Name: ARTMAJEUR
Brand: ARTMAJEUR
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Explorando o corpo em seus fragmentos O pincel embebido na cor da pele, ou a câmera “mais fria”, são empregados para explorar o corpo em seus fragmentos. A humanidade é desconstruída, privilegiando a valorização dos detalhes em detrimento da visão de conjunto mais clássica, exaustivamente exemplificada pelos nus mais famosos da história da arte. Agora, abandonando toda a linguagem corporal, será possível compreender como até mesmo um único pé, mão ou perna pode se comunicar, fazendo-nos compreender o tipo de situação que a pessoa retratada sente e se encontra. obras que simplesmente retratam pés, pernas e mãos e chegam, só no final da história, ao rosto mais eloquente. Este último, enriquecido pela expressividade do olhar, é capaz de nos conduzir ainda mais para a interioridade do retratado, um lugar mais afastado daquela dimensão externa, a que os seus membros aludem de forma mais superficial.

Pés

PÉS NO SOL (2021)Fotografia de Jean Ponomarevsky

MEMÓRIAS DE TEMPOS DE PAZ (2023)Fotografia de Oleksandra Padushyna

Jean Ponomarevsky e Oleksandra Padushyna

A história dos fragmentos do corpo humano começa com os pés de Jean Ponomarevsky e Oleksandra Padushyna, o primeiro fotógrafo, o último pintor. Por que quis organizar seus trabalhos visualmente um ao lado do outro, sem qualquer interrupção de texto? Quis tornar ainda mais evidentes as suas semelhanças, dando-vos também a oportunidade de colocar os olhos, passando rapidamente de um para o outro. Ficará então evidente como as duas obras apresentam um enquadramento semelhante, visando fazer-nos imaginar que foi a mesma pessoa que imortalizou os seus membros inferiores. No entanto, também existem diferenças significativas entre as duas obras: se o ponto de vista do fotógrafo é elevado, como se a fotografia fosse tirada com as pernas da modelo levantadas sobre a cama, o ponto de vista do pintor aponta directamente para o chão, ou mais precisamente, para a água do mar. Além disso, o uso da luz também difere, tanto que a luz da fotografia parece ser filtrada por uma janela, concentrando-a exclusivamente na área central da foto, ou seja, nos pés e no fundo. Na interpretação de Oleksandra Padushyna, porém, o ambiente marinho aparece sempre beijado pelo sol. Tudo isto gera diálogos coerentes, onde um interior é mais adequado a uma atmosfera intimista, enquanto o exterior parece menos abrigado. Por fim, sobre os dois artistas Artmajeur: Ivan Ponomarevsky, fotógrafo nascido em 1974 e radicado na Geórgia, pegou uma câmera pela primeira vez aos oito anos, enquanto a aquarelista Oleksandra Padushyna mora na Alemanha e adora pintar ao ar livre, captando principalmente as águas dos rios. , mares e lagos. Vamos passar para as pernas!

Pernas

PERNAS DE BALLET (2020)Fotografia de Mariia Kulchytska

PERNA VERMELHA (2024)Fotografia de Saint.E

Mariia Kulchytska & Saint.E

Abro um breve parêntese para esclarecer como, dentro desta narrativa, a disposição das imagens também é importante e, para as pernas, como no caso dos pés, pensei em justapor duas obras sem quebrá-las com uma descrição. Minha escolha se deve ao fato de ter imaginado a rápida sucessão das obras de Mariia Kulchytska e Saint.E, pensando em como isso cria uma ilusão de movimento. Na verdade, será como pensar em ver a mesma modelo, que no início mantém as pernas juntas, e depois decide movê-las, afastando-as, gerando assim um novo contexto visual. Comecemos agora pela descrição do primeiro plano, destinado a congelar no tempo as pernas suspensas de uma bailarina, que mantém os membros próximos uns dos outros, para os posicionar no centro do meio fotográfico, onde se encontra o ponto focal de interesse da o plano concentra-se, exalando toda a disciplina inerente à dança clássica. Do outro lado está Saint.E com sua maior transgressão e vontade de ousar, que se concretiza nos traços de um tiro vermelho que, além das pernas abertas nas duas pontas da obra, também mostra o traseiro sedutor de um modelo de salto alto. A comparação entre os dois artistas revela assim duas abordagens diferentes da arte, que visam falar de personalidades distintas, uma mais conservadora, equilibrada e clássica, a outra mais irreverente e provocadora. Agora viemos de fato contar algo mais sobre os dois fotógrafos: Maria Kulchitskaya é fotógrafa profissional de balé com formação em história da arte, Saint.E, por outro lado, é uma fotógrafa apaixonada por retratos e nus artísticos, que desenvolveu um interesse particular em explorar a expressão corporal e a beleza humana. Chegamos à vez das mãos e, como as obras selecionadas não apresentam afinidades particulares, serão investigadas uma de cada vez, o que se repetirá quando chegar aos rostos.

Mãos

MÃO (2021)Fotografia de Ivan Cordoba

Comecemos pela mão de Ivan Córdoba e tentemos interpretá-la juntos, dotando-nos de um saudável toque de imaginação. À primeira vista, lembra-me o gesto de quem, antes de mergulhar no abismo, procura um último contacto com o mundo terrestre. Da mesma forma, porém, poderia ser o fim de um gesto teatral sincero ou a coreografia de um dançarino em movimento. Certamente o “fragmento” do tema retratado quer atrair a nossa atenção, mas porquê? O que esta mão quer nos dizer? Posso compreender o significado do referido gesto com maior certeza, referindo-me às palavras que o artista lhe dedicou: "Esta fotografia incorpora a essência da beleza e da graça com notável delicadeza. No seu cerne, esta imagem conta uma história de extraordinária simplicidade , onde uma mão, delicada e divina, surge como ponto focal da narrativa." Tudo fica ainda mais claro e evidente pelo contraste entre a clareza do fundo e as sombras lançadas pelo tema principal, pretendendo esculpi-lo e dissecá-lo nas suas formas e na sua mensagem. Na verdade, "cada curva e contorno do membro ecoa uma miríade de histórias, sussurradas através dos séculos. Os dedos, longos e delgados, estendem-se na moldura que lembra os ramos etéreos de uma árvore delicada, a sua elegância desafiando as mais belas criações de natureza." Parece agora compreender que esta visão nasceu para contemplar a natureza do homem, a sua forma, a sua beleza, a sua longa história, através da sinédoque estética das formas sinuosas da mão de uma mulher. Este desígnio é plenamente alcançado, quando paramos para olhar o sujeito com admiração, presos na compreensão do que não se dá para ver e, ao mesmo tempo, perdidos naquilo que vemos: um fragmento de toda a humanidade.

MÃOS (2023) Pintura de Diana Knepper

Continuando a discutir as mãos, promovo agora uma comparação, pois no expressionismo de Diana Knepper a busca não é mais pela satisfação estética, mas por uma alusão explícita e reveladora a um movimento específico da alma. A este respeito, os sinais de tremor resultantes vêm à mente. Imagino que a pessoa retratada tenha passado por uma das muitas provações da vida e que, depois disso, tenha passado por um estresse intenso. Atrevo-me a pensar neles observando suas grandes mãos rosadas suarem e se moverem compulsivamente, enquanto tentam detê-las com a mente. Ao mesmo tempo, eles também podem simplesmente estar contemplando-os, pensando obsessivamente no que acabaram de vivenciar. Falando agora da artista, Diana reconhece de facto a pintura como um meio de autodescoberta, que visa distanciá-la de uma visão superficial da existência. Durante esta jornada, contou com o exemplo de grandes mestres, mergulhando no mundo de Van Gogh, Monet, Sorolla, Picasso e Modigliani, modelos que colocam sua obra a meio caminho entre a emotividade do Pós-Impressionismo ou do Expressionismo e as pinceladas do Impressionismo.

Encontros

EVOLUÇÃO #2 (2013) Fotografia de Pietro Cenini

Em Artmajeur procurei obras onde tudo o que descrevi até agora pudesse se encontrar. Em resposta, encontrei duas obras, uma fotografia e um desenho, nas quais, efetivamente, pés, mãos e pernas são imortalizados em uníssono. A partir da fotografia de Cenini, o que vemos, uma “congregação” de pernas, mãos e pés, deve-se à pose assumida pela modelo, que, como revela o próprio fotógrafo, foi inspirada na posição quadrúpede assumida pelos humanos durante a sua evolução. Tudo isto, narrado a preto e branco, faz-nos recuar ainda mais no tempo, mergulhando-nos em instintos primordiais, bem como em gestos e gritos animalescos. Quanto a Cenini, o fotógrafo italiano formado nos EUA, ele vê a arte como um meio de captar a interioridade, bem como emoções e estados de espírito muitas vezes escondidos da vista. O seu objectivo é tornar tudo isto visível, aludindo também a percepções alternativas do que geralmente parece evidente. Assim, ao olharmos para as suas obras, podemos imaginar complementá-las com sons e cheiros, com o objetivo de tornar tudo ainda mais autêntico, quase real. Do ponto de vista técnico, além do processo de pós-produção ser substancial para o artista, ele frequentemente combina múltiplos planos, característica que, no entanto, raramente fica evidente nos resultados finais.

Desenho HANDS-4 de Katerina Evgenieva

Agora o foco muda do quadrupedalismo para a evolução, pois o que o desenho de Evgenieva parece retratar é simplesmente um modelo dos nossos tempos, que aparece curvado para abraçar os tornozelos. Estes, provavelmente tímidos e envergonhados pelo contacto, parecem inclinar-se ligeiramente para a esquerda, seguido da carícia de mãos sinuosas e delgadas, que os prendem suavemente. A linha serpentina, bastante erótica, gerada pelo referido encontro, representa o motivo principal da obra, que pretende ser colocada no centro do meio. Essa cena sensual não é observada apenas pelo espectador, mas também pelos braços, pernas e joelhos, que ficam excluídos do contato, junto com as pontas dos dedos dos pés. Por fim, fica claro como Katerina Evgenieva, pintora búlgara nascida em 1977, transformou uma provável cena rotineira, como tocar partes do corpo, numa composição erótica e curvilínea, talvez com o objetivo de incutir o culto ao amor próprio.

Face

GOLDEN MEAN #9 (2022) Pintura de Jonathan Mcafee

Chegamos ao rosto, neste caso, de uma menina loira, que usa os cabelos atrás das orelhas e os reparte ao meio, retratada olhando diretamente nos nossos olhos, sem qualquer hesitação. Ela é segura de si, mas talvez não tenha notado que tem um pouco de tinta no rosto. Brincadeiras à parte, são precisamente esses toques de cor, muitas vezes dispostos nos rostos dos retratados, que tornam as obras de Jonathan Mcafee únicas. Mas vamos ouvir o que o artista tem a dizer sobre isso: Golden Mean #9 "faz parte da minha exploração contínua da cor, à medida que experimento camadas de pinceladas e combino diferentes elementos e estilos de pintura. Com essa abordagem, tiro meu retrato expressivo pinturas e depois desenhá-las com riscos e linhas simples." Além disso, o americano Jonathan McAfee destaca-se pela sua vontade incontrolável de explorar a forma humana e o potencial expressivo, a fim de revelar os aspectos psicológicos dos sujeitos, que não são apenas reproduzidos nas suas características físicas, mas também nos conceitos de identidade, memória, e emoção. Para fazer tudo isso, busca constantemente a interação entre cor e tela, bem como a representação de movimento e energia, através do uso de pinceladas por vezes grossas e gestuais.

PINTURA A ÓLEO DE ANÉIS DE PRATA (2024) Pintura de Varvara Maximova

Quando olhamos para a pintura de Varvara Maximova, a primeira coisa que nos chama a atenção são aqueles lábios macios e sensuais entreabertos. Em seguida, passamos à contemplação do olhar intenso. Por fim, notamos também alguns dedos usando anéis de prata. O que essas duas partes do corpo têm em comum? A cor! Na verdade, em obras “inacabadas”, o olhar geralmente pousa primeiro nas peças “acabadas”. Mas o que se entende por “pinturas não acabadas, mas destinadas a ser”? Este conceito refere-se a obras de arte onde o artista optou por deixar a peça intencionalmente incompleta, mas com a intenção de que ainda seja interpretada como completa ou acabada pelo espectador. Isto pode ser feito por uma variedade de razões artísticas, tais como criar uma sensação de mistério, convidar o envolvimento do observador na interpretação da obra ou para expressar uma sensação de movimento ou transição. Esta abordagem pode adicionar profundidade conceitual e emocional à obra de arte, deixando espaço para a imaginação do espectador completar a imagem de acordo com sua interpretação. Agora, falando de Varvara Maximova, a artista contemporânea dedica-se exclusivamente ao género do retrato, através do qual celebra diferentes tipos de mulheres, promovendo múltiplos modelos de feminilidade.