미술 비평에서는 학문적으로 훈련받은 예술가와 독학한 예술가 사이의 의미 있는 비교에 거의 관심을 기울이지 않는 경우가 너무 많습니다. 이 경우, 우리는 이러한 전통을 깨고 한 카테고리가 다른 카테고리보다 우월하다고 주장하는 것이 아니라 오히려 재능이 드러나는 다양한 경로를 탐구하는 혁신적이고 편견 없는 분석을 제공하는 것을 목표로 합니다.
이러한 비교는 회화, 조각, 사진이라는 세 가지 주요 기술을 조사함으로써 가능해졌습니다. 각 예술 형식에 대해 두 개 이상의 작품이 대화에 배치되며, 비록 다양한 배경을 가진 예술가들이 만들었지만 유사한 미적 또는 주제를 공유합니다.
그림들은 스타일과 주제 측면에서 비교되며, 다양한 배경의 예술가들이 독특한 기술과 접근 방식을 사용하여 유사한 주제와 움직임에 접근할 수 있는 방법을 강조합니다. 조각 전용 섹션에서는 인간 형상의 표현을 분석하고, 반대 배경을 가진 예술가들이 신체를 어떻게 해석하는지 탐구하고, 처리의 차이점과 유사점을 강조합니다. 마지막으로 사진은 학문적 훈련을 받은 여성 예술가와 독학한 여성 예술가의 모습을 대조하여 서로 다른 경험과 배경에도 불구하고 세상에 대한 그들의 관점이 어떻게 이미지에 반영되는지 보여줍니다.
이 시점에서 저는 교육 경로와 관계없이 재능이 어떻게 예상치 못한 방식으로 나타날 수 있는지 발견하도록 초대합니다. 이는 새로운 관점을 발견하고 새로운 눈으로 예술을 볼 수 있는 기회가 될 것입니다!
“기술에 대한 신뢰”(2024) Hu/Lie의 그림
그린 힐(2024) di Yannick Aaron의 그림
Hu/Lie와 Yannick Aaron의 거리 예술
거리 예술은 "다양한 세계"이며, 주로 전통적인 예술 기관의 형식적 틀 밖에서 경험과 실험을 통해 자신의 길을 계획하는 독학 예술가들로 구성되어 있습니다. 그러나 비판적 비전과 다양한 기술에 대한 숙달로 인정받은 예술가 Hu/Lie와 같이 학문적 훈련을 받은 운동 내에서 주목할만한 인물도 많이 있습니다. 이 비교에서 우리는 거리 예술의 독학적인 측면을 대표하는 Artmajeur에도 출연하는 예술가 Yannick Aaron의 작품과 함께 그의 작품 중 하나를 탐색할 것입니다.
1975년 프랑스에서 태어나 스트라스부르 미술대학에서 교육을 받은 Hu/Lie는 인류와 현대 세계의 관계를 탐구합니다. 그는 덧없는 소재와 강렬한 색상을 사용하여 관객과 깊은 감정적 교감을 형성합니다. 그의 작품 "Trust in Technology" 에서 그는 캔버스에 유화와 아크릴을 사용하여 매우 최근의 주제인 기후 변화에 대한 거부와 환경 위기에 대한 인식과 일상 행동 사이의 단절을 다루고 있습니다.
이러한 변화를 거부하는 내부 메커니즘은 색상의 사용을 통해 강력하게 나타납니다. 대상의 얼굴은 색채 왜곡으로 부분적으로 가려져 그의 표정을 수수께끼처럼 조각나게 만듭니다. 이는 자연과 기술 및 인간의 관계를 지배하는 불확실성과 모순의 상징입니다. 환경.
이 측면은 파란색이 환경에 조화롭게 섞이는 파도처럼 인간의 모습을 투명하게 통과하는 Yannick Aaron의 "La Colline Verte" 와 대조됩니다. 두 작품 모두 인간과 세계의 관계를 탐구하지만 그 반대 방향입니다. Hu/Lie는 분열과 단절을 강조하는 반면 Aaron은 융합과 공생을 탐구합니다.
마지막으로, 1985년 퐁텐블로(Fontainebleau)에서 태어난 독학한 야닉 아론(Yannick Aaron)은 그래피티의 세계에서 시작하여 자신의 스타일을 발전시켰고, 기하학적 형태와 색채의 변화를 교차시켜 점차적으로 이를 풍부하게 했습니다.
1381_무제(2024) 귀도 뢰처(Guido Lötscher)의 그림
추상-211(2023) Nivas Kanhere의 그림
Guido Lötscher와 Nivas Kanhere의 추상화
미술사에서 가장 위대한 추상 화가 중 일부는 독학을 했고, 다른 일부는 정식 학술 교육을 받았다는 사실을 알고 계셨습니까? 예를 들어, 기하학 작품으로 유명한 프랑수아 모렐레(François Morellet)는 독학을 했습니다. 대조적으로, 추상 미술의 선구자인 바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky)는 유럽 최고의 미술 학교에서 공부하면서 색상과 형태에 대한 이론적 이해를 다듬었습니다.
이러한 전통 속에서 오늘날 우리는 독학한 스위스 화가인 Guido Lötscher와 학문적 배경을 가진 Nivas Kanhere와 같이 매우 다른 배경을 가진 예술가들을 발견합니다. Artmajeur에 있는 첫 번째 작품은 독학한 예술가로, 그의 작품 "No. 1381_Untitled" 는 여러 겹의 페인트를 적용한 다음 긁어내고 겹쳐서 질감과 깊이를 만드는 것을 보여줍니다. 아마도 리히터의 시각적 언어를 불러일으키려는 의도일 것입니다.
뭄바이의 Sir JJ School of Art에서 교육을 받은 Nivas Kanhere는 Color Field의 예에 더 가까운 것 같습니다. 감각적인 것과 형이상학적인 것 사이의 연결을 만들고자 하며, 색상과 형태의 중첩을 통해 역동적인 균형을 만들어 강인함과 평온함을 모두 표현함으로써 명상적인 평온함을 전달하는 것을 목표로 합니다. 실제로 Lötscher는 임의의 오버레이로 작업하는 반면 Kanhere는 더 조밀하고 구조화된 질감으로 작업을 구성합니다. 여기서 각각의 붓놀림은 마치 그림이 그의 경험을 추상화한 지도인 것처럼 감정적인 풍경을 조각하는 것처럼 보입니다.
게는 Babatunde Bakare의 그림(2024)으로 자신을 지켜봅니다.
슈뢰딩거와 아침 식사 (2020) Igor Skaletsky의 그림
바바툰데 바카레와 이고르 스칼레츠키의 표현주의 초상화
초상화 장르의 정의는 무엇입니까? 초상화는 인물의 신체적, 심리적, 때로는 상징적 본질을 포착하는 것을 목표로 하는 사람의 예술적 표현입니다. 이는 가장 오래된 예술 형식 중 하나이며 예술가의 감성과 역사적 맥락에 따라 비유적이거나 양식화되거나 추상적일 수 있습니다.
표현주의 초상화란 무엇을 의미하는가? 표현주의 초상화는 단순한 사실적 묘사를 넘어 작가의 감정 표현과 주관성을 강조한다. 대상의 신체적 특성을 정확하게 묘사하는 것이 아니라 왜곡, 밝은 색상, 대담한 붓질을 통해 대상의 감정 상태, 내면의 긴장, 심리적 깊이를 전달하는 것이 목표입니다.
이 고전적인 서문을 통해 이 주제에 관한 두 명의 Artmajeur 예술가, 즉 독학한 나이지리아 예술가 Babatunde Bakare와 학문적 훈련을 받은 러시아 예술가 Igor Skaletsky의 작품을 발표할 시간입니다. Bakare의 작품 "The Crab Watches Itself with Its"는 캔버스에 오일과 앙카라 패브릭을 사용하여 표현주의 초상화 장르를 탐구합니다. 그녀는 아프리카의 비유적 전통과 현대적인 시각적 언어를 결합합니다. 왜곡되고 강렬하게 표현된 얼굴이 특징인 이 모델은 깊은 문화적 소속감을 불러일으키며, 생생한 색상과 전통 직물은 장식적일 뿐만 아니라 민족적 뿌리의 풍부함을 강조하기 위한 것입니다.
이와 대조적으로 모스크바 주립 예술 아카데미에서 교육을 받은 Igor Skaletsky는 콜라주와 아크릴 기법을 사용하여 사진과 회화를 혼합하고 현실과 상상 사이의 경계를 조작합니다. "슈뢰딩거와 함께 아침을"에서 Skaletsky는 친근한 인간의 모습이 추상적인 가면으로 바뀌는 초현실적인 장면을 만듭니다. 이 작품은 표현주의가 어떻게 아이러니와 상상과 결합될 수 있는지를 보여주며 관객이 현실과 정체성에 의문을 제기하도록 유도합니다.
바바툰데 바카레(Babatunde Bakare)가 문화적 풍요와 내적 투쟁을 전면에 내세우기 위해 지역적 재료와 비유적 왜곡에 초점을 맞춘 반면, 이고르 스칼레츠키(Igor Skaletsky)는 부조리와 아이러니를 다루며 인간 초상화가 수수께끼의 상징이 되는 초현실적인 세계를 창조한다는 것이 분명해졌습니다.
N°361 (2021) Maxime Plancque의 조각품
테이블 축구 XS (2024) Idan Zareski의 조각품
막심 플랑크(Maxime Plancque)와 이단 자레스키(Idan Zareski)의 조각품
세계 최고의 조각가 중 일부가 매우 다른 교육 경로를 따랐다는 사실을 알고 계셨습니까? 기념비적인 추상 조각으로 유명한 헨리 무어(Henry Moore)는 리즈 미술 학교(Leeds School of Art)와 이후 런던 왕립 미술 대학(Royal College of Art)에서 학문적 훈련을 받았습니다. 이와 대조적으로, 미국의 유명한 조각가인 윌리엄 에드먼슨(William Edmondson)은 전적으로 독학을 했습니다. Edmondson은 공식적인 예술 교육 없이도 레일 스파이크 및 망치와 같은 초보적인 도구를 사용하여 종교 조각품과 장례식 인물을 만드는 조각 작업을 시작했습니다. 1937년 그는 뉴욕 현대미술관(MoMA)에서 개인전을 가진 최초의 아프리카계 미국인 예술가가 되었습니다.
Artmajeur의 현대 세계에서 프랑스 예술가 Maxime Plancque는 학문적으로 훈련된 예술가의 예를 나타냅니다. 그의 금속 조각품은 피사체를 최소한의 실루엣으로 축소한 단순화된 구상적 접근 방식을 반영합니다. 예를 들어, 그의 조각품 "No. 361" 에서는 신체에 해부학적 세부 묘사가 거의 전혀 없으며, 강철과 같은 무거운 재료를 사용했음에도 불구하고 얇은 다리는 움직임과 가벼움의 느낌을 줍니다.
한편, 독학으로 예술가인 이단 자레스키(Idan Zareski)는 다양한 문화에서 영감을 얻는다. Bigfoot 시리즈의 일부인 그의 조각품 "Babyfoot XS" 는 인간의 모습을 사실적으로 표현하면서 발과 같은 신체의 특정 부분을 과장합니다. 이 스타일을 통해 Zareski는 앉은 자세로 어린 시절의 순수함을 포착합니다. 그의 커다란 하반신은 삶의 여정과 우리가 남기는 발자국을 상징합니다.
마지막으로, 두 작품 모두 인간의 형태를 확대하지만, "No. 361" 은 인물을 양식화된 추상화로 축소하여 최소한의 형태와 암시된 움직임을 해석하도록 관객의 상상력을 자극합니다. 이에 비해 "베이비풋
마틸드 오스카(Mathilde Oscar)의 Chamallow I(2023) 사진
내 여왕님 걱정하지 마세요 03/20 (2020) 사진 제공: di Bettina Dupont 사진: Bettina Dupont와 Mathilde Oscar
우리는 독학한 사진작가인 Bettina Dupont와 학자인 Mathilde Oscar의 두 가지 특별한 사진 작품으로 결론에 도달했습니다. 이 특별한 경우, 두 예술가 사이의 비교는 신성한 주제에 대한 개인적이고 독특한 접근 방식을 통해 가능해졌습니다. 두 예술가는 모두 매우 다른 시각적 언어와 의미를 다루는 주제입니다.
Mathilde Oscar는 1980년 파리에서 태어나 미술사와 그래픽 디자인 분야에서 탄탄한 배경을 갖고 있습니다. 회화에 대한 그의 열정과 학문적 훈련은 고전 회화의 코드와 디지털 아트를 결합한 그의 사진에 고스란히 반영되어 있습니다. Chamallow I은 아이러니하고 시대착오적이며 시각적으로 매혹적인 그의 스타일을 보여주는 완벽한 예입니다. 이 작품에서 오스카는 미묘한 유머와 초현실주의적인 터치로 신성한 주제를 다루고 있습니다. 후광과 깨끗한 하트와 같은 전통적인 신성한 상징으로 둘러싸인 모델의 표현은 마시멜로와 같은 현대적이고 경박한 디테일과 아이러니하게 대조됩니다.
한편, 베티나 듀퐁(Bettina Dupont)은 1996년생으로 개념 사진 분야에서 창의적인 여정을 시작한 독학 예술가입니다. 신성한 것에 대한 그의 접근 방식은 오스카의 접근 방식보다 훨씬 더 상징적이고 반사적입니다. Don't Worry My Queen 03/20에서 Dupont는 종교적 상징주의와 대중문화를 강력하게 언급하면서 단순하지만 강력한 구성을 사용합니다. 그의 작품은 인간의 조건, 시간과의 관계, 선과 악, 현대 현실에 대한 인식 등 복잡한 주제를 탐구합니다.
사진은 성서와 신화를 연상시키는 구름과 화살과 함께 꿈같은 우주에 인물이 떠다니는 초현실적인 장면을 묘사합니다. 모든 세부 사항은 시청자에게 깊은 생각을 불러일으키기 위해 신중하게 고려되었습니다. 듀퐁은 대중이 자신이 보는 것에 대해 질문하도록 유도하고 개인적인 해석의 여지를 남겨둡니다.
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur 매거진
