Pod Wieżą Eiffla: francuskie ruchy artystyczne badane poprzez Artmajeur

FAZY MARZEŃ (2002) Malarstwo Andrieja Buriaka

Artmajeur i ewolucja sztuki francuskiej

Spróbuj przespacerować się ulicami Paryża w otoczeniu ludzi w beretach, koszulach w paski i z bagietką pod pachą, wdychając powietrze przepełnione kreatywnością i sztuką (ach, te stare, kochane klisze!). Niemniej jednak Francja była kolebką wielu ruchów artystycznych, które pozostawiły niezatarty ślad w historii sztuki. W XII wieku sztuka gotycka zrewolucjonizowała architekturę i sztukę sakralną dzięki imponującym katedrom i kolorowym witrażom. Później, w XVIII wieku, rozwinął się styl rokoko, charakteryzujący się lekkim, eleganckim i dekoracyjnym stylem, którego głównymi przedstawicielami stali się artyści tacy jak Jean-Honoré Fragonard.

W XIX wieku szkoła Barbizon stanowiła ważny kamień milowy we francuskim malarstwie pejzażowym, a artyści skupiali się na realistycznym przedstawieniu natury. Ruch ten utorował drogę realizmowi, na którego czele stał Gustave Courbet, którego celem było przedstawienie życia codziennego i warunków społecznych z dużą dokładnością i bez idealizacji.

Wkrótce potem impresjonizm wyłonił się jako rewolucja artystyczna, skupiająca się na przedstawianiu światła i koloru za pomocą szybkich pociągnięć pędzla i scen z życia codziennego. Artyści tacy jak Claude Monet i Pierre-Auguste Renoir należą do głównych przedstawicieli tego ruchu. Neoimpresjonizm, opracowany przez Georgesa Seurata i Paula Signaca, nastąpił po impresjonizmie, wprowadzając technikę pointylizmu w celu uzyskania większej jasności w obrazach.

Szybko pojawił się postimpresjonizm, a mistrzowie tacy jak Paul Cézanne eksperymentowali z nowymi technikami i perspektywami, utrzymując związek z impresjonizmem, jednocześnie zagłębiając się w swój osobisty styl.

Na początku XX wieku fowizm przyniósł intensywne i nienaturalne kolory, a jednym z jego głównych przedstawicieli był Henri Matisse. Wkrótce potem kubizm, opracowany przez Pabla Picassa i Georgesa Braque’a, wprowadził radykalne rozdrobnienie form i nową perspektywę reprezentacji przestrzennej.

W latach dwudziestych surrealizm eksplorował świat snów i nieświadomości, prezentując dziwne i sugestywne obrazy, z André Bretonem jako centralną postacią tego ruchu.

Pod koniec XX wieku Free Figuration wyłoniła się jako ruch, który w reakcji na dominującą sztukę abstrakcyjną i konceptualną odzyskał ludzką postać i indywidualną ekspresję. Jednak na ten ruch, zrodzony we Francji, miał wpływ amerykański model złego malarstwa i neoekspresjonizmu, dlatego nie można go uważać na równi z innymi ruchami, które tak naprawdę powstały w cieniu Wieży Eiffla.

To historyczno-artystyczne badanie skupi się na czterech konkretnych ruchach: impresjonizmie, kubizmie, surrealizmie i swobodnej figuracji. Charakterystyka tych ruchów zostanie wyjaśniona poprzez analizę dzieł sztuki znajdujących się na Artmajeur.

Hołd Artmajeura dla sztuki francuskiej: od impresjonizmu po wolną figurację

Nowoczesny impresjonizm

Jak narodził się impresjonizm? Wyobraź sobie Claude'a Moneta ze sztalugami na ulicy, chcącego uchwycić ulotne wrażenia światła, podczas gdy ludzie patrzą na niego ze zdziwieniem. Impresjonizm, który narodził się we Francji pod koniec XIX wieku, był prawdziwą rewolucją artystyczną. Jej pionierzy, tacy jak Monet, Pierre-Auguste Renoir i Camille Pissarro, porzucili techniki akademickie, aby skupić się na bezpośredniej i żywej reprezentacji rzeczywistości.

Jakie są kluczowe elementy definiujące ten styl? Prace impresjonistów cechuje nowatorskie podejście do uchwycenia światła i atmosfery. Artyści impresjonistyczni często malowali na świeżym powietrzu (w plenerze), aby uchwycić zmiany naturalnego światła w czasie rzeczywistym. Używali krótkich, widocznych pociągnięć pędzla, nakładając czyste i żywe kolory bezpośrednio na płótno, bez uprzedniego mieszania ich na palecie, aby uzyskać żywy i natychmiastowy efekt.

Typowe sceny impresjonizmu obejmują pejzaże, momenty życia codziennego i zajęcia rekreacyjne, wszystkie przedstawione ze szczególną uwagą na grę światła na tematach. Ta metoda malowania nadaje obrazom poczucie ruchu i witalności, czyniąc atmosferę chwili namacalną i angażując widza w niepowtarzalne przeżycie wizualne.

Zagłębmy się teraz w współczesne interpretacje impresjonizmu. Przyjrzymy się twórczości współczesnych artystów, którzy zainspirowani tym ikonicznym ruchem wciąż go odnawiają i reinterpretują, pokazując, że dziedzictwo impresjonizmu jest żywe i żywe nawet dzisiaj.

Do najsłynniejszych przykładów impresjonistycznych krajobrazów należą „Stogi siana, poranek, Éragny” (1899) Pissarro, „Maki” (1873) Moneta i „Domy nad morzem” (1869) Degasa. Obrazy te, między innymi, reprezentują jeden z najbardziej ukochanych tematów ruchu impresjonistycznego, ponieważ artystów fascynowały zmiany światła i żywe kolory natury. Głównym celem było uchwycenie wizualnego wrażenia ulotnej chwili, a nie przedstawienie sceny z realistycznymi szczegółami.

Przyjrzyjmy się teraz obrazom „Pole tulipanów” Rimy Azatyan i „Zioła powietrzne” Tatiany Prokshiny. Co Cię od razu uderza? Jeśli uważnie przyjrzymy się pracom, dając się ponieść kontemplacji i głębokiej refleksji, dostrzeżemy wspólną perspektywę. Obydwa wydają się być namalowane pod kątem obejmującym ziemię, jakby artysta położył się na ziemi, aby uchwycić każdą roślinę, każdą grę światła i każdą subtelność krajobrazu. Jednak te dwa krajobrazy wykazują również zauważalne różnice...

„Pole tulipanów” kipi żywymi kolorami, gdzie jasne odcienie czerwonych kwiatów i intensywna zieleń liści tworzą dynamiczny kontrast, który natychmiast przyciąga wzrok. Pole wydaje się niemal falować pod wiatrem, nadając kompozycji ruch i witalność. Góry w tle po prawej stronie delikatnie wtapiają się w dal, ale pozostają oświetlone, dodając głębi scenie i dopełniając obraz harmonijnym rozkładem światła i koloru.

Natomiast „Air Herbs” przyjmuje bardziej stonowaną paletę: obraz przenika miękkie, rozproszone światło, które nadaje całej scenie niemal eteryczny charakter. Delikatne kolce wydają się kołysać delikatnie pod lekkim letnim wiatrem, dając poczucie spokoju i pogody ducha. Góry delikatnie „rozpływają się” w oddali, dodając kompozycji szczypty tajemniczości. Atmosferę wypełnia wyczuwalna cisza i wyciszenie, które znajdują odzwierciedlenie w umiejętnym wykorzystaniu delikatnych barw i delikatnych odcieni.

Podsumowując, prace te, choć różnią się kolorystyką i atmosferą, mają na celu uchwycenie esencji natury z bliskiej perspektywy, podkreślając ulotne piękno naturalnych krajobrazów.

Nowoczesny kubizm

Kubizm, rewolucyjny ruch artystyczny, który pojawił się na początku XX wieku, nadal inspiruje współczesnych artystów swoim charakterystycznym podejściem do formy i perspektywy. Kubizm, którego początki sięgają Francji, za sprawą pionierów takich jak Pablo Picasso i Georges Braque, zrewolucjonizował świat sztuki, dzieląc obiekty na kształty geometryczne i przedstawiając je jednocześnie pod wieloma kątami.

Ale jak możemy rozpoznać dzieło kubistyczne, kiedy je zobaczymy? Istota kubizmu polega na jego odejściu od tradycyjnej jednopunktowej perspektywy. Zamiast tego przedstawia złożony widok tematów, łącząc różne perspektywy w ramach jednego płótna. Stwarza to wrażenie głębi i ruchu, rzucając wyzwanie widzowi, aby zobaczył świat w nowy i abstrakcyjny sposób.

W pracach kubistycznych często występują nakładające się płaszczyzny, ostre kąty i stonowana paleta kolorów, podkreślająca formę nad kolorem. Cechy te zachęcają widza do aktywnego zaangażowania się w dzieło, łączenia fragmentarycznych elementów w spójną całość.

Teraz czas zagłębić się w temat, zgłębiając współczesne interpretacje kubizmu!

Jak można porównać obraz i rzeźbę? Może wydawać się, że to dwa zupełnie różne światy, ale możemy je połączyć, myśląc o przedmiocie i jego formie w obrębie języka jednego nurtu: kubizmu. W tym przypadku porównamy konkretnie „Beauties” Kosty Morra i „Eyes of the Soul” Marilene Salles.

W malarstwie praca wydaje się nawiązywać do typowych form okresu kubizmu analitycznego, gdzie postacie cechowała geometryczna fragmentacja rysów. Rzeczywiście, bohaterowie dzieła zbudowani są z nakładających się na siebie płaszczyzn, które w towarzystwie odważnych kolorów tworzą wrażenie głębi i wielu perspektyw w ramach jednej kompozycji. Ta dekonstrukcja widzenia pozwala widzowi na jednoczesne postrzeganie różnych aspektów postaci, tworząc dynamiczne, bogate i wciągające doświadczenie wizualne. Kontrast pomiędzy intensywnymi kolorami i ostrymi liniami pozwala wyraźnie określić cechy postaci, sprawiając, że każdy element jest charakterystyczny i natychmiast rozpoznawalny dla widza.

Jeśli chodzi o rzeźbę, wydaje się ona bardziej inspirowana kubizmem syntetycznym, ponieważ symuluje włączenie technik mieszanych w bardziej spójną strukturę. W przeciwieństwie do obrazu, dzieło łączy postacie w jedną całość o trzech twarzach, z których każda wyróżnia się odmiennym podejściem do życia. Wśród nich tylko kobieta po prawej stronie, obdarzona okiem, może bezpośrednio zaangażować widza, spotykając jego wzrok.

Na tym jednak nie kończy się dzielenie narządów, gdyż głowy mają tylko dwie piersi i jeden tułów, co jest osobliwością mającą na celu przekazanie idei wzajemnie powiązanych stanów emocjonalnych i różnych perspektyw, prezentujących holistyczne spojrzenie na ludzkie doświadczenie. Na koniec błyszczące wykończenie żywicą podkreśla cały element, dodając pracy żywotności i nowoczesności, a także wzmacniając jej efekt wizualny.

Myślisz, że skończyłem zgłębiać kubizm? Zupełnie nie! Kontynuacją podróży jest dzieło „Casanova” – obraz Carlosa Blanco Artero. Bądźcie zatem „nastrojeni”, aby poznać dalsze fascynujące wglądy w świat sztuki kubistycznej…

CASANOVA (2022) Malarstwo Carlosa Blanco Artero

Jakie arcydzieło przypomina Ci „Casanova” (2022) Carlosa Blanco Artero? Jeśli pomyślałeś o „Guernicy” Pabla Picassa, jesteś na dobrej drodze. To współczesne malarstwo od razu przywodzi na myśl ikoniczne dzieło hiszpańskiego mistrza. Dlatego konieczne jest omówienie i wyjaśnienie „Guerniki”, aby lepiej zrozumieć twórczość Carlosa Blanco Artero.

Stworzona w 1937 roku „Guernica” jest jednym z najsłynniejszych i najpotężniejszych dzieł Picassa, powstałym w odpowiedzi na bombardowanie baskijskiego miasta Guernica podczas hiszpańskiej wojny domowej. Poprzez dramatyczne użycie bieli, czerni i różnych odcieni szarości Picasso stworzył kubistyczne przedstawienie chaosu i cierpienia spowodowanego wojną. Zniekształcone i pokawałkowane postacie, z krzyczącymi twarzami i wykrzywionymi ciałami, wyrażają ból i rozpacz tego tragicznego wydarzenia. Praca jest krzykiem protestu przeciwko brutalności i grozy wojny, wykorzystującym symboliczne obrazy i złożoną strukturę kompozycyjną do przekazania jej przesłania.

„Casanova”, choć przynależąca do współczesnego kontekstu, mocno odwołuje się do estetyki i emocjonalnego oddziaływania „Guerniki”. W obrazie zastosowano przede wszystkim monochromatyczne odcienie szarości, czerni i bieli, tworząc ponurą i intensywną atmosferę. Centralna postać dzieła Artero, ze stylizowaną twarzą i rękami, zdaje się wyłaniać ze snu lub koszmaru, wywołując to samo poczucie udręki i refleksji, jakie obecne jest w postaciach „Guerniki”. Wyznaczone kontury i zniekształcone bryły tworzą efekt trójwymiarowości, przypominający kubistyczne techniki fragmentacji i rekompozycji form.

Podsumowując, prace Carlosa Blanco Artero nie tylko nawiązują do „Guerniki” pod względem kolorów i tematyki, ale prawdopodobnie niosą ze sobą przesłanie introspekcji i krytyki społecznej, które uczyniło płótno Picassa ponadczasowym arcydziełem.

Współczesny surrealizm

Widzę przede mną postać André Bretona, całkowicie pogrążonego w pisaniu rewolucyjnych słów Manifestu Surrealizmu. To właśnie w tym momencie zdefiniował istotę ruchu sformułowaniem: „czysty automatyzm psychiczny”, mający na celu wyrażenie rzeczywistego funkcjonowania myśli wszelkimi środkami – werbalnymi, pisemnymi i innymi. Narodzony na początku XX wieku surrealizm miał na celu uwolnienie twórczego potencjału nieświadomości, połączenie snu i rzeczywistości w harmonijną i zaskakującą kombinację.

Weźmy na przykład „Trwałość pamięci” Salvadora Dalego. Ten obraz z topniejącymi zegarami zawieszonymi na gałęziach i skałach jest symbolem charakterystycznych cech surrealizmu. Dziwaczne i zjawiskowe obrazy rzucają wyzwanie logice i kwestionują nasze postrzeganie rzeczywistości. Nieoczekiwane zestawienia, takie jak topniejące zegary w jałowym krajobrazie, „abstrakcyjne” formy i elementy fantastyczne, tworzą dzieło, które wywołuje zachwyt i introspekcję.

Cechy te nie są charakterystyczne tylko dla arcydzieła Dalego, ale można je rozszerzyć na wszystkie dzieła ruchu surrealistycznego. Artyści surrealistyczni posługują się podobnymi tematami i technikami, aby wywołać zachwyt i pobudzić wyobraźnię widza. Codzienne sceny często przekształcają się w niezwykłe i nieziemskie wizje, w których zwykłe przedmioty nabierają nowych, tajemniczych i odkrywczych znaczeń.

Wreszcie częste użycie żywych kolorów i misternych szczegółów w obrazach surrealistycznych angażuje widza, wciągając go w świat, w którym zacierają się granice między rzeczywistością a wyobraźnią. Te cechy zachęcają widzów do eksploracji dzieła sztuki na głębszym poziomie psychologicznym, zgłębiając ukryte zakamarki własnego umysłu.

A teraz chcę cię wziąć za rękę i poprowadzić przez fascynujące przykłady na Artmajeur!

INSOSTENIBILI LEGGEREZZE (2023) Malarstwo Cinzii Tellarini

Przykłady współczesnej sztuki surrealistycznej, takie jak „Sans” Nicolasa Souveraina i „Insostenibili Leggerezze” Cinzii Tellarini, łączą intrygujące elementy tematyczne, przede wszystkim wykorzystanie „widmowych” i przezroczystych form, które doskonale wtapiają się w niebo i otaczającą przestrzeń. Obie prace eksplorują rozkład materialności, tworząc oniryczną i niejednoznaczną atmosferę, która urzeka widza.

W obrazach pojawiają się elementy eteryczne, które zdają się tracić swoją fizyczność, zapraszając obserwatora do świata, w którym zacierają się granice pomiędzy rzeczywistością a iluzją. W pierwszej pracy Nicolas Souverain przedstawia obiekt przypominający lustro, które zdaje się utracić cielesną substancję, odsłaniając to, co wcześniej kryło się za nim. To „lustro” pokazuje ogrom zachmurzonego nieba, które styka się z horyzontem i przechodzi w szare morze poniżej. Spokojny krajobraz, „zaburzony” tym surrealistycznym elementem, przywołuje na myśl iluzoryczne triki często kojarzone z twórczością René Magritte’a. Spokój sceny kontrastuje natomiast z „niepokojącą” obecnością przejrzystego lustra, skłaniającego do refleksji nad percepcją, rzeczywistością i wyobraźnią.

Natomiast „Insostenibili Leggerezze” Cinzii Tellarini mówi o rozpadzie materii, nadając kształt postaciom ludzkim, które utraciły cielesny ciężar, przemieniając się w tańczące chmury. Postacie te, swobodnie unoszące się w powietrzu, usytuowane są nad metafizycznym pejzażem przypominającym dzieła Giorgio de Chirico. Rzeczywiście, podstawowe elementy architektoniczne, z ich wydłużonymi cieniami i klasycznymi formami, dodają scenie tajemniczości i ponadczasowości. Wreszcie, wracając do wspomnianych postaci, one, obecnie nieważkie chmury, ucieleśniają poczucie wolności i eterycznego piękna. W tym kontekście to właśnie zestawienie unoszących się w powietrzu postaci i solidnego, uporządkowanego otoczenia tworzy dynamiczne napięcie, podkreślając kontrast pomiędzy tym, co cielesne i transcendentalne.

 MON COEUR (2023) Malarstwo Ailin