Eigentijds zelfportret: tussen selfie en traditie

Anastasia Shchurina, 2021 , 2021. Schilderij, Acryl / Lak / Tempera op MDF-plaat, 75 x 55 cm.

Het genre van zelfportret

Het zelfportret is een figuratieve voorstelling die de kunstenaar maakt om zichzelf te vereeuwigen. Dit artistieke genre, dat een subcategorie van het traditionele portret vertegenwoordigt, werd in Italië geboren tijdens de vernieuwing die het renaissance-picturale onderzoek teweegbracht, onlosmakelijk verbonden met de nieuwe antropocentrische opvatting van het individu. In feite leidde deze nieuwe verheffing van de mens ertoe dat kunstenaars zich bewust werden van hun rol en het belang claimden van hun eigen artistieke creatie. In deze context werd het zelfportret een soort handtekening op de productie, of liever een instrument waarmee de grote meesters zich opdrongen in hun werk. Deze verandering in de perceptie van de eigen waarde, en hetzelfde verlangen om het voor het publiek te benadrukken, blijkt uit het iconische zelfportret van Dürer (1500), waarin de schilder zichzelf schilderde in de gelijkenis van Christus. Vanaf dit moment is de geschiedenis van het zelfportret door de eeuwen heen gegaan, evoluerend in stijlen, in de perspectieven van afbeelding en in de verheerlijking van psychologische introspectie, zoals blijkt uit de populaire portretten van Titiaan, Rembrandt, Goya, Van Gogh en Warhol.

Katalin Macevics, Selfie , 2021. Acryl op doek, 59,4 x 42 cm.

Ivaan Hansen, Chippado and the Smartphone Monkey , 2019. Schilderij, acryl / Digitale print / Digitaal schilderen op canvas, 180 x 150 cm.

De selfie: het hedendaagse zelfportret

Elke dag worden er over de hele wereld ongeveer 93 miljoen selfies gemaakt, die voor het grootste deel bedoeld zijn om sociale platforms te verrijken, met als doel een handvol likes te krijgen. Maar zijn we er zeker van dat deze nieuwe trend, die ogenschijnlijk zeer oppervlakkig is, geen diepe houdingen heeft opgespoord, die al door de grootste meesters uit het verleden zijn onderzocht? Op deze vraag kunnen we bevestigend antwoorden, juist omdat het, de hedendaagse obsessie voor het beeld, een echte vorm van persoonlijke expressie lijkt te vertegenwoordigen, gericht op het nastreven van de bovengenoemde intentie om de eigen identiteit te vieren en te emanciperen. In feite had de kunstenaar al in Dürers Zelfportret in Dertien , gemaakt in 1484, zichzelf willen verheffen door zichzelf op een nogal spontane en natuurlijke manier te vereeuwigen, wat heel dicht bij de trends van onze tijd blijkt te staan. Zelfs in het Zelfportret met bontjas benaderde dezelfde meester de hedendaagse wereld, omdat hij, door zijn sociale status te benadrukken, anticipeerde op de selfie-isten, die de neiging hebben zichzelf te presenteren als unieke en gedistingeerde mensen, pronkend met elite goederen en attitudes. Daarnaast delen zelfportretten en selfies ook het feit dat ze zijn ontstaan uit het idee of de wens om een zinvol deel van het leven te bevriezen, ondanks het feit dat deze laatste vaak niet authentiek zijn. Selfies worden inderdaad vaker wel dan niet geconstrueerd, gesimuleerd en aangepast om een specifiek lichaamsbeeld over te brengen, dat, nogal eufemistisch en autosuggestief, verre van realiteit is. In tegenstelling tot het bovenstaande heeft Dürer in zijn zelfportretten nooit zijn uiterlijk geïdealiseerd, maar letterlijk hyperrealistisch weergegeven. Tot slot, ook al worden hedendaagse selfies met hoge frequentie geproduceerd en vaak aangepast, ze zijn bedoeld om berichten te leveren die vergelijkbaar zijn met die van de meest iconische zelfportretten, aangezien ze fungeren als woordvoerders van een verlangen dat inherent is aan de menselijke natuur, namelijk het documenteren van iemands leven, persoonlijkheid, uiterlijk, het dagelijks leven en gevoelens.

Emilia Amaro, moet echt zijn . Acryl op doek, 80 x 100 cm.

Emilia Amaro, ben je tevreden? , 2013. Acryl op hout, 100 x 70 cm.

Het zelfportret in de hedendaagse kunst tussen remakes, verwijzingen naar klassiekers en innovatie

Het werk van de kunstenaars van Artmajeur kan ons een synthetische en uitputtende momentopname geven van wat het zelfportret vertegenwoordigt in de wereld van de hedendaagse kunst, een genre waarmee vaak wordt geëxperimenteerd om beroemde meesterwerken uit het verleden te herinterpreteren, verwijzen naar de hoogste traditie en geven leven aan innovatieve interpretaties. Om te illustreren wat gezegd is, wordt verwezen naar het artistieke onderzoek van Mathilde Oscar, Roman Rembovsky en Nikita Van Chagov.

Mathilde Oscar, Rokende Van Gogh,   2019. Digitale foto, 60 x 40 cm.

Mathilde Oscar: Rokende Van Gogh

Het werk van de artiest uit Artmajeur, Mathilde Oscar, herwerkt door middel van fotografie en bijgevolg op een vernieuwende hyperrealistische manier Vincent van Goghs beroemde zelfportret uit 1887-88, getiteld Zelfportret met vilten hoed . Dit laatste schilderij, bewaard in het Rijksmuseum in Amsterdam, vertegenwoordigt een beslissend stilistisch keerpunt in het werk van de Nederlandse meester, aangezien hij, die Paul Signac in Parijs had ontmoet, het pointillisme opnieuw interpreteerde en het beeld construeerde door het gebruik van brede, parallelle penseelstreken. Bovendien blijkt zelfs het chromatische bereik van het kunstwerk nieuw te zijn voor Van Gogh, aangezien het, met een voorkeur voor het gebruik van lichtere en fellere kleuren, duidelijk heeft geleden onder de invloed van de kunst van Gauguin en Toulouse-Lautrec. Dit meesterwerk is echter zeker ook iconisch gemaakt door de serieuze uitdrukking waarin de meester zichzelf wilde portretteren, sterker nog, hij wendt de kijker een intense en melancholische blik toe die, vergezeld van een licht gebogen mond, bedoeld is om expliciet te maken zijn innerlijke drama. Het is precies dit tastbare lijden dat het portret zijn sterke aantrekkingskracht en emotionele betrokkenheid geeft en het uniek maakt in zijn genre. In deze context lijkt de fotografie van Oscar heel dicht bij het origineel, omdat de blik van het model vast op de kijker rust, zelfs als de door de rook verborgen mond de atmosfeer meer mysterieus dan tragisch maakt.

Roman Rembovsky, Zelfportret, 2006.   Olieverf op doek, 100 x 90 cm.

Roman Rembovsky: Zelfportret

Het kunstwerk van de kunstenaar van Artmajeur, Roman Rembovsky, vertegenwoordigt een zelfportret van de kunstenaar vastgelegd in zijn atelier, een locatie die onuitwisbaar verbonden is binnen een enorme traditie met meesters van het kaliber Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Francisco de Goya en Amedeo Modigliani. Toch lijkt de houding van Rembovsky's artistiek onderzoek dichter bij die van Giorgio de Chirico's Zelfportret uit 1935, waarin de Italiaanse kunstenaar vereeuwigd wordt, penseel in de hand, de toeschouwer strak aanstarend. In het laatste geval lijkt de meester echter bijna verrast op het moment dat hij aan het schilderen was, terwijl in Rembovsky's olieverf de ezel vreemd genoeg vrij van canvas lijkt. Waarschijnlijk is het de bedoeling van laatstgenoemde kunstenaar om de voorkeur te geven aan de viering van zijn imago boven die van zijn activiteit. Op dezelfde manier wilde De Chirico, in veel van zijn andere zelfportretten, zijn karakter meer verheerlijken, net als in de werken in kostuum. Ten slotte plaatsen de kenmerken van Rembovsky's olie hem in de hoogste traditie van portretkunst.

Nikita Van Chagov, Mentalistisch zelfportret , 2020. Olieverf op linnen doek, 52,1 x 47 cm.

Nikita Van Chagov: Mentalistisch zelfportret

Ten slotte kunnen we voor wat betreft zelfportretten, die een heel persoonlijke versie van het genre vertegenwoordigen, verwijzen naar het schilderij van de kunstenaar uit Artmajeur, Van Chagov, getiteld Mentalist self portrait. Juist deze olie, met een sterk surrealistische inslag, wil een karakteristiek en uniek manifest zijn van de identiteit van de kunstenaar, die tot uiting komt in zijn ware robotachtige aard. Dit verlangen om de kijker te verbazen is ook terug te vinden in Salvador Dali's Zacht zelfportret met gebakken spek uit 1941, dat op dezelfde manier een ongewone en fantasierijke versie van de kunstenaar opleverde.