Edgar Degas, De dansklas, 1873-76. Musée d'Orsay, Parijs.
Op 29 april viert de wereld de Internationale Dag van de Dans, die in 1982 werd ingesteld door het Internationaal Danscomité (IDC) binnen het Internationaal Theaterinstituut van UNESCO om hulde te brengen aan alle dansvormen en -culturen. Deze datum is geen toeval: het is de geboortedag van Jean-Georges Noverre (1727-1810), ‘vader van het moderne ballet’ en auteur van Lettres sur la danse (1760).
Jaarlijks komen choreografen, dansers, scholen en instellingen samen om deze dag te vieren met evenementen, voorstellingen en reflecties. Onze viering begint met het meest iconische beeld van dans in de beeldende kunst: De Dansklas (1873-1876) van Edgar Degas, te zien in het Musée d'Orsay in Parijs. Dit is een van Degas' eerste werken gewijd aan ballerina's, het resultaat van drie jaar studie, observatie en voorbereidende schetsen. Het schilderij speelt zich af in de danszaal van de Opera van Parijs en legt een ogenschijnlijk spontaan moment vast: de beroemde choreograaf Jules Perrot geeft met de dirigeerstok in de hand les aan een jonge leerling, terwijl andere dansers uitrusten, hun outfits aanpassen of zich laten afleiden. Ondanks de zorgvuldige compositie straalt de scène de directheid van een momentopname uit – een meesterwerk dat zowel de arbeid als de alledaagse schoonheid van dans laat zien.
De compositie onderscheidt zich door de bijna fotografische omlijsting, het zachte licht dat door een onzichtbaar raam naar binnen schijnt en de bijzondere aandacht die is besteed aan de parketvloer, een onmisbaar oppervlak voor mensen die hun lichaam als expressiemiddel gebruiken. Degas idealiseert niet; Hij observeert de werkelijkheid als door een sleutelgat en laat zien wat het oog op het toneel over het hoofd ziet. Een ballerina die zichzelf koelte toewuift, een klein hondje aan haar voeten, de zichtbare vermoeidheid van de studenten: hier is niets theatraal, alles is echt.
Vincent van Gogh, Danszaal in Arles, 1888. Olieverf op doek, 65 x 81 cm, Musée d'Orsay, Parijs.
Ook andere beroemde meesterwerken uit de kunstgeschiedenis hebben de magie van dans weten vast te leggen. Elk meesterwerk heeft zijn eigen, unieke gevoeligheid, maar ze hebben allemaal de wens om de energie, vreugde of melancholie die dans uitstraalt, op doek vast te leggen.
In het werk De Bruiloftsdans (1566) van Pieter Bruegel de Oude wordt dans zowel een feest als een collectief ritueel: lichamen bewegen zich tussen bomen en tenten in een populaire draaikolk van landelijke vreugde, vermengd met de geur van bier en aarde. Met El Jaleo (1882) dompelt John Singer Sargent ons onder in de intense, viscerale flamenco: een danseres domineert het podium, op de klanken van gitaren en schaduwen die op de muren worden geprojecteerd. Het geheel trilt van theatrale spanning en rauwe passie.
Van Gogh schilderde in De danszaal in Arles (1888) een visueel energiek beeld: de ruimte is vol, de gezichten vervagen, de kleuren pulseren als een hartslag. In Marcelle Lender danst de Boléro bij Chilpéric (1897) neemt Toulouse-Lautrec ons mee achter de schermen van het Parijse theater: hier is dans spektakel en verleiding, gekleurd door ironie, kleur en decadentie.
Dan volgt de symbolische en innerlijke dans van Edvard Munch, die in De dans van het leven (1899-1900) de beweging tot metafoor voor het bestaan maakt: op een maanzee omringen drie vrouwen – jeugd, passie, eenzaamheid – de hoofdpersoon als verschijningen.
Tot slot de Dans (1910) van Henri Matisse: vijf naakte figuren houden elkaars handen vast in een oeroude cirkel. Hangend tussen hemel en aarde belichamen ze de absolute vrijheid van lichaam en geest – een eeuwig en heilig gebaar van eenheid.
Maar om verder te kijken dan de bekende canon, is het de moeite waard om even stil te staan bij vijf oude meesterwerken, die vaak over het hoofd worden gezien in het verhaal van de westerse kunst…
Egyptische muurschildering van het graf van Nebamun met een muzikant en dansers, 1370 v.Chr. BC, Londen: British Museum.
Dansers en muzikanten – Muurschildering uit het graf van Nebamun, circa 1370 v.Chr. BC, British Museum, Londen
Deze levendige scène, afkomstig van een fresco in het graf van Nebamun, illustreert perfect het belang van dans in het leven en de spiritualiteit van het oude Egypte. Twee jonge dansers bewegen sierlijk naast een muzikant die op de dubbele fluit speelt, waardoor ze de perfecte fusie van gebaar en geluid creëren.
Deze compositie werd gemaakt met behulp van de techniek van het schilderen op gips en is kenmerkend voor de Egyptische stijl van het Nieuwe Rijk: tweedimensionale figuren, duidelijke profielen, effen kleuren en strakke lijnen. De lichamen zijn geïdealiseerd, de bewegingen gestileerd maar expressief. Het tweedimensionale karakter wordt versterkt door het ontbreken van perspectief, terwijl de hiërarchie van de figuren wordt bepaald door hun positie en grootte.
De Egyptische schilderkunst was gebaseerd op een streng symbolisch en functioneel systeem. Funeraire fresco's waren niet zomaar decoraties, maar hulpmiddelen om de overledene een hiernamaals te garanderen. Ze beeldden de dagelijkse activiteiten af die met de overledene in het hiernamaals gepaard zouden gaan, zoals dansen en banketten.
De kleuren zijn afkomstig van natuurlijke materialen: rode oker voor de mannenhuid, gele oker voor de vrouwenhuid, houtskool voor zwart en koperzouten voor blauw en groen. Elk detail, van kleding tot kapsels, getuigt van de verfijning en het sociale belang van de personages.
Dit ogenschijnlijk feestelijke tafereel onthult een wereld waarin kunst, dans en spiritualiteit nauw met elkaar verweven zijn.
Dansles – Attische roodfigurige hydria, circa 430 v.Chr., toegeschreven aan de Phiale-schilder, British Museum, Londen
Dansles – Attische roodfigurige hydria, circa 430 v.Chr., toegeschreven aan de Phiale-schilder, British Museum, Londen
Deze elegante Attische roodfigurige hydria, oorspronkelijk afkomstig uit Capua en nu te zien in het British Museum, verbeeldt een scène van dansinstructie: twee jonge meisjes dansen onder het waakzame oog en de begeleiding van twee volwassen figuren, waarschijnlijk een leraar en een fluitist, in een setting die op harmonieuze wijze educatie, kunst en ritueel combineert.
Toegeschreven aan de Phiale-schilder, een meester die actief was in het midden van de 5e eeuw v.Chr. Dit werk dateert van rond 1000 voor Christus en illustreert perfect de klassieke stijl van de Atheense vaasschilderkunst: goed geproportioneerde lichamen, vloeiende bewegingen en precieze details, mogelijk gemaakt door de roodfigurige techniek. De zwarte achtergrond versterkt hier de helderheid van de figuren, die met gratie en natuurlijkheid naar voren komen, met fijne contouren en delicate toetsen.
De roodfigurige techniek, ontwikkeld in Athene rond 530 v.Chr. De stijl van de zwarte figuren werd in de 18e eeuw voor Christus toegepast en bood een grotere vrijheid in anatomische weergave en expressie van beweging vergeleken met de eerdere zwartfigurige techniek. In deze hydria wordt de dans in zijn vitale impuls gevangen: de twee jonge meisjes in korte tunieken bewegen in unisono, in symmetrische poses die beweging en harmonie suggereren. Het educatieve aspect van het tafereel, dat waarschijnlijk is afgeleid van het Griekse paideia dat was voorbehouden aan jonge adellijke vrouwen, wordt versterkt door de aanwezigheid van volwassen figuren die observeren en begeleiden.
Graf van de Dansers – Fresco, 5e eeuw v.Chr. J.-C., Ruvo di Puglia, Nationaal Archeologisch Museum van Napels
Graf van de Dansers – Fresco, 5e eeuw v.Chr. J.-C., Ruvo di Puglia, Nationaal Archeologisch Museum van Napels
De fresco's op het Graf van de Danseressen behoren tot de meest fascinerende voorbeelden van begrafeniskunst in Zuid-Italië en bieden een uniek inzicht in de wereld van de Apulische dans uit de 5e eeuw voor Christus. Deze schilderingen zijn gemaakt op tufstenen platen en sierden ooit een prestigieus graf, waarschijnlijk dat van een aristocratische krijger. Ze worden nu bewaard in het Nationaal Archeologisch Museum van Napels.
De hoofdscène toont een lange stoet van vrouwenfiguren die op een rij dansen, verenigd in een vloeiende en ordelijke choreografie. De dansers, gehuld in peplos en capes in felle kleuren (rood, blauw, geel), houden niet de hand van hun beste gezelschap vast, maar die van hen die zich voor of achter hen bevinden, waardoor een syncopisch en harmonieus visueel ritme ontstaat. Sommigen dragen rode hoofdbanden rond hun hoofd en kin, anderen dragen oorbellen. Drie van hen zijn qua activiteit het meest mannelijk. Het zijn waarschijnlijk muzikanten of rituele gidsen.
De afgebeelde dans zou kunnen verwijzen naar een begrafenisritueel, een plechtige processie of de geranos, een symbolische dans die verband houdt met de mythe van Theseus. Het sterke rituele aspect wordt versterkt door de processiegerichte compositie en de lineaire expressiviteit van de gezichten en gebaren.
Qua stijl behoudt het werk archaïsche elementen, zoals tweedimensionale weergaven en duidelijke profielen, maar het zit vol met verhalende details: kleding, kapsels, schoenen en zelfs gezichtsuitdrukkingen. Het gebruik van cinnaber en andere kostbare pigmenten getuigt van de hoge status van de opdrachtgever en de artistieke verfijning van de schilders.
Deze fresco's verheerlijken niet alleen de rol die dans speelt in leven en dood, maar vormen ook een zeldzaam voorbeeld van de samenvloeiing van de Griekse cultuur en de Italische traditie, waarbij kunst een brug vormt tussen gebaar, mythe en herinnering.
Dansers in het Triclinium-graf, 470 v.Chr. BC, Nationaal Museum van Tarquinia
Dansers in het Triclinium-graf, 470 v.Chr. BC, Nationaal Museum van Tarquinia
Triclinium-tombe - Fresco's, circa 500-475 v.Chr. V.Chr., Necropolis van Monterozzi, Tarquinia, Nationaal Etruskisch Museum. Het Graf van het Triclinium is een van de meest uitzonderlijke voorbeelden van Etruskische funeraire schilderkunst en een symbool van de verfijnde artistieke cultuur van Tarquinia. Ontdekt in 1830 en daterend uit de periode 500-475 v.Chr. De kerk dateert uit de 10e eeuw voor Christus en dankt haar naam aan de banketscènes die op de muren zijn afgebeeld, waarbij muzikanten en dansers het hiernamaals verlevendigen met beweging, ritme en kleur.
Het interieur van de tombe bestaat uit één rechthoekige ruimte met fresco's op de muren die een openluchtbanket oproepen. Op de achterwand liggen mannen en vrouwen op tricliniumbanken te feesten, terwijl op de zijwanden scènes te zien zijn van dans en muziek tussen bomen, vogels en decoratieve motieven die verwijzen naar de natuur en de vreugde van het leven.
De scène met een mannelijke en vrouwelijke danser, vastgelegd in één lichte en gecoördineerde pas, is bijzonder interessant: hun gebaren zijn breed en expressief en hun kleding zweeft met hun bewegingen. De schilder, die waarschijnlijk een opleiding in de Griekse schilderkunst heeft gevolgd, toont een buitengewone gevoeligheid voor de weergave van anatomie en de dynamiek van beweging, door middel van vloeiende lijnen en intense kleuren die ook vandaag de dag nog opvallend levendig zijn.
Dans heeft hier een diepe symbolische waarde: het is niet zomaar vermaak, maar de uitdrukking van een sereen bestaan na de dood, een typische visie uit de Etruskische wereld. Het gedanste gebaar is een viering, een herinnering en een continuïteit, terwijl de muziek en het banket een vreugdevolle en gedeelde eeuwigheid oproepen.
De Griekse invloed is merkbaar in de compositie, de kostuums en de stijl van het schilderij, maar de visie op leven en dood is duidelijk Etruskisch. Zo combineert de Tombe van het Triclinium formele elegantie en spiritualiteit, en vertelt met lichtheid en gratie over dans als een brug tussen twee werelden.
Cimbaalspeler, 1e eeuw v.Chr. – Fresco, Pompeii: Villa der Mysteriën
Cimbaalspeler, 1e eeuw v.Chr. – Fresco, Pompeii: Villa der Mysteriën
Op een van de beroemdste fresco's in de Villa der Mysteriën in Pompeii danst een jonge vrouw met gratie en plechtigheid terwijl ze cimbalen vasthoudt. Deze scène vormt het slot van de uitgebreide frescocyclus die het triclinium van de villa siert: een Dionysisch ritueel dat culmineert in de symbolische en spirituele bevrijding van de ingewijde.
De danser, waarschijnlijk een maenade, vertegenwoordigt het laatste moment van de initiatie, wanneer de adept, inmiddels getransformeerd, zijn mystieke vereniging met de god viert door middel van dans en muziek. Haar lichaam is in volle beweging vastgelegd, gedrapeerd in een vloeiende stof die de beweging van haar torso volgt. Hierdoor ontstaat een levendig, dynamisch beeld dat het statische oppervlak van het fresco doorbreekt.
Het werk is gemaakt met behulp van de megalografietechniek en toont levensgrote figuren op een Pompejaanse rode achtergrond, een kleur vol rituele en symbolische betekenissen. Het is een uitzonderlijk voorbeeld van de tweede Pompeiaanse stijl, waarbij de architectonische ruimte door middel van schilderkunst wordt gesuggereerd om diepte en dramatische intensiteit toe te voegen.
Op een van de beroemdste fresco's in de Villa der Mysteriën in Pompeii danst een jonge vrouw met gratie en plechtigheid terwijl ze cimbalen vasthoudt. Deze scène vormt het slot van de uitgebreide frescocyclus die het triclinium van de villa siert: een Dionysisch ritueel dat culmineert in de symbolische en spirituele bevrijding van de ingewijde.
De danser, waarschijnlijk een maenade, vertegenwoordigt het laatste moment van de initiatie, wanneer de adept, inmiddels getransformeerd, zijn mystieke vereniging met de god viert door middel van dans en muziek. Haar lichaam is in volle beweging vastgelegd, gedrapeerd in een vloeiende stof die de beweging van haar torso volgt. Hierdoor ontstaat een levendig, dynamisch beeld dat het statische oppervlak van het fresco doorbreekt.
Het werk is gemaakt met behulp van de megalografietechniek en toont levensgrote figuren op een Pompejaanse rode achtergrond, een kleur vol rituele en symbolische betekenissen. Het is een uitzonderlijk voorbeeld van de tweede Pompeiaanse stijl, waarbij de architectonische ruimte door middel van schilderkunst wordt gesuggereerd om diepte en dramatische intensiteit toe te voegen.
Olimpia Gaia Martinelli