Et du tumulte monta bientot le même cri (2025) Gravures & estampes par Lionel Morateur

Diptyque (2 fois 90x160 cm) Estampes numériques sur toile, livrées chassis démonté.

L'œuvre se présente sous la forme d’un diptyque : deux panneaux placés côte à côte, chacun centré sur une figure humaine encadrée par une foule indistincte. La séparation physique du diptyque met en lumière un crescendo émotionnel, une montée inexorable de la tension, d’un état de stupeur à une explosion totale de désespoir partagé.

Sur le panneau de gauche, une femme, , émerge du groupe, la tête renversée en arrière, les lèvres entrouvertes comme surprise au seuil du cri. Sa posture exprime un mélange de détresse et de résistance. L’ombre dramatique qui sculpte son visage accentue l’intensité de l’instant, tandis que sa main tendue semble implorer ou appeler à la solidarité.

Sur le panneau de droite, un homme torse nu bascule dans une transe plus extrême : la bouche grande ouverte, ses traits sont presque distordus par la puissance de l’exclamation. Son torse s’abandonne, la tête renversée, comme effacée dans la violence du cri. On sent littéralement un passage de témoin, la contagion de la révolte ou de la douleur à l’échelle collective.
Couleurs et Lumières

La palette utilisée oscille entre des teintes sombres et des touches de lumière brûlante. Les noirs bleutés et bruns dominent, évoquant la lourdeur et l’angoisse du moment, tandis que des éclats dorés ou jaunes percent à l’arrière-plan — peut-être suggérant des flammes, la lueur d’un feu ou l’espoir brisé. Les jeux de lumière accentuent la matière des corps, leurs ombres portées sculptant chaque muscle et chaque tension du visage. Cette dramatisation picturale rappelle les grands maîtres du romantisme ou du réalisme social, comme Delacroix ou Courbet, tout en s’enracinant dans une expressivité résolument contemporaine.

Les deux images, quoique fixes, vibrent d’un souffle épique. Les traits balayés, presque nerveux du pinceau, donnent à la toile une énergie sourde, un tumulte palpable qui rejoint le titre de l’œuvre. Les regards et les gestes convergent tous vers une ouverture, un cri collectif qui surgit non d’un individu, mais d’un peuple entier. L’effet de masse, d’indistinction des figures secondaires, évoque la multitude écrasée, la puissance irrésistible de la foule.

La peinture explore l’instant où le cri individuel devient cri collectif — où la souffrance privée, prise dans le tourbillon d’une insurrection ou d’un drame commun, se fait onde et déferle. L’expressionnisme exacerbé, la violence contenue, la texture presque rugueuse de la surface semblent crier la nécessité de se faire entendre, de transcender l’oppression par la force du partage et de l’élan commun.

Le spectateur est interpellé, invité à pénétrer ce moment de bascule — à ressentir, sinon à partager, l’émotion brute qui soulève le peuple. Le titre, repris d’Hugo ou d’un grand texte engagé, résonne comme une clef d’interprétation : il ne s’agit pas d’un cri simple, mais du cri qui fédère, qui politise le tumulte et le transforme en revendication.

On retrouve dans cette œuvre l’héritage du romantisme, du réalisme social, mais aussi de la peinture de protestation (Otto Dix, Käthe Kollwitz). Le choix du diptyque invite à penser la scène comme une séquence narrative, ou encore à mêler l’intime et le collectif. L’évocation de masses anonymes, le pathos à fleur de peau, sont autant d’éléments qui renouvellent la tradition de la peinture d’histoire dans une perspective contemporaine, plus psychologique que didactique.

À la fois puissante et déchirante, cette œuvre frappe par sa capacité à condenser le cri de tout un peuple dans la tension viscérale de quelques visages.

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