A arte abstrata, em suas narrativas mais conhecidas, é frequentemente associada aos grandes mestres masculinos cujos nomes são agora amplamente reconhecidos: Pollock, Kandinsky, Mondrian e outros. No entanto, ao lado dessas figuras famosas, há artistas mulheres que fizeram contribuições igualmente significativas e às vezes revolucionárias, embora tenham permanecido menos conhecidas do que seus colegas masculinos.
Figuras femininas finalmente assumem o centro do palco nesta exploração, que, embora não seja exaustiva, é um destaque significativo de alguns dos nomes mais relevantes da linguagem figurativa abstrata. Nosso top 10 homenageia figuras extraordinárias como Hilma af Klint, Georgia O'Keeffe, Agnes Martin, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Lee Krasner, Elaine de Kooning, Carmen Herrera, Lygia Clark e Judy Chicago.
Este texto é uma celebração de sua "vingança": por meio de suas obras, esses artistas demonstraram que a abstração nunca foi um domínio exclusivamente masculino. Descobriremos como sua visão moldou uma parte crucial da narrativa histórico-artística.
Hilma af Klint, N. 7, Idade adulta, 1907. Fundação Hilma af Klint
Hilma de Klint
Hilma af Klint (26 de outubro de 1862 – 21 de outubro de 1944) foi uma pintora e mística sueca, agora reconhecida como uma das primeiras artistas abstratas da história da arte ocidental. Trabalhando à frente de Kandinsky, Malevich e Mondrian, ela criou pinturas que exploravam conceitos espirituais profundos. O estilo de Hilma af Klint é uma fusão única de geometria, figuração, simbolismo e espiritualidade. Suas obras, muitas vezes em grande escala, exploravam conceitos de crescimento orgânico e processos naturais, inspirados por seus estudos científicos e botânicos.
Uma das obras-primas de Hilma af Klint é "N. 7, Adulthood", parte da série "The Ten Largest" no ciclo "Paintings for the Temple" . Esta grande obra, com mais de três metros de altura, combina formas orgânicas fluidas e cores vibrantes como amarelo, vermelho e verde em um delicado fundo lilás. Lembrando formas botânicas e matemáticas, a pintura simboliza crescimento e existência. Neste contexto vital, o crítico Adrian Searle reconheceu a influência das teorias darwinianas, particularmente a ideia de que o desenvolvimento de plantas e formas naturais segue uma progressão matemática. Neste sentido, a presença de números e letras "estilizados" adiciona mais camadas de simbolismo.
Além disso, Mark Hudson, um estudioso, notou como as formas curvas e inscrições enigmáticas, como "sox, sax, sex" ou "eros wu", também sugerem uma sutil carga erótica oculta. Finalmente, vale destacar que a técnica usada para " Adulthood " , pintada em papel e depois montada em tela, antecipa a preferência por grandes formatos, mais comumente associados a expressionistas abstratos e frequentemente reservados a artistas homens.
Georgia O'Keeffe, Sunrise, 1916. Aquarela sobre papel.
Geórgia O'Keeffe
Georgia Totto O'Keeffe (15 de novembro de 1887 – 6 de março de 1986) foi uma pioneira do modernismo americano, reconhecida como uma das figuras mais influentes da história da arte do século XX. A artista é conhecida por sua capacidade de misturar abstração e representação de uma forma que captura a essência e o poder da natureza. Um dos aspectos distintivos de seu estilo é o uso de formas "ampliadas", particularmente em suas pinturas de flores, onde ela focou a atenção nos detalhes, transformando-os em abstrações por meio de uma fusão harmoniosa de cor e forma. Suas paletas de cores vívidas e linhas suaves também serviram para evocar, além da imagem visível, um profundo senso de emoção e conexão com a criação.
Uma de suas primeiras e mais importantes obras abstratas é a aquarela "Sunrise" (1916). Criada durante o período em que ela lecionava na Carolina do Sul, esta obra em papel captura a delicadeza e o poder de um nascer do sol por meio do uso magistral de cores e formas "sintéticas". A paleta da obra-prima apresenta tons de vermelho, roxo e amarelo para dar vida a um céu que se ilumina gradualmente, com uma composição concêntrica que evoca a energia radiante do sol emergindo do horizonte. A visão transmite uma sensação de paz, mas também de vitalidade emergente, enfatizada pelo contraste entre a luz intensa no centro e os tons mais escuros nas bordas.
Por fim, esta obra é indispensável porque marca um momento crucial na carreira de O'Keeffe: a transição definitiva do pintor para uma linguagem visual pessoal, combinando o senso de abstração com a representação do mundo natural.
Agnes Martin, Boas Festas, 1999.
Agnes Martin
Agnes Bernice Martin (22 de março de 1912 – 16 de dezembro de 2004) foi uma pintora abstrata canadense-americana, renomada por seu estilo minimalista e sua contribuição ao expressionismo abstrato. Suas obras, caracterizadas por grades e linhas simples, transmitem uma sensação de serenidade e espiritualidade, situadas na encruzilhada de vários movimentos artísticos do século XX, combinando elementos do minimalismo e da pintura Color Field. Embora essas características não sejam figurativas, elas refletem uma forte conexão com a natureza, evidente nos títulos de suas obras, bem como em seus escritos. Na verdade, Martin encontrou inspiração na simplicidade da vida cotidiana e no mundo orgânico, que ela mais tarde organizou em grades onde cores suaves, serenas e luminosas foram dispostas. Essa abordagem também permitiu à pintora explorar infinitas variações de cor e forma, capazes de transmitir uma calma espiritual e contemplativa, em forte contraste com a vida austera e solitária da artista.
Uma das obras-primas mais representativas de Agnes Martin é "Happy Holiday" (2000), uma pintura abstrata dividida em quatorze faixas horizontais de largura igual, alternando entre branco e pêssego. As linhas que separam as faixas são desenhadas à mão com um lápis e uma régua curta, criando uma sensação de leveza e simplicidade típica de sua abordagem à pintura. Apesar do uso de uma régua, as linhas na verdade têm uma qualidade trêmula e irregular, enfatizando a importância do desenho em seu trabalho e sua atenção aos detalhes manuais. Finalmente, a base da tela, preparada com uma camada de gesso branco, dá a toda a pintura uma luminosidade vibrante, enquanto as cores acrílicas, aplicadas em camadas finas, parecem flutuar na superfície.
Joan Mitchell, Hemlock, 1956. Pintura. Whitney Museum of American Art, Nova York.
Joana Mitchell
Joan Mitchell (12 de fevereiro de 1925 – 30 de outubro de 1992) foi uma pintora americana, renomada por sua contribuição ao movimento expressionista abstrato, embora seu trabalho divergisse da abordagem mais espontânea típica da Action Painting. Sua produção foi, no entanto, marcada por um estilo emocionalmente intenso, influenciado por paisagens que ela lembrava e por grandes mestres pós-impressionistas como Henri Matisse. A pincelada de Joan Mitchell se destaca por sua intensidade gestual, combinando cores fortes com traços decisivos. Também é sabido que Mitchell planejava suas composições evocando memórias, muitas vezes relacionadas à natureza e à poesia, um método que deu ao seu trabalho uma qualidade reflexiva que equilibrava a improvisação com uma estrutura mais definida.
Suas telas eram geralmente grandes e ricamente coloridas, frequentemente divididas em vários painéis, já que a artista rejeitava a ideia de arte "uniformemente distribuída". Como o curador John Yau observou, as obras de Mitchell "promoviam a ideia de que uma pintura pode ser feita de partes separadas, mas interligadas", uma característica que lhe permitiu se destacar em um mundo artístico dominado por homens, tornando-a uma das figuras mais importantes do Expressionismo Abstrato.
Entre as obras-primas mais famosas de Mitchell está "Hemlock" (1956), uma pintura a óleo sobre tela caracterizada por pinceladas gestuais ousadas, onde os tons frios dominam, com brancos cruzando com linhas horizontais verdes e pretas, evocando uma paisagem invernal perene. Na verdade, "Hemlock" leva o nome da árvore mencionada no poema de Wallace Stevens "Domination of Black", que certamente foi uma fonte de inspiração para o artista.
Helen Frankenthaler, Montanhas e Mar, 1952. Óleo e carvão sobre tela. National Gallery of Art, Washington, DC
Helen Frankenthaler
Helen Frankenthaler (12 de dezembro de 1928 – 27 de dezembro de 2011) foi uma das artistas mais influentes do século XX, desempenhando um papel crucial na história da pintura americana do pós-guerra. Nascida em Manhattan, ela foi introduzida cedo na cena artística de Nova York, onde conheceu figuras como Jackson Pollock, Franz Kline e Robert Motherwell, com quem se casou mais tarde. Embora influenciada pelo expressionismo abstrato, Frankenthaler desenvolveu sua própria técnica distinta, a "soak-stain", que revolucionou o uso da cor na pintura. Esse processo, que envolvia despejar tinta diluída em tela sem primer, criava lavagens luminosas que se fundiam com o tecido do próprio suporte, eliminando qualquer ilusão de tridimensionalidade. Embora seu trabalho tenha sido inicialmente associado ao expressionismo abstrato, a artista é mais conhecida por sua contribuição à Color Field Painting, um movimento que celebrava o uso de grandes extensões de cor pura na tela. Apesar da abstração, suas pinturas eram frequentemente inspiradas por impressões de paisagens naturais, capturadas em suas sensações e atmosferas através do uso da cor.
"Mountains and Sea" é considerada a obra-prima que marcou uma virada decisiva na carreira de Helen Frankenthaler, pois nesta pintura de 1952, a artista introduziu sua técnica revolucionária pela primeira vez. A composição foi inspirada nas paisagens de Cape Breton, na Nova Escócia, que Frankenthaler havia visitado pouco antes de criar a obra. Neste contexto naturalista, a cor assumiu um papel central, com lavagens de rosa, azul e verde delineando colinas, rochas e água. Finalmente, é importante notar o contraste delicado entre as linhas de carvão levemente esboçadas e os tons vibrantes que se expandem livremente pela tela sem primer.
Lee Krasner, Gaea, 1966. Óleo sobre tela. The Museum of Modern Art, Nova York.
Lee Krasner
Lee Krasner (27 de outubro de 1908 – 19 de junho de 1984) foi uma pintora americana e uma das figuras mais importantes do expressionismo abstrato, atuante principalmente em Nova York. Após receber treinamento acadêmico na Women's Art School of Cooper Union e na National Academy of Design, ela foi introduzida ao mundo da arte moderna por meio de sua exposição ao pós-impressionismo no Museu de Arte Moderna da cidade de Nova York. Na década de 1930, ela estudou com Hans Hofmann, incorporando elementos cubistas em seu trabalho e, durante a Grande Depressão, trabalhou para o Federal Art Project. Uma década depois, Krasner se tornou uma figura proeminente na New York School ao lado de pintores como Willem de Kooning e Mark Rothko. No entanto, seu casamento em 1945 com Jackson Pollock, uma figura central do expressionismo abstrato, muitas vezes ofuscou sua carreira. Após a trágica morte de Pollock em um acidente de carro em 1956, Krasner passou por um período de profundo luto, mas continuou a trabalhar com renovada intensidade artística, ganhando cada vez mais reconhecimento nos anos seguintes.
Em termos de estilo, o trabalho de Krasner é caracterizado pela evolução constante e versatilidade artística excepcional. Embora inicialmente associada ao Expressionismo Abstrato, ela rejeitou a repetitividade que percebeu no trabalho de alguns de seus contemporâneos, como Mark Rothko e Barnett Newman. Seu desejo de renovação, que ela chamou de "quebras", a levou a desenvolver novas formas de expressão artística, incluindo a famosa série "Little Image" no final dos anos 1940, bem como suas colagens ousadas dos anos 1950 e suas telas grandes e coloridas dos anos 1960. Krasner também foi uma das primeiras artistas a experimentar a técnica "all-over", inspirada no trabalho de Piet Mondrian, que mais tarde influenciou as famosas pinturas de gotejamento de Jackson Pollock. Sua arte evoluiu sem se limitar a uma única técnica ou estilo: sua tendência a revisitar e retrabalhar suas próprias criações era evidente em sua prática de cortar e reaproveitar telas antigas para criar colagens, um processo que reflete a influência de Henri Matisse. Além disso, Krasner procurou não apenas explorar a abstração, mas também expressar uma profunda conexão com a natureza e o mundo orgânico.
Entre as obras mais representativas de Lee Krasner está "Gaea" (1966), uma monumental pintura a óleo sobre tela que incorpora sua vibrante exploração de cores e sua profunda conexão com a natureza.
Elaine de Kooning, Bacchus #81, 1983. Museu de Arte da Geórgia, Atene, EUA.
Elaine de Kooning
Elaine de Kooning (12 de março de 1918 – 1 de fevereiro de 1989) foi uma pintora expressionista abstrata e figurativa ativa no período pós-guerra. Também conhecida como crítica de arte e professora, ela foi uma das vozes mais enérgicas e influentes na cena artística de Nova York. Sua carreira foi influenciada por figuras-chave do movimento, incluindo seu marido Willem de Kooning e Arshile Gorky. Embora inicialmente ofuscada pela fama de seu marido, Elaine de Kooning desenvolveu uma linguagem artística pessoal que fundia elementos abstratos e figurativos, frequentemente retratando amigos, atletas e até mesmo um presidente dos EUA.
Em termos de estilo, tendo abraçado a Action Painting e sua abordagem gestual e dinâmica, ela se concentrou em capturar a energia e a personalidade de seus temas em vez de sua semelhança exata. Em seus retratos, de Kooning buscou capturar a essência de uma pessoa por meio de pinceladas vivas e fluidas, evitando representações puramente realistas. Essa abordagem também é evidente em suas obras com temas mitológicos e primitivos, que ela frequentemente usava para explorar as tensões entre forma e movimento.
"Baco #3" (1978), por exemplo, é uma das obras-primas de Elaine de Kooning: a grande pintura é caracterizada por verdes, cinzas e azuis vibrantes que se misturam na tela, enquanto linhas pretas emergem na superfície, sugerindo a figura de um grupo escultórico, provavelmente inspirado na escultura de Baco no Jardin du Luxembourg, em Paris.
Carmen Herrera, Sem título, 1952. Museu de Arte Moderna, Nova York.
Carmen Herrera
Carmen Herrera (31 de maio de 1915 – 12 de fevereiro de 2022) foi uma pintora cubano-americana conhecida por sua contribuição à arte abstrata e minimalista. Nascida em Havana, ela passou grande parte de sua vida em Nova York, para onde se mudou em meados da década de 1950. A artista foi ativa durante um período em que a abstração dominava a cena artística de Nova York, mas seu estilo não se alinhava totalmente com seus colegas do movimento expressionista abstrato. De fato, muitas vezes trabalhando isoladamente, sua linguagem artística era caracterizada por uma pureza formal que combinava geometria com um uso pensativo e vibrante da cor. Seu estilo é enraizado na simplicidade e precisão, marcado por linhas nítidas e campos planos de cor, visando gerar composições essenciais e vitais. De fato, suas obras exploram a relação entre forma e cor, com ênfase particular nas interações entre superfícies e espaços.
Essa abordagem a conecta a movimentos como abstração hard-edge e Op Art, embora seu trabalho permaneça único por sua rigorosa redução formal e atenção ao arranjo harmônico. Falando em obras-primas, "Sem título" (1952) é uma das pinturas mais significativas da artista. A obra, criada com tinta sintética sobre tela, é caracterizada por linhas pretas e brancas que cruzam a superfície, dividindo a tela em duas seções triangulares. A composição simples, mas marcante, explora a tensão entre ordem e movimento, com bordas afiadas que sugerem uma vibração quase violenta. Finalmente, as formas geométricas e os contrastes de cores criam um efeito visual que lembra a Op Art, mas a energia que emana da obra é o resultado de uma abordagem decididamente mais intuitiva e experimental.
Lygia Clark, Planes in Modulated Surface No. 4, 1957. Fórmica e tinta industrial sobre madeira. The Museum of Modern Art, Nova York.
Lygia Clark
Lygia Clark (23 de outubro de 1920 – 25 de abril de 1988) foi uma das artistas brasileiras mais influentes do século XX, conhecida por suas pinturas abstratas e instalações interativas. Ela está intimamente associada ao movimento construtivista brasileiro e mais tarde foi cofundadora do movimento neoconcreto ao lado de artistas como Amilcar de Castro, Franz Weissmann e Lygia Pape. Seu trabalho se destacou por sua inovação na interação entre a obra de arte e o público, levando o conceito de participação na arte a novos patamares. De fato, Clark explorou princípios relacionados à percepção sensorial e à conexão psicológica com a obra-prima, chegando a definir seu trabalho como "experiências vivas".
A partir da década de 1970, ela se concentrou cada vez mais no uso terapêutico da arte, usando objetos e envolvimento como um meio de abordar traumas psicológicos e experiências pessoais. Por essa razão, a artista se afastou progressivamente da pintura tradicional para explorar novos modos de expressão que envolviam ativamente o espectador, a quem ela considerava parte integrante da obra de arte.
No entanto, falando de seu trabalho de pintura, a obra-prima "Discovery of the Organic Line" (1954) é digna de nota. Embora mantendo uma forte base geométrica, esta peça marca o início de sua exploração do espaço tridimensional e sua mudança em direção a uma maior interação com o público.
Judy Chicago, O jantar, 1979.
Judy Chicago
Judy Chicago (Chicago, 20 de julho de 1939) é uma das artistas feministas americanas mais influentes do século XX. Na década de 1970, ela fundou o primeiro programa de arte feminista nos Estados Unidos na California State University, Fresno. Apropriadamente, seu trabalho explorou temas relacionados ao nascimento, à criação e ao papel das mulheres na história e na cultura. Esses tópicos são transmitidos por meio de um estilo que se distingue pelo uso de uma ampla gama de técnicas artísticas, como bordado, cerâmica e vidro — habilidades tradicionalmente consideradas artesanais e frequentemente associadas ao trabalho feminino. Chicago elevou conscientemente essas mídias, historicamente relegadas às margens da arte "elevada", incorporando-as em suas obras como símbolos do poder e da criatividade feminina.
Um dos aspectos centrais de seu trabalho é o confronto com as estruturas de poder patriarcais e a recuperação de uma história da arte feminina, destacada pelo uso de simbolismo preciso. De fato, suas criações visam reescrever a narrativa do desenvolvimento artístico ao lançar luz sobre figuras femininas esquecidas ou marginalizadas. Sua obra mais famosa, "The Dinner Party", é considerada a primeira grande obra-prima da arte feminista e está permanentemente instalada no Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art no Brooklyn Museum. A instalação celebra as contribuições das mulheres para a história, apresentando uma mesa triangular com 39 jogos de mesa reservados para mulheres extraordinárias de diferentes períodos da civilização ocidental. Cada jogo de mesa apresenta um prato decorado com motivos florais ou de borboletas simbolizando a vulva, e um corredor bordado com o nome e a imagem da mulher homenageada.
Olimpia Gaia Martinelli
| Revista ArtMajeur
