販売のためのランドアートの彫刻

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{スタイル}スタイルを定義する方法は？

アース アートとも呼ばれるランド アートは、風景を彫刻したり、そこに自然素材の構造物を構築したりして、風景の中に直接作成されます。ランド アートは、1960 年代から 1970 年代にかけてのアメリカにおけるアートの「無慈悲な商業化」に対する抗議でした。ただし、従来のギャラリー スペースでは、写真ドキュメントが頻繁に表示されていました。この間、ランドアートの支持者は美術館やギャラリーを芸術活動の場として拒絶し、伝統的な可搬彫刻や商業美術市場の範囲外の記念碑的な景観プロジェクトを作成しました.ミニマリストやコンセプチュアル アート、デ ステイル、キュービズム、ミニマリズム、コンスタンティン ブランクーシやヨーゼフ ボイスの作品などの現代的なトレンドは、ランド アートのインスピレーションとなりました。

芸術運動の主な関心事は、芸術の商業化への反対と、新たに出現したエコロジー運動への熱意でした。反都市感情の蔓延とそれを相殺する田舎暮らしへの情熱は、芸術運動と一致しました。地球を人類の家として機能させたいという精神的な願望は、これらの衝動の中にありました。

アーティストがオブジェクトを収集するか、サイト固有の介入を実行するために周囲の環境への遠足に出かけるプロセスベースのアート作成方法は、土や岩などの天然素材を組み込むための彫刻のトレンドとして最初に始まったものから急速に進化しました、および植物。一部のアーティストは景観に一時的で限定的な介入を作成しましたが、他のアーティストは機械的な土工設備を使用して土工を作成しました。ギャラリーでのプレゼンテーションのために、アーティストは写真、映画、地図を頻繁に使用して土工を記録しました。さらに、環境の有機的要素を彫刻やインスタレーションに組み合わせることで、ランド アーティストはギャラリーでランド アートを作成しました。

1969 年 2 月に開催されたコーネル大学のハーバート F. ジョンソン美術館は、1969 年 2 月に開催されたコーネル大学のハーバート F. ジョンソン美術館で、アース アートの展覧会を開催した最初のアメリカの美術館でした。作品は、美術館だけでなく、コーネル大学のイサカ キャンパス全体で展示されていました。 、商品としての芸術の地位に後で挑戦し続ける作品、特にオブジェクトのコンテキストとその周囲の間の境界線を曖昧にするインスタレーションの場を提供します。

ランドアート彫刻

ランド アーティストは、使用する素材と作品の場所を通じて、芸術の限界を探求し、頻繁に風景を積極的に変更して彫刻やインスタレーションを作成しました。これらの芸術作品は、地球から直接彫られたり、利用可能な天然資源を利用して芸術家によって土工芸術に変換されたりすることがよくありました.これらの要素の使用は、その場所の独自性を尊重し、現場でよく見られる土、植物、岩、砂利、石、小枝、および水を含みました。

制作されたアースアートは、アートの世界に場所の特異性という考えをもたらしました。これらの芸術作品は、訪問者が常にアクセスできるとは限らず、時にはアーティストだけがその存在を認識していたという事実のために、これらの彫刻はアーティストを作品の中心に置きました.その結果、アーティストは自分の作品を写真で記録することが多く、その後、アート ギャラリーで実際の作品の代わりにそれを使用して展示しています。

ランド アート運動は 1960 年代を通してアートの残忍な商業化に反対したため、この設定の変更は、アートが観察されるものとしてのみ存在するという概念に挑戦しました。これらの作品は自然への回帰を調査し、地球を人類の真の故郷として認識する環境運動の成長を引き起こしました。その結果、ランド アーティストは、この理想を賛美し、大都市生活を完全に拒絶するアース アートを作成し始めました。

芸術活動のための伝統的な場所である美術館やギャラリーが放棄されたため、芸術家は伝統的な輸送可能な芸術作品の範囲外であった記念碑的な彫刻を作成する機会を与えられました.ランドアーティストは、従来のギャラリーや美術館の場所の外で彫刻やインスタレーションを制作するために、高価なアイデアをサポートするために嫌いなシステムに頼らざるを得ませんでした.巨大なランドスケープ・インスタレーションでは、土地の購入と土工ツールの使用が必要になることがよくありました。裕福な後援者や民間財団は、これらの贅沢なプロジェクトに資金を提供することがよくありました.

ランドアート彫刻家

ロバート・スミッソン (1938-1973)

アメリカ人アーティストのロバート・スミッソンは、おそらくこの運動の最も重要なパイオニアの 1 人でした。社会問題からのモダニズムの離脱への対応として、彼の 1968 年のエッセイ「精神の沈降: 地球プロジェクト」は、この運動に重要な枠組みを提供した。立体的な彫刻構成を作成するために、彼はさまざまな素材を組み合わせ始めました。これは、遠征から持ち帰った土や岩で作られた彫刻がギャラリーの中に置かれた一連の「非サイト」作品につながりました。これらの彫刻には、地図、ゴミ箱、鏡、ガラス、ネオンが頻繁に含まれていました。スミソンの土工作品であるスパイラル ジェッティ (1970 年)、ブロークン サークル/スパイラル ヒル (1971 年)、およびアマリロ ランプ (1973 年) は、彼の最も有名な作品 (1973 年) です。アートをギャラリーの文脈から完全に取り除き、自然の地形に統合することで、彼は現代美術における彫刻形態の先入観を永遠に変えました。

ウォルター・デ・マリア (1935-2013)

ウォルター デ マリアは、彫刻、インスタレーション、土地の作品において、幾何学的な形を採用し、相対的なものと絶対的なものとの間のつながりを探求する一連の反復を生み出しました。彼の最も有名なランド アート作品である Lighting Field (1977 年) は、ニュー メキシコ州の砂漠の僻地に置かれた 1 マイル x 1 キロメートルの正方形のグリッドです。高さ 20 フィートを超える、磨かれたステンレス鋼で作られた 400 本のポールが、水平面 (落雷の引力のポイント) を定義する尖った先端を持っています。グリッドを構成しています。訪問者はグリッドに物理的に入るか、遠くから観察することができ、時間と空間、アート、風景、自然が衝突する一連の強力な視覚的錯覚の中で変化します。

デニス・オッペンハイム (1938-2011)

オッペンハイムの自然界への初期の介入は、彼の同時代の多くの人々の介入とは対照的に、削除の形をとり、芸術家自身の言葉を借りれば、「追加するのではなく取り除く」ことによって彫刻するという伝統的な彫刻の原則に戻ります。地政学的な境界、タイム ゾーン、および自然劣化は、サイト固有の作品である Annual Rings (1968) で参照および強調されている社会システムおよび自然システムのほんの一例です。地図を再現することは、地図が州と州の間に不自然で頻繁に暴力的な境界を作成する役割を果たしていることを示すのに役立ち、川、自然の境界はこれらの国境のツールとして機能します。

オッペンハイムは、国家やタイム ゾーンなどの人工的な概念と自然の要素を並置することによって、「私たちが生活するための秩序システムの相対的な価値」に疑問を投げかけました。同時に、ロバート スミッソンやウォルター デ マリアなどのアース アーティストも、自然環境が人工的な介入と対立するサイトスペシフィックなアースワークを制作していました。

ナンシー・ホルト (1938 - 2014)

ホルトがキャリアを通じて制作したパブリック スカルプチャー、インスタレーション アート、ランド アートは、彼女の実験的なビデオや写真とともに最もよく知られています。ホルトは、彼女と夫 (ロバート スミッソン) の両方の作品の独創的で好奇心旺盛な精神を引き継ぐために、2017 年にホルト/スミソン財団を設立しました。彼らは彫刻の実践を通じて、私たちと世界との関係を探求する新しいアプローチを生み出しました。

リチャード・ロング（1945年生まれ）

ランド アート運動に関与した有名な英国の彫刻家は、リチャード ロングでした。 1960 年代後半、アーティストは風景を新しい方法で利用したいという願望に動機付けられて、散歩を媒体として自然との直接的な相互作用を始めました。長い間、芸術の言語と願望を転覆させ、一連の反復的なジェスチャーや長引くソロウォークを通じて、より基本的で親密で基本的なレベルに持ち込もうとしました。彼の目標は、人間と環境の間の純粋な会話の可能性を自分自身で実証することでした.時間、空間、距離がテーマとなるこの画期的なコンセプチュアル ランド アート プロジェクトは、巨大なスケールに拡張されます。

アンディ・ゴールズワージー（1956年生まれ）

Andy Goldsworthy は、自然の中で作品を制作する有名なランド アートの彫刻家および写真家です。彼のアウトプットは、恒久的なプロジェクトと一時的なプロジェクトに分類できます。後者は、ライフサイクルの終わりに消滅するように設計されており、有機的で一時的なコンポーネントから構成されています。彼は、枝、葉、岩、氷から、らせん、円、蛇行など、多くの反復的なデザインを作成します。これらのイニシアチブの中心にある儚さは、脆弱な生態系と絶え間なく変化する自然環境を反映しています。

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