokusai foram publicadas em francês entre 1896 e 1914 pelos principais críticos da época, incluindo Edmond de Goncourt. De acordo com as histórias contadas sobre ele, ele se mudou mais de noventa vezes e usou vários nomes artísticos diferentes ao longo de sua carreira.
Pintor e impressor japonês Hiroshi Yoshida. Suas gravuras do Taj Mahal, dos Alpes Suíços e do Grand Canyon estão entre os exemplos mais famosos da arte shin-hanga e evocam fortes emoções nos espectadores. Em 19 de setembro de 1876, na cidade de Kurume, Prefeitura de Fukuoka, na Ilha Kysh, começou a vida de Hiroshi Yoshida, nascido Hiroshi Ueda. Seu pai adotivo, um instrutor de arte da escola pública, incentivou seu talento artístico inicial. Depois de passar três anos em Tóquio aprendendo com Koyama Shotaro, ele foi transferido para Kyoto para estudar com o renomado mestre de pintura ocidental Tamura Shoryu quando tinha 19 anos. Em 1899, Yoshida fez sua primeira exposição no que era então chamado de Museu de Arte de Detroit, mas agora é chamado de Instituto de Artes de Detroit. Hiroshi Yoshida era um pintor a óleo talentoso que usava o meio desde a introdução da era Meiji no Japão. A série Sailing Boats de 1921 e as estampas do Taj Mahal (das quais existem seis) são exemplos do hábito de Yoshida de reproduzir a mesma imagem em cores diferentes para mudar o clima.
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Há uma grande variedade de tradições artísticas de toda a Ásia que compõem a história da arte asiática. Ásia Central, Ásia Oriental, Ásia Meridional, Sudeste Asiático e Ásia Ocidental são as partes mais proeminentes do continente asiático.
A arte da Ásia Oriental compreende as culturas da China, Japão e Coréia, enquanto a arte da Ásia Central é dominada por criações dos povos turcos da estepe eurasiana. A arte do Sudeste Asiático consiste nas artes da Tailândia, Laos, Vietnã, Cingapura, Indonésia e Filipinas, enquanto a arte do Sul da Ásia se refere às artes do subcontinente indiano. A arte do Oriente Próximo, ou da Ásia Ocidental, inclui a arte mesopotâmica da antiguidade e a arte islâmica da era moderna.
A evolução da arte asiática é semelhante à da arte ocidental em muitos aspectos. As culturas se misturaram através de meios como a transferência de arte da Rota da Seda, intercâmbio cultural durante a Era dos Descobrimentos e colonização, e através da internet e da globalização atual. Se excluirmos a arte da Idade da Pedra, a arte da Mesopotâmia é a arte mais antiga da Ásia.
O Quirguistão contemporâneo, o Cazaquistão, o Uzbequistão, o Turcomenistão, o Azerbaijão, o Tadjiquistão, o Afeganistão, o Paquistão e algumas regiões da atual Mongólia, China e Rússia são considerados parte da região da Ásia Central, que abriga uma rica história e uma grande variedade de tradições artísticas. A arte da Ásia Central desde a antiguidade até a Idade Média ilustra a diversidade populacional e a herança cultural da região. A herança cultural da Ásia Central reflete a composição multicultural da região de maneiras surpreendentes, como evidenciado pelos artefatos artísticos da região. A arte cita, a arte greco-budista, a arte serindiana e até a cultura persa moderna fazem parte dessa história complicada, que também inclui a transmissão da arte pela Rota da Seda.
Pastores migrantes que praticavam economias mistas na periferia de comunidades sedentárias têm chamado as pastagens da Ásia Central (do Mar Cáspio ao centro da China e do sul da Rússia ao norte da Índia) de lar desde o final do segundo milênio aC até relativamente recentemente. A arte pré-histórica do “estilo animal” desses nômades pastorais revela não apenas seus mitos zoomórficos e rituais xamânicos, mas também sua abertura para incorporar os símbolos da cultura estabelecida em suas próprias práticas.
Culturas de todo o mundo se encontraram e se fundiram na Ásia Central, tornando-a o centro nervoso da antiga Rota da Seda que ligava a China ao Mediterrâneo. As comunidades em crescimento no terceiro e segundo milênios aC faziam parte de uma vasta rede comercial que ligava a Ásia Central ao Vale do Indo, Mesopotâmia e Egito.
A arte islâmica teve uma grande influência na arte ocidental nos últimos séculos, mas as culturas mais antigas se inspiraram em uma ampla gama de fontes, incluindo as artes da China, Pérsia e Grécia, bem como o estilo Animal, que surgiu entre os nômades de as estepes.
As práticas culturais do Leste Asiático incluem as artes visuais, a literatura e as artes cênicas da China, Coréia e Japão. Dado que não têm finalidade prática e não envolvem trabalho manual, apenas a pintura e a caligrafia recebem o status de "belas artes reais" na China. A escultura, juntamente com a fundição e a escultura em bronze, bem como a produção de cerâmica, têxteis, metalurgia e laca, são consideradas artesanato. Os edifícios tradicionais chineses são quase sempre feitos de madeira e têm uma plataforma, estrutura de postes e lintel, suportes de suporte do telhado e um telhado inclinado e pesado.
Três fatores, incluindo iconografia budista, temas e tradições indígenas japonesas e artes visuais chinesas, tiveram impactos significativos na cultura visual japonesa. O Templo Hry, construído no século VII, foi a primeira estrutura a utilizar os traçados assimétricos que viriam a caracterizar a arquitetura japonesa. A xilogravura policromada, que se desenvolveu na icônica gravura ukiyo-e, e as pinturas em tela e painel dos séculos XVI a XVIII são os principais exemplos da preocupação dos pintores japoneses com a abstração da natureza. O uso de pedra na construção e escultura e o desenvolvimento de um requintado esmalte celadon são duas das contribuições mais distintas da Coréia para as artes.
Entre as literaturas do mundo, a da China tem a mais longa história ininterrupta (mais de 3.000 anos). Sua história está intrinsecamente entrelaçada com a da linguagem escrita que compartilha com a Coréia e o Japão. Baladas, lendas, dramas de máscaras, textos de shows de marionetes e textos p'ansori ("canto de histórias") fazem parte da rica história oral da Coréia, e o país também tem uma robusta tradição escrita de poesia (principalmente formas hyangga e sijo) . Como nem o Japão nem a Coréia tinham sua própria língua escrita, as tradições literárias de ambos os países emprestaram muito da China (embora os sistemas silabários japoneses tenham surgido por volta de 1000 e o Hangul coreano tenha sido desenvolvido no século XV). A poesia do Japão, especialmente na forma de haiku, é conhecida em todo o mundo por sua delicada sensibilidade e remonta ao século VII, juntamente com muitos tesouros literários do país, como O Conto de Genji.
A música do leste asiático, como a música ocidental, criou uma escala pentatônica baseada em um vocabulário de 12 tons, mas sua base é distinta. Os conjuntos do leste asiático tendem a ser relativamente pequenos, e os compositores da região normalmente priorizam a melodia e o ritmo acima da complexidade harmônica. Vale a pena notar que nos países do Leste Asiático, música, dança e teatro estão frequentemente ligados, e não há evidência de evolução distinta da forma nas categorias associadas de dança e teatro do Leste Asiático. Procissões dançadas, ópera dançante (jingxi, ou "Pequim" e outros tipos de ópera chinesa), teatro de sombras, teatro de marionetes e peças de diálogo com música e dança são apenas algumas das muitas variedades de artes cênicas do Leste Asiático (por exemplo, artes cênicas japonesas). kabuki). As obras de Bash, Bo Juyi, Du Fu, Hiroshige Ando, Lu Xun e Murasaki Shikibu também merecem ser investigadas, assim como ikebana, dobradura de papel no estilo Jgan, pintura em pergaminho, shinden-zukuri, shoin-zukuri, estilo sukiya, Arquitetura de estilo Tempyu e estilo Tori.
As artes da Índia, Paquistão, Bangladesh e Sri Lanka são frequentemente conhecidas como Sul da Ásia. Uma infinidade de literatura textual antiga em sânscrito, prkrit e línguas regionais ajudou a unir as pessoas do subcontinente indiano, assim como uma perspectiva cultural e ética compartilhada. Apesar da divisão da região em um caleidoscópio de padrões políticos ao longo dos séculos, o subcontinente como um todo tem tradições musicais e de dança comuns, rituais rituais, práticas religiosas e ideias literárias.
Os épicos do sul da Ásia, como o Rmyaa e o Mahbhrata, fornecem informações sobre a complexa rede de relacionamentos entre os muitos povos da região. Há evidências claras de uma relação familiar entre os deuses e heróis de locais amplamente separados, e muitos dos próprios nomes de lugares aludem a antecedentes compartilhados. Houve também esforços persistentes para estabelecer uma ordem política unificada na área. No século III aC, por exemplo, o imperador Aoka controlava a maior parte dessa área; no século XI dC, Rajendra I de Chai capturou grande parte da Índia e do Sudeste Asiático; e no século XVI dC, o grande Mughal Akbar fez o mesmo. As fronteiras cresceram e encolheram ao longo da história do sul da Ásia, juntando-se e separando-se oficialmente como regiões completas, mas a cultura permaneceu consistente por toda parte.
Houve uma apreciação generalizada pela beleza das montanhas e rios da região por causa de seu ambiente físico compartilhado. Os Himalaias, que correm ao longo da fronteira norte, são as montanhas mais altas do mundo e representam um ideal cultural de grandeza, pureza e neve intocada. Rios como o Brahmaputra e o Indo são homenageados como "mães" em suas respectivas regiões por causa da abundância de água que fornecem.
Existe uma crença generalizada de que duendes aquáticos e fadas silvestres, respectivamente conhecidas como ngas e yakas, habitam os lagos e nascentes da região. O nome de uma dinastia inicial na Caxemira, Karkoa, é em si um símbolo da adoração de nga. Artefatos religiosos antigos, como estátuas de ngas e yakas que foram desenterradas em vários locais, sugerem um ethos devocional compartilhado, assim como textos religiosos que foram transmitidos oralmente por eras sem perder sua entonação primitiva. Esculturas representando uma dança clássica semelhante podem ser encontradas nas cidades paquistanesas de Gandhra, Bhrhut e Amarvat.
No sul da Ásia, é essencial ser bem versado em várias artes diferentes antes de poder se especializar em apenas uma. Como a escultura, como a pintura e a dança, retrata o mundo inteiro, é lógico que não se pode se tornar proficiente em cada forma de arte sem primeiro dominar a outra. A dança é uma forma de expressão através do movimento e do ritmo; portanto, uma compreensão do ritmo musical é crucial. O conhecimento da literatura e da retórica é visto como importante para estimular a emoção na música e na dança; o sabor (rasa) a ser expresso em música, dança, escultura ou pintura requer alguma familiaridade com a palavra escrita. As artes estão, portanto, interconectadas em muitos níveis.
As artes no sul da Ásia não eram praticadas apenas por si mesmas como um lazer respeitável, mas também como um ato de devoção e adoração a um poder superior. Há referências literárias a príncipes inspecionando obras de arte em busca de falhas. As realizações e ambições, tanto na teoria quanto na prática, do artista são exemplificadas por uma única inscrição que menciona o nome do stra-dhra ("arquiteto") do templo Mallikrjuna em Pattadakal, construído no século VIII.
As culturas do sul da Ásia há muito concedem aos artistas um status privilegiado. A corte estava cheia de poetas, músicos e dançarinos. Um dançarino brilhante recebeu elogios de Rjendra Ca, e o arquiteto do templo em Tiruvoiyr, que também foi apoiado por Rjendra, foi elogiado por sua extensa compreensão de arquitetura e arte em uma inscrição. No entanto, havia uma forte ligação entre as artes populares e as artes eruditas. Havia semelhanças, por exemplo, entre danças de grupos tribais e arte, dança e música clássicas ocidentais. O subcontinente indiano tem uma rica história artística, com escultura em redondo (citra) e escultura em relevo (ardhacitra) ambas ocupando posições significativas.
Citrbhsa, que se traduz como "a aparência da escultura", é a terceira forma de arte mais elevada. Um verso de um drama do poeta do século V Klidsa explica como o olhar tropeça nas alturas e profundidades retratadas na modelagem de uma pintura, demonstrando quão essencial foi a influência do claro-escuro (ou seja, o uso de luz e sombra para expressar a modelagem) . Os mestres dão a maior importância ao esboço da linha de uma pintura, que deve ser desenhada com firmeza e graça, seguida do sombreamento e da representação da modelagem, que são valorizados por outros, o elemento decorativo, que apela ao gosto feminino, e o esplendor da cor , que agrada ao gosto comum. É muito impressionante que você tenha conseguido indicar tanta forma com tão pouco desenho. Existem inúmeros exemplos literários de retratos bem-sucedidos na pintura e escultura do sul da Ásia, demonstrando a centralidade do retrato nas artes visuais da região. O Viudharmottara, escrito no século VI, divide o retrato em quatro categorias: natural, lírico, sofisticado e misto. Também categoriza diferentes tipos de pessoas com base em suas formas e cores de cabelo e olhos. Inclui um resumo das muitas perspectivas artísticas, bem como uma explicação dos fundamentos do escorço. Como um poema espelha o poeta, pensava-se que pinturas e esculturas assumiriam as características de seus criadores.
Apesar da longa história de exposição do sul da Ásia a influências estrangeiras, a região sempre encontrou maneiras de combinar esses elementos em práticas indígenas, produzindo uma síntese única e não uma mera cópia. Isso também se reflete nas obras de arte da região de Gandhra, no Paquistão, que na época (século IV aC) estava mergulhada na cultura greco-romana. A incorporação de motivos e estilos indianos no estilo ocidental dominante é uma marca registrada da escultura desta época.
Após a invasão de Kushan no primeiro século dC, houve um claro influxo de influência externa, mas finalmente a cultura indígena triunfou. O Império Mughal, que governou o sul da Ásia a partir do século XVI e consistia de muçulmanos da Ásia Central, unificou a região culturalmente ao impor uma educação predominantemente indiana aos seus súditos. A arte muçulmana floresceu sob o reinado do segundo imperador mogol, Humayn, que trouxe artistas da corte do xá persa e criou uma história de fusão dos estilos indiano e persa.
A arte de cada região reflete sua própria estrutura política, normas morais e éticas e estruturas sociais. Já no século III aC, os governantes demonstravam disposição para servir o povo e tratá-los quase como filhos. Magníficas moedas do Império Gupta do norte da Índia nos séculos 4 e 6 retratam o ideal do monarca como o arqueiro incomparável, o unificador, o espírito nobre alto e majestoso, o sacrificador pelo bem-estar dos súditos e o herói de sua pessoas (que o imaginam em um elefante imponente). Obra retratando apenas conquista e apenas guerra. Guerra e conquista, sacrifícios simbólicos de cavalos, conselho do rei, recepções diplomáticas, negociações de paz, construção de templos, apreciação das belas artes (incluindo dança e música) e a coroação de reis são apenas algumas das muitas atividades governamentais retratadas na extensa série de esculturas que retratam a história da dinastia Pallava do sul da Índia dos séculos IV-IX.
Semelhante a como as esculturas que enfatizam o dharma, as convenções ou leis que orientam a obrigação refletem atitudes morais, também as esculturas que retratam atos morais. Uma maneira comum pela qual o princípio de ahimsa, ou não violência em relação aos outros, é visualizado é através da imagem de um cervo, e o ideal de um local sagrado é tipicamente representado como um local onde o cervo pode vagar livremente. As obras de arte geralmente retratam cenas em que os sujeitos estão se divertindo com seus próprios sacrifícios ou com os dos outros. Histórias do Paca-tantra, uma das primeiras coleções de fábulas do mundo, são retratadas em esculturas de maneira direta, mas eficaz. A arte do sul da Ásia retrata consistentemente a piedade, a fé e o respeito pela moralidade que permeia a estrutura social do subcontinente há gerações.
As artes do Sudeste Asiático incluem suas formas escritas, orais e visuais. Embora a cultura indiana tenha tido um impacto significativo no desenvolvimento da área, existem algumas características compartilhadas que antecedem essa época. Estilos de arte não derivados da Índia, como tecidos batik, orquestras de gamelão e teatro de marionetes wayang, permanecem populares. Cultivo indígena de arroz úmido (ou padi), metalurgia, navegação, cultos ancestrais e adoração nas montanhas eram comuns.
O Sudeste Asiático abrange a vasta Península da Indochina, bem como as outras ilhas da região, muitas vezes conhecidas como Índias Orientais. O Sudeste Asiático pode ser dividido em duas partes distintas: o continente e as ilhas. Myanmar (Birmânia), Tailândia, Laos, Camboja, Vietnã, Malásia, Cingapura, Indonésia e Filipinas são as entidades governamentais que compõem esta área. Embora as Filipinas não fossem inicialmente consideradas parte do Sudeste Asiático, agora são geralmente consideradas parte da região devido à sua proximidade com a China e o Japão e as estreitas semelhanças culturais que tem com as culturas do Sudeste Asiático.
Todo o Sudeste Asiático compartilha clima e topografia semelhantes, que moldaram a história e a cultura da região. Culturalmente, aqueles que vivem nas montanhas tendem a divergir daqueles que vivem nos vales.
Originalmente, acreditava-se que os povos do Sudeste Asiático compartilhavam uma falta de originalidade que remonta aos tempos pré-históricos e que eram mais "receptivos" do que "criativos" em suas interações com outras culturas. Escavações e descobertas posteriores em Mianmar e na Tailândia levaram alguns estudiosos a argumentar contra a teoria aceita de que a civilização se mudou para o Sudeste Asiático da China em tempos pré-históricos. Em vez disso, eles argumentaram, o povo do sudeste da Ásia continental estava cultivando plantas, fazendo cerâmica e trabalhando em bronze na mesma época que o povo do antigo Oriente Médio, e assim a civilização se espalhou do sudeste asiático para a China um milênio antes. Por estarem sempre mais interessados no trabalho prático de criar coisas bonitas, os do Sudeste Asiático não têm uma rica herança de teoria da arte, crítica literária ou dramática.
Não é possível traçar passo a passo a criação e evolução das formas de arte no Sudeste Asiático, pois as pessoas, especialmente na metade ocidental do continente, trabalhavam com materiais não duráveis. Dada a história de floresta densa da área, é lógico que a madeira teria sido o material mais antigo empregado por razões estéticas. Apesar de sua recém-descoberta proficiência com metal e pedra, eles nunca abandonaram a prática tradicional de escultura em madeira, que continuou a prosperar mesmo após a grande era da escultura em pedra e da construção em pedra (por volta do século XIII). No estado de Shan, no oeste de Mianmar, ao longo do rio Salween, arqueólogos descobriram desenhos de cavernas pré-históricas que apresentam uma notável semelhança com esculturas Naga posteriores em postes de casas. Semelhante a como o símbolo do sol pode ser encontrado como um motivo de arte em todo o Sudeste Asiático, e como as esculturas sob os beirais das casas Naga aludem ao espanto, ao triunfo e à alegria de adquirir uma cabeça humana, a tradição estética posterior do Sudeste Asiático ecoa a pinturas rupestres de um par de mãos humanas com palmas abertas segurando o sol e um crânio humano. A pintura rupestre é a prova de que as artes da região sempre estiveram entrelaçadas com seu passado mágico-religioso.
Antigamente, acreditava-se que a técnica de fundição de tambor de bronze empregada em Dong Son, perto de Hanói, tinha se originado na China. No entanto, novas escavações na Tailândia mostraram que tanto os tambores quanto a chamada civilização Dong Son são indígenas do sudeste da Ásia continental. Independentemente disso, os tambores de bronze lançados pelos Karen por milênios até os primeiros anos do século 20 mostram a continuidade do legado estético do Sudeste Asiático. A metalurgia teve que ter se desenvolvido desde o início, pois as montanhas do sudeste da Ásia forneceram ouro, prata e outros metais. Os povos das montanhas do Sudeste Asiático têm uma longa história de fabricação e uso de requintados botões, cintos e joias de prata. Os padrões têxteis seguem a mesma linhagem estética. Canções, danças e outras formas de expressão musical eram tradicionalmente usadas em cerimônias tribais.
Sob o apoio dos governantes em todo o Sudeste Asiático, as artes prosperaram. Por volta da época do nascimento de Cristo, tribos tribais começaram a se organizar formalmente em cidades-reinos ou conglomerados de aldeias após anos de vida estabelecida como produtores de arroz. Nesta visão, um rei era pouco mais do que um chefe tribal supremo. Como as tribos já tinham a tradição de cultuar os espíritos, os monarcas buscavam uma nova divindade que se tornasse objeto de devoção de todos. Esse anseio por novos deuses nacionais contribuiu para a abertura do Sudeste Asiático aos deuses do hinduísmo e do budismo. Os reis do sudeste da Ásia foram responsáveis por difundir novas religiões, por isso os templos da região tiveram uma idade de ouro desde o primeiro até o século XIII.
Os templos tornaram-se centros de atividade cultural e suas paredes tornaram-se telas para arquitetura, escultura e murais religiosos. Estudiosos do sânscrito, a língua dos textos sagrados do hinduísmo, eram cortesãos nos antigos impérios da Indochina oriental e das ilhas, onde criaram uma literatura sânscrita local. Somente através dos grandes épicos hindus Mahabharata e Ramayana esse esforço literário chegou ao povo comum. Histórias sobre deuses hindus, demônios e homens poderosos eram essenciais para explicar o hinduísmo ao povo em geral quando as escrituras sânscritas estavam fora de seu alcance. Em toda a península no império Pyu-birmanês de Prome, que floresceu antes do século VIII, tal desenvolvimento não ocorreu por duas razões: primeiro, o hinduísmo nunca foi amplamente aceito na Birmânia e, segundo, a sociedade birmanesa mais aberta não desenvolveu nem a instituição de um deus-rei nem o de uma nobreza hereditária.
Mais tarde, os reis pagãos foram cercados por especialistas em Pali, mas o estudo de Pali não foi realizado no palácio, mas em mosteiros em todo o reino, levando os ensinamentos do Buda até as aldeias mais remotas. Monges budistas e acadêmicos de todo o mundo viajaram para Pagan para estudar Pali, enquanto as cortes dos reis no Camboja e Java permaneceram apenas centros regionais de pesquisa em sânscrito. As histórias de Jataka (o nascimento de Buda) eram usadas para explicar o budismo às pessoas comuns que não podiam ler as escrituras em Pali, assim como os épicos indianos eram usados para explicar o hinduísmo às massas. Os templos no Camboja e Java eram decorados com esculturas e afrescos representando cenas dos Jatakas, muito parecidos com os que retratam eventos dos grandes épicos.
A chegada do Islã na ilha do Sudeste Asiático após a dinastia Majapahit estabeleceu uma terceira camada cultural em cima das já existentes indígenas e hindu-budistas. Um novo império birmanês se desenvolveu das cinzas do antigo e continuou a missão de espalhar o budismo pelo sudeste da Ásia continental. A invasão birmanesa do Sião no século XVIII trouxe consigo a cultura hindu, que ajudou a fomentar o desenvolvimento do jogo birmanês. Reconquistado pela China, o Vietnã do outro lado da península tornou-se cada vez mais influenciado pela cultura chinesa. Após um breve apogeu cultural islâmico, os povos indígenas das nações insulares do Sudeste Asiático foram forçados a se submeter à dominação estrangeira. Somente na Birmânia e no Sião, dois governos do Sudeste Asiático que emergiram de anos de luta como reinos poderosos, as artes nativas continuaram a florescer.
A religião e a história nacional têm sido centrais para a arte do Sudeste Asiático. Além da vida e do caráter do Buda e dos deuses do hinduísmo, a doutrina religiosa não era um grande ponto de interesse. Depois que os grandes impérios caíram, mas sua memória de glória e força persistiu, um novo tema surgiu na história nacional: a veneração de heróis lendários do passado.
Embora a imagem de Buda tenha evoluído ao longo do tempo, continuou a ser um assunto popular para os artistas. Além de introduzir a cor local usando como pano de fundo cenas da própria contemporaneidade do artista, retratar cenas de suas vidas anteriores em afrescos e esculturas em relevo serviu ao propósito de ensinar ao povo a ética budista, pois os Jatakas enfatizavam certas virtudes morais do Buda em suas vidas anteriores.
O mesmo acontecia com as representações de eventos dos épicos hindus, que ofereciam ao artista uma chance semelhante e serviam a uma função semelhante. Com o passar do tempo, personagens das escrituras budistas e hindus como deuses e deusas, heróis e princesas, eremitas e mágicos, demônios e dragões, cavalos voadores e donzelas aladas, e assim por diante, fundiram-se com figuras nativas semelhantes, e enredos de contos folclóricos foram incorporados ao temas religiosos abrangentes.
Diferentes representações do naga, uma espécie de espírito sobre-humano, surgiram em diferentes partes do mundo quando o naga foi apropriado das escrituras budistas e hindus e fundido com análogos nacionais. A naga da Birmânia tem uma crista distinta na cabeça. Para os mon, naga era um crocodilo, mas para os khmer e indonésios, era uma serpente de nove cabeças.
Embora os demônios do Sudeste Asiático tenham sido agrupados sob o termo páli-sânscrito yakkha ou yaksha, suas identidades distintas foram preservadas nas esculturas e pinturas de cada país. Não familiar para a floresta das monções, o leão, no entanto, tornou-se um emblema e tema nativo popular por causa de sua associação com os deuses da mitologia hindu e budista. Mesmo depois que o Império Khmer abandonou a prática de adorar o dragão-cobra como um deus da fertilidade, as nagas de nove cabeças tornaram-se um símbolo de proteção e poder real, e as nagas de pedra vigiavam os palácios reais e os templos sagrados. A adoração de Naga era desaprovada pelos budistas.
Ao longo da história da arte birmanesa e mon, a naga sempre foi retratada em um papel subserviente ao Buda, muitas vezes fazendo um assento de suas bobinas para o Buda ou levantando seu enorme capuz para protegê-lo dos elementos. A figura guardiã de um templo Mon era tradicionalmente representada como um leão com dois corpos e uma cabeça humana, enquanto a figura guardiã de um templo birmanês era tradicionalmente representada como um leão com crista. Apesar da alegação do Tai de herdar as tradições artísticas Khmer e Mon naga, o bom demônio serviu como guardião do templo nessas culturas.
Os animais indianos tornaram-se parte do antigo simbolismo e imagens animais que entraram nas artes. Por exemplo, os Mons escolheram o sheldrake vermelho como seu emblema, os birmaneses reformularam o sol como seu pássaro favorito, o pavão, alegando que na mitologia budista o pavão está associado ao sol, e na Indonésia o pássaro mítico chamado Garuda, o veículo de Vishnu, fundiu-se com a águia local. As representações dessas aves encontraram uso como ornamentação. Versões estilizadas dos animais que outrora decoravam os telhados de palha e as paredes de madeira das casas do Sudeste Asiático chegaram aos palácios e templos mais opulentos. Desenhos de árvores, frutas e flores das florestas das monções foram combinados com padrões florais indianos e motivos geométricos antigos.
A arte do Sudeste Asiático é completamente distinta da arte de qualquer outra região, com exceção da Índia. Embora a Birmânia tenha sido historicamente um elo comercial vital com a China, as influências chinesas estão surpreendentemente ausentes da arte tradicional birmanesa. Os Tai chegaram tarde ao Sudeste Asiático, trazendo consigo algumas tradições artísticas chinesas, mas rapidamente abandonaram essas práticas em favor dos Khmer e Mon. Hoje, os únicos vestígios desses contatos anteriores podem ser vistos nas características arquitetônicas dos templos, principalmente no teto afunilado e na laca.
Como o Vietnã foi uma colônia da China por um milênio, a cultura chinesa influenciou a arte vietnamita. Evidências arqueológicas do hinduísmo no sul do Vietnã moderno remontam à época da antiga monarquia de Champa, que foi capturada pelo Vietnã no século XV. As influências chinesas podem ser vistas nas estátuas budistas do norte do Vietnã. Comparar os túmulos-templo do Camboja e da Indonésia com os dos imperadores do Vietnã ou as opulentas e dignas imagens de Buda do Vietnã com as imagens ascéticas e graciosas de Buda do Camboja e da Birmânia revela as diferenças fundamentais de objetivo estético e estilo entre as artes do Leste Asiático e os do Sudeste Asiático. A arte islâmica, que rejeita figuras animais e humanas e busca revelar a realidade por trás da beleza ilusória do mundo cotidiano, também compartilha pouco com a arte do Sudeste Asiático. A arte do Sudeste Asiático ignorou os ensinamentos do hinduísmo e do budismo de que o mundo sensual era ilusório e impermanente.
Na arte do Sudeste Asiático, realidade e fantasia coexistem, e uma visão positiva da vida permeia cada peça. Alguns notaram que a arte clássica do Khmer e da Indonésia se concentrava em representar a vida cotidiana dos deuses, mas para uma perspectiva do Sudeste Asiático, a vida cotidiana dos deuses era a mesma: alegre, terrena e divina. Não só a arte do Sudeste Asiático não refletia a concepção européia de "arte pela arte", mas também não refletia a divisão européia da arte em categorias seculares e religiosas. Os mesmos motivos que enfeitavam um templo magnífico e uma bandeja de laca foram tatuados nas coxas de um birmanês. O artista do Sudeste Asiático não precisava usar modelos, pois, ao contrário de seus colegas europeus, não se preocupava com a precisão em todos os aspectos anatômicos. O uso de elementos fantásticos e a ênfase em celebrar o bem da vida humana são o que diferencia a arte do Sudeste Asiático.
Existe uma grande variedade de formas de arte e meios relacionados com a "arte japonesa", desde a cerâmica e esculturas antigas à pintura a tinta e caligrafia sobre seda e papel, pinturas ukiyo-e e gravuras em xilogravura, cerâmica e origami contemporâneos. manga e anime contemporâneos. Desde os primeiros sinais da existência humana no Japão no 10º milénio a.C. até aos dias de hoje, o Japão tem uma história rica e variada.
O Japão experimentou influxos rápidos de ideias estrangeiras e um longo isolamento do resto do mundo. Os japoneses têm uma longa história de assimilação e adaptação de aspectos de outras culturas que consideram esteticamente agradáveis. Nos séculos VII e VIII, a arte sofisticada no Japão foi criada em resposta à disseminação do budismo. À medida que os japoneses se afastaram da China e desenvolveram seus próprios estilos de expressão no século IX, as artes seculares ganharam destaque; a partir de então até o final do século 15, as artes religiosas e seculares prosperaram. Quando a Guerra Nin eclodiu no Japão (1467-1477), deu início a mais de um século de agitação política, social e econômica. As obras de arte que sobreviveram aos expurgos do xogunato Tokugawa eram em grande parte seculares, e a religião desempenhava um papel muito menor na vida cotidiana. A súbita introdução de estilos ocidentais foi um evento significativo durante o Período Meiji (1868-1912).
No Japão, tanto amadores quanto especialistas se envolvem na pintura como sua principal forma de expressão artística. Os japoneses estão especialmente sintonizados com os valores e a estética da pintura porque, até a era moderna, usavam um pincel em vez de uma caneta. Durante o período Edo, a impressão em xilogravura tornou-se uma importante forma de arte, e os métodos usados para criar suas impressões vibrantes foram refinados para atender às necessidades de uma cultura popular crescente. À medida que o significado religioso do budismo tradicional japonês diminuiu durante esse período, os japoneses descobriram que a escultura era um meio menos atraente para expressar sua visão criativa.
É geralmente aceito que a cerâmica japonesa é da mais alta qualidade artística e inclui alguns dos primeiros artefatos do Japão; exportação de porcelana do Japão tem sido uma atividade econômica significativa em vários momentos. Os artigos de laca japoneses, primorosamente decorados com maki-e, têm sido uma exportação popular para a Europa e a China, e essa tendência continuou ao longo do século XIX. A arquitetura tradicional japonesa destaca os materiais naturais e a integração da vida interna e externa.
Ukiyo-e, ou xilogravuras japonesas, estão crescendo em popularidade no Ocidente. Seu nome vem da frase "imagens do mundo flutuante", que descreve seu assunto. A crença budista de que a felicidade é passageira e que apenas a ausência de desejo pode levar à iluminação forneceu a inspiração para sua imagem elevada e sem peso.
Os shoguns do Japão feudal foram fundamentais para o desenvolvimento da gravura japonesa, que começou na região de Edo (atual Tóquio). Sob a política de Sakoku, que significa literalmente "país isolado ou fechado", o Japão se isolou do resto do mundo. Perry, um general americano, visitou o Japão em 1853 para negociar com a administração Meiji. Muitas gravuras de Ukiyo-e, uma forma de arte contemporânea que estava florescendo quando Perry visitou Edo, podiam ser encontradas à venda nas calçadas da cidade.
Cenas da história e lenda japonesas eram frequentemente retratadas em ukiyo-e, assim como retratos de artistas de kabuki, cenas do teatro, casais apaixonados, cortesãs renomadas e paisagens. Viajantes do Ocidente gostaram instantaneamente das gravuras Ukiyo-e, por isso não é de surpreender que as trouxessem de volta para casa, apresentando ao mundo o estilo único de arte do Japão.
As impressões de arte Ukiyo-e foram feitas pressionando blocos de madeira com tinta sobre papel depois que as imagens foram esculpidas para trás nos blocos. Quando a impressão começou, tudo era feito em preto e branco. Okomura Masanobu e Suzuki Harunobu foram pioneiros no campo da impressão em xilogravura colorida, que exigia um bloco separado para cada cor.
Foi necessário um bloco-chave para os contornos e blocos individuais para cada matiz. Além disso, uma vez que um pequeno número de impressões pode ser feito a partir de um único bloco, um número significativo de blocos precisaria ser esculpido para imprimir um número substancial de cópias. O artista foi apenas um dos muitos profissionais envolvidos na produção de gravuras artísticas japonesas. Outros incluíam designers, planejadores de moldes, cortadores de moldes e prensas de moldes.
Por volta de 1912, o movimento de gravura conhecido como Offshoots of Ukio-e começou a desaparecer, mas duas outras escolas de gravura logo se formaram para preencher o vazio. Sosaku Hanga e Shin Hanga são os dois nomes para eles. Existem duas escolas de pensamento quando se trata do processo de impressão: Sosaku Hanga, que defende que o artista deve desempenhar um papel central em todas as etapas, e Shin Hanga, que é mais tradicional e sustenta que o editor é o mais central, tão diferente os artistas podem ser responsáveis pelo design, bloqueio e impressão.
Para comprar e vender gravuras Ukiyo-e, é importante conhecer algumas terminologias japonesas para apreciar e apreciar adequadamente essa fascinante forma de arte. Ao se referir a uma gravura japonesa, o termo "atozuri" indica que ela foi impressa após o término da tiragem inicial, mas ainda usava as xilogravuras originais. As estampas Shozuri são as primeiras edições, enquanto as estampas fukkoku são cópias. Assinaturas de artistas e números de edições impressas não eram normalmente incluídos nas etapas finais do processo de gravura japonesa até a segunda parte do século XX. Em vez disso, cada impressão tinha um selo que nomeava seu criador, bem como seu editor e escultor.
No entanto, à medida que os europeus aprenderam sobre a cultura única do Japão, surgiu uma moda para todas as coisas japonesas, e remessas maciças de gravuras de arte japonesas foram enviadas para o continente no final da década de 1860. As editoras no Japão rapidamente perceberam que precisariam produzir reproduções das xilogravuras mais famosas para atender à crescente demanda.
É fácil dizer quais impressões são autênticas e quais são duplicadas por causa de selos e outras marginais. A originalidade de um documento muitas vezes pode ser determinada pela condição do papel e da cor. Como o colecionador de arte comum provavelmente não sabe ler caracteres japoneses, ele deve procurar o conselho de um especialista antes de comprar uma impressão de arte japonesa autêntica.
A partir do período neolítico, artistas na China retrataram plantas em suas obras de arte. Flores, pássaros e insetos são usados como adorno, e não apenas porque são bonitos; eles também carregam uma riqueza de significado. Durante a dinastia Song (960-1279), um aumento no número de pinturas intituladas "pássaro e flor" solidificou o status das imagens florais como um assunto proeminente na arte chinesa. Além de pinturas em pergaminho, esse tema pode ser visto em uma ampla variedade de obras de arte tridimensionais, incluindo porcelanas, laca, esculturas de jade, tecidos, móveis e muito mais.
Enquanto nos preparamos para receber a Primavera, examinaremos o simbolismo das flores na arte chinesa, olhando para uma seleção de pinturas da coleção de arte asiática da AGGV do século XIX. As obras de arte deste álbum são todas representações exatas de flores e borboletas com base em sua flora e fauna reais. É provável que a combinação tenha surgido pela primeira vez no século 18 em produtos que foram especialmente encomendados para serem dados como presentes de aniversário. Os rebuses de borboleta podem ser usados para expressar vários bons desejos de uma só vez. Esses itens, que também estão ligados à longa vida, são ótimos símbolos de aniversário. As borboletas, no taoísmo, representavam a libertação do espírito. As flores representam muitas coisas positivas, e sua inclusão nessas obras apenas aumenta suas conotações positivas.
De acordo com um conto popular chinês sobre dois amantes que foram tragicamente separados pela guerra, a papoula representa fidelidade e lealdade entre parceiros em um relacionamento romântico. A história gira em torno de papoulas, que cresceram no local onde a esposa se comprometeu após a morte de seu marido soldado.
A expressão huakaifugui sugere que as camélias, que florescem durante o Ano Novo Chinês (final de janeiro a meados de fevereiro), devem ser utilizadas para embelezar a casa e receber boa sorte no próximo ano. a flor é frequentemente retratada em itens destinados à venda em outros lugares. Como a rosa chinesa floresce com frequência ao longo do ano, o nome "flor permanente da primavera" passou a ser aplicado a ela.
Orgulho da Manhã As flores em forma de trombeta da ipomeia, que florescem em um roxo vibrante, foram inicialmente utilizadas como elemento decorativo em produtos azuis e brancos Ming no século XV. Alega-se que esta flor simboliza a felicidade no casamento. A China é o lar de muitas espécies de azaleias, todas com suas próprias estações de floração. Quando usada em conjunto com borboletas, a azaléia assume a conotação de 'talento criativo na arte', representando a beleza feminina que é tão prevalente na arte.
Orientalismo refere-se à prática de emular ou estereotipar elementos do Oriente, e é encontrado nos campos da história da arte, literatura e estudos culturais. Autores, designers e pintores ocidentais são os mais frequentemente responsáveis por esses retratos. Dos vários subgêneros da arte acadêmica popular no século 19, a pintura orientalista – que se concentrava em mostrar o Oriente Médio – era uma das mais proeminentes. Da mesma forma, a literatura ocidental da época mostrou um grande interesse pelo exotismo do Oriente.
Nos círculos acadêmicos, o termo "Orientalismo" tornou-se comum desde que o Orientalism de Edward Said foi publicado em 1978. Este termo é usado para descrever uma perspectiva ocidental condescendente sobre as culturas asiática e africana. Segundo Said, o Ocidente essencializa essas culturas como estagnadas e subdesenvolvidas, criando uma imagem da cultura oriental que pode ser pesquisada, retratada e reproduzida a serviço da autoridade imperial. Como Said aponta, essa falsidade se baseia na suposição de que a sociedade ocidental é progressiva, inteligente, adaptável e superior. Isso dá aos ocidentais a liberdade de imaginar culturas e pessoas "orientais" como exóticas e perigosas.
O termo "Orientalismo" é usado na história da arte para descrever o corpo de trabalho criado por artistas ocidentais ao longo do século XIX que se concentraram em temas e motivos orientais como resultado de suas explorações da Ásia Ocidental. Na época, artistas e acadêmicos eram muitas vezes rotulados ironicamente de "orientalistas", um termo popularizado pelo crítico de arte francês Jules-Antoine Castagnary. A Sociedade Francesa de Pintores Orientalistas, com Jean-Léon Gérôme como presidente honorário, foi criada em 1893, apesar da ampla desaprovação social do gênero; em contraste, na Grã-Bretanha, "orientalista" significava simplesmente "artista".
As perspectivas dos artistas mudaram por volta do final do século XIX com o estabelecimento da Sociedade Francesa de Pintores Orientalistas, que permitiu que os membros se reconhecessem como parte de um movimento artístico maior. Embora vários estilos distintos de pintura orientalista tenham surgido durante o auge do movimento no século XIX, o termo "pintura orientalista" é geralmente usado para se referir a um único subgênero da arte acadêmica. Muitos historiadores da arte classificam os pintores orientalistas em duas categorias: aqueles que pintaram a partir da observação direta e aqueles que criaram cenários fantásticos em seus estúdios. É geralmente aceito que as figuras mais proeminentes do movimento orientalista foram artistas franceses como Eugène Delacroix (1798-1863) e Jean-Léon Gérôme (1824-1904).
A desastrosa invasão de Napoleão ao Egito e à Síria em 1798-1801 influenciou a pintura orientalista francesa e foi documentada pelos pintores da corte de Napoleão, especialmente Antoine-Jean Gros, nos anos que se seguiram, apesar do fato de Gros não viajar para o Oriente Médio com o exército . Bonaparte Visiting the Plague Victims of Jaffa (1804) e Battle of Abukir (1806) centram-se no Imperador, como ele era naquela época, mas também apresentam muitos indivíduos egípcios. O menos bem sucedido Napoleão na Batalha das Pirâmides também tem muitos egípcios (1810). Também significativo foi La Révolte du Caire (1810) de Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson. O governo francês produziu vinte volumes de uma descrição ilustrada das antiguidades do Egito entre 1809 e 1828 sob o título Description de l'Égypte.
Antes mesmo de pisar na Grécia ou no Oriente, Eugène Delacroix teve seu primeiro grande sucesso com O Massacre de Quios (1824), que, como A Balsa da Medusa, de seu amigo Théodore Géricault, retratava uma tragédia recente em um lugar distante que havia levantado opinião pública. Enquanto os gregos ainda lutavam pela liberdade dos otomanos, o país era tão exótico quanto as seções mais orientais do império. Delacroix então pintou Grécia nas Ruínas de Missolonghi (1827) para comemorar um cerco ocorrido no ano anterior, e A Morte de Sardanapalus (1828), que foi inspirado por Lord Byron e é dito ter sido a primeira obra de arte combinar sexo, violência, preguiça e exotismo. Em 1832, como parte de uma missão diplomática ao sultão de Marrocos, Delacroix finalmente viajou para o que hoje é a Argélia, um território recém-capturado pelos franceses. Ele ficou profundamente comovido com o que testemunhou, traçando paralelos entre o modo de vida do norte da África e o dos antigos romanos, e continuou pintando temas de sua viagem depois de retornar à França. Muitas de suas imagens mostravam judeus ou guerreiros a cavalo porque, como muitos pintores orientalistas subsequentes, ele achava difícil retratar mulheres. Poucas cenas de harém seguintes poderiam fazer a mesma alegação de realismo, mas aparentemente ele foi capaz de obter acesso aos aposentos femininos (ou harém) de uma casa para esboçar o que se tornou Mulheres de Argel.
Foi Ingres, diretor da Académie de peinture francesa, que popularizou um Oriente erotizado por meio de sua nebulosa generalização das figuras femininas em sua representação de cores vivas de um banho turco (que pode ter sido todos do mesmo modelo). No misterioso Oriente, exibições mais ostensivas de sexualidade eram toleradas. As pinturas semi-nuas do período Nice de Henri Matisse e seu uso de trajes e padrões orientais são exemplos desse uso contínuo desse motivo no início do século XX. O navio a vapor tornou as viagens muito mais fáceis, e muitos artistas visitaram o Oriente Médio e além para pintar uma ampla variedade de cenas orientais. Antes de visitar o Oriente, Théodore Chassériau (1819-1856), aluno de Ingres, já havia alcançado sucesso com seu nu O Toilette de Esther (1841, Louvre) e retrato equestre de Ali-Ben-Hamet, califa de Constantino e chefe de os Haractas, seguidos por sua escolta
Muitas dessas obras perpetuaram um retrato estereotipado, exótico e sexualizado do Oriente. Obras de arte desse tipo geralmente se concentravam nas culturas árabe, judaica e outras semíticas, porque é para onde os pintores franceses viajavam para aprender sobre a história e o desenvolvimento da região à medida que a França imperial expandia sua influência no norte da África. Vários artistas franceses, como Eugène Delacroix, Jean-Léon Gérôme e Jean-Auguste-Dominique Ingres, retrataram odaliscas em suas pinturas da cultura islâmica. Eles enfatizaram lentidão e visuais chamativos. Pinturas de gênero, em particular, foram criticadas por serem muito semelhantes a exemplos europeus do mesmo assunto, ou por expressarem uma visão de mundo orientalista no sentido Saidiano. Gérôme foi o progenitor e muitas vezes o mestre de um grupo de pintores franceses do final do século conhecidos por suas representações descaradamente sexuais de haréns, banhos públicos e leilões de escravos (os dois últimos também disponíveis com decoração clássica) e por contribuir para "o equação do orientalismo com o nu em modo pornográfico".
A partir do final do século XV, o estilo mourisco de adorno renascentista foi uma adaptação européia do arabesco islâmico que continuou a ser utilizado em certos campos, como como encadernação, até praticamente os dias atuais. O termo "Revival Indo-Sarraceno" descreve o uso ocidental precoce de temas arquitetônicos indianos. A frente do Guildhall de Londres remonta a esse período (1788–1789). Por volta de 1795, quando as visões da Índia foram publicadas por William Hodges e William e Thomas Daniell, o estilo adquiriu popularidade no Ocidente. Entre os exemplos mais conhecidos da arquitetura "hindô" estão a Sezincote House (c. 1805) em Gloucestershire, que foi construída para um nababo que havia retornado recentemente de Bengala, e o Royal Pavilion em Brighton.
O emprego de estilos "turcos" nas artes decorativas, a adoção ocasional de trajes turcos e o interesse pela arte representando o Império Otomano faziam parte do movimento Turquerie, que começou no final do século XV e durou até pelo menos o século XVIII. Mesmo que a França tenha se tornado mais importante após o século 18, o centro original era Veneza, a antiga relação comercial dos otomanos.
O nome "Chinoiserie" refere-se ao estilo geral de decoração com elementos inspirados na China que era popular na Europa Ocidental a partir do século XVII e atingindo seu apogeu em várias ondas, principalmente durante o período rococó (cerca de 1740-1770). A complexidade técnica da cerâmica chinesa foi tentada e apenas parcialmente bem-sucedida por designers ocidentais desde o Renascimento até o século XVIII. Foi no século XVII que países como Inglaterra (com sua Companhia das Índias Orientais), Dinamarca (com sua Companhia das Índias Orientais), Holanda (com sua Companhia das Índias Orientais) e França (com sua Companhia das Índias Orientais) começaram a mostrar sinais da Chinoiserie (a Companhia Francesa das Índias Orientais). No início do século 17, oleiros em Delft e outras cidades holandesas começaram a usar a mesma autêntica porcelana azul e branca que havia sido produzida na China durante a dinastia Ming. Pratos, vasos e utensílios de chá dos primeiros locais de produção de porcelana real, como Meissen, imitavam as formas tradicionais chinesas (ver porcelana chinesa de exportação).
Os parterres formais dos palácios alemães do barroco tardio e do rococó tinham pavilhões de prazer no "gosto chinês", e painéis de azulejos em Aranjuez, perto de Madri, retratavam estruturas semelhantes. Mesas de chá e armários de porcelana, em particular, foram adornados por Thomas Chippendale com vidros e grades em 1753-1770. A naturalização também ocorreu nas sombrias homenagens aos móveis dos primeiros estudiosos do Xing, como o tang, que se tornou uma mesa lateral meio georgiana e poltronas quadradas de espaldar adequado para cavalheiros ingleses e estudiosos chineses.
Nem todas as interpretações ocidentais da estética tradicional chinesa são consideradas "chinoiserie". Exemplos de mídia Chinoiserie incluem figuras de cerâmica e enfeites de mesa, papéis de parede pintados em forma de folha e imitações de laca e pratos de estanho pintados que evocavam o Japão. Pagodes de tamanho normal foram instalados em jardins, enquanto versões em miniatura foram colocadas em lareiras. O Grande Pagode, criado por William Chambers, é uma estrutura impressionante em Kew. Localizado em Stuttgart, o Wilhelma (1846) é um edifício que exemplifica o estilo mourisco. Construída para o artista Frederic Leighton, a Leighton House apresenta um exterior tradicional, mas interiores ornamentados em estilo árabe, com azulejos islâmicos genuínos e outros componentes e trabalho orientalizante vitoriano.
Devido em grande parte à introdução de gravuras ukiyo-e no Ocidente, o movimento estético conhecido como japonismo floresceu após 1860. Particularmente influente em artistas franceses modernos como Claude Monet e Edgar Degas foi a estética japonesa. As estampas japonesas inspiraram a artista americana Mary Cassatt, que viveu e trabalhou na França. Ela incorporou o uso de padrões em camadas, planos planos e perspectiva dinâmica em seu próprio trabalho. Alguns dos melhores exemplos de arte de inspiração japonesa são encontrados em The Peacock Room, uma coleção de pinturas de James Abbott McNeill Whistler. A Gamble House e outros edifícios de Greene e Greene da Califórnia foram influenciados pela arquitetura japonesa.
A arquitetura renascentista egípcia era um estilo popular no início e meados do século 19, e persistiu como um estilo menor no início do século 20. No início do século 19, as sinagogas estavam entre os principais beneficiários do estilo mourisco que se originou nos estados alemães. Um estilo arquitetônico conhecido como renascimento indo-sarraceno surgiu no Raj britânico por volta do final do século XIX.
A estética da decoração oriental está entre as mais atraentes do mundo. Popular nas indústrias de móveis e decoração de interiores, o uso de elementos decorativos orientais está em ascensão. Esta coleção de formas de arte asiáticas é procurada há milênios e apresenta obras de uma ampla variedade de países asiáticos.
O termo "arte oriental" muitas vezes evoca imagens de gueixas no Japão ou aquarelas chinesas, mas esses não são os únicos exemplos. Com suas cores vibrantes e atenção aos detalhes, os pergaminhos, vasos e pinturas orientais perduram há séculos. Guarda-chuvas, leques e lâmpadas são outros exemplos de outras formas de arte oriental.
Uma das razões pelas quais a arte oriental é tão apreciada são suas linhas limpas e cores vivas. Os hemisférios orientais e ocidentais incorporaram elementos da decoração oriental em seus interiores. Devido à sua elegância e funcionalidade, pode ser usado em ambientes fora do comum. Adicionar uma peça de arte oriental à sua casa é uma ótima maneira de dar uma aparência única. O leque de parede é um exemplo icônico da arte oriental. Decorar com itens do Oriente é uma ótima ideia porque são estilosos e baratos.
Como muitos especialistas da área sugerem, os leilões são uma das melhores maneiras de adquirir obras de arte oriental. Portanto, você pode simplesmente navegar pelos catálogos de leilões e começar a decorar sua casa com peças de sabor orientalista. Sobre a arte japonesa, no entanto, o leilão geralmente inclui gravuras, cerâmicas, armaduras e muito mais.
Obras famosas do artista chinês Gu Kaizhi incluem Admoestações da governanta às senhoras da corte e Instruções para mulheres ilustres. Ele também foi um poeta e teórico da arte. Ele era um filósofo taoísta que teve uma vida colorida e às vezes demonstrou grande cinismo. Funcionário do governo iniciado em 366, Gu Kaizhi (c. 344-406) nasceu em Wuxi, província de Jiangsu, mas seus talentos se estendiam muito além da política. Ele também foi um talentoso poeta, ensaísta, pintor e praticante de caligrafia chinesa. Três obras, On Painting, Introduction to the Famous Paintings of the Wei and Jin Dynasties, and Painting Mount Yuntai, encapsulam as numerosas teorias de Gu sobre o meio. O trabalho de sua vida está documentado em mais de 70 pinturas que se concentram em figuras humanas e divinas, animais, paisagens e vias navegáveis. Buda do Templo de Nanjing (criado para gerar dinheiro para a construção do templo), Admoestações da governanta às senhoras da corte e A ninfa do rio Luo são todas obras comumente atribuídas a ele. Obras de Gu Kaizhi agora são encontradas em coleções em todo o mundo. Entre cerca de 220 d.C. e 581 d.C., houve uma idade de ouro da pintura chinesa. Apesar das guerras e mudanças dinásticas que ocorreram na China ao longo de 300 anos, a vida cultural do país permaneceu vibrante. Isso se deveu em grande parte às muitas escolas diferentes que deram um impulso significativo ao desenvolvimento artístico do país. Existem vários exemplos de virtuosismo na caligrafia e arte chinesas durante esse período, incluindo pinturas de túmulos, esculturas de pedra e tijolo e pinturas em laca. Também são teorizadas as regras pictóricas que vemos sob a pintura chinesa contemporânea, regras como a Teoria Gráfica e a Teoria das Seis Regras. Um dos mais influentes e conhecidos desses artistas é Gu Kaizhi, muitas vezes considerado o criador da pintura tradicional chinesa. Suas obras resumem a época em que viveu.
Dos anos de 990 a 1020, Fan Kuan foi um proeminente pintor taoísta do "estilo do norte" na China. O melhor mestre dos séculos X e XI, entre outras coisas, são atribuídos a ele. Um pergaminho vertical intitulado Viajantes em meio a montanhas e córregos, de Fan Kuan, é amplamente considerado a obra de arte fundamental para a Northern Song School. Ele estabelece um padrão para a pintura de paisagem gigantesca que muitos artistas procurariam posteriormente para orientação. Está claro que a velha ideia chinesa de três dimensões, próximo, médio (representado por água e névoa) e distância, está em ação aqui. Em contraste com os primeiros exemplos de pintura de paisagem chinesa, o esplendor do mundo natural é o foco e não uma reflexão tardia. Na base do monólito, uma linha de cavalos de carga pode ser vista emergindo dos arbustos. Convenções da antiga Dinastia Tang podem ser vistas no estilo visual da obra de arte.
É o estilo ukiyo-e que Katsushika Hokusai popularizou como pintor e gravurista no Japão. Ele era um pintor preciso e excêntrico que é mais conhecido por suas gravuras. No entanto, ele continuou a trabalhar em ambos os meios ao longo de sua vida. Com mais de sessenta anos de carreira, já havia experimentado xilogravuras com temas teatrais, gravuras de saudação para circulação privada (surimono) e, a partir da década de 1830, séries de paisagens, como evidenciam obras como Vistas de Pontes Famosas e Cachoeiras Famosas em Várias Províncias e Trinta e Seis Vistas do Monte Fuji, o que reflete em parte um apego pessoal ao famoso vulcão. A Grande Onda de Kanagawa, também parte deste cânone, é uma obra associada. Após um período de grandes dificuldades causadas por vários problemas familiares, entre os quais a propensão de seu sobrinho para o jogo, ele publicou uma série de guias de desenho e mangá voltados para amadores e profissionais. Escrever e desenhar uma grande variedade de livros de mistério e contos para mulheres e crianças, bem como trabalhar na ilustração de grandes obras-primas literárias, foi inspirado por seu amor pela literatura ao longo da vida, que provavelmente começou durante sua adolescência como menino de recados para uma viagem. biblioteca. Os haicais que ele escreveu também eram muito bons. Devido à ampla influência de sua arte em impressionistas europeus como Claude Monet e pós-impressionistas como Vincent van Gogh e o pintor francês Paul Gauguin, três biografias sobre Hokusai foram publicadas em francês entre 1896 e 1914 pelos principais críticos da época, incluindo Edmond de Goncourt. De acordo com as histórias contadas sobre ele, ele se mudou mais de noventa vezes e usou vários nomes artísticos diferentes ao longo de sua carreira.
Pintor e impressor japonês Hiroshi Yoshida. Suas gravuras do Taj Mahal, dos Alpes Suíços e do Grand Canyon estão entre os exemplos mais famosos da arte shin-hanga e evocam fortes emoções nos espectadores. Em 19 de setembro de 1876, na cidade de Kurume, Prefeitura de Fukuoka, na Ilha Kysh, começou a vida de Hiroshi Yoshida, nascido Hiroshi Ueda. Seu pai adotivo, um instrutor de arte da escola pública, incentivou seu talento artístico inicial. Depois de passar três anos em Tóquio aprendendo com Koyama Shotaro, ele foi transferido para Kyoto para estudar com o renomado mestre de pintura ocidental Tamura Shoryu quando tinha 19 anos. Em 1899, Yoshida fez sua primeira exposição no que era então chamado de Museu de Arte de Detroit, mas agora é chamado de Instituto de Artes de Detroit. Hiroshi Yoshida era um pintor a óleo talentoso que usava o meio desde a introdução da era Meiji no Japão. A série Sailing Boats de 1921 e as estampas do Taj Mahal (das quais existem seis) são exemplos do hábito de Yoshida de reproduzir a mesma imagem em cores diferentes para mudar o clima.
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