Kogei Art KYOTO

京都は今ちょうど梅雨の季節を迎えています。
 日本には季節が春・夏・秋・冬と四季に比較的はっきりと分かれており、梅雨は、夏の始まり例年は6月初旬から7月中旬にかけての曇りや雨の多い時期を指す気象現象です。日本以外でも東アジアの広範囲で見られる現象ですが、日本では北海道と小笠原諸島だけは梅雨がありません。

多くの人々にとっては雨の日が続くのは憂鬱ですが、そんな梅雨によく似合うのが紫陽花です。京都のメインストリートの一つ、御池通りでは様々な色の紫陽花が咲き誇り、通りゆく人の目を楽しませています。

また、日本人は今でも洗濯物を外に干す習慣が根強いのですが、雨や曇りの日が多いと洗濯物が乾きにくいことが悩みとなります。

ところが日本には逆に湿度が高いほど乾きやすいものがあります。

それが「漆」です。

漆とは、ウルシの木の幹から採取した樹液 (生漆 ・きうるし) 。もしくはそれを精製したもので、日本では古くから塗料として用いられてきました。
その堅牢性、耐久性や加飾のしやすさにより、毎日使う汁椀やお祝い事で用いられる重箱などの漆器から、各時代を代表する建物や仏像、芸術品まで幅広く用いられ、今日に至るまで日本の生活と文化を支えてきました。
 その漆を塗る作業のとき、塗った漆が乾くためには、湿度が75%～85%、温度が摂氏20度～30度という条件が整う必要があります。

湿度がこれより低いと漆がいつまでも乾かないのですが、梅雨の季節のように湿度が高すぎる環境だと今度は逆に早く乾きすぎて美しい仕上がりにならないそうです。

現代では加湿器やエアコンがあるので湿度や温度を一定に保つことはさほど難しいことではなくなってきましたが、電気に頼ることのできなかった時代には、「漆風呂」という収納庫など様々な工夫がなされてきました。

昨年12月に引き続き、6/4より6/16まで、京都　神宮道三条上ルの「シュイロ」さんでKogei Art KYOTOのPOPUPイベントを開催しています。 今回は、Kogei Art KYOTOサイトに出品中の作家のうち、5名の作品を展示・販売します。 また、出品する作品は、Kogei Art KYOTOのサイト内に出品中の作品も一部展示しますが、それ以外に日用にも使える4,000円～200,000円までのお買い求めやすい価格帯の作品を多数出品いたします。

POPUP Kogei Art KYOTO

■会期　6月4日（火）～16日（日）（10日は休み）
■時間　9:00 ~ 19:00 （金曜は20:00まで）
■会場シュイロ　〒605-0031 京都市東山区定法寺町368-1
■アクセス　京都市営地下鉄 東西線 東山駅より徒歩５分

会場となる「シュイロ」さんは京都府美山町の新鮮で良質な湧き水と自家配合の餌で育った平飼いたまご「うちゅうの夜明け」を使ったオールデイダイニングレストランと、厳選された物販アイテムで構成されるライフスタイルショップを展開しています。

主に仏像や仏画で衣や装身具などの文様を写し模すことで「仏教の荘厳さ」を表現するため発達してきた、今日では日本のみで継承される伝統工芸の一つで、金箔や銀箔、プラチナ箔を数枚炭火で焼き合わせて細く線状に切り、筆と膠などを使って文様状に貼っていく技法です。

 日本には7世紀半ばに朝鮮半島や中国大陸より仏像彫刻や仏画とともに伝わったとされていて、法隆寺所蔵の玉虫厨子に施された截箔が日本国内に現存する最古の截金作品とされています。

その後日本では仏教の隆盛とともに平安時代から鎌倉時代ごろに飛躍的な発展を遂げましたが、室町時代から江戸時代にかけて仏教美術が凋落していったことや、金箔に代わって金泥による文様が普及したこともあり、次第に衰退していきました。

近世以降は東本願寺、西本願寺といった大寺院の庇護のもと、極く限られた人のみに継承される技術となりましたが、現代になり、仏教美術に留まらず工芸美術としてその技法を伝えていこうとする人々が次第に現れることで、その存在も見直されており、現在までに３人の重要無形文化財保持者（人間国宝）も輩出しています。

截金に用いる金箔の１枚の厚さは一万分の一ミリ（10μｍ）で息を吹きかければ飛んでいってしまうほどの薄さです。

この箔を5〜10年乾燥させた太さ20ミリ程度の篠竹を割って作った竹刀で裁断します。
箔の太さは目分量で、時には人間の毛髪より細く切ることもあります。

こうして切り終えた箔を筆と膠を使って極めて緻密な装飾として重ねてゆきます。
描かれる文様は、自然現象や植物、動物、日用品などをモチーフにした日本の伝統的な文様が用いられ、見る角度によって光の当たり方が変わり、その都度色々と表情を変えます。

日本、特に古都京都の陶芸は長い歴史を持ち、さまざまな窯が生まれ、進化してきました。
その中で現在は主に「電気釜」「ガス釜」そして「薪窯」などが陶磁器の焼成に使われています。

 それぞれの窯の特徴は

薪窯
陶芸の伝統的な窯で、登り窯・蛇窯・穴窯などがあり日本では古代から中世にかけて一般的に用いられていました。薪を燃やして火を起こし。 数日から数週間かけて焼成します。

電気釜
電気を使って陶芸作品を焼成する窯です。電気釜の最大の特性は、温度調節が容易であり、均一な焼成が可能であることです。これにより、作家は自分の理想とする作品を確実に作り出すことができます。

ガス釜
ガスを燃料とする窯で、温度調節が容易でありながら、電気釜とは異なる独特の風合いの作品を生み出します。ガス釜は、窯の内部に自由な酸化還元環境を作ることが可能で、これが作品に美しい色合いと独特の風合いをもたらします。

京都の陶芸作家たちは、これら三つの窯それぞれの特性を理解し、それぞれに適した技術や表現を追求しています。
それぞれの窯の特性を活かし、その限界を押し広げながら、作家たちは常に新たな表現を追求しています。それが、京都の陶芸作品が世界中から愛され続ける理由の一つなのです。

中でも今回は薪窯の代表、登り窯についてスポットを当てたいと思います。

 登り窯の魅力

「登り窯」とは、山の斜面に建てられ、その坂を登るように炎が移動する釜のことを指します。その名の通り、山を「登る」ような形状をしていることから、登り窯と呼ばれています。

登り窯は、大量の陶磁器を一度に焼くことが可能な上、一般的な窯と違って、傾斜を利用しているので上部で焼成する陶磁器の熱が下部へと流れ、焚き火からの熱が均一に分散され、作品一つひとつに均一な仕上がりをもたらします。

また、窯の中での炎の流れや温度の変化が作品に微妙な色合いを与えるため、唯一無二の個性豊かな陶磁器が生まれます。

 一方で、電気釜やガス窯とは異なり、登り窯の制御は非常に難しいです。電気釜やガス窯は温度調節が容易で、短時間で焼成が可能ですが、登り窯は数日間かけてじっくりと温度を上げていく必要があります。これには確かな経験と技術が求められます。

今日の京都市内では、環境保護や安全規定のために、登り窯を使用することは許可されていません。しかしながら、何人かの京都の陶芸家たちはその制約を乗り越え、京都の外で登り窯を用いて陶磁器を制作しています。それは、登り窯による焼き物がもつ深い色合い、自然の風合い、そしてひとつとして同じものがないという魅力を求めてのことなのです。

登り窯の陶磁器は、その制作過程での困難さを物語るような深みと繊細さを持ち、見る者を引きつけます。一方、電気釜やガス窯による作品はその安定した品質と効率的な制作過程が魅力です。これらの異なる特性を活かして、京都の陶芸家たちは世界に誇る日本の工芸美術作品を作り続けているのです。

友禅染めとは、日本における着物や帯を染める際の伝統的な技法のひとつで、布の上に絵を描くように様々な彩色で表現する染色方法です。
友禅染の創始者とされるのは、江戸時代の貞亭年間（1684-1688）から元禄年間（1688-1704）に京都の扇絵師として有名だった宮崎友禅斎（みやざきゆうぜんさい）です。人気が高かった宮崎友禅斎の絵扇の模様を着物の柄に取り入れたのがはじまりとされ、その染色技法が彼の名前から「友禅染」と呼ばれるようになったと言われています。

友禅染めの特徴は、色が混ざらないように糊を用いることです。描かれた模様の輪郭に合わせて、糸のような細い線で糊を置いていく作業があるため、糸目糊と呼ばれています。この糊のおかげで染料が滲んでしまうのを防ぐことができ、絵画のように美しく色鮮やかな模様を描くことができます。図案の多くは、花鳥風月や四季の草花などの自然文様です。

 

着物の染色技法には、友禅だけではなく、絞り染め、型染め、臈纈（ろうけつ）染めといった様々な種類があります。
その中でも手描き友禅は、すべての工程を繊細で緻密な手作業によって絵画のように描き染めていく、日本が誇る染色技法です。
まず、生地につゆ草から絞った青い汁を集めた「青花」で下絵を描き、その下絵の上に、柿渋を引いた紙の筒に金の先口をつけたものから糊を細くしぼりだして、糸目糊を置いていきます。
糸目糊を置いた部分が、水洗いを経て、くっきりとした白い線として残るため、鮮やかな色使いと白い線とのコントラストが手書き友禅の美しさを引き立てます。

京都発祥の友禅の技術は日本各地に伝わり独自の特色をもちながら発展しました。中でも京友禅は千年の文化を背景に色彩はあでやかで洗練され、意匠も華麗かつ優美で、日本だけではなく世界でも人気の高い染織品となっています。 

Kogei Art KYOTOに出品されている きもの染色作家の羽田登喜さんが、フランス発行のオンラインメディアのLe Petit Journal 東京版から先日取材を受け、いよいよ本日その記事が掲載されましたのでお知らせします。

Le Petit Journal Tokyo

フランス後の記事ですが、ぜひ皆様お読みください。

「Kogei Art」とは、「素材と技法へのこだわり」を本質に、染織・陶芸・漆芸・金工・人形・截金・木工・ガラスなど多彩なジャンルにまたがり日本で発展してきた伝統的な工芸品,中でも特に一品制作にこだわった美術作品全般を指します。 19世紀には、日本の浮世絵をはじめたくさんの工芸美術品がヨーロッパに渡り、印象派やアールヌーボなどに多大な影響を与え、このブームは「ジャポニズム」と呼ばれました。世界の注目を集めたこの「ジャポニズム」の原点も長く日本人の生活を彩ってきた芸術文化「Kogei Art」に他なりません。

また千年以上も日本の都であった京都がこの芸術文化を高度に洗練化させる土壌としての役割を担い、その土壌の中で風流や侘び、寂び、あわれや粋の心など日本人の美意識を視覚化しながら、「Kogei Art」は熟成してきました。そして今も京都では、美の造り手たちが人々の暮らしと自然の調和の中でたゆまない鍛錬を重ねながら至高の「Kogei Art」を生み続けています。
AIの発達などによりクリエイティブの世界も大きく変容しようとしていますが、Kogei Art作家の卓越した手仕事による技術と、惜しみなく使われる希少で高価な材料、そして茶道、華道、香道をはじめとする日本の伝統文化との深い関わりの中で育んできた美意識から生まれる作品は、デジタルテクノロジーの対極にある人間力による芸術です。

「Kogei Art」が脈々と引き継いできたこの技術と精神性を途切れさせることなく次世代に引き継ぐためにもこれまで以上により多くの方々に作品を手にとっていただきたい、そんな願いからKARAFUNEYA Co. Ltd.はKogei Art KYOTOを立ち上げました。