パリのパレ・ブロンニャールに世界中のコレクター、専門家、愛好家を集める「サロン・デュ・デッサン2025」の開催は、美術史におけるデッサンの基本的役割を祝う絶好の機会です。
最も繊細な研究から最も大胆な表現まで、デッサンは常に芸術的創造の中心であり、偉大な巨匠たちの心を垣間見る特別な機会を提供してきました。この名誉あるイベントを記念して、技術、ビジョン、創造性の進化を物語る時代を超えた作品である、 10 点の重要なデッサンを紹介します。
アンドレア・マンテーニャ『石板の上に横たわる男』1470-80年。ペンとインクによる素描。大英博物館評議員。
アンドレア・マンテーニャ – 石板の上に横たわる男（1470-80）
1470年から1480年の間にペンとインクで制作された作品『石板の上に横たわる男』は、アンドレア・マンテーニャの、解剖学的な精密さ、表現力豊かなドラマ、前例のない幻想的な遠近法を組み合わせた並外れた才能を体現しています。描かれた男性は、半身を横たえ、苦痛と放棄の表情を浮かべ、彫刻的な緊張感を醸し出し、生きているかのように、触れられるかのように見え、そのリアリズムはほぼ三次元的です。この作品は現在、大英博物館に所蔵されています。
この素描は、ブレラ絵画館に所蔵されているマンテーニャの名高い『死せるキリスト』と直接対話している。両作品には、同じ遠近法の研究と、マンテーニャの芸術を特徴づける要素である解剖学的短縮法を試したいという願望が共通している。この素描は『死せるキリスト』より前のものではないが、同時期に描かれたものであり、マンテーニャが人体の三次元的表現を深く探求していたことを示している。体の位置、極端な短縮法、表現の強さは、同じ造形的緊張と空間的錯覚への魅了によって結びついた2つの作品の強いつながりを示唆している。
レオナルド・ダ・ヴィンチ、ウィトルウィウス的人体図、1490 年。紙にペンとインクで描いたもの。アカデミア美術館、ヴェネツィア。
レオナルド・ダ・ヴィンチ – ウィトルウィウス的人体図 (1490)
1490年頃にレオナルド・ダ・ヴィンチによって描かれた「ウィトルウィウス的人体図」は、美術史上最も象徴的な図像の一つです。この作品は、円と正方形の中に描かれた男性を描いており、ローマの建築家ウィトルウィウスの理論に基づく人体の理想的な比率を示しています。
宇宙と神の完全性を象徴する円と、地上の次元を表す四角形が人間の姿の中で交差し、小宇宙と大宇宙をつなぐ架け橋となっている。プラトン哲学と新プラトン哲学に由来するこの概念は、人間を万物の尺度とするルネサンスの理想を反映している。
レオナルドのスタイルは、人体の綿密な研究の成果である、並外れた解剖学的精密さによって特徴づけられます。以前のウィトルウィウスの表現とは異なり、彼の絵は古典的なテキストを単に複製するのではなく、直接の観察に基づいています。
レオナルド・ダ・ヴィンチ、自画像、1517～1518年。紙に赤いチョークで描きます。 Biblioteca Reale、トリノ。
レオナルド・ダ・ヴィンチ – 自画像 (1517-18)
1517年頃に制作されたレオナルド・ダ・ヴィンチの自画像は、ルネサンスの天才たちの集合的想像力を定義しました。自信に満ちた滑らかな筆致が特徴のこの赤チョークの絵は、技術的な正確さと深い心理的内省を巧みに組み合わせています。年老いた顔をした年配の男性が、鋭く表情豊かな表情で鑑賞者を見つめています。
レオナルドの赤チョークの巧みなコントロールによって実現された微妙な明暗法は、この肖像画に強いボリューム感と立体感を与え、まるで彫刻のような質感を与えています。繊細な陰影が加わった彼の本質的でありながら深遠な筆致は、顔の特徴の柔らかさを強調し、奥行き感を高めています。
レオナルドの自画像は、もともと独立した素描として構想されていたが、 19世紀以降は複製され、版画を通して広く普及し、彫刻の世界に大きな影響を与えてきた。最も初期の複製のひとつは1810年に制作され、ジュゼッペ・ボッシが自身の論文『レオナルド・ダ・ヴィンチの壁画』のためにこの肖像画の彫刻を制作し、この作品の名声をさらに確固たるものにした。この作品は1839年に再び姿を現し、サヴォイア家のコレクションの一部となり、その後トリノ王立図書館に永久収蔵された。
これはレオナルドの真正な肖像であると広く認められているが、一部の学者は長年この特定に疑問を呈し、この人物はセル・ピエロ・ダ・ヴィンチ（ダ・ヴィンチの父）、叔父フランチェスコ、あるいは古代の哲学者である可能性さえ示唆してきた。しかし、ウィンザーにあるレオナルドの弟子フランチェスコ・メルツィ作とされる有名な横顔の絵との比較により、この絵が確かに晩年の巨匠の肖像画であるという考えが強まった。この解釈は、ルイジ・ダラゴーナの秘書が1517年にレオナルドを70歳を超えた男性として描いた記述とも一致する。
アルブレヒト・デューラー、『祈る手』、1508年頃。素描。アルベルティーナ美術館、ウィーン。
アルブレヒト・デューラー – 祈る手（1508年頃）
アルブレヒト・デューラーの絵は時代を超えた作品であり、西洋世界では信仰と献身の普遍的な象徴として認識されています。青みがかった紙にペンとインクで描かれたこの傑作は、祈る男性の両手を描き、細い指と手首はまくった袖で部分的に覆われています。
洗練された明暗法から立体的な表現に至るまで、デューラーの細部への並外れたこだわりは、単純な解剖学的研究にさえ深い表現力を吹き込むことができる彼の卓越したグラフィックスキルを示しています。
伝統的に、この素描は、フランクフルトのドミニコ会教会のために注文され、 1729年に火災で悲劇的に消失したヘラー祭壇画の中央パネルに描かれる予定の使徒の手の下絵であると考えられてきました。しかし、最近の研究では、この素描は単なる下絵ではなく、祭壇画に描かれた手を非常に洗練され巧みに描き直したものであることが示唆されています。このイメージは、デューラーが有名なイタリア旅行の後にドイツに持ち帰ったものと考えられます。
ミケランジェロ・ブオナローティ、ヴィットリア・コロンナの磔刑、1545年。紙に木炭。大英博物館、ロンドン。
ミケランジェロ・ブオナローティ – ヴィットリア・コロンナの磔刑 (1545)
1545年頃に制作された「ヴィットーリア・コロンナのための磔刑」は、現在ロンドンの大英博物館に所蔵されている、ミケランジェロ・ブオナローティ作とされる木炭画です。この作品は、宗教改革派と深い関わりのある貴婦人で詩人のヴィットーリア・コロンナとの友情に深く結びついた、彼のグラフィック作品の最も親密な例の1つです。
伝統的な磔刑の表現とは異なり、ミケランジェロのキリストは十字架上で静止しているのではなく、むしろ空中に浮いたり、回転しながら上昇しているように見えます。並外れた解剖学的可塑性で形作られたキリストの体は、すでに復活に向かっているかのように、苦痛と精神的な上昇の両方を伝えるようにねじれています。両側には、基本的な線で描かれた2人の嘆きの天使が、激しい感情的な盛り上がりでシーンに参加しています。
キリストの遺体のダイナミックな解釈は、キリストの死を個人の救済への唯一の道として強調し、究極の救済行為としての犠牲を強調したカトリックの宗教改革思想の影響を反映しているのかもしれない。
ラファエロ・サンツィオ『二人の使徒の頭部と手の研究』 、1519-20年。素描。オックスフォード、アシュモリアン博物館。
ラファエロ・サンティ –二人の使徒の頭部と手の研究(1519-20)
1518年から1520年にかけて描かれた壮大な祭壇画「変容」の準備習作で、現在はバチカン絵画館に所蔵されています。これは、美術史上最も偉大な巨匠の一人の創作過程を知ることができる素晴らしい作品です。
この絵には対照的な人物が二人描かれている。理想的な顔をした若い男性と、長いあごひげを生やした老人で、二人とも絵の下部に描かれた「悪魔に取り憑かれた少年の癒し」の場面に強い感情移入している。ラファエロの技量は、極めて繊細に顔を特徴づけ、場面の悲哀をほとんど触れられるほどに表現する能力にある。
並外れた色調範囲で処理された黒チョークのストロークは、光と影の繊細な調整を可能にし、最終的な絵画の明暗法を予感させます。この習作は単なる解剖学の演習ではなく、人間の本質とその相反する感情に対する深い探求です。
また、この絵には、より大きな原寸大の下絵から頭や手の輪郭を写し取る技法である「パウンシング」の痕跡も見受けられます。これは、画家が、最も表現力豊かな細部に焦点を当てて、完璧な絵画表現を実現しながら、徐々に構成を洗練させていったことを示しています。
レンブラント・ファン・レイン、自画像、1637年。赤いチョーク。ワシントン国立美術館。
レンブラント・ファン・レイン – 自画像 (1637年頃)
レンブラントの膨大な自画像コレクションには、 40 点以上の絵画、31 点のエッチング、数点のデッサンが含まれていますが、その中でも、現在ワシントンのナショナル ギャラリーに所蔵されている、 1637 年頃に制作された赤チョークの肖像画は、その即時性と表現力の鮮やかさで際立っています。
この作品でレンブラントは、つばの広い帽子をかぶり、プリーツの入った豊かな服を着た自身の姿を描いているが、構図の本当の焦点は、柔らかく流動的で、ほとんどスケッチのような線で描かれた彼の顔であり、その人物像に自然で思索的な雰囲気を与えている。彼の直接的でやや皮肉な視線と、素早く力強い筆致は、彼の技術力だけでなく、常に新しい方法で自分のイメージを探求したいという願望も表している。
この絵はレンブラントの生涯にわたる自己省察の一部であり、野心的な新進芸術家として描かれた初期の自画像から、深い影と内省が特徴的な力強く憂鬱な老年期の肖像画まで、彼のキャリア全体にわたって描かれています。
エドガー・ドガ、ダンスーズ・デブー、c. 1877年。ブエノスアイレス国立美術館。
エドガー・ドガ – 踊りのデブー (1877 年頃)
ダンスの世界を並外れた感性で捉えた芸術家の中でも、エドガー・ドガは名誉ある地位を占めています。パステルで紙に描かれた彼の作品「Danseuse Debout」 （ 1877年頃）は、パリ・オペラ座のバレリーナの動き、優雅さ、努力を描写する彼の能力の完璧な例です。
この絵は、準備の瞬間にある若いダンサーを描いている。上半身をわずかに傾け、片方の腕を伸ばし、片方の足を上げており、ウォーミングアップの運動かバランスを取る瞬間を示唆している。ドガは完璧な演劇的なポーズではなく、むしろつかの間の瞬間、動きの自発性を追求している。バレリーナは、自意識も演技もなく、まるでアーティストの視線に気づいていないかのように、自分の世界に完全に没頭しているように見える。
柔らかな筆致と繊細な色彩のニュアンスを持つパステルの選択により、ドガはチュチュの輝き、タイツのシルクの光沢、バレエシューズを強調することができました。彼の素早く生き生きとした線は、人物をエネルギーで彫刻しているように見えます。一方、漠然とした背景はダンサーの動きに注目させ、彼女の動きと存在感を際立たせています。
フィンセント・ファン・ゴッホ、『悲しみ』、1882年。デッサン、ニュー・アート・ギャラリー、ウォルソール、イギリス。
フィンセント・ファン・ゴッホ – 悲しみ（1882）
1882 年に制作された「悲しみ」は、フィンセント・ファン・ゴッホの初期のグラフィック作品の傑作の 1 つであり、疎外された人々に対するアーティストの深い共感を示す強烈でドラマチックな作品です。この鉛筆とインクの絵は、妊娠して見捨てられた女性、シエンとして知られるクラシナ・マリア・ホーニクを描いています。彼女の身体には過酷な生活の痕跡が残っています。
この女性像は、上半身を前に傾け、両腕を脚の上に組んで座っており、疲労、絶望、諦めを表現した姿勢をとっています。彼女の体は裸ですが、理想化されていません。人間の苦しみを生々しくリアルに表現しています。
この作品には次のような碑文が添えられている。
「この世に、どうして見捨てられた孤独な女性が存在するだろうか？」歴史家ジュール・ミシュレの言葉。このフレーズは解釈の重要な要素であり、この絵が単なる肖像画ではなく、 19世紀の社会的に疎外された女性たちの苦境に対する社会的非難でもあることを明らかにしている。
シーン・ホーニクはゴッホのモデルであっただけでなく、ゴッホの人生の一部を共にした女性でもありました。ゴッホは1882年1月にハーグの路上で彼女に出会いました。彼女は妊娠しており、貧困に陥り、生きるために売春を強いられていました。ゴッホは彼女を家に引き取り、1年ほど支えました。ゴッホにとってそれは慈善行為と連帯感を表す絆でした。
パブロ・ピカソ – 眠る女を明かす牧神（ユピテルとアンティオペ、レンブラントへのオマージュ）, 1936年
テート美術館（ロンドン）
パブロ・ピカソ – 眠る女を明かす牧神（ユピテルとアンティオペ、レンブラントへのオマージュ） (1936)
この作品は、クラシック神話のエピソードに着想を得ており、1659年にレンブラントによって描かれた「ユピテルとアンティオペ」の物語に基づいている。神ユピテルがサテュロスの姿に変装し、眠る王女アンティオペに忍び寄るという場面だ。しかし、ピカソの解釈は単なる歴史的な引用を超え、強い官能的な緊張感と曖昧な物語性を持つ作品へと昇華している。
牧神（ファウヌス）という神話的存在は、本能的な欲望や性を象徴する。彼は眠る女性の上に身を乗り出し、覆い隠していたヴェールをそっと持ち上げる。その柔らかく官能的な女性の身体は、より攻撃的で獣的な男性の姿と対照をなし、受動性と支配、夢と現実の二元性を強調している。
ピカソはエッチングとドライポイントを組み合わせた版画技法を使用し、線と質感の豊かさをドローイングのように表現している。流れるような速い線はスケッチのような印象を与え、一方で濃い影や荒々しく削られた表面はドラマチックなコントラストを生み出し、場面の緊張感を高めている。
このエッチング作品は、ピカソのグラフィックスタイルと驚くほど似ている。落ち着きのない断片的な線は、彼の鉛筆や木炭による習作を思わせ、明暗のコントラストによって、まるで紙の上で彫刻されたかのように人物の立体感と存在感を強調している。
Olimpia Gaia Martinelli
