Tribale kunst sculpturen te koop

59 Originele hedendaagse sculpturen te koop:

Hoe Tribal Art stijl definiëren?

De beeldende kunst en materiële cultuur van inheemse volkeren worden tribale kunst genoemd, ook wel bekend als niet-westerse kunst, etnografische kunst of, meer controversieel, primitieve kunst. Tribale kunst heeft meestal een rituele of spirituele functie. Het ontwerp en vakmanschap van objecten uit tribale culturen, meestal met een landelijke oorsprong, wordt tribale kunst genoemd.

In de 19e eeuw beschouwden beroemde westerse kunstprofessionals niet-westerse kunst niet eens als kunst. In plaats daarvan werden deze objecten gezien als relikwieën en voorbeelden van 'exotische' of 'primitieve' samenlevingen. Maar in de tweede helft van de 20e eeuw zijn de opvattingen over tribale kunsten veranderd. Voordat het postmodernisme in de jaren zestig opkwam, zagen kunstcritici tribale kunsten voornamelijk vanuit een formalistisch standpunt, waarbij ze weinig aandacht schonken aan de symbolische betekenis, de historische of culturele context of de bedoeling van de kunstenaar met het stuk. Sindsdien wordt tribale kunst, zoals Afrikaanse kunst in westerse collecties, zeer gewaardeerd door internationale verzamelaars, tentoonstellingen en de kunstmarkt.

De uitdrukking "tribal" zou een minder verfijnde vorm van kunst kunnen betekenen die wordt geassocieerd met primitivisme en suggereert een gebrek aan vaardigheid, ontwerp, intentie of concept. Naarmate musea echter hun bezit opnieuw onderzoeken en recupereren als erkenning voor de realiteit dat tribale kunst verre van eenvoudig en primitief is en vaak een uitvoeringsvaardigheid heeft die veel verder gaat dan we verwachten, krijgt het steeds meer publieke belangstelling. Bovendien heeft het de kracht om onze ziel te bereiken. Onze innerlijke instincten kunnen worden gewekt en we verbinden ons met hun waarheid als gevolg van hun meeslepende aanwezigheid en emotionele energie, waardoor onze perceptie van spirituele diepte wordt versterkt.

Historisch gezien hebben westerse antropologen, privéverzamelaars en musea voor etnografie en natuurlijke historie tribale kunstwerken verzameld. In museumcollecties kan tribale kunst worden onderverdeeld in drie hoofdcategorieën: kunst uit Amerika en Oceanië, vooral die uit Australië, Melanesië, Nieuw-Zeeland en Polynesië; en Afrikaanse kunst, met name die uit Sub-Sahara Afrika.

Afrikaanse tribale kunst

Steengravures, houtsnijwerk (maskers en sculpturen), sieraden, mandenmakerij, textiel, pijpen, muziekinstrumenten, wapens, kralenwerk en het ontwerp van architectonische kenmerken zoals deuren en muurversieringen zijn allemaal voorbeelden van Afrikaanse tribale kunst. De ontwikkeling van deze ambachten werd beïnvloed door de toegankelijkheid van tools, middelen en knowhow; niet alle stammen die zich bezighouden met deze artistieke inspanningen. Het meest typische materiaal was hout, vaak versierd met klei, verf, schelpen, kralen, ivoor, metaal, veren, dierenhaar, raffia en in zeldzame gevallen zelfs halfedelstenen.

Afrikaanse kunst was een fundamenteel onderdeel van een allesomvattende religie. De vitale krachten die naar verluidt in alle levende wezens aanwezig waren, werden vertegenwoordigd door specifieke afbeeldingen die fungeerden als hun belichaming of vertegenwoordigers. De essentie van stamafkomst werd bewaard door deze afbeeldingen van de doden, die vaak namens hen spraken en mensen de kans gaven om contact te maken met de geesten van de voorouders. Afrikaanse tribale artefacten werden meestal gemaakt als religieuze kunst - voor een specifiek ritueel of ceremonieel gebruik - ondanks het feit dat veel van de gebruikte vormen seculiere componenten bevatten en sommige kunstwerken puur decoratief en decoratief zijn.

Inwijding in leeftijdsgroepen, zoals de 'genootschappen' van jonge mannen of oude mannen, die elk hun eigen unieke symbolen en cultusmotieven hebben, is de basis van veel stamrituelen. Dergelijke 'samenlevingen' staan bekend om hun overvloed aan gebeeldhouwde beeldjes en maskers, waarvan vele beschermgoden vertegenwoordigen, zoals de god van de donder of de god van het vuur. Hoewel houtsnijwerk door sommige samenlevingen bijna uitsluitend als luxeartikel werd vervaardigd, waren ze net zo alomtegenwoordig en populair als maskers en hadden ze een rituele betekenis. De Yoruba-stam in Nigeria waren bekwame beeldhouwers van ronde figuren en bekroonden hun typisch grote maskers vaak met hordes zeer levende poppen, waardoor de illusie werd gewekt dat er een feest aan de gang was. Beeldhouwers konden een status en bekendheid bereiken die enigszins verwant was aan die van een bekende kunstenaar in het Westen vanwege het uitstekende kaliber en de reputatie van de Afrikaanse beeldhouwkunst bij andere stammen, met name de Yoruba.

Oceanische stamkunst

De subregio Oceanië bestaat uit vier verschillende etnogeografische regio's: Polynesië, Micronesië, Melanesië en Australazië. Oceanische tribale kunst verwijst naar de culturele tradities en creatieve geschiedenis van de inheemse bevolking die in deze vier gebieden leeft. Deze Lapita-cultuur had uiteindelijk invloed op het grootste deel van Polynesië, Micronesië en Melanesië. Een andere factor was de Vietnamese Dong-Son-beschaving, die bloeide vanaf ongeveer 600 na Christus en een belangrijke handelaar was in de westelijke Stille Oceaan. Bronzen artefacten van deze beschaving zijn overal in Oceanië gevonden.

Hoewel elke regio en eilandengroep zijn unieke esthetische tradities had die zijn kunsten en ambachten vormgaven, was oceanische tribale kunst gekoppeld aan heidense gebeurtenissen waarbij het bovennatuurlijke, geestenaanbidding en vruchtbaarheid betrokken waren. Er werd een grote verscheidenheid aan kunstvormen geproduceerd, waaronder bodypainting, tatoeage, schilderen, beeldhouwen, houtsnijwerk en textielkunst, waarbij de meeste materialen die door kunstenaars en ambachtslieden werden gebruikt, bederfelijk waren. Als gevolg hiervan is slechts een klein aantal voorbeelden - met uitzondering van stenen gebouwen en sculpturen - bewaard gebleven.

De monumentale stenen sculpturen (moai) op Rapa Nui/Paaseiland en de Marquesas, die een voorbeeld zijn van het gebruik van ontwerpen met antropomorfe figuren met uitstekende tongen en uitpuilende ogen, gebruikelijk in veel oostelijke en afgelegen gebieden van Polynesië, behoren tot de beroemde voorbeelden van Polynesische kunst die hebben overleefd. Andere voorbeelden zijn onder meer zeer versierde boombastdoek in West-Polynesië.

Omdat ze werden gebruikt in gecompliceerde heidense rituelen en cultuspraktijken in heel Melanesië, waren maskers een belangrijk motief in de inheemse kunst. Micronesische tribale relikwieën omvatten ook bewerkte houten kommen, beschilderde boten en gestileerde houten maskers naast bodypainting en tatoeage. Lichaamsschildering, rotsschildering, schorsschildering, rotsgravures, staande stenen, snijwerk, beeldhouwkunst en sierversieringen op gereedschappen en wapens zijn slechts enkele voorbeelden van de talrijke stijlen en media die in de Australische Aboriginal-kunst worden gebruikt.

Amerikaanse stamkunst

De Indiaanse kunst is sterk beïnvloed door zowel de nomadische levensstijl in jagerstijl van de eerste als de iets meer statische maar desalniettemin verarmde omgeving van de latere. Een ander belangrijk aspect bij de opkomst van regionaal verschillende creatieve tradities was de toegankelijkheid van hulpbronnen zoals hout, teenwilgen, metaal, dierlijk bot, klei en katoen.

Stammen in het zuidwesten waren experts in weven, keramiek maken en fresco's maken. Deze stammen omvatten de Zuni-, Navaho- en Hopi-volkeren, evenals de Hohokam in het zuiden van Arizona, de Ansazi in het noorden van Arizona en New Mexico, de Mimbres in het zuidwesten van New Mexico en de Ansazi. Inheemse Amerikanen uit het zuidwesten vonden zandschilderen uit, ook wel bekend als droog schilderen (met name de Navajo).

In het middenwesten waren alleen stammen verantwoordelijk voor het vormgeven van de cultuur. Deze stammen stonden bekend om hun ingewikkelde textielkunst en hun bekende grondwerken, of 'beeltenisheuvels', die werden gebouwd om op verschillende dieren te lijken. Tribale kunst omvatte ook gebeeldhouwde stenen pijpen met patronen variërend van extreem realistisch tot abstract, naast gebeeldhouwde houten schalen en gepolijste stenen en koperen ornamenten.

De regio Zuidoost produceerde ook pijpen in de vorm van vogels en dieren, fijn uitgesneden schelpen en uitbundig beschilderde kledingaccessoires. Ondanks het gebruik van ondermaatse klei, stond het bekend om het produceren van voortreffelijk aardewerk. Er werden aardewerkstukken gemaakt en versierd in een verscheidenheid aan bloemen- en geometrische patronen voor ceremonieel, religieus en privégebruik.

Native American mandenmakerij was een prominente vorm van kunst aan de westkust, met name in Californië. Met name de Iroquois-stam van de Noordoost-Indianen stond bekend om hun geweven wampum-riemen, stekelvarkenquillwork en maskers van de False Face Society. De beste tribale kunst die in het noordwesten werd geproduceerd, was beeldhouwkunst, met name houtsnijwerk. Totems, kleine houten beeldjes en maskers die minutieus werden beschilderd en vaak ingelegd met stenen en abalone schelpen behoorden tot de meest populaire stijlen van handgesneden beeldhouwkunst.

Hoe tribale kunst moderne kunst beïnvloedde

Tegen het midden van de 19e eeuw, toen meer expedities tribale artefacten terugbrachten, begon de belangstelling voor wat toen bekend stond als primitivisme / primitieve kunst - typisch de kunst van zwart Afrika - te groeien. Aanzienlijke tribale kunsttentoonstellingen uit de late 19e en vroege 20e eeuw toonden ook niet-westerse kunst aan de westerse kunstgemeenschap. Belangrijke tentoonstellingen, zoals de American Indian Art uit 1941 en de African Negro Art uit 1935, werden gehouden in het Museum of Modern Art.

Kunstenaars ontdekten een model voor een alternatief voor westerse kunst in beelden van stamgoden en rituele maskers, waarvan de niet-naturalistische, sterk gestileerde vormen ook krachtige, zeer emotionele beelden bevatten. Tribale kunst had een grote invloed op beroemde kunstenaars als Vincent van Gogh en Henri Matisse, Paul Gauguin en Pablo Picasso. Het meest opvallende vroege effect was het kubisme, dat, door het beeld te fragmenteren en het perspectief op te geven, het westerse paradigma snel verzwakte door voornamelijk te putten uit de formele implicaties van tribale kunst. Abstracte kunst was hiervan een van de belangrijkste resultaten.

De Duitse groep Die Brücke begon zich rond dezelfde periode meer te concentreren op de primitieve, instinctieve en rituele elementen van niet-westerse kunst, en vestigde de grote moderne kunstbeweging die bekend staat als het expressionisme. De dadaïsten bevorderden de ineenstorting van het westerse paradigma door zich te laten inspireren door tribale kunst, kubisme en expressionisme in Zürich, New York en ten slotte Parijs. Dada's picturale of sculpturale werk bestond voornamelijk uit collage en assemblage, de driedimensionale tegenhanger ervan. Het feit dat kunst uit alles kan worden gemaakt en niet hoeft te worden geverfd, gesneden of gemodelleerd, werd bevestigd door dit werk dat is samengesteld uit gevonden materialen. De beeldtaal bevatte vaak aspecten van tribale kunst en was confronterend op politiek, sociaal of esthetisch niveau. Dada presenteerde de concepten die uiteindelijk leidden tot conceptuele kunst, waarvan de impact zich vermengde met die van de andere stromingen van moderne kunst om de enorme, brede, enorm rijke, gevarieerde en wereldwijd diverse rivier van hedendaagse kunst te creëren die de wereld momenteel geniet.

Discover contemporary artworks on Artmajeur

Contemporary art is a vibrant constellation of artistic expressions. This creative universe encompasses a wide array of mediums, from paintings, sculpture, and photography to drawing, printmaking, textile art, and digital art, each medium a star shining with its own distinct radiance. Artists use diverse supports and materials to bring their visions to life, such as canvas, wood, metal, and even innovative digital canvases for the creation of virtual masterpieces. 

A contemporary painting, for instance, may weave its story through the masterful strokes of acrylic or oil, while a contemporary sculpture might sing its song in the language of stone, bronze, or found objects. The photographic arts capture and manipulate light to produce striking images, while printmaking employs techniques like lithography and screen-printing to produce multiples of a single, impactful image. Textile art plays with fabrics and fibers, whereas digital art pushes the boundaries of creation with innovative technology. 

The allure of contemporary art lies in its boundary-pushing nature, its relentless quest for experimentation and its constant reflection of the evolving human experience. This boundless creativity, coupled with its strong social and personal commentary, makes every piece of contemporary art a unique emblem of its time, a mirror held up to the realities and dreams of our complex world. It whispers to us, moves us, provokes thought, and kindles a deep emotional response, stirring the soul of anyone willing to listen. It is, indeed, the language of emotions and ideas, spoken in the dialect of our era.

Origins and history of contemporary art

The story of contemporary art unfolds in the mid-20th century, marked by seismic shifts in artistic expression. Post-World War II, around the 1950s and 1960s, artists began experimenting beyond traditional confines, challenging the norms of what art could be. This revolutionary epoch birthed myriad new movements and artistic forms such as abstract expressionism, pop art, and minimalism. Paintings, once confined by realism, embraced abstraction, as artists used color and form to express emotions and ideas. Notable periods like the advent of pop art in the late 1950s and early 1960s saw artworks mimicking popular culture and mass media, reflecting society’s shifting focus.

The sculptural arts, too, witnessed a metamorphosis. Sculptors started to experiment with new materials and forms, often creating artworks that interacted with the viewer and the surrounding space, fostering a sense of engagement. Drawing, a timeless practice, also evolved, with artists incorporating innovative techniques and concepts to redefine its role in contemporary art.

Photography, a relatively new medium, emerged as a powerful tool in the contemporary art landscape. Born in the 19th century, it truly came into its own in the latter half of the 20th century, blurring the lines between fine art and documentation. Printmaking, a practice dating back to ancient times, saw renewed interest and experimentation with techniques like lithography, etching, and screen printing gaining prominence.

The realm of textile art expanded dramatically, as artists began to appreciate the versatility and tactile quality of fabric and fibers. Artists began using textiles to challenge the boundaries between fine art, craft, and design. 

The dawn of digital technology in the late 20th century heralded a new age for contemporary art. Digital art emerged as artists started leveraging new technologies to create immersive, interactive experiences, often blurring the line between the virtual and the physical world.

Through these transformative periods, the essence of contemporary art has remained the same: a dynamic, evolving reflection of the times we live in, continually pushing boundaries and embracing the new, always questioning, always exploring.

Evolutions of theses contemporary works in the art market

As we navigate through the 21st century, the dynamic landscape of contemporary art continues to evolve and expand, reflecting our ever-changing world. Contemporary paintings, once primarily confined to two-dimensional canvases, now embrace a multitude of forms and techniques, ranging from mixed media installations to digital creations, each piece a rich a weaving of thoughts, emotions, and narratives. Sculpture, too, has ventured far beyond traditional stone and bronze, with artists incorporating light, sound, and even motion, embodying the ephemerality and flux of the modern world.

Photography, in the hands of contemporary artists, has expanded its horizons, seamlessly blending with digital technology to create breathtaking imagery that challenges our perception of reality. Drawing, as well, has transcended the borders of paper, incorporating multimedia elements and exploratory techniques to redefine its role in the artistic discourse. Printmaking continues to flourish, with contemporary artists using traditional methods in innovative ways to deliver potent social and personal commentaries.

Textile art, once considered a craft, now holds a prominent place in the contemporary art world, with artists using it to explore issues of identity, tradition, and cultural heritage. Meanwhile, digital art, the newest member of the contemporary art family, has revolutionized the way we create and interact with art, presenting immersive experiences that blur the boundary between the virtual and the physical.

These diverse forms of contemporary art hold significant value in the current art market, not only due to their aesthetic appeal but also their ability to encapsulate and communicate complex ideas and emotions. Collectors, curators, and art lovers worldwide seek these works, drawn to their inherent dynamism, their innovative use of materials, and their eloquent expressions of our shared human experience. As a testimonial to our times, these contemporary artworks encapsulate the pulse of our society and the resonance of individual voices, forever etching our collective narrative into the annals of art history.

Famous Contemporary Artists

As we delve into the vibrant realm of contemporary art, we encounter an array of artists who shape this dynamic field. Each a master in their medium - painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile, or digital art - they push artistic boundaries, reflecting our era and challenging perceptions. Let’s explore these remarkable contributors and their groundbreaking works.

1. Gerhard Richter - Known for his multi-faceted approach to painting, Richter challenges the boundaries of the medium, masterfully oscillating between abstract and photorealistic styles. His works, whether featuring squeegee-pulled pigments or blurred photographic images, engage in a fascinating dialogue with perception.

2. Jeff Koons - A significant figure in contemporary sculpture, Koons crafts monumental pieces that explore themes of consumerism, taste, and popular culture. His iconic balloon animals, constructed in mirror-polished stainless steel, captivate with their playful yet profound commentary.

3. Cindy Sherman - An acclaimed photographer, Sherman uses her lens to explore identity and societal roles, particularly of women. Renowned for her conceptual self-portraits, she assumes myriad characters, pushing the boundaries of photography as a medium of artistic expression.

4. David Hockney - Hockney, with his prolific output spanning six decades, is a pivotal figure in contemporary drawing. His bold use of color and playful exploration of perspective convey an intoxicating sense of joy and an unabashed celebration of life.

5. Kiki Smith - An innovative printmaker, Smith’s work explores the human condition, particularly the female body and its social and cultural connotations. Her etchings and lithographs speak to universal experiences of life, death, and transformation.

6. El Anatsui - A master of textile art, Anatsui creates stunning tapestry-like installations from discarded bottle caps and aluminum scraps. These shimmering, flexible sculptures blend traditional African aesthetic with contemporary art sensibilities, speaking to themes of consumption, waste, and the interconnectedness of our world.

7. Rafael Lozano-Hemmer - A leading figure in digital art, Lozano-Hemmer utilizes technology to create interactive installations that blend architecture and performance art. His work, often participatory in nature, explores themes of surveillance, privacy, and the relationship between people and their environments.

Notable contemporary artworks

The contemporary art landscape is a dynamic patchwork of diverse expressions and groundbreaking ideas, each artwork a unique dialog with its audience. Here are a selection of some renowned contemporary artworks, spanning various media such as painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile art, and digital art, that have profoundly influenced this vibrant movement.

1. "Cloud Gate" by Anish Kapoor, 2006 - This monumental stainless steel sculpture, also known as "The Bean," mirrors and distorts the Chicago skyline and onlookers in its seamless, liquid-like surface, creating an interactive experience that blurs the line between the artwork and the viewer.

2. "Marilyn Diptych" by Andy Warhol, 1962 - An iconic piece of pop art, this silkscreen painting features fifty images of Marilyn Monroe. Half brightly colored, half in black and white, it reflects the dichotomy of celebrity life and its influence on popular culture.

3. "Rhein II" by Andreas Gursky, 1999 - This photographic artwork, a digitally-altered image of the Rhine River, is celebrated for its minimalist aesthetic. It strips the landscape to its bare essentials, invoking a sense of tranquility and vastness.

4. "Black Square" by Kazimir Malevich, 1915 - A revolutionary painting in the realm of abstract art, this piece, featuring nothing more than a black square on a white field, challenges traditional notions of representation, symbolizing a new era in artistic expression.

5. "Puppy" by Jeff Koons, 1992 - This giant sculpture, a West Highland Terrier blanketed in flowering plants, explores themes of innocence, consumer culture, and the interplay between high art and kitsch. It’s a delightful blend of traditional sculpture and garden craft.

6. "Re-projection: Hoerengracht" by Ed and Nancy Kienholz, 1983-1988 - A room-sized tableau representing Amsterdam’s red-light district, this work combines elements of sculpture, painting, lighting, and found objects. It engages viewers in a stark commentary on commodification and objectification.

7. "Untitled" (Your body is a battleground) by Barbara Kruger, 1989 - This photomontage, combining black-and-white photography with impactful text, explores issues of feminism, identity, and power. Its potent, confrontational message is a prime example of the power of text in contemporary visual art.

8. "For the Love of God" by Damien Hirst, 2007 - This sculpture, a platinum cast of a human skull encrusted with 8,601 diamonds, probes themes of mortality, value, and the human fascination with luxury and decadence. It’s a compelling blend of macabre and magnificence.

9. "Physical impossibility of Death in the Mind of Someone Living" by Damien Hirst, 1991 - This artwork, featuring a tiger shark preserved in formaldehyde, blurs the line between traditional sculpture and biological specimen. It prompts viewers to contemplate mortality and nature’s ferocity.

10. "One and Three Chairs" by Joseph Kosuth, 1965 - A piece of conceptual art, it presents a physical chair, a photograph of a chair, and a dictionary definition of a chair, thus exploring the relationship between language, picture, and referent in art.

These pieces, in their diversity, exemplify the rich tapestry of contemporary art, each piece a unique commentary on our world and a testament to the limitless potential of creative expression.