HOLD ME (2023) Rysunek: Elzem.

Malarstwo tureckie: wprowadzenie do czegoś, czego możesz się nie spodziewać!

Czy malarstwo istnieje w każdej cywilizacji? A może są ludzie, którzy powstrzymali się od jej praktykowania? Zadajemy sobie to pytanie, gdy nieobciążeni jeszcze pojęciami podchodzimy do historii sztuki tureckiej, szczególnie znanej z architektury, sztuki zdobniczej, kaligrafii i iluminowanych kodeksów, ale zdecydowanie mniej kojarzonej z bardziej typowym wizerunkiem prototypowego francuskiego malarza brodatego, zawsze chcący zatracić się w chwytaniu natury pędzlem, sprytnie ustawiając swoją sztalugę na otwartej przestrzeni, czy też sztalugę żarliwego włoskiego artysty, który pogrążony w bólu życia, który melancholijnie dotyka jego egzystencji, poświęca się uwiecznianiu szyj swoje modele w nieco nadmiernie wydłużony sposób. Próbując wyjść poza te przestarzałe zachodnie klisze, warto doprecyzować, jak przez sztukę turecką należy rozumieć wszystkie dzieła pochodzące z terenów dzisiejszej Turcji, łącznie z obydwoma zewnętrznymi elementami artystycznymi Turków, którzy tam przybyli średniowiecza oraz te, które wytworzyły ludy kultur je poprzedzających, takie jak Hetyci, starożytni Grecy i Bizantyjczycy. W tym bogatym kontekście z pewnością wyróżniała się sztuka osmańska, będąca wyrazem dobrobytu tytułowego transkontynentalnego imperium tureckiego, które istniejące w latach 1299–1922 przejawiało swoje cechy stylistyczne w najpopularniejszym wyrażeniu architektonicznym, rozumianym jako synteza stylu śródziemnomorskiego oraz wpływy bliskowschodnie, których celem było zapoczątkowanie budowy rozległych przestrzeni wewnętrznych ograniczonych ogromnymi kopułami. Zdecydowanie europocentryczny punkt widzenia podkreślałby marginalną rolę malarstwa w tym kontekście do tego stopnia, że – zgodnie z naszymi zachodnimi koncepcjami – można nawet twierdzić, że mocniej wyraziła się ona dopiero w okresie modernizacji Imperium Osmańskiego , które miały miejsce od XIX wieku, ale w pewnym stopniu występowały już w XVIII wieku, doprowadziły do wyjaśnienia większego wpływu współczesnych stylów europejskich na sztukę turecką. Pionierem pod tym względem był z pewnością turecki malarz Osman Hamdi Bey, wykształcony w Paryżu członek osmańskiej elity administracyjnej, który jako pierwszy pobudził swoich rodaków do patrzenia na przykład sztuki zachodniej. Narracja, która trwa do dziś, częściowo dzięki twórczości tureckich artystów, czyli adoptowanych Turków, Artmajeur, została z pewnością pobudzona przez inne decydujące postacie w malarstwie tego kraju, a mianowicie mistrzów XX wieku kalibru İbrahim Çallı, Hikmet Onat, Fahrelnissa Zeid, Fikret Muallâ Saygı, Hale Asaf, Bedri Rahmi i wielu innych…

PORTRET RÓŻOWY B (2023) Malarstwo Aleksandra Ilicheva.

5 tureckich malarzy Artmajeur, których koniecznie musisz znać!

Aleksandr Iliczew: Różowy portret M

Całe płótno zajmuje obecność dwuznacznej postaci kobiecej, w tym sensie, że ułożenie kolorów w nakładających się na siebie plamach, z których każda ma inne odcienie chromatyczne, utrudnia zrozumienie zarówno rzeczywistego odcienia włosów modelki, jak i kolorystyki jej cera. Taki „opalizujący” efekt nadano szerokimi pociągnięciami pędzla, forsi w zamierzeniu miały wywołać rodzaj „tłustego” puentylizmu, częściowo przerywanego obecnością subtelnych linii, wykonanych prawdopodobnie ogonem pędzla, które miały pojawiać się tu i ówdzie , jakby przypominając nam o nieuniknionej obecności atmosfery. W każdym razie, pomimo wystudiowanej realizacji tematu, na widok narzuca się po prostu twarz dziewczyny na pierwszym planie, która chcąc założyć okulary, pozbawia widza bardziej intymnego kontaktu ze swoją osobą , pozostając po części nieco tajemniczy. Powyższe cechy stały się obecnie swoistą sygnaturą stylistyczną Aleksandra Iliczowa (1958), malarza rosyjskiego, ale z adopcji Turka, który zajmuje się głównie tematyką kobiecą i ją przedstawia, co stara się urzeczywistnić poprzez instynktowny proces twórczy, mający na celu szybko kształtując swoje pomysły, a także mające głównie na celu uchwycenie psychologii swoich bohaterów.

IN MY HEART (2010) Malarstwo Hüseyina Ak.

Hüseyin Ak: W moim sercu

Malarstwo Hüseyina Aka, zdominowane przez jaskrawo żółte pociągnięcia pędzla, w których odnajduje się wiele postaci w akcji, okazuje się trudne do interpretacji, chyba że korzystając z wyobraźni i sugestii, jaką daje nam sam tytuł dzieła, spróbujemy zrekonstruować rodzaj sekwencji filmowej, mającej rozpocząć się od bohatera, który zgodnie ze słowami „W moim sercu” zagląda do wnętrza swojej bluzki, siedziby uczuć, w której odnajduje wspomnienie o ukochanej, czyli kobiecie postać, która prawdopodobnie powtarza się także u pozostałych trzech kobiet biorących udział w tej pracy. Wydaje się zatem, że ów kochanek przemówił do ucha artysty, aby opisać, a następnie zlecić mu namalowanie kilku pamiętnych scen z jego małżeńskiego życia, w których pojawia się także inna postać, która z wąsami i drinka, wydaje się zdecydowanie niezwiązane z omawianą opowieścią. Właśnie ten ostatni zdaje się podchodzić do poszczególnych scen chłodno, przyjmując tę samą bezstronną postawę co widz, który nie zawsze potrafił wczuć się w fakturę miłosnych wspomnień. Wreszcie, mówiąc o artyście w Artmajeur, Hüseyin Ak jest współczesnym malarzem tureckim, którego twórczość wyróżnia się tworzeniem obrazów olejnych i mieszanych, w których głównym tematem jest zdecydowanie interakcja, która może mieć miejsce zarówno między ludźmi lub pomiędzy ludźmi a przedmiotami, tematami uwydatnionymi jednak poprzez zastosowanie tła o kontrastujących kolorach, mających przywołać fantastyczną przestrzeń, na przykład krainę wyobraźni.

KIEDY MARZENIA SIĘ SPEŁNIAJĄ (2023) Malarstwo Marii Raskin.

Mariia Raskin: Kiedy marzenia się spełniają

Co się stanie, gdy marzenia się spełnią? Dla niektórych pies zacząłby mówić, dla innych byłby w stanie wzbić się w powietrze, dla bardziej przekupnych portfel nagle eksplodowałby pięćset euro! Chciałem to powiedzieć, żebyście zrozumieli, jak tytuł obrazu Raskina może nawiązywać do nadejścia epoki, w której w odcieniach czerwieni i fioletu spełnią się wszystkie nasze tęsknoty. Rzeczywiście, odwołując się do słów malarki, odkrywa, jak symbolizuje samo to dzieło, zarówno sposób, w jaki konstruowane są nasze sny, jak i proces ich urzeczywistniania. Wydawałoby się niemal zrozumiałe, że skąpiec, obserwując obraz, znajdzie chwalebny sposób lub nieoczekiwany chwyt na zarobienie pieniędzy, podczas gdy samotna kobieta, obserwując jego barwy, będzie w stanie rozpoznać odpowiedniego partnera dla siebie. jej strona. Może się to Wam wydawać dziwne, ale z pewnością jest w tym wszystkim ziarno prawdy, że sztuka, będąca niekwestionowanym narzędziem kontemplacji, pomaga nam też czasem nawiązać kontakt z samym sobą, promując zdrowy mechanizm introspekcji, która poprzez wiedzę o naszym bycie prowadzi nas do osiągnięcia naszych najwyższych celów. O artystce natomiast Mariia Raskin to mieszkająca w Turcji malarka abstrakcyjna, której twórczość naznaczona jest obecnością energii, którą czerpie z wszechświata, a także wspaniałością natury i radością życia, którą umiejętnie przeżywa oddane przez jej abstrakcyjne pejzaże lub portrety.

WENUS POCIESZAJĄCA MIŁOŚĆ... (2022) Malarstwo Nusreta Aktaya.

Nusret Aktay: Wenus pocieszająca miłość

Temat pracy, choć dla wielu łatwo rozpoznawalny, jest wyraźnie określony przez białą literę, która pojawia się u góry i po prawej stronie wspornika, gotowa ujawnić nam, jak mały bohater, wyrywający się z ramion, nagiej kobiety, to Eros, czyli Kupidyn, postać mitologiczna, która przemienia wspomnianą postać kobiecą w Afrodytę: matkę małego skrzydlatego dziecka. Inne „anegdoty” na temat obrazu ujawnia sam artysta, gotowy oświadczyć, że jego obraz olejny w rzeczywistości przedstawia unikalny, niepublikowany i oryginalny remake bardziej przestarzałego „Wenus pocieszająca miłość”, arcydzieła znanego rokokowego malarza datowanego na 1751 rok François Boucher. Wynika z tego, że oba obrazy przedstawiają moment, w którym Afrodyta ma zamiar rozbroić Kupidyna, zabierając mu strzały, których używa pucołowaty chłopiec, strzelając do ludzi, aby się zakochać, scena, której biernym świadkiem są putta i para łabędzi. W tym miejscu jednak konieczne jest odnalezienie elementów odróżniających obie prace, których rozpoznaniem jest fakt, że artysta Artmajeur celowo nadał swoim odcieniom różu nieco kremowy posmak, aby połączyć je z większą dynamiką, jaką prezentują wizerunki , które zdecydowanie mniej statyczne i nabożne, nabrały szczypty żywej współczesności, w której białe litery zdawały się nawiązywać do współczesnego świata kolorowych magazynów, w którym z pewnością znalazłyby miejsce sławne postacie, takie jak Eros.

OSTATNIA POKUSA ODALISQUE (2021) Malarstwo Yiğita Dündara.

Yiğit Dündar: Ostatnie kuszenie Odalisque

Znaczenie, ikoniczność, nieśmiertelność czy po prostu niezapomniane piękno, z pewnością spowodowane nienaganną perfekcją wykonania, a także wykorzystaniem popularnych tematów, to tylko niektóre z osobliwości często spotykanych u największych klasyków historii sztuki, podobnie jak u Jean-Auguste- Dominique Ingres „Wielka Odaliska”, olej na płótnie, który zainspirował nie tylko tytuł, ale także cechy dzieła artysty Artmajeur, który najwyraźniej nakreślił pozę, czyniąc ją jednocześnie niezwykle aktualną dzisiaj. Istotnie, malarstwo Yiğita Dündara przedstawia detale nawiązujące do mody naszych czasów, starając się unikać nawiązań do zbyt wystawnego otoczenia i akcesoriów, aby wyraźnie nawiązać do bardziej instynktownej XX-wiecznej praktyki malowania akcji, która rozlewa się w dwóch kolorach nad ciałem postaci, podkreślając krzywiznę jej ciała, która utworzona z głowy kończy się na wysokości pośladków, fachowo ociekających błękitem i czerwienią: odcienie gdzieś pomiędzy niebem a piekłem. Dumny spokój omawianej kobiecej bohaterki przybliża nam jednak charakter artystycznych poszukiwań tureckiego malarza, którego obrazy są wizualnym odzwierciedleniem wpływu ludzkich uczuć na ciało, które z pewnością są w stanie ukazać rażącą istniejącą, ale często ignorowaną współudział sfery fizycznej i czysto sensacyjnej.