Blue Medea (2021) 绘画 由 Paolo Cantù Gentili

Blue Medea (2023) di Paolo Cantù – Una lettura critica L’opera Blue Medea di Paolo Cantù si inscrive in un linguaggio pittorico che si nutre di tensioni formali e materiche, evocando archetipi e memorie senza mai cedere alla mera decoratività. La tela è dominata da un blu potente, profondo, quasi minerale, che si staglia su un fondo nero, evocando un contrasto non solo cromatico, ma anche concettuale: luce e ombra, presenza e assenza, materia e spirito. L’impianto compositivo, giocato su larghe campiture e gesti pittorici netti, sembra richiamare le esperienze dell’Informale, ma con un rigore che evita l’abbandono espressionista. L’uso della spatola, evidente nella stratificazione del colore e nei segni che lo attraversano, conferisce alla superficie una qualità scultorea, come se la pittura fosse in tensione tra bidimensionalità e rilievo. Il titolo, Blue Medea, introduce un elemento mitologico che spinge l’osservatore oltre la semplice lettura visiva. Medea è l’archetipo del femminile dolente e distruttivo, la maga e la madre divorata dalla vendetta. Il blu, tradizionalmente associato al divino e al mistero, in questo contesto assume una connotazione ambivalente: è il colore della trascendenza, ma anche della tragedia. La forma che si sviluppa nella tela, con il suo movimento ascensionale interrotto da fratture, suggerisce un dramma in atto, una potenza trattenuta o forse un grido muto. Cantù costruisce così un’immagine che non è mera astrazione, ma una sedimentazione di memorie, di riferimenti storici e culturali. Blue Medea non è solo un quadro, ma una riflessione sulla fragilità e sulla forza, sulla dissoluzione e sulla permanenza. In questo senso, l’opera si inserisce in un filone di ricerca che guarda all’essenzialità della forma senza mai rinunciare a un contenuto emotivo e intellettuale profondo.

Blue Medea (2023) by Paolo Cantù – A critical reading Paolo Cantù’s work Blue Medea is part of a pictorial language that feeds on formal and material tensions, evoking archetypes and memories without ever giving in to mere decorativeness. The canvas is dominated by a powerful, deep, almost mineral blue, which stands out against a black background, evoking a contrast that is not only chromatic, but also conceptual: light and shadow, presence and absence, matter and spirit. The compositional structure, played on large areas and clear pictorial gestures, seems to recall the experiences of the Informal, but with a rigor that avoids expressionist abandonment. The use of the spatula, evident in the stratification of the color and in the signs that cross it, gives the surface a sculptural quality, as if the painting were in tension between two-dimensionality and relief. The title, Blue Medea, introduces a mythological element that pushes the observer beyond simple visual reading. Medea is the archetype of the painful and destructive feminine, the sorceress and the mother devoured by revenge. Blue, traditionally associated with the divine and mystery, in this context takes on an ambivalent connotation: it is the color of transcendence, but also of tragedy. The shape that develops in the canvas, with its ascending movement interrupted by fractures, suggests a drama in progress, a restrained power or perhaps a silent cry. Cantù thus constructs an image that is not a mere abstraction, but a sedimentation of memories, of historical and cultural references. Blue Medea is not just a painting, but a reflection on fragility and strength, on dissolution and permanence. In this sense, the work is part of a line of research that looks at the essentiality of the form without ever renouncing a deep emotional and intellectual content.