Referências artísticas em quadrinhos

Depois de ter descoberto as referências artísticas em programas de TV e homenagens artísticas ao cinema , continuamos nosso panorama da estreita ligação entre Arte e Cultura Pop : desta vez, redescobrimos nossos clássicos através dos quadrinhos e tiras desenhadas: molhamos o dedo e nós vire a página, vamos lá!

1. Arte e quadrinhos

Este artigo é contemplativo. Mas antes de todas as coisas, não podemos deixá-lo descobrir essas referências sem alguns conceitos de fundo. É por isso que, nesta declaração introdutória, tentaremos (da melhor forma possível) dissecar as nuances e diferenças entre o que consideramos ser “grande” arte e os quadrinhos.

À primeira vista, as distinções definitivas entre o que se denomina “Belas Artes” e a 9ª Arte (banda desenhada) encontram-se na acessibilidade destes dois suportes. Um é considerado um artigo de luxo , raro e muitas vezes caro, enquanto o outro é geralmente mais acessível, produzido em grandes quantidades. As semelhanças encontram-se no processo criativo do autor (um designer e um pintor geralmente trabalham nas mesmas condições) , bem como na originalidade e possibilidade de coleção da obra final.

A fronteira entre estes dois campos artísticos continua difícil, embora seja reduzida ao longo do tempo, graças ao advento da Pop Art nos anos 60. Também há uma valorização do trabalho de artistas icônicos por instituições de arte que são galeristas, museus e leiloeiras . Motivados pela ganância, eles respondem a uma demanda cada vez mais forte dos fãs de quadrinhos , que agora têm os meios para adquirir as tentações frustrantes de sua infância.

E em 2021, pode-se perguntar qual é a diferença entre uma história em quadrinhos do Mickey em um livro ou revista e uma história em quadrinhos do Mickey pintada na tela?

À primeira vista , além de algumas modificações de cores e arranjos, nada realmente distingue essas duas obras. Ainda assim, o desenho à esquerda está disponível para venda por US $ 50 na Amazon, enquanto o trabalho de Roy Lichtenstein , à direita, é estimado em vários milhões , e suas raras reproduções são vendidas por alguns milhares de ingressos.

Ainda que as obras ilustradas existam há vários séculos, a banda desenhada, tal como é entendida hoje no Ocidente, nasceu no início do século XX . Naquela época, ela estava obviamente muito distante do mundo da arte . Seus designers, seus patrocinadores ( jornais e periódicos ) e seu público viam esse meio como voltado para a massa , pois era facilmente reproduzível graças às inovações da imprensa. Por muito tempo, os cartunistas se viram mais como jornalistas, colunistas ou satíricos, usando o talento do lápis para servir a uma ideia , um toque de humor ou uma informação a ser processada. Nos Estados Unidos, o triunfo dos quadrinhos começou muito cedo, principalmente com o aparecimento do primeiro super-herói, Superman , em 1938.

Andy Warhol, Ten Marilyns , 1963-1967.

Lá, era comum (até mesmo mecânico) que os designers jogassem seus painéis e esboços originais direto nas lixeiras de Manhattan, logo após a impressão. Um exemplo curioso do interesse que estes designers demonstraram pelos seus desenhos: longe de subestimar o seu estilo, muitas vezes não tinham ideia do valor que o seu trabalho podia representar e não se consideravam realmente artistas., Mas sim produtores de desenhos e ideias (corrente), destinados ao público em geral.

O período pós-guerra e o início dos anos 1960 viram o surgimento da tendência da Pop Art. Andy Warhol e Roy Lichtenstein se apropriaram das caixas dos Comics para criar obras monumentais e polidas que alcançariam grande sucesso rapidamente. Um espelho polpudo e popular de nossa consciência cultural, esses artistas reciclam os códigos dos quadrinhos para destilar uma sátira colorida da sociedade. Cercadas por colecionadores, galeristas e marchands, suas obras esgotam-se rapidamente e a preços altíssimos, permitindo (a despeito deles) uma reavaliação da obra primária, aquela produzida pelos designers que eles próprios copiaram (ou "no centro das atenções" ) para criar suas pinturas de Pop Art.

Se não são alguns fãs da primeira hora, poucos são os que se lembram de Jerry Siegel e Joe Shuster , os adolescentes a quem devemos o Superman . No entanto, todos nós conhecemos o excêntrico e provocador artista Andy Warhol , que assumiu o papel de Superman em sua série " Mitos " . É objeto de retrospectivas em muitos museus e sua prática artística é documentada por uma superabundância de escritos mais ou menos críticos. Grave diferença de tratamento entre esses inovadores discretos e esquecidos, criadores de um império tão imaginário quanto lucrativo, diante de pasticheurs maliciosos, triunfantes e (um pouco) megalomaníacos.

Andy Warhol, Myths Series , 1981.

Apesar das injustiças do passado, o abismo financeiro entre os quadrinhos e a arte erudita está sendo drasticamente reduzido. Hoje em dia, é cada vez menos raro ver histórias em quadrinhos originais sendo leiloadas em casas de leilão de prestígio. Alguns deles chegam a atingir valores estratosféricos , especialmente quando se trata de licenças de prestígio como o Superman do outro lado do Atlântico ou Tintim na Europa. A título de ilustração, em 2021, sorteio de Hergé para capa do álbum de Tintin, The Blue Lotus bateu o recorde mundial de leilões de banda desenhada, leiloado por 3,175 milhões de euros com taxas (Artcurial). Também há cada vez mais designers que usam o chapéu duplo de designers e artistas.

Para alguns refratários, a distinção entre arte contemporânea e quadrinhos encontra-se na noção de abstração : onde a arte separa a forma e o conteúdo (o significado) da obra, o quadrinho coloca a forma., O desenho, a serviço do background: ilustra uma ideia . Embora essa análise já esteja enfraquecida por séculos de arte figurativa, ela também pode ser varrida por certas mudanças importantes no mundo dos quadrinhos . Desde a segunda metade do século 20, os quadrinhos foram empurrados para caminhos menos narrativos e mais experimentais. Encontramos, por exemplo, cada vez mais histórias em quadrinhos em que os desenhos estão no centro da história e substituem as palavras. Os quadrinhos, como qualquer forma de arte, estão em constante evolução e rompendo os menores limites que estão ligados a eles.

Agora, hora de contemplação! Para facilitar a sua leitura, decidimos estruturar esta lista (não exaustiva) separando as referências a obras antigas (pinturas religiosas, Renascença) e as homenagens a obras relativamente mais recentes (de 1800 aos dias atuais). Essas duas distinções parecem necessárias porque não têm o mesmo propósito: as referências antigas destacam uma postura ou uma ideia , enquanto as referências modernas propõem um modo de vida , uma cultura ou uma simples homenagem estética .

2. Antigas referências: alegoria a serviço da intriga

Esta primeira compilação de referências nos permitirá vislumbrar como os designers se apropriam dos códigos de obras-primas emblemáticas para disseminar rapidamente uma ideia , valendo-se de nossas referências culturais inconscientes. Porque se existe uma consciência coletiva, também existe um inconsciente coletivo . É povoado por figuras , imagens e iconografia que todos nós discernimos, às vezes sem saber o nome.

• A pietà

Michelangelo, La Pietà , 1499. Basílica de São Pedro no Vaticano, Roma.

Tema principal da iconografia religiosa , da qual a figura mais icônica é certamente esta escultura de Michelangelo , a Pietà   (ou Virgem da Piedade) representa a Virgem Maria em luto pela morte de seu filho Jesus, com seu cadáver esparramado de joelhos .

A estética e as posturas dramáticas deste tema religioso permitem induzir rapidamente uma ideia no cérebro do leitor : a do luto . Este pode então, conscientemente ou não, identificar o enredo de uma história em quadrinhos, identificando essas posturas antigas na capa do álbum. Uma boa dica para designers que querem destacar a morte de um personagem importante : são mais de trinta histórias em quadrinhos que apresentam essas características da Pietà .

• A Última Ceia e o Homem Vitruviano

Leonardo da Vinci, A Última Ceia , 1495-1498. Igreja de Santa Maria delle Grazie, em Milão.

Aqui está outra obra icônica e superabundante na literatura gráfica. A coisa prática sobre o afresco de Da Vinci é que absolutamente todo mundo sabe disso .

Legion of Super-Heroes # 2 , Giffen e Levitz - DC Comics

Alice no país das maravilhas , Gill e Gregory (capa de Jason Embury)

Trolls de Troy - Volumes 13 a 16, Mourier e Arleston (capa de Jean-Louis Mourier)

Além de parecer particularmente agradável de readaptar, a cenografia desta obra permite ao designer destacar diferentes pontos : primeiro, ele pode destacar a reunião de diferentes heróis (lógica) , mas também pode apresentar os heróis, de acordo com sua ordem de importância , colocando os protagonistas principais no centro da mesa, depois dispersando os personagens no fundo mais para trás, nas pontas. Ele também pode sugerir uma possível traição , usando a figura de Judas .

O homem vitruviano, por sua vez, permite uma representação anatômica do personagem, particularmente interessante para super-heróis que se beneficiam de aptidões particulares, como aqui o Homem -Aranha e sua versão sombria , Venom .

• O nascimento de Vênus

O uso desse poderoso trabalho de Sandro Botticelli é mais raro, mas é recorrente o suficiente para ser sublinhado. Na verdade, é usado principalmente para destacar uma história baseada em uma personagem feminina . Isso não é surpresa para ninguém, os quadrinhos há muito sofrem com os vícios sexistas e poucas personagens femininas podem ser encontradas tão desenvolvidas quanto suas contrapartes pomo de adão.

As Belas Artes também sofreram muito com essa misoginia sistêmica : se o assunto lhe interessa, recomendamos nossos artigos recentes ( 4 Artistas Talentosos eclipsados pela Famosa do Marido , 4 Mulheres Extraordinárias que viraram a História da Arte de cabeça para baixo) ) que tente colocar alguma paridade de volta no debate.

3. Homenagens modernas: símbolos de uma sociedade e de uma cultura

Nesta segunda compilação , faremos um breve panorama de obras emblemáticas: pinturas representativas da cultura e da sociedade americana (“ Um modo de vida mericano ”), mas também obras representativas da cultura francófona e alguns tributos puramente estéticos .

• O "American Way of Life"

A cultura americana está repleta de mitos fundadores que simbolizam sua unidade e seus valores . Também na pintura abundam os símbolos, com mais ou menos veracidade histórica. Desde a Idade de Ouro da cultura dos quadrinhos no início dos anos 1940, muitos artistas se apropriaram dessas pinturas para servir a seus propósitos. Ao compilar as obras mais readaptadas, descobrimos o núcleo comum , as obras-primas emblemáticas da história americana :

- Edward Hopper, Nighthawks , 1942.

Edward Hopper, Nighthawks , 1942.

Guy Gardner: Warrior # 29 - "É minha festa e lutarei se quiser" , Beau et Jimenez - DC Comics

Embora Edward Hopper tenha recusado o pintor do estilo de vida americano , é claro que suas obras transmitem uma atmosfera característica da cidade e da América solitária de meados ^do século XX. Uma bênção para artistas que podem reajustar os códigos de sua obra-prima icônica: Nighthawks .

- Grant Wood, American Gothic , 1930.

Talvez ainda mais icônico do que a obra de Hopper: American Gothic, do pintor Grant Wood, apresenta a América rural na década de 1930 . Um símbolo que se tornou um clichê em nossa época, por isso as diversões ancoraram este trabalho nos mitos fundadores da América. Não é de se admirar, então, que os cartunistas se apropriem disso para o benefício de sua história.

- Jean Leon Gerome Ferris, The First Thanksgiving , 1912.

É difícil ser mais clichê do que esta obra de Jean Leon Gerome Ferris , que retrata o primeiro “ agradecimento ” , misturando um bando de colonos altruístas com uma tribo de índios dóceis e gananciosos, determinados a dividir o peru juntos. Uma representação (muito) idealizada da narrativa americana, e historicamente (muito) imprecisa.

- Emanuel Leutze, Washington cruzando o Delaware , 1851.

- James Abbott McNeill Whistler, Arranjo em Cinza e Preto No. 1, 1871.

James Abbott McNeill Whistler, Arrangement in Gray and Black No. 1, 1871.

- Andrew Wyeth, Christina's World , 1948.

• O casal emblemático da cultura francófona  

Também na França, estamos testemunhando saborosas refilmações de símbolos culturais de unidade nacional .
Nossa pequena pepita de língua francesa, Asterix , nos ofereceu uma delicada reinterpretação de nosso mito revolucionário : a Liberdade conduzindo o Povo , assim como nosso mito dramático , instalado ao lado do Museu do Louvre: A Jangada da Medusa . Uma reabilitação ideal para ilustrar as dificuldades dos piores piratas da história da pirataria.

• Por prazer

Para finalizar, compilamos aqui algumas referências inclassificáveis : Às vezes, as homenagens simplesmente destacam o talento ou a influência de um artista, e dizem respeito mais ao exercício do estilo do que ao real interesse do roteiro.

Este é o caso de "The Avengers Art Appreciation" projeto acompanhou o lançamento nos cinemas dos Vingadores de grande sucesso em 2012: dezenas de ilustradores me diverti imaginando capas de quadrinhos inspirados por artistas lendários e cone icónico i da história da arte.