Met de komst van de Salon du dessin 2025 , die verzamelaars, experts en liefhebbers van over de hele wereld samenbrengt in het Palais Brongniart in Parijs , is dit het perfecte moment om de fundamentele rol van tekenen in de kunstgeschiedenis te vieren.
Van de meest delicate studies tot de meest gedurfde expressies, tekenen is altijd het hart geweest van artistieke creatie, en biedt een bevoorrechte blik in de geesten van de grootste meesters. Ter ere van dit prestigieuze evenement presenteren we 10 essentiële tekeningen , tijdloze werken die de evolutie van techniek, visie en creativiteit vertellen.
Andrea Mantegna, Liggende man op een stenen plaat, 1470-80. Pen- en inkttekening. Trustee van het British Museum.
Andrea Mantegna – Liggende man op een stenen plaat (1470-80)
Het werk Reclining Man on a Stone Slab , gemaakt tussen 1470 en 1480 met pen en inkt , belichaamt Andrea Mantegna's buitengewone vermogen om anatomische precisie, expressief drama en ongekend illusionistisch perspectief te combineren. De afgebeelde man, met zijn half-liggende lichaam en een uitdrukking van pijn en verlatenheid , straalt een sculpturale spanning uit die hem levend en tastbaar doet lijken, bijna driedimensionaal in zijn realisme. Het kunstwerk is nu ondergebracht in het British Museum .
Deze tekening staat in directe dialoog met Mantegna's gevierde Dode Christus , bewaard in de Pinacoteca di Brera . Beide werken delen hetzelfde perspectiefonderzoek en de wens om te experimenteren met anatomische verkorting , een bepalend element van Mantegna's kunst. De tekening gaat niet vooraf aan Dode Christus , maar is er hedendaags aan , wat laat zien hoe de kunstenaar bezig was met een diepgaande verkenning van de driedimensionale weergave van de menselijke figuur . De positie van het lichaam, de extreme verkorting en de expressieve intensiteit suggereren een sterke verbinding tussen de twee werken, verenigd door dezelfde plastische spanning en fascinatie voor ruimtelijk illusionisme .
Leonardo da Vinci, Man van Vitruvius, 1490. Pen- en inkttekening op papier. Gallerie dell'Accademia, Venetië.
Leonardo da Vinci – Vitruviusman (1490)
De Vitruviusman, getekend door Leonardo da Vinci rond 1490 , is een van de meest iconische afbeeldingen in de kunstgeschiedenis. Het werk toont een man die is ingeschreven in een cirkel en een vierkant , wat de ideale verhoudingen van het menselijk lichaam demonstreert volgens de theorieën van de Romeinse architect Vitruvius .
De cirkel , die de kosmos en goddelijke perfectie symboliseert, en het vierkant , dat de aardse dimensie vertegenwoordigt, kruisen elkaar binnen de menselijke figuur, die de verbinding vormt tussen microkosmos en macrokosmos . Dit concept, afgeleid van de Platonische en Neoplatonische filosofie , weerspiegelt het Renaissance-ideaal van de mens als de maat van alle dingen .
Leonardo's stijl onderscheidt zich door zijn buitengewone anatomische precisie , het resultaat van nauwgezette studies van het menselijk lichaam. In tegenstelling tot eerdere Vitruviaanse voorstellingen, is zijn tekening gebaseerd op directe observatie , in plaats van het simpelweg repliceren van de klassieke tekst.
Leonardo da Vinci, Zelfportret, 1517-1518. Roodkrijttekening op papier. Biblioteca Reale, Turijn.
Leonardo da Vinci – Zelfportret (1517-1518)
Het Zelfportret van Leonardo da Vinci, gemaakt rond 1517 , heeft de collectieve verbeelding van het genie van de Renaissance gedefinieerd. Deze rode krijttekening op papier , gekenmerkt door een zelfverzekerde en vloeiende streek , combineert op meesterlijke wijze technische precisie en diepe psychologische introspectie . Het onderwerp, een oudere man met een door de tijd getekend gezicht , kijkt de toeschouwer aan met een doordringende en expressieve blik .
Het subtiele clair-obscur , bereikt door Leonardo's meesterlijke beheersing van rood krijt , geeft het portret een sterk gevoel van volume en driedimensionaliteit , waardoor het een bijna sculpturale kwaliteit krijgt. Zijn essentiële maar diepgaande streek , verrijkt met delicate schaduwen, benadrukt de zachtheid van de gelaatstrekken en versterkt het gevoel van diepte.
Hoewel oorspronkelijk bedoeld als een onafhankelijke tekening, heeft Leonardo's Zelfportret de wereld van de gravure sterk beïnvloed , en is het sinds de 19e eeuw gereproduceerd en wijdverspreid via prenten. Een van de vroegste reproducties werd gemaakt in 1810 , toen Giuseppe Bossi een gravure van het portret maakte voor zijn verhandeling Il Cenacolo di Leonardo da Vinci , wat de roem ervan verder verstevigde. Het werk dook weer op in 1839 , toen het deel ging uitmaken van de collectie van het Huis van Savoye , voordat het permanent werd ondergebracht in de Biblioteca Reale van Turijn .
Hoewel het algemeen erkend wordt als Leonardo's authentieke gelijkenis , hebben sommige geleerden deze identificatie in de loop der tijd in twijfel getrokken en voorgesteld dat het onderwerp Ser Piero da Vinci (zijn vader), zijn oom Francesco of zelfs een filosoof uit de oudheid zou kunnen zijn. Een vergelijking met Leonardo's bekende profieltekening in Windsor , toegeschreven aan zijn leerling Francesco Melzi , heeft echter het idee versterkt dat dit inderdaad een portret is van de Meester in de laatste jaren van zijn leven . Deze interpretatie komt overeen met een beschrijving uit 1517 door Luigi d'Aragona's secretaris , die Leonardo afbeeldde als een man van meer dan zeventig jaar oud .
Albrecht Dürer, Biddende handen, ca. 1508. Tekening. Albertina, Wenen.
Albrecht Dürer – Biddende handen (ca. 1508)
De tekening van Albrecht Dürer is een werk dat de tijd overstijgt en in de westerse wereld wordt erkend als een universeel symbool van geloof en toewijding . Gemaakt met pen en inkt op blauw getint papier , toont dit meesterwerk twee mannelijke handen die in gebed zijn samengevoegd , met slanke vingers en polsen die gedeeltelijk bedekt zijn door opgerolde mouwen .
Dürers buitengewone aandacht voor details , van het verfijnde clair-obscur tot de driedimensionale weergave , is een bewijs van zijn opmerkelijke grafische vaardigheid , waarmee hij zelfs een eenvoudige anatomische studie een diepe expressiviteit kan geven.
Traditioneel wordt de tekening beschouwd als een voorbereidende studie voor de handen van een apostel die op het centrale paneel van het Heller-altaarstuk zouden verschijnen, dat in opdracht van de Dominicaanse kerk in Frankfurt werd gemaakt en in 1729 tragisch werd verwoest door een brand . Recent onderzoek suggereert echter dat de tekening niet alleen een voorlopige studie was, maar eerder een zeer verfijnde en virtuoze bewerking van de handen die op het altaarstuk zijn geschilderd - een afbeelding die Dürer mogelijk mee terug naar Duitsland heeft genomen na zijn beroemde reis naar Italië .
Michelangelo Buonarroti, Kruisiging voor Vittoria Colonna, 1545. Houtskool op papier. Brits Museum, Londen.
Michelangelo Buonarroti – Kruisiging voor Vittoria Colonna (1545)
Gemaakt rond 1545 , Crucifixion for Vittoria Colonna is een houtskooltekening op papier toegeschreven aan Michelangelo Buonarroti , nu gehuisvest in het British Museum in Londen . Dit werk is een van de meest intieme voorbeelden van zijn grafische productie , nauw verbonden met zijn vriendschap met Vittoria Colonna , een edelvrouw en dichter die nauw verbonden was met de Reformatiekringen .
In tegenstelling tot traditionele kruisigingsvoorstellingen lijkt Michelangelo's Christus niet statisch aan het kruis , maar lijkt hij te zweven en in een roterende beweging op te stijgen . Zijn lichaam, gemodelleerd met buitengewone anatomische plasticiteit , draait op een manier die zowel pijn als spirituele verheffing overbrengt, alsof het al naar de wederopstanding is geprojecteerd. Aan weerszijden nemen twee rouwende engelen , weergegeven met essentiële lijnen , deel aan de scène met een intense emotionele lading.
De dynamische interpretatie van het lichaam van Christus kan de invloed van het katholieke reformatorische gedachtegoed weerspiegelen, dat zijn dood benadrukte als de enige weg naar individuele verlossing , en het offer als de ultieme daad van verlossing benadrukte.
Raphael Sanzio, Studie van de hoofden en handen van twee apostelen , 1519-20. Tekening. Ashmolean Museum, Oxford.
Raphael Sanzio – Studie van de hoofden en handen van twee apostelen (1519-20)
Deze voorbereidende studie voor De Transfiguratie , het grote altaarstuk dat tussen 1518 en 1520 werd geschilderd en dat zich nu in de Pinacoteca van het Vaticaan bevindt, is een buitengewoon werk dat inzicht biedt in het creatieve proces van een van de grootste meesters uit de kunstgeschiedenis .
De tekening toont twee contrasterende figuren : een jongeman met een geïdealiseerd gezicht en een oudere man met een vloeiende baard , beiden verzonken in intense emotionele deelname aan de scène van de Genezing van de Bezeten Jongen , afgebeeld in het onderste deel van het schilderij. Raphael's vaardigheid ligt in zijn vermogen om gezichten met extreme gevoeligheid te karakteriseren , waardoor het pathos van de scène bijna tastbaar wordt .
De zwarte krijtstreep , uitgevoerd met een uitzonderlijk toonbereik , zorgt voor een delicate modulatie van licht en schaduw , wat de picturale clair-obscur van het uiteindelijke schilderij voorspelt. Deze studie is niet alleen een anatomische oefening , maar een diepgaand onderzoek naar de menselijke natuur en haar conflicterende emoties .
Het vel toont ook sporen van pouncen , een techniek die wordt gebruikt om de contouren van de hoofden en handen over te brengen van een grotere, volledige voorbereidende cartoon . Dit toont aan hoe de kunstenaar de compositie geleidelijk verfijnde, waarbij hij zich concentreerde op de meest expressieve details om perfectie te bereiken in de picturale uitvoering .
Rembrandt van Rijn, Zelfportret, 1637. Rood krijt. Nationale Kunstgalerie, Washington.
Rembrandt van Rijn – Zelfportret (ca. 1637)
Binnen Rembrandts enorme collectie zelfportretten , die meer dan 40 schilderijen, 31 etsen en diverse tekeningen omvat, valt het portret met rood krijt , dat hij rond 1637 maakte en dat zich nu in de National Gallery of Art in Washington bevindt, op door zijn directheid en expressieve levendigheid .
In dit werk portretteert Rembrandt zichzelf met een breedgerande hoed en een rijk geplooid gewaad , maar het echte middelpunt van de compositie is zijn gezicht , weergegeven met zachte, vloeiende en bijna schetsmatige lijnen , waardoor de figuur een spontane en beschouwende uitstraling krijgt. Zijn directe en licht ironische blik , gecombineerd met een snelle en levendige streek , onthult niet alleen zijn technische meesterschap , maar ook zijn verlangen om zijn eigen beeld voortdurend op nieuwe manieren te verkennen .
Deze tekening is onderdeel van Rembrandts levenslange zelfonderzoek , dat hij zijn hele carrière doorliep: van zijn vroege zelfportretten , waarin hij verschijnt als een ambitieuze, opkomende kunstenaar , tot de krachtige en melancholische portretten van ouderdom , gekenmerkt door diepe schaduwen en introspectie .
Edgar Degas, Danseuse Debout, ca. 1877. Nationaal Museum voor Schone Kunsten, Buenos Aires.
Edgar Degas – Danseuse Debout (ca. 1877)
Onder de kunstenaars die de wereld van de dans met buitengewone gevoeligheid hebben vastgelegd, bekleedt Edgar Degas een ereplaats. Zijn werk Danseuse Debout (ca. 1877 ), gemaakt in pastel op papier , is een perfect voorbeeld van zijn vermogen om de beweging, gratie en inspanning van de ballerina's van de Parijse Opéra weer te geven.
De tekening toont een jonge danseres in een moment van voorbereiding : haar torso licht gekanteld, één arm gestrekt en een been omhoog , wat suggereert dat het een warming-up oefening is of een moment van evenwicht . Degas zoekt niet naar de perfecte theatrale pose, maar eerder naar het vluchtige moment, de spontaniteit van de beweging . De ballerina lijkt volledig verzonken in haar eigen wereld, zonder zelfbewustzijn of optreden , alsof ze zich niet bewust is van de blik van de kunstenaar.
De keuze voor pastels , met hun zachte streken en delicate kleurnuances , stelt Degas in staat om de helderheid van de tutu, de zijdeglans van de panty's en de balletschoenen te benadrukken. Zijn snelle en levendige lijnen lijken het figuur met energie te beeldhouwen, terwijl de ongedefinieerde achtergrond de aandacht vestigt op de actie van de danseres, waardoor haar beweging en aanwezigheid worden benadrukt.
Vincent van Gogh, Sorrow, 1882. Tekening, The New Art Gallery Walsall, Engeland.
Vincent van Gogh – Verdriet (1882)
Gemaakt in 1882 , is Sorrow een van Vincent van Goghs vroegste grafische meesterwerken , een intens en dramatisch werk dat het diepe gevoel van empathie van de kunstenaar voor de gemarginaliseerden onthult. Deze potlood- en inkttekening toont Clasina Maria Hoornik , beter bekend als Sien , een zwangere, verlaten vrouw , wiens lichaam de sporen draagt van een hard leven .
De vrouwelijke figuur verschijnt zittend, haar torso naar voren leunend, armen over haar benen gekruist , in een houding die uitputting, wanhoop en berusting uitdrukt. Haar lichaam is naakt , maar verstoken van idealisering — het is een rauwe en realistische weergave van menselijk lijden .
Het werk is voorzien van het opschrift:
"Comment se fait-il qu'il y ait sur la terre une femme seule, délaissée?" ( Hoe kan er op aarde een vrouw alleen zijn, verlaten? ), een citaat van de historicus Jules Michelet . Deze zin levert een belangrijk interpretatief element op, en onthult dat de tekening niet alleen een portret is, maar ook een sociale veroordeling van de benarde situatie van gemarginaliseerde vrouwen in de 19e eeuw .
Sien Hoornik was niet alleen een model voor Van Gogh, maar ook een vrouw met wie hij een deel van zijn leven deelde. Hij ontmoette haar op straat in Den Haag in januari 1882 — ze was zwanger, berooid en gedwongen tot prostitutie om te overleven . Van Gogh nam haar in huis en steunde haar ongeveer een jaar lang, waardoor er een band ontstond die voor hem een daad van liefdadigheid en solidariteit vertegenwoordigde .
Pablo Picasso, Faun onthult een slapende vrouw (Jupiter en Antiope, naar Rembrandt), 1936. Tate, Londen.
Pablo Picasso – Faun Revealing a Sleeping Woman (Jupiter and Antiope, after Rembrandt) (1936)
Pablo Picasso, Faun onthult een slapende vrouw (Jupiter en Antiope, naar Rembrandt), 1936
Tate, Londen.
Het werk is geïnspireerd op een episode uit de klassieke mythologie, eerder afgebeeld door Rembrandt in 1659: het verhaal van Jupiter en Antiope, waarin de god, vermomd als satyr, zich heimelijk naar de slapende prinses begeeft. Picasso’s herinterpretatie gaat echter veel verder dan de historische referentie en transformeert het thema in een beeld van sterke erotische spanning en narratieve dubbelzinnigheid.
De faun, een mythologisch figuur geassocieerd met oerinstincten en seksualiteit, buigt zich over een slapende vrouw, terwijl hij de sluier opheft die haar bedekt. Het zachte en weelderige vrouwelijke lichaam contrasteert met de agressievere en dierlijke lichaamsbouw van de mannelijke figuur, wat de dualiteit tussen passiviteit en dominantie, droom en werkelijkheid benadrukt.
Picasso maakt gebruik van een combinatie van ets en droge naald, druktechnieken waarmee hij een rijkdom aan lijnen en texturen vergelijkbaar met die van een tekening kan bereiken. Zijn vloeiende, snelle lijnen lijken bijna schetsmatig, terwijl de intense schaduwen en gekraste oppervlakken een dramatisch contrast creëren dat de spanning van de scène versterkt.
De overeenkomst tussen deze ets en Picasso’s grafische stijl is opvallend: de rusteloze, gefragmenteerde lijnvoering doet denken aan zijn potlood- en houtskoolstudies, terwijl de clair-obscur-effecten het volume en de driedimensionaliteit van de figuren versterken, alsof ze eerst op papier gemodelleerd waren voordat ze op de plaat werden geëtst.
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Magazine
