뒤러, 마리안 앵무새와 누드
앵무새 불멸화를 목표로 한 걸작을 나열하기보다는 식물과 동물에 대한 연구로 유명한 화가이자 조각가인 독일 르네상스 시대의 거장 알브레히트 뒤러(Albrecht Dürer)의 모습을 통해 논의의 주제를 맥락화하고 싶습니다. 적어도 14세기부터 자연은 예술가들에게 관심의 원천이었기 때문에 사실주의는 우리를 더 이상 놀라게 하지 않을 것입니다. 사실, 그러한 연구는 한스 플레이덴부르프와 마르틴 숀가우어가 일했던 플랑드르와 독일 자체뿐만 아니라 Giovannino de' Grassi와 나중에 Pisanello의 북중부 이탈리아로 퍼졌습니다. 후자의 전통을 반영하여 형성된 뒤러는 위대한 기록의 권위에 의문을 제기하기 위해 16세기 발견 시대의 역사서술에 만연했던 특징인 새로운 과학 감각을 선배들의 작업에 추가했습니다. 전통, 자신의 감각으로 우주를 탐험하는 것은 물론 수학적 규칙과 확실성을 기반으로 합니다. 위와 같이 표절된 뉘른베르크 거장의 성격은 자연자료에 대한 강한 호기심이 지배하여 그의 작품은 예술을 탐구의 수단으로 이해한 예술가 레오나르도 다빈치의 작품에 비유할 수 있다. 자연. 이 두 천재가 중세 전통과 비교하여 어떻게 그들의 연구가 단지 회화적 모티프를 생성하는 데 사용되는 훌륭한 레퍼토리를 생성하도록 의도하지 않았으며, 그들의 의도가 특별히 상징적이고 동물의 알레고리적 특성, 또는 고전적인 원과학적 출처에 의존하는 동물학 논문을 낳기 위해 창조의 독특한 특성을 연구하기 위해 노력했습니다. 후자의 의도는 토끼(1502)를 묘사한 그림이나 작은 올빼미(1506)를 불멸화시키는 그림에서와 마찬가지로 뒤러의 일부 수채화에서 분명합니다. 그럼에도 불구하고 뉘른베르크의 거장이 어떻게 자신보다 앞선 전통을 완전히 잊지 않았는지를 지적할 필요가 있습니다. 앵무새의 형상에서 볼 수 있는 사실은 관련된 상징적 의미와 함께 아담과 1504년의 전야, 다양한 은유적 동물을 사용하여 원죄의 주인공을 불멸화시키는 것을 목표로 한 걸작으로, 잘 알려진 조각상이 예술에서 대중적으로 표현되는 방식을 변형시키는 것을 목표로 했습니다.
알브레히트 뒤러, 아담과 이브 (1504). 조각. 뉴욕: MET.
귀스타브 쿠르베, 앵무새와 여인 (1866). 캔버스에 유채, 129.5×195.6cm. 뉴욕: MET.
작품을 설명하는 조각은 인간이 타락하기 전의 아담과 이브를 묘사하며 죄의 묘사보다 인물의 육체적 아름다움을 강조하며 그녀의 왼쪽 악마 손으로 금단의 열매를 잡는 여자의 몸짓으로 잘 요약됩니다. 대신 우리의 관심 주제와 관련하여 카르투슈 바로 위에 있는 나뭇가지에 있는 앵무새는 작업 실행 주장, 서명 및 날짜를 호스팅하며 지혜, 하나님의 말씀, 그리스도, 영원함을 포함한 여러 아이디어를 상징할 수 있습니다. 유럽인들이 후자가 천국에서 발견될 것이라고 믿게 되면서 아메리카 대륙의 일부 신민들이 낙원을 상징하게 되었던 당시와 마찬가지로 삶과 낙원, 그리고 신세계를 언급했습니다. 새로운 세계. 앵무새의 모습과 관련하여 방금 나열한 은유적 의미에 마리아의 의미도 추가되었습니다. 중세 이후로 그러한 새는 동정녀 탄생과 수태고지 순간 대천사 가브리엘의 인사를 상징적으로 표현했습니다. 깃털 같은 "Ave"는 마돈나와 차일드의 여러 묘사의 일부가 되었습니다. 순진하고 순수한 의사소통의 상징은 Dürer의 Madonna of the Animals(c. 1503)에서 찾을 수 있지만 후자에 큰 영향을 준 거장, 즉 앞서 언급한 The Madonna의 저자인 Martin Schongauer의 작품에서도 찾을 수 있습니다. 그리고 Child and the Parrot (1470-75), 예를 들어 Dieric Bouts와 같은 Flemish 원시인의 비 유적 조사에서 영감을 얻은 구성으로 보이는 판화. 후자의 작업에서도 볼 수 있듯이 Schongauer는 Vergie를 벽에 있는 창을 포함하여 기증자 드레이프 앞에 배치하여 풍경의 si를 열도록 의도했습니다. 이러한 맥락에서 아이는 관람자에게 접근하기 위해 지지대의 경계를 가로지르는 것처럼 보이는 장식용 쿠션에 배치를 찾습니다. 또한 예수는 오른손에 치명적인 독극물에 대한 상징적인 해독제인 배를 들고 있고, 왼손에 앉은 앵무새는 생명이나 영혼의 영원을 암시합니다. 지금까지 앵무새가 예술에서 전적으로 신성한 상징을 나타낸다고 확신했다면, 이야기의 마지막 부분은 일부 작품의 예를 제시함으로써 이 마지막 확실성을 없애기 위해 최선을 다하고 싶습니다. Giovanni Battista Tiepolo의 A Young Woman with a Parrot(1827), A Young Woman with a Macaw(1696-1770), Gustave Courbet의 Woman with a Parrot(1866)은 같은 동물의 에로틱하지는 않지만 모독적인 이미지를 제공했습니다. . 위의 마지막 걸작에 대해 말하자면, 1866년 파리 살롱에서 쿠르베의 첫 번째 누드 작품인 앵무새를 안고 있는 여인(1866)은 등을 대고 누운 여성의 존재와 새의 존재가 결합된 친밀한 실내를 묘사하고 있습니다. , 관능적 인 유혹자와 유사한 방식으로 뻗은 왼손에 쉬면서 그녀에게 돌진합니다. 마지막으로 Ley Mboramwe, Rinalds Vanadzins, Liuba Zdor와 같은 Artmajeur 예술가들의 비유적 조사를 통해 미술사에서 앵무새 주제에 대한 추가 접근 방식을 설명합니다.
INTO THE NATURE (2021) 사브리나 섹의 그림.
열대 추상 앵무새 그림, '아마존 유토피아'(2022) 그림은 Lucía Verdejo.
PARROT GIRL (2022)레이 음보람웨의 그림.
레이 음보람웨: 앵무새 소녀
앵무새와 함께 불멸의 여성과 즉석 Frida Kahlo 매니아입니다! 사실, 후자의 화가가 현대에 달성한 엄청난 상업적 인기는 Artmajeur 아티스트 Mboramwe의 그림인 앵무새 소녀를 보는 것을 확실히 망쳤습니다. 1941년에 제작된 이 아티스트는 인형의 고정된 외부 시선과 함께 시청자의 관심을 끌기 위해 멕시코 전통 의상을 입은 프리다를 보여줍니다. 사실, 전기 작가들은 Kahlo가 그녀의 신체적 특성을 나타내는 고통뿐만 아니라 최근 아버지의 죽음을 감안할 때 그녀의 정신을 표시하는 고통을 외부화하기 위해 주목받고자 하는 욕망에 대해 이야기합니다. 멕시코 화가의 황량한 이야기에 차분하고 유익한 오아시스를 가져다주는 것을 목표로 일종의 다채롭고 주름진 보호 요소로 묘사된 행운의 동물인 앵무새가 구원적으로 개입하는 것은 바로 이러한 슬픈 맥락에서입니다. 동시에 앞서 언급한 아마존의 표본인 동물들은 아마존의 신화적 인물을 암시하며 프리다를 걸작이 만들어지는 어려운 시기에 강렬한 사랑의 삶을 관리하는 자랑스러운 여성으로 제시합니다. 그녀의 사랑하는 디에고와 두 번째로 결혼합니다. 그녀를 자유롭고 대담하게 만드는 것은 바로 이 후자의 위업이며, 따라서 감상적 해방을 통해 남성성에 대한 여성의 복수를 제시하면서 당대의 여성적 신화와 이상을 다시 쓸 수 있게 한다. 대조적으로, 앵무새 소녀 인형의 극도의 자신감은 대신 잘 차려 입은 젊은 여성의 모델 포즈를 그다지 진지하지 않게 받아들이고 그녀의 모자 주위를 불안정하게 움직이며 동정적으로 관심을 끄는 친절한 새의 존재로 인해 경시됩니다.
PARROT'S BLISS (2022)Rinalds Vanadzins의 그림.
Rinalds Vanadzins: 앵무새의 행복
추상적인 구성 요소와 친근한 앵무새로 구성된 Vanadzins의 팝 구성에서도 일종의 분해된 정물에서 자리를 찾습니다. Georg Flegel의 상징적이고 전통적인 정물뿐만 아니라 Frida Kahlo와 Robert Delaunay의 더 현대적이고 혁신적인 정물도 보여줍니다. 후자에 대해 말하자면, 문제의 걸작은 앵무새가 있는 정물(Still-life with a Parrot, 1907)로, 이 그림은 프랑스 화가의 작품에 대한 초기 인상파 영향의 결과이며, 이 그림에서 그는 빛에 대한 그의 가장 전형적인 대기 처리를 다음과 같이 그렸습니다. Pont Aven 그룹에서 가져온 볼륨에 대한 날카로운 관심에 추가되었습니다. 이러한 경향은 신인상주의의 발견과 Seurat의 작품을 통해 화가의 조화를 이루며, 색의 자율성을 확인하고 움직이는 형태를 생성하는 능력을 확인하는 것을 목표로 하는 순전히 점묘주의 붓놀림을 일으키는 관점입니다. . 위의 내용을 추가하면 Fauves의 다채로운 캔버스와 Matzinger에서 가져온 그림의 작은 큐브 또는 타일 구성에 대한 감탄이 있습니다. 이러한 문체적 맥락에서 1907년 걸작은 반대 색상과 병치된 색상의 유기적인 쉬머를 최적화하는 것을 목표로 하는 강력한 색상 팔레트의 활용을 통해 실현되었습니다. 노랑-오렌지.
GIRL WITH A GREY PARROT (2023) Liuba Zdor의 그림.
Liuba Zdor: 회색 앵무새와 소녀
위의 예에서 우리는 동물이 항상 또는 거의 항상 여러 가지 상징적 의미를 지닌 정물화, 종교적 장면 등의 주인공으로 앵무새를 보았습니다. 이와는 대조적으로 단순하고 비은유적인 애완 동물로 표현된 새는 Artmajeur 작가의 그림 <회색 앵무새와 소녀>의 주인공으로, 불멸의 한 쌍의 주제 때문에 단번에 아영을 떠올리게 한다. Lady in 1866 (1866), Édouard Manet의 오일, 즉 화가가 가장 좋아하는 모델인 Victorine Meurent를 불멸화시키는 분홍색 드레스를 입은 그녀는 작은 제비꽃 꽃다발을 들고 아프리카 회색 앵무새의 존재를 동반합니다. , 농어촌에 놓여 있습니다. 뉴욕의 MET에서 페소로 보존된 이 그림은 1866년에 제작된 앞서 언급한 걸작인 귀스타브 쿠르베(Gustave Courbet)의 더 관능적인 앵무새와 함께 있는 여인(Woman with Parrot)의 사실주의와 새를 포함한다는 점에서 연상됩니다. 이 그림에서 길들여진 동물로 나타나는 것은 그러한 새들이 어떻게 실제로 길들여지는 과정, 즉 예를 들어 개, 소 또는 다른 동물을 대상으로 하는 것과 같이 먹이와 번식을 조절하고 통제하도록 고안된 인간에 의한 선택 과정을 거치지 않았는지를 기록하게 했습니다. 가축. 결과적으로 애완 앵무새 표본은 야생의 앵무새 표본과 몇 세대 차이를 보입니다.
Olimpia Gaia Martinelli
