販売のためのランドアートの彫刻

112 販売のためのオリジナルの現代彫刻:

{スタイル}スタイルを定義する方法は？

アース アートとも呼ばれるランド アートは、風景を彫刻したり、そこに自然素材の構造物を構築したりして、風景の中に直接作成されます。ランド アートは、1960 年代から 1970 年代にかけてのアメリカにおけるアートの「無慈悲な商業化」に対する抗議でした。ただし、従来のギャラリー スペースでは、写真ドキュメントが頻繁に表示されていました。この間、ランドアートの支持者は美術館やギャラリーを芸術活動の場として拒絶し、伝統的な可搬彫刻や商業美術市場の範囲外の記念碑的な景観プロジェクトを作成しました.ミニマリストやコンセプチュアル アート、デ ステイル、キュービズム、ミニマリズム、コンスタンティン ブランクーシやヨーゼフ ボイスの作品などの現代的なトレンドは、ランド アートのインスピレーションとなりました。

芸術運動の主な関心事は、芸術の商業化への反対と、新たに出現したエコロジー運動への熱意でした。反都市感情の蔓延とそれを相殺する田舎暮らしへの情熱は、芸術運動と一致しました。地球を人類の家として機能させたいという精神的な願望は、これらの衝動の中にありました。

アーティストがオブジェクトを収集するか、サイト固有の介入を実行するために周囲の環境への遠足に出かけるプロセスベースのアート作成方法は、土や岩などの天然素材を組み込むための彫刻のトレンドとして最初に始まったものから急速に進化しました、および植物。一部のアーティストは景観に一時的で限定的な介入を作成しましたが、他のアーティストは機械的な土工設備を使用して土工を作成しました。ギャラリーでのプレゼンテーションのために、アーティストは写真、映画、地図を頻繁に使用して土工を記録しました。さらに、環境の有機的要素を彫刻やインスタレーションに組み合わせることで、ランド アーティストはギャラリーでランド アートを作成しました。

1969 年 2 月に開催されたコーネル大学のハーバート F. ジョンソン美術館は、1969 年 2 月に開催されたコーネル大学のハーバート F. ジョンソン美術館で、アース アートの展覧会を開催した最初のアメリカの美術館でした。作品は、美術館だけでなく、コーネル大学のイサカ キャンパス全体で展示されていました。 、商品としての芸術の地位に後で挑戦し続ける作品、特にオブジェクトのコンテキストとその周囲の間の境界線を曖昧にするインスタレーションの場を提供します。

ランドアート彫刻

ランド アーティストは、使用する素材と作品の場所を通じて、芸術の限界を探求し、頻繁に風景を積極的に変更して彫刻やインスタレーションを作成しました。これらの芸術作品は、地球から直接彫られたり、利用可能な天然資源を利用して芸術家によって土工芸術に変換されたりすることがよくありました.これらの要素の使用は、その場所の独自性を尊重し、現場でよく見られる土、植物、岩、砂利、石、小枝、および水を含みました。

制作されたアースアートは、アートの世界に場所の特異性という考えをもたらしました。これらの芸術作品は、訪問者が常にアクセスできるとは限らず、時にはアーティストだけがその存在を認識していたという事実のために、これらの彫刻はアーティストを作品の中心に置きました.その結果、アーティストは自分の作品を写真で記録することが多く、その後、アート ギャラリーで実際の作品の代わりにそれを使用して展示しています。

ランド アート運動は 1960 年代を通してアートの残忍な商業化に反対したため、この設定の変更は、アートが観察されるものとしてのみ存在するという概念に挑戦しました。これらの作品は自然への回帰を調査し、地球を人類の真の故郷として認識する環境運動の成長を引き起こしました。その結果、ランド アーティストは、この理想を賛美し、大都市生活を完全に拒絶するアース アートを作成し始めました。

芸術活動のための伝統的な場所である美術館やギャラリーが放棄されたため、芸術家は伝統的な輸送可能な芸術作品の範囲外であった記念碑的な彫刻を作成する機会を与えられました.ランドアーティストは、従来のギャラリーや美術館の場所の外で彫刻やインスタレーションを制作するために、高価なアイデアをサポートするために嫌いなシステムに頼らざるを得ませんでした.巨大なランドスケープ・インスタレーションでは、土地の購入と土工ツールの使用が必要になることがよくありました。裕福な後援者や民間財団は、これらの贅沢なプロジェクトに資金を提供することがよくありました.

ランドアート彫刻家

ロバート・スミッソン (1938-1973)

アメリカ人アーティストのロバート・スミッソンは、おそらくこの運動の最も重要なパイオニアの 1 人でした。社会問題からのモダニズムの離脱への対応として、彼の 1968 年のエッセイ「精神の沈降: 地球プロジェクト」は、この運動に重要な枠組みを提供した。立体的な彫刻構成を作成するために、彼はさまざまな素材を組み合わせ始めました。これは、遠征から持ち帰った土や岩で作られた彫刻がギャラリーの中に置かれた一連の「非サイト」作品につながりました。これらの彫刻には、地図、ゴミ箱、鏡、ガラス、ネオンが頻繁に含まれていました。スミソンの土工作品であるスパイラル ジェッティ (1970 年)、ブロークン サークル/スパイラル ヒル (1971 年)、およびアマリロ ランプ (1973 年) は、彼の最も有名な作品 (1973 年) です。アートをギャラリーの文脈から完全に取り除き、自然の地形に統合することで、彼は現代美術における彫刻形態の先入観を永遠に変えました。

ウォルター・デ・マリア (1935-2013)

ウォルター デ マリアは、彫刻、インスタレーション、土地の作品において、幾何学的な形を採用し、相対的なものと絶対的なものとの間のつながりを探求する一連の反復を生み出しました。彼の最も有名なランド アート作品である Lighting Field (1977 年) は、ニュー メキシコ州の砂漠の僻地に置かれた 1 マイル x 1 キロメートルの正方形のグリッドです。高さ 20 フィートを超える、磨かれたステンレス鋼で作られた 400 本のポールが、水平面 (落雷の引力のポイント) を定義する尖った先端を持っています。グリッドを構成しています。訪問者はグリッドに物理的に入るか、遠くから観察することができ、時間と空間、アート、風景、自然が衝突する一連の強力な視覚的錯覚の中で変化します。

デニス・オッペンハイム (1938-2011)

オッペンハイムの自然界への初期の介入は、彼の同時代の多くの人々の介入とは対照的に、削除の形をとり、芸術家自身の言葉を借りれば、「追加するのではなく取り除く」ことによって彫刻するという伝統的な彫刻の原則に戻ります。地政学的な境界、タイム ゾーン、および自然劣化は、サイト固有の作品である Annual Rings (1968) で参照および強調されている社会システムおよび自然システムのほんの一例です。地図を再現することは、地図が州と州の間に不自然で頻繁に暴力的な境界を作成する役割を果たしていることを示すのに役立ち、川、自然の境界はこれらの国境のツールとして機能します。

オッペンハイムは、国家やタイム ゾーンなどの人工的な概念と自然の要素を並置することによって、「私たちが生活するための秩序システムの相対的な価値」に疑問を投げかけました。同時に、ロバート スミッソンやウォルター デ マリアなどのアース アーティストも、自然環境が人工的な介入と対立するサイトスペシフィックなアースワークを制作していました。

ナンシー・ホルト (1938 - 2014)

ホルトがキャリアを通じて制作したパブリック スカルプチャー、インスタレーション アート、ランド アートは、彼女の実験的なビデオや写真とともに最もよく知られています。ホルトは、彼女と夫 (ロバート スミッソン) の両方の作品の独創的で好奇心旺盛な精神を引き継ぐために、2017 年にホルト/スミソン財団を設立しました。彼らは彫刻の実践を通じて、私たちと世界との関係を探求する新しいアプローチを生み出しました。

リチャード・ロング（1945年生まれ）

ランド アート運動に関与した有名な英国の彫刻家は、リチャード ロングでした。 1960 年代後半、アーティストは風景を新しい方法で利用したいという願望に動機付けられて、散歩を媒体として自然との直接的な相互作用を始めました。長い間、芸術の言語と願望を転覆させ、一連の反復的なジェスチャーや長引くソロウォークを通じて、より基本的で親密で基本的なレベルに持ち込もうとしました。彼の目標は、人間と環境の間の純粋な会話の可能性を自分自身で実証することでした.時間、空間、距離がテーマとなるこの画期的なコンセプチュアル ランド アート プロジェクトは、巨大なスケールに拡張されます。

アンディ・ゴールズワージー（1956年生まれ）

Andy Goldsworthy は、自然の中で作品を制作する有名なランド アートの彫刻家および写真家です。彼のアウトプットは、恒久的なプロジェクトと一時的なプロジェクトに分類できます。後者は、ライフサイクルの終わりに消滅するように設計されており、有機的で一時的なコンポーネントから構成されています。彼は、枝、葉、岩、氷から、らせん、円、蛇行など、多くの反復的なデザインを作成します。これらのイニシアチブの中心にある儚さは、脆弱な生態系と絶え間なく変化する自然環境を反映しています。

動物 」をテーマにした作品の購入

Animals are a favorite subject for sculptor artists. Pets, farm animals, wild animals, or exotic animals ... Sculptors in search of inspiration have plenty of choices for their statues! All animals have unique physical characteristics and shapes that make them exciting sculpture subjects for the artist! Cats, dogs, horses, fish, birds ... Shaping the coat, sketching the fur, giving life to the feathers, sculpting the scales ... This is an exercise that requires both technique and sensitivity in order to pay tribute to our 4-legged friends! Pierre-Jules, Mène Christophe Fratin, Rembrandt Bugatti or Henri-Alfred Jacquemart are all animal sculptors who have represented in their works all kinds of animal models: lions, rhinos, giraffe, panthers ...

動物の彫刻をオンラインで購入するにはどうすればよいですか？

現代の動物の彫刻は、どんな家の空間にもぴったりです。

アーティストは、特にシュルレアリスム、ストリートアート、ポップアートの影響を受けた、ファンタジー動物や野獣の彫刻から大きな影響を受けています。

動物の彫刻をオンラインで購入することは、ゴージャスな彫刻を手に入れる最も簡単な方法の1つです。オンラインで彫刻を購入すると、ギャラリーやスタジオに行かなくても済むなど、いくつかのメリットがあります。オンラインでアートワークを購入して、ドアに届けてもらうことができます。これは、今後何年にもわたってあなたの家の装飾を向上させることができる彫刻を手に入れるための素晴らしいアプローチです。

多くの人々は、動物の彫刻をオンラインで購入することを好みます。なぜなら、彼らには非常に多くの選択肢があるからです。はい、立派な芸術家のギャラリーは美しい芸術動物の彫刻をオンラインで販売しています。 ArtMajeur.comはその1つであり、あらゆるアーティストが可能な限り低いアート料金でオンラインで販売できるようにしています。 ArtMajeurには何千もの動物の彫刻があるので、ここで完璧な選択肢を見つけることができます。

オンラインで動物の彫刻を購入する利点の1つは、オリジナルの彫刻を入手できることです。これらのサイトは通常、アートワークの画像やビデオを詳細に紹介しています。オンラインでギャラリーから彫刻を購入する場合は、特別オファーや割引を利用できます。

それからあなたはあなたの部屋のデザインと寸法を補完することができる巨大な申し出を持っています。

さまざまなアートワークから選択し、色、スタイル、素材、サイズ、価格でフィルターを適用できます。

私たちのウェブサイトを閲覧し、あなたのニーズに応じて彫刻をリクエストしてください。オンラインで彫刻を購入する前に、彫刻の特性を比較して最良の取引を行い、購入品を返品しないようにする必要があります。

Discover contemporary artworks on ArtMajeur

Contemporary art is a vibrant constellation of artistic expressions. This creative universe encompasses a wide array of mediums, from paintings, sculpture, and photography to drawing, printmaking, textile art, and digital art, each medium a star shining with its own distinct radiance. Artists use diverse supports and materials to bring their visions to life, such as canvas, wood, metal, and even innovative digital canvases for the creation of virtual masterpieces. 

A contemporary painting, for instance, may weave its story through the masterful strokes of acrylic or oil, while a contemporary sculpture might sing its song in the language of stone, bronze, or found objects. The photographic arts capture and manipulate light to produce striking images, while printmaking employs techniques like lithography and screen-printing to produce multiples of a single, impactful image. Textile art plays with fabrics and fibers, whereas digital art pushes the boundaries of creation with innovative technology. 

The allure of contemporary art lies in its boundary-pushing nature, its relentless quest for experimentation and its constant reflection of the evolving human experience. This boundless creativity, coupled with its strong social and personal commentary, makes every piece of contemporary art a unique emblem of its time, a mirror held up to the realities and dreams of our complex world. It whispers to us, moves us, provokes thought, and kindles a deep emotional response, stirring the soul of anyone willing to listen. It is, indeed, the language of emotions and ideas, spoken in the dialect of our era.

Origins and history of contemporary art

The story of contemporary art unfolds in the mid-20th century, marked by seismic shifts in artistic expression. Post-World War II, around the 1950s and 1960s, artists began experimenting beyond traditional confines, challenging the norms of what art could be. This revolutionary epoch birthed myriad new movements and artistic forms such as abstract expressionism, pop art, and minimalism. Paintings, once confined by realism, embraced abstraction, as artists used color and form to express emotions and ideas. Notable periods like the advent of pop art in the late 1950s and early 1960s saw artworks mimicking popular culture and mass media, reflecting society’s shifting focus.

The sculptural arts, too, witnessed a metamorphosis. Sculptors started to experiment with new materials and forms, often creating artworks that interacted with the viewer and the surrounding space, fostering a sense of engagement. Drawing, a timeless practice, also evolved, with artists incorporating innovative techniques and concepts to redefine its role in contemporary art.

Photography, a relatively new medium, emerged as a powerful tool in the contemporary art landscape. Born in the 19th century, it truly came into its own in the latter half of the 20th century, blurring the lines between fine art and documentation. Printmaking, a practice dating back to ancient times, saw renewed interest and experimentation with techniques like lithography, etching, and screen printing gaining prominence.

The realm of textile art expanded dramatically, as artists began to appreciate the versatility and tactile quality of fabric and fibers. Artists began using textiles to challenge the boundaries between fine art, craft, and design. 

The dawn of digital technology in the late 20th century heralded a new age for contemporary art. Digital art emerged as artists started leveraging new technologies to create immersive, interactive experiences, often blurring the line between the virtual and the physical world.

Through these transformative periods, the essence of contemporary art has remained the same: a dynamic, evolving reflection of the times we live in, continually pushing boundaries and embracing the new, always questioning, always exploring.

Evolutions of theses contemporary works in the art market

As we navigate through the 21st century, the dynamic landscape of contemporary art continues to evolve and expand, reflecting our ever-changing world. Contemporary paintings, once primarily confined to two-dimensional canvases, now embrace a multitude of forms and techniques, ranging from mixed media installations to digital creations, each piece a rich a weaving of thoughts, emotions, and narratives. Sculpture, too, has ventured far beyond traditional stone and bronze, with artists incorporating light, sound, and even motion, embodying the ephemerality and flux of the modern world.

Photography, in the hands of contemporary artists, has expanded its horizons, seamlessly blending with digital technology to create breathtaking imagery that challenges our perception of reality. Drawing, as well, has transcended the borders of paper, incorporating multimedia elements and exploratory techniques to redefine its role in the artistic discourse. Printmaking continues to flourish, with contemporary artists using traditional methods in innovative ways to deliver potent social and personal commentaries.

Textile art, once considered a craft, now holds a prominent place in the contemporary art world, with artists using it to explore issues of identity, tradition, and cultural heritage. Meanwhile, digital art, the newest member of the contemporary art family, has revolutionized the way we create and interact with art, presenting immersive experiences that blur the boundary between the virtual and the physical.

These diverse forms of contemporary art hold significant value in the current art market, not only due to their aesthetic appeal but also their ability to encapsulate and communicate complex ideas and emotions. Collectors, curators, and art lovers worldwide seek these works, drawn to their inherent dynamism, their innovative use of materials, and their eloquent expressions of our shared human experience. As a testimonial to our times, these contemporary artworks encapsulate the pulse of our society and the resonance of individual voices, forever etching our collective narrative into the annals of art history.

Famous Contemporary Artists

As we delve into the vibrant realm of contemporary art, we encounter an array of artists who shape this dynamic field. Each a master in their medium - painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile, or digital art - they push artistic boundaries, reflecting our era and challenging perceptions. Let’s explore these remarkable contributors and their groundbreaking works.

1. Gerhard Richter - Known for his multi-faceted approach to painting, Richter challenges the boundaries of the medium, masterfully oscillating between abstract and photorealistic styles. His works, whether featuring squeegee-pulled pigments or blurred photographic images, engage in a fascinating dialogue with perception.

2. Jeff Koons - A significant figure in contemporary sculpture, Koons crafts monumental pieces that explore themes of consumerism, taste, and popular culture. His iconic balloon animals, constructed in mirror-polished stainless steel, captivate with their playful yet profound commentary.

3. Cindy Sherman - An acclaimed photographer, Sherman uses her lens to explore identity and societal roles, particularly of women. Renowned for her conceptual self-portraits, she assumes myriad characters, pushing the boundaries of photography as a medium of artistic expression.

4. David Hockney - Hockney, with his prolific output spanning six decades, is a pivotal figure in contemporary drawing. His bold use of color and playful exploration of perspective convey an intoxicating sense of joy and an unabashed celebration of life.

5. Kiki Smith - An innovative printmaker, Smith’s work explores the human condition, particularly the female body and its social and cultural connotations. Her etchings and lithographs speak to universal experiences of life, death, and transformation.

6. El Anatsui - A master of textile art, Anatsui creates stunning tapestry-like installations from discarded bottle caps and aluminum scraps. These shimmering, flexible sculptures blend traditional African aesthetic with contemporary art sensibilities, speaking to themes of consumption, waste, and the interconnectedness of our world.

7. Rafael Lozano-Hemmer - A leading figure in digital art, Lozano-Hemmer utilizes technology to create interactive installations that blend architecture and performance art. His work, often participatory in nature, explores themes of surveillance, privacy, and the relationship between people and their environments.

Notable contemporary artworks

The contemporary art landscape is a dynamic patchwork of diverse expressions and groundbreaking ideas, each artwork a unique dialog with its audience. Here are a selection of some renowned contemporary artworks, spanning various media such as painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile art, and digital art, that have profoundly influenced this vibrant movement.

1. "Cloud Gate" by Anish Kapoor, 2006 - This monumental stainless steel sculpture, also known as "The Bean," mirrors and distorts the Chicago skyline and onlookers in its seamless, liquid-like surface, creating an interactive experience that blurs the line between the artwork and the viewer.

2. "Marilyn Diptych" by Andy Warhol, 1962 - An iconic piece of pop art, this silkscreen painting features fifty images of Marilyn Monroe. Half brightly colored, half in black and white, it reflects the dichotomy of celebrity life and its influence on popular culture.

3. "Rhein II" by Andreas Gursky, 1999 - This photographic artwork, a digitally-altered image of the Rhine River, is celebrated for its minimalist aesthetic. It strips the landscape to its bare essentials, invoking a sense of tranquility and vastness.

4. "Black Square" by Kazimir Malevich, 1915 - A revolutionary painting in the realm of abstract art, this piece, featuring nothing more than a black square on a white field, challenges traditional notions of representation, symbolizing a new era in artistic expression.

5. "Puppy" by Jeff Koons, 1992 - This giant sculpture, a West Highland Terrier blanketed in flowering plants, explores themes of innocence, consumer culture, and the interplay between high art and kitsch. It’s a delightful blend of traditional sculpture and garden craft.

6. "Re-projection: Hoerengracht" by Ed and Nancy Kienholz, 1983-1988 - A room-sized tableau representing Amsterdam’s red-light district, this work combines elements of sculpture, painting, lighting, and found objects. It engages viewers in a stark commentary on commodification and objectification.

7. "Untitled" (Your body is a battleground) by Barbara Kruger, 1989 - This photomontage, combining black-and-white photography with impactful text, explores issues of feminism, identity, and power. Its potent, confrontational message is a prime example of the power of text in contemporary visual art.

8. "For the Love of God" by Damien Hirst, 2007 - This sculpture, a platinum cast of a human skull encrusted with 8,601 diamonds, probes themes of mortality, value, and the human fascination with luxury and decadence. It’s a compelling blend of macabre and magnificence.

9. "Physical impossibility of Death in the Mind of Someone Living" by Damien Hirst, 1991 - This artwork, featuring a tiger shark preserved in formaldehyde, blurs the line between traditional sculpture and biological specimen. It prompts viewers to contemplate mortality and nature’s ferocity.

10. "One and Three Chairs" by Joseph Kosuth, 1965 - A piece of conceptual art, it presents a physical chair, a photograph of a chair, and a dictionary definition of a chair, thus exploring the relationship between language, picture, and referent in art.

These pieces, in their diversity, exemplify the rich tapestry of contemporary art, each piece a unique commentary on our world and a testament to the limitless potential of creative expression.