미술을 전공하고 예술가가 된 계기는 무엇인가요? (사건, 감정, 경험...)
일곱 살 때 나는 초등학교 1학년이었다. 그들은 벽 신문을 위한 편집 위원회를 선택하고 있었다. 그리고 아티스트로 뽑힌 건 내가 아니었어! 그 전에는 그림을 그려본 적도 없고 스스로를 예술가라고 생각하지도 않았습니다. 아직 그것에 대해 생각하지 않았습니다. 하지만 아티스트로 인정받지 못했다는 사실이 저에게 큰 충격과 상처를 주었습니다. 그때부터 나는 예술가라는 것을 깨닫고 그림을 그리기 시작했다.
지금까지 실험한 창작 경로, 기법 및 주제는 무엇입니까?
나는 더 이상 시간을 낭비하지 않기 위해 1년 반 만에 그래픽 학과를 그만두고 회화과의 미술 학교에 입학했습니다. 나는 빨리 avgardist가되었고 교사의 말을 듣지 않았습니다. 1년 반 만에 쫓겨났습니다. 그것이 내가 성공적으로 졸업한 Art Institute에 가는 것을 막지 못했습니다. 그런 다음 나는 러시아 예술가 연합에 가입했습니다. 나는 러시아와 미국에서 조금 가르쳤습니다. 그러나 나는 그것을 정말로 좋아하지 않는다. 저는 러시아에 있는 제 작업실에서 그리고 지금은 지중해 연안의 터키에서 그림을 그리는 것을 선호합니다.
다른 아티스트와 차별화되는 3가지 요소는 무엇인가요?
내 작품은 인정받을 수 있지만 대단한 크레딧은 아니다. 다른 사람을 모방하지 않는다면, 당신은 당신 자신이 될 것이고 당신은 알아볼 수 있을 것입니다.
초상화나 누드를 그릴 때 사람을 그리는 것이 아니라 그림을 그리는 것입니다. 사람을 묘사한 그림입니다. 종종 예술가는 사람을 그리며 그림은 괜찮습니다. 거기에서 근본적인 차이가 보입니다. 그림 자체에 더 많은 관심을 기울여야 합니다.
내 작업에는 물감 레이어 아래에 그림이 없습니다.
영감은 어디에서 오나요?
영감은 밀물처럼 내게 오지 않습니다. 나는 단지 끊임없이 그리고 계속해서 그림을 그려야 할 필요성을 느낀다.
당신의 예술의 의도는 무엇입니까? 시청자에게 어떤 비전, 느낌 또는 감각을 불러일으키고 싶습니까?
비전이 떠오르면 스튜디오에 가서 그림을 그릴 수 없습니다. 그것에서 좋은 것이 나올 수 없습니다. 그런 식으로 작동하지 않습니다. 단어로 아이디어를 말할 수 있다면 그것이 문학입니다. 그림에서 아이디어는 시각적입니다. 그것들은 설명할 수 없는 구체적이지 않습니다. 그들은 그림을 그리는 과정에서 붓 바로 아래에서 태어나 감정적으로 인식됩니다. 뭔진 모르겠지만 대단해 보입니다.
작품을 만드는 과정은 어떻게 되나요? 자발적 또는 긴 준비 과정(기술, 고전 또는 기타에서 영감)이 있습니까?
종종 나는 추상적 인 "무시"를 먼저 그립니다. 색상과 구조가 나타나면 도시 경관이나 인물 사진을 결정합니다. 또는 컴퓨터 스케치를 프린터로 출력하지만, 그 과정에서 특별히 고집하지는 않는다.
어떤 기술을 선호합니까? 그렇다면 설명할 수 있습니까?
나는 캔버스에 아크릴을 선호합니다. 그리고 여기에 이유가 있습니다. 처음에는 유채로 그렸는데 어느 날 제 작업실 창 밖에는 이웃들이 줄을 섰습니다. 그들은 내가 그림을 그리고 집에 갈 것이고 그들은 머물 것이라고 말했다. 그리고 그들은 그 지독한 냄새를 들이마실 것입니다. 이것은 좋은 품질의 페인트와 시너가 없었고 냄새가 정말 불쾌했던 나쁜 시기에 일어났습니다. 그래서 아크릴로 바꿨습니다.
작업에 혁신적인 측면이 있습니까? 어떤 제품인지 알려주실 수 있나요?
나는 지난 몇 년 동안 다른 나라의 여러 예술가들과 약간 다른 장르의 초상화를 개발했다고 생각합니다. 우리는 그것을 "미지의 초상"이라고 부를 수 있습니다. 사람의 외모가 회화라는 매체를 통해 만들어지는 내면만큼 중요하지 않은 곳. 그것은 아우라, 음악, 환경, 문제, 생각, 환상 또는 다른 것을 연상시키는 것입니다.
가장 편하게 작업할 수 있는 형식이나 매체가 있습니까? 그렇다면 왜?
나는 작은 그림을 100X90과 120X100cm, 더 큰 180X140cm를 그립니다. 완성된 작품을 들것에서 꺼내서 쌓습니다. 내 터키식 스튜디오에는 공간이 충분하지 않아 각 크기의 들것을 세 개 가지고 있으며 스택에 같은 크기를 유지하는 것이 더 편리합니다. 반면에 나의 러시아 작업실에서는 그림을 들것에 보관하지만 350개 이상일 때는 같은 크기로 유지하는 것이 더 편리합니다. 그리고 캔버스 롤은 전혀 낭비없이자를 수 있습니다.
작품은 어디서 만드나요? 집에서, 공유 또는 개인 스튜디오에서? 그리고 당신의 작품은 그 공간에서 어떻게 구성되어 있습니까?
환경이 깨끗하지 않은 것이 중요합니다. 바닥에 페인트가 뿌려져 있고 움직임을 제한하는 것은 아무것도 없습니다. 작업실 없이 집에서 부엌에서 그림을 그렸습니다. 완전히 속이 비어 있는 다른 종류의 살균된 그림입니다.
당신의 작업은 새로운 수집가를 만나고 전시하기 위해 여행을 하게 합니까? 그렇다면 무엇을 얻을 수 있습니까?
네, 기간이 있었어요. 라트비아, 미국, 스페인 등을 여행했어요. 전시회에 참가하고 작가들을 만났어요. 하지만 나이가 들고 인터넷이 발달하면서 그런 일은 과거의 일이 되었습니다. 지금은 만나지 못한 좋은 친구들이 많이 있습니다. 우리 시대의 이상한 현상입니다. 우리는 소셜 네트워크에서 의사 소통을 하고 공유할 것이 없으며 진정한 이타적인 우정입니다.
앞으로의 작업과 예술가로서의 모습의 진화를 어떻게 예상하십니까?
좋고 나쁨을 불문하고 누구도 해보지 않은 것처럼 예술에서 새로운 것만이 인정되는 이 시대. 그림을 그릴 수 있다면 예술가가 아니라 장인이라는 의견이 있을 때. 그리고 예술가는 생각하는 사람이어야 하고, 아이디어를 생성해야 합니다. 묻고 싶습니다. 내가 모르는 것이 무엇을 생각해 냈습니까? 그리고 전시가 끝난 후 이 설치물들이 어떻게 쌓여서 쓰레기통으로 옮겨지는지 보는 것은 슬픈 일입니다. 나는 내가 할 줄 아는 것을 완벽하게 하고 싶다.
최신 작품의 주제, 스타일 또는 기술은 무엇입니까?
나는 인간이 예술가에게 가치 있는 주제라고 생각한다. 그래서 저는 주로 인물화를 그립니다. 인터넷에서 종종 스타일이 뭐냐고 묻는다. 잘 모르겠지만 오히려 어떤 스타일에 집착하지 않고 다양한 방식으로 그리려고 해요. 그리고 이름을 짓는 것은 우리의 일이 아닙니다. 제 작품 중 100~150편 정도가 '초상화'라는 이름을 가지고 있습니다.
가장 중요한 전시 경험에 대해 말씀해 주시겠습니까?
14살 소년이었을 때 나는 시립 도서관에 앉아 부르주아 예술에 관한 책을 읽으면서 비판적 기사의 작은 인용문에서 부조리극의 연극을 상상하려고 애썼다. 나는 서양 미술을 우상화했다. 그리고 서른 살에 시카고의 한 갤러리 블록을 방문했습니다. 매우 중요한 경험이었습니다. 내가 갔던 모든 갤러리에서 나는 유일한 방문자였다. 모든 것이 그렇게 명확하지도 않았고 모든 것이 좋지도 않았습니다. 정신이 번쩍 들었다.
미술사의 유명한 작품을 만들 수 있다면 어떤 작품을 선택하시겠습니까? 그리고 왜 그것을 선택하겠습니까?
나는 아마도 베켓의 고도를 기다리며를 택할 것이다. 왜냐하면 우리는 모두 이생에서 Godot를 기다리고 있는데, 한 소년이 와서 Godot가 오늘 밤에 오지 않는다고 말했기 때문입니다.
유명한 예술가(죽거나 살아 있는)를 저녁 식사에 초대할 수 있다면 누구를 초대하시겠습니까? 그/그녀가 저녁을 어떻게 보내도록 제안하시겠습니까?
나는 Douglas Huebler에게 별이 빛나는 하늘의 사진을 찍도록 초대할 수 있습니다.
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur 매거진
