Opere d'arte spirituale in vendita

38 Opere d'arte originali, edizioni limitate e stampe:

Una forma d'arte, principalmente pittura, che è stata influenzata dallo spiritualismo è chiamata arte spiritualista, arte spirituale, arte medianica o pittura psichica. L'arte spirituale ha avuto un'influenza significativa sul modernismo e, di conseguenza, sull'arte di oggi.

Georgiana Houghton e Piet Mondrian sono due noti artisti spirituali. Lo spiritualismo è servito anche come ispirazione per l'arte astratta pionieristica di Vasily Kandinsky, Piet Mondrian, Kasimir Malevich e František Kupka. Houghton e altri artisti spiritualisti hanno aiutato gli storici a riconoscere il significato dello spiritualismo e dell'ambiente occulto.

Negli ultimi anni molti esperti d'arte ora riconoscono il contributo dello spiritualismo allo sviluppo dell'arte astratta moderna. I principali artisti contemporanei interagiscono ancora con la spiritualità. Sotto la guida del famoso medium-guaritore brasiliano Giovanni di Dio, la performance artist serba Marina Abramovic è diventata una medium. Nel suo lavoro sono presenti molti elementi spiritualisti così come quelli tratti dalle tradizioni afroamericane e aborigene australiane.

Diversi tipi di arte spirituale

Sebbene molti artisti siano stati influenzati dallo spiritualismo, pochissimi hanno creato ciò che gli spiritualisti chiamano "arte spirituale". Ciò che costituisce esattamente "arte spirituale" può essere classificato in tre categorie principali: opere d'arte "precipitate"; ritratti di spiriti dipinti dalle mani dei medium durante le sedute spiritiche; e creazioni realizzate da medium-artisti che affermano che le loro mani sono guidate dagli spiriti.

I medium affermano che nel primo caso di "precipitazione", gli spiriti non si sono serviti di un artista umano per guidare le loro mani; invece, hanno creato i dipinti stessi. In un secondo esempio di arte degli spiriti, i ritratti degli spiriti, era molto popolare per i medium disegnare ritratti degli spiriti che dicevano fossero presenti alle sedute spiritiche durante l'apice dello spiritualismo. Gli "auragrafi", che descrivono la storia, il presente e il futuro di una persona visti da un medium o da un chiaroveggente, sono vicini al secondo tipo di "arte spirituale".

Secondo gli spiritualisti, il terzo tipo di "arte spirituale" consiste in opere di architettura, scultura e pittura prodotte dagli spiriti che dirigono le mani dell'artista. Nel secondo gruppo (ritratti di spiriti), si dice che anche gli spiriti dirigano spesso le mani del medium, ma nella terza categoria vengono create varie opere d'arte piuttosto che ritratti degli spiriti stessi.

Opere d'arte “precipitate”.

David Duguid (1832-1907) è stato il primo medium noto in grado di "precipitare" dipinti spirituali. Sebbene Duguid dipingesse spesso con l'aiuto di pittori spirituali, durante le sue sedute spiritiche le sue guide creavano anche dipinti "diretti" (precipitati).

I fratelli Campbell, che risiedevano nella comunità spiritualista di Lily Dale, New York, furono forse i primi medium a specializzarsi in dipinti precipitanti. Nonostante non fossero fratelli, Allen Campbell (1833-1919) e Charles Shourds (1863-1926) condividevano una casa e conducevano sedute spiritiche insieme. I fratelli Campbell non hanno mai messo le mani sulla tela mentre creavano i loro ritratti più famosi, tra cui quelli di Napoleone e Abraham Lincoln, che venivano eseguiti in pubblico. Ancora oggi, i turisti e la gente del posto di Lily Dale affermano di aver avuto incontri spirituali davanti ai capolavori dei Campbell.

Le Bangs Sisters, Elizabeth (1859-1920) e May Mary Elvira (1862-1917), erano altrettanto famose per i loro ritratti precipitati di persone decedute. Sebbene fossero spesso denunciati come frodi, i fratelli Campbell e le sorelle Bangs erano fortemente protetti da un segmento significativo della comunità spiritualista americana.

Anche la "Swami Laura Horos", nota anche come Ann Odelia Diss Debar (1849-1911), che affermava di essere guidata dagli spiriti di diversi antichi maestri europei, era associata ai dipinti spirituali. Debar fu imprigionata nel 1901 dopo essere stata dichiarata colpevole di frode e aver tenuto comportamenti sessuali immorali nel suo tempio londinese.

All'inizio della sua carriera, Madame Helena Blavatsky (1831–1891), l'occultista più famosa e leggendaria del XIX secolo e fondatrice del movimento New Age, era anche impegnata nella precipitazione dei dipinti spirituali.

Ritratti di spirito

Victor Hugo (1802–1855) creò i suoi dipinti spirituali durante le sedute spiritiche tenute nella sua residenza di Jersey, nelle Isole del Canale. A quel tempo, un fiorente mercato spiritualista era sostenuto anche da persone che cercavano ritratti dei loro cari defunti negli Stati Uniti. Lì, Wella Percy (1833–1900) e Lizzie Pet Anderson (1839–1896; prominente) erano compagni di vita e spiritualismo. Sono stati promossi dalla Gallery of Spirit Art, una pubblicazione con sede a Brooklyn che presentava solo opere d'arte create con l'assistenza degli spiriti.

I ritratti degli spiriti che appaiono durante le sedute spiritiche fanno ancora parte dell'attuale scena spiritualista e per le persone che pensano di riconoscere i loro cari defunti, possono essere un'esperienza molto toccante. Frank Leah (1886-1972) e Coral Polge (1924-2001), due spirit artist britannici, erano famosi a livello internazionale in quest'area.

Diverse centinaia di pittori spirituali stanno portando avanti la tradizione, tra cui Coral Ryder e Ann Bridge Davies nel Regno Unito, Francesca Ferraro in Canada e Angelique van Bezouwen nei Paesi Bassi.

Arte prodotta da spiriti che dirigono le mani dell'artista

Gli spiritualisti brasiliani che praticano la pittura in trance spesso incanalano le opere di noti pittori e scultori. José Medrado (nato nel 1961) è famoso in tutto il mondo per i suoi dipinti acrilici in trance e per quanto sia semplice per lui produrre un'opera d'arte con l'aiuto di molti assistenti spirituali. In stato di trance ha creato dipinti sotto l'influenza di maestri della pittura come Renoir, Vincent Van Gogh, Claude Monet, Matisse, Gauguin, Cassatt, Da Vinci, Morisot, Manet. Conosciuto anche come Medrado in Brasile è Luiz Antônio Gasparetto (1949-2018), che dipinge e scolpisce con le sue mani guidato da Degas, Sandro Botticelli, Amedeo Modigliani e molti altri artisti famosi.

Rientrano in questa categoria anche alcuni esempi di architettura spirituale. Attraverso l'uso di medium, Iulia Hasdeu (1869–1888), ha rivelato i piani architettonici sia per il suo famoso "Castello Hasdeu" a Câmpina che per la sua tomba a Bucarest. Il villaggio italiano di Rosazza, vicino a Biella, costruito tra il 1880 e il 1899 per il senatore e massone italiano Federico Rosazza (1813–1899), è un altro esempio di architettura dello spirito. Fu progettato dal pittore Giuseppe Maffei (1821-1901). Si basava sui piani datigli dagli spiriti di Agostino d'Ippona (354–430), che non ha mai lavorato come architetto in vita sua, e da un uomo senza nome di Volterra, in Toscana.

Influenza dello spiritualismo sull'arte contemporanea

Negli ultimi anni c'è stata una rinascita di interesse per la spiritualità nell'industria dell'arte. L'attenzione postuma viene data nei musei agli artisti defunti che hanno approfondito ampiamente il misticismo e la religione. L'accattivante mostra Hilma af Klint al Guggenheim Museum nel 2018-19, che è diventata la mostra più visitata nella storia del museo, ne è forse l'esempio più noto. Il Whitney Museum of American Art ha presentato la prima mostra personale di Agnes Pelton del suo lavoro in più di 20 anni nel 2020.

L'idea di spiritualità sta diventando sempre più significativa per numerosi discorsi culturali nel ventunesimo secolo, compreso quello dell'arte contemporanea. Una tradizione spirituale o religiosa può essere allusa o rappresentata nell'arte considerata spirituale. In passato, la connessione tra arte e religione è servita da mediatore tra spiritualità e arte. Tuttavia, nonostante la caduta della religione organizzata nell'Europa occidentale, c'è stato un aumento dell'interesse legato alla spiritualità in altre sfere della cultura, in particolare nelle arti.

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Contemporary art is a vibrant constellation of artistic expressions. This creative universe encompasses a wide array of mediums, from paintings, sculpture, and photography to drawing, printmaking, textile art, and digital art, each medium a star shining with its own distinct radiance. Artists use diverse supports and materials to bring their visions to life, such as canvas, wood, metal, and even innovative digital canvases for the creation of virtual masterpieces. 

A contemporary painting, for instance, may weave its story through the masterful strokes of acrylic or oil, while a contemporary sculpture might sing its song in the language of stone, bronze, or found objects. The photographic arts capture and manipulate light to produce striking images, while printmaking employs techniques like lithography and screen-printing to produce multiples of a single, impactful image. Textile art plays with fabrics and fibers, whereas digital art pushes the boundaries of creation with innovative technology. 

The allure of contemporary art lies in its boundary-pushing nature, its relentless quest for experimentation and its constant reflection of the evolving human experience. This boundless creativity, coupled with its strong social and personal commentary, makes every piece of contemporary art a unique emblem of its time, a mirror held up to the realities and dreams of our complex world. It whispers to us, moves us, provokes thought, and kindles a deep emotional response, stirring the soul of anyone willing to listen. It is, indeed, the language of emotions and ideas, spoken in the dialect of our era.

Origins and history of contemporary art

The story of contemporary art unfolds in the mid-20th century, marked by seismic shifts in artistic expression. Post-World War II, around the 1950s and 1960s, artists began experimenting beyond traditional confines, challenging the norms of what art could be. This revolutionary epoch birthed myriad new movements and artistic forms such as abstract expressionism, pop art, and minimalism. Paintings, once confined by realism, embraced abstraction, as artists used color and form to express emotions and ideas. Notable periods like the advent of pop art in the late 1950s and early 1960s saw artworks mimicking popular culture and mass media, reflecting society’s shifting focus.

The sculptural arts, too, witnessed a metamorphosis. Sculptors started to experiment with new materials and forms, often creating artworks that interacted with the viewer and the surrounding space, fostering a sense of engagement. Drawing, a timeless practice, also evolved, with artists incorporating innovative techniques and concepts to redefine its role in contemporary art.

Photography, a relatively new medium, emerged as a powerful tool in the contemporary art landscape. Born in the 19th century, it truly came into its own in the latter half of the 20th century, blurring the lines between fine art and documentation. Printmaking, a practice dating back to ancient times, saw renewed interest and experimentation with techniques like lithography, etching, and screen printing gaining prominence.

The realm of textile art expanded dramatically, as artists began to appreciate the versatility and tactile quality of fabric and fibers. Artists began using textiles to challenge the boundaries between fine art, craft, and design. 

The dawn of digital technology in the late 20th century heralded a new age for contemporary art. Digital art emerged as artists started leveraging new technologies to create immersive, interactive experiences, often blurring the line between the virtual and the physical world.

Through these transformative periods, the essence of contemporary art has remained the same: a dynamic, evolving reflection of the times we live in, continually pushing boundaries and embracing the new, always questioning, always exploring.

Evolutions of theses contemporary works in the art market

As we navigate through the 21st century, the dynamic landscape of contemporary art continues to evolve and expand, reflecting our ever-changing world. Contemporary paintings, once primarily confined to two-dimensional canvases, now embrace a multitude of forms and techniques, ranging from mixed media installations to digital creations, each piece a rich a weaving of thoughts, emotions, and narratives. Sculpture, too, has ventured far beyond traditional stone and bronze, with artists incorporating light, sound, and even motion, embodying the ephemerality and flux of the modern world.

Photography, in the hands of contemporary artists, has expanded its horizons, seamlessly blending with digital technology to create breathtaking imagery that challenges our perception of reality. Drawing, as well, has transcended the borders of paper, incorporating multimedia elements and exploratory techniques to redefine its role in the artistic discourse. Printmaking continues to flourish, with contemporary artists using traditional methods in innovative ways to deliver potent social and personal commentaries.

Textile art, once considered a craft, now holds a prominent place in the contemporary art world, with artists using it to explore issues of identity, tradition, and cultural heritage. Meanwhile, digital art, the newest member of the contemporary art family, has revolutionized the way we create and interact with art, presenting immersive experiences that blur the boundary between the virtual and the physical.

These diverse forms of contemporary art hold significant value in the current art market, not only due to their aesthetic appeal but also their ability to encapsulate and communicate complex ideas and emotions. Collectors, curators, and art lovers worldwide seek these works, drawn to their inherent dynamism, their innovative use of materials, and their eloquent expressions of our shared human experience. As a testimonial to our times, these contemporary artworks encapsulate the pulse of our society and the resonance of individual voices, forever etching our collective narrative into the annals of art history.

Famous Contemporary Artists

As we delve into the vibrant realm of contemporary art, we encounter an array of artists who shape this dynamic field. Each a master in their medium - painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile, or digital art - they push artistic boundaries, reflecting our era and challenging perceptions. Let’s explore these remarkable contributors and their groundbreaking works.

1. Gerhard Richter - Known for his multi-faceted approach to painting, Richter challenges the boundaries of the medium, masterfully oscillating between abstract and photorealistic styles. His works, whether featuring squeegee-pulled pigments or blurred photographic images, engage in a fascinating dialogue with perception.

2. Jeff Koons - A significant figure in contemporary sculpture, Koons crafts monumental pieces that explore themes of consumerism, taste, and popular culture. His iconic balloon animals, constructed in mirror-polished stainless steel, captivate with their playful yet profound commentary.

3. Cindy Sherman - An acclaimed photographer, Sherman uses her lens to explore identity and societal roles, particularly of women. Renowned for her conceptual self-portraits, she assumes myriad characters, pushing the boundaries of photography as a medium of artistic expression.

4. David Hockney - Hockney, with his prolific output spanning six decades, is a pivotal figure in contemporary drawing. His bold use of color and playful exploration of perspective convey an intoxicating sense of joy and an unabashed celebration of life.

5. Kiki Smith - An innovative printmaker, Smith’s work explores the human condition, particularly the female body and its social and cultural connotations. Her etchings and lithographs speak to universal experiences of life, death, and transformation.

6. El Anatsui - A master of textile art, Anatsui creates stunning tapestry-like installations from discarded bottle caps and aluminum scraps. These shimmering, flexible sculptures blend traditional African aesthetic with contemporary art sensibilities, speaking to themes of consumption, waste, and the interconnectedness of our world.

7. Rafael Lozano-Hemmer - A leading figure in digital art, Lozano-Hemmer utilizes technology to create interactive installations that blend architecture and performance art. His work, often participatory in nature, explores themes of surveillance, privacy, and the relationship between people and their environments.

Notable contemporary artworks

The contemporary art landscape is a dynamic patchwork of diverse expressions and groundbreaking ideas, each artwork a unique dialog with its audience. Here are a selection of some renowned contemporary artworks, spanning various media such as painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile art, and digital art, that have profoundly influenced this vibrant movement.

1. "Cloud Gate" by Anish Kapoor, 2006 - This monumental stainless steel sculpture, also known as "The Bean," mirrors and distorts the Chicago skyline and onlookers in its seamless, liquid-like surface, creating an interactive experience that blurs the line between the artwork and the viewer.

2. "Marilyn Diptych" by Andy Warhol, 1962 - An iconic piece of pop art, this silkscreen painting features fifty images of Marilyn Monroe. Half brightly colored, half in black and white, it reflects the dichotomy of celebrity life and its influence on popular culture.

3. "Rhein II" by Andreas Gursky, 1999 - This photographic artwork, a digitally-altered image of the Rhine River, is celebrated for its minimalist aesthetic. It strips the landscape to its bare essentials, invoking a sense of tranquility and vastness.

4. "Black Square" by Kazimir Malevich, 1915 - A revolutionary painting in the realm of abstract art, this piece, featuring nothing more than a black square on a white field, challenges traditional notions of representation, symbolizing a new era in artistic expression.

5. "Puppy" by Jeff Koons, 1992 - This giant sculpture, a West Highland Terrier blanketed in flowering plants, explores themes of innocence, consumer culture, and the interplay between high art and kitsch. It’s a delightful blend of traditional sculpture and garden craft.

6. "Re-projection: Hoerengracht" by Ed and Nancy Kienholz, 1983-1988 - A room-sized tableau representing Amsterdam’s red-light district, this work combines elements of sculpture, painting, lighting, and found objects. It engages viewers in a stark commentary on commodification and objectification.

7. "Untitled" (Your body is a battleground) by Barbara Kruger, 1989 - This photomontage, combining black-and-white photography with impactful text, explores issues of feminism, identity, and power. Its potent, confrontational message is a prime example of the power of text in contemporary visual art.

8. "For the Love of God" by Damien Hirst, 2007 - This sculpture, a platinum cast of a human skull encrusted with 8,601 diamonds, probes themes of mortality, value, and the human fascination with luxury and decadence. It’s a compelling blend of macabre and magnificence.

9. "Physical impossibility of Death in the Mind of Someone Living" by Damien Hirst, 1991 - This artwork, featuring a tiger shark preserved in formaldehyde, blurs the line between traditional sculpture and biological specimen. It prompts viewers to contemplate mortality and nature’s ferocity.

10. "One and Three Chairs" by Joseph Kosuth, 1965 - A piece of conceptual art, it presents a physical chair, a photograph of a chair, and a dictionary definition of a chair, thus exploring the relationship between language, picture, and referent in art.

These pieces, in their diversity, exemplify the rich tapestry of contemporary art, each piece a unique commentary on our world and a testament to the limitless potential of creative expression.