Suite n.1 (2025) 绘画 由 Paolo Cantù Gentili

Recensione critica in chiave psicoanalitico-filosofica dell'opera Suite n.1 di Paolo Cantù Gentili

Nel quadro Suite n.1, Paolo Cantù Gentili ci immerge in una danza paradossale tra gesto e significazione, tra accidentalità e volontà formale, evocando una dimensione in cui l'inconscio si manifesta attraverso la materia pittorica come un soggetto inquieto, fluttuante e sottilmente ironico. L’opera si presenta come una partitura automatica, un gesto che pare sgorgare dal profondo, eppure orchestrato con una logica interna severa quanto misteriosa. Il blu cobalto, unico colore figurativo, si offre come un residuo visivo del reale, o meglio, come la traccia fossile di un evento psichico.

L’inconscio come superficie
Il grande protagonista di questo quadro non è l’oggetto — sempre elusivo, mai del tutto riconoscibile — ma il gesto che lo genera. La linea blu, a volte grassa e altre sottilissima, segue un tragitto che rimanda al tracciato di un sogno: contorni imprecisi, ma pregnanti, si coagulano in forme liminali — una testa di profilo che sembra svanire nell’atto stesso di manifestarsi, un palloncino, una bottiglia/spruzzatore — icone banali, quasi infantili, che si caricano però di una densità psichica perturbante. Sono "oggetti transizionali" nel senso winnicottiano: rappresentano un ponte tra il mondo interno e quello esterno, tra l’Io e il Non-Io.

Questi oggetti, colti nella loro fugacità semiotica, sono come sogni che tentano di ricordarsi da soli. Essi si rifiutano di stabilizzarsi in una narrativa coerente, e così facendo resistono alla simbolizzazione piena — ciò che, per un critico psicoanalitico, è il segno più autentico del trauma, del desiderio rimosso o dell’identità scissa.

Il vuoto come verità
L’uso del bianco sporco, non omogeneo, che occupa gran parte della tela, non è un mero sfondo, ma un campo pulsante. È lo sfondo-lutto, lo sfondo-assenza, su cui si innesta il blu come una forma di resistenza. Questo bianco non è innocente: reca le tracce del tempo, della cancellazione, del passaggio — come un muro su cui si è scritto, cancellato, riscritto. È la pelle dell’opera, o meglio: il suo inconscio.

Nel suo saggio “The End of Art,” Donald Kuspit sottolinea come l’arte postmoderna sia la testimonianza di un soggetto frammentato, talvolta isterico, che cerca nella superficie dell’opera un senso di sé. In Suite n.1, Cantù sembra dare corpo a questa riflessione: il quadro è il luogo di una soggettività che non si dice mai tutta, che preferisce la fuga del segno alla confessione, la stilizzazione all’esposizione.

Il segno come sintomo
Ogni tratto è un sintomo, ogni goccia un lapsus visivo. L’elemento curvilineo che si riversa sulla tela come un nastro semovente evoca l’azione dello scriba inconsapevole — lo “scribacchino dell’Es”, come direbbe Lacan — e insieme suggerisce un movimento corporeo, quasi coreutico. È una scrittura del corpo che non si lascia leggere se non come enigmatica presenza.

Il palloncino blu che cola verso il basso — apparentemente un gioco infantile — è anche una metafora della perdita: della leggerezza che precipita, del desiderio che si scioglie. E la bottiglia-spruzzatore non è meno ambigua: dispositivo domestico o strumento di violenza? Emblema della cura o del controllo? Cantù gioca su questi ambivalenti significati senza mai fissarne uno. È proprio questa ambiguità che fa dell’opera un “luogo psichico”, un oggetto trans-estetico che ci guarda mentre lo osserviamo.

Conclusione: un’arte dell’intervallo
In definitiva, Suite n.1 non è un’opera da “capire”, ma da attraversare. È un campo in cui il soggetto (artista e spettatore) viene a contatto con le proprie scissioni, i propri fantasmi, le proprie impossibilità. Cantù non offre risposte, ma costruisce dispositivi di spaesamento. In un’epoca in cui l’immagine è ovunque, il suo gesto pittorico ritorna all’origine della traccia, al graffio originario, al balbettio del linguaggio prima del linguaggio.

Non è forse questa, per dirla con Kuspit, la funzione ultima dell’arte postmoderna psicoanalitica? Non tanto rappresentare il mondo, quanto rivelare le condizioni mentali (e quindi ontologiche) della sua rappresentabilità.