Victor Vasarely, nato a Győző Vásárhelyi il 9 aprile 1906, e noto per i suoi significativi contributi al movimento dell'Op art, è stato un artista ungherese-francese celebrato per il suo uso pionieristico delle illusioni ottiche nell'arte. Spesso acclamato come il "nonno" e leader dell'Op art, l'approccio innovativo di Vasarely alla percezione visiva e all'astrazione geometrica ha gettato le basi per questo stile artistico unico. Una delle sue opere più notevoli, Zebra , creata nel 1937, è considerata un primo esempio di Op art, che mostra la sua maestria nel creare composizioni visivamente dinamiche e coinvolgenti. L'eredità di Vasarely continua a influenzare e ispirare il mondo dell'arte contemporanea, rendendolo una figura fondamentale nella storia dell'arte moderna.
Biografia dell'artista: Victor Vasarely
Victor Vasarely, originariamente chiamato Győző Vásárhelyi, nacque il 9 aprile 1906 a Pécs, in Ungheria. È considerato una figura fondamentale nell'arte moderna ed è ampiamente considerato il padre del movimento Op Art. Il viaggio di Vasarely nel mondo dell'arte iniziò con un percorso non convenzionale; inizialmente, studiò medicina all'Università di Budapest nel 1925. Tuttavia, la sua passione per l'arte superò presto le sue ambizioni mediche, portandolo ad abbandonare gli studi e a iscriversi al Műhely, una prestigiosa scuola d'arte di Budapest. Il Műhely, che operava sotto l'influenza dei principi del Bauhaus, era un vivace centro per l'arte e il design d'avanguardia. Qui, Vasarely studiò sotto la tutela di Sándor Bortnyik, una figura influente che ebbe un ruolo cruciale nel plasmare la sua prima visione artistica. Durante il suo periodo al Műhely, Vasarely venne esposto ai concetti di astrazione geometrica e al potenziale delle illusioni ottiche nell'arte. Questo periodo formativo gettò le basi per le sue future esplorazioni nella percezione visiva. Nel 1930, Vasarely si trasferì in modo significativo a Parigi, una città che all'epoca era l'epicentro del mondo dell'arte. A Parigi, continuò a perfezionare il suo stile artistico, adottando il nome "Vasarely", un adattamento fonetico del suo cognome ungherese, Vásárhelyi. La scena artistica parigina offrì a Vasarely ampie opportunità di sperimentare forme geometriche astratte e di sviluppare il suo linguaggio visivo unico. Gli anni '50 segnarono un'epoca cruciale nella carriera di Vasarely, quando iniziò a produrre le opere che avrebbero definito la sua eredità. Sviluppò uno stile distintivo caratterizzato da meticolose disposizioni di forme geometriche e dall'uso di colori contrastanti per creare effetti ottici. Le sue opere di questo periodo, come "Zebra" e "Vega-Nor", sono considerate capolavori del genere Op Art. Il termine "Op Art", abbreviazione di Optical Art, si riferisce a uno stile che usa illusioni ottiche per coinvolgere e sfidare la percezione dell'osservatore. I contributi di Vasarely a questo movimento furono rivoluzionari e ottenne rapidamente riconoscimenti internazionali per il suo approccio innovativo.
Oltre al suo contributo alle belle arti, Vasarely era profondamente impegnato nell'idea di "arte democratica". Credeva che l'arte dovesse essere accessibile a tutti, non solo all'élite. A tal fine, produsse multipli delle sue opere, tra cui serigrafie e litografie, rendendo la sua arte più accessibile e ampiamente disponibile. Questo approccio non solo ampliò il suo pubblico, ma ebbe anche un impatto significativo sulla commercializzazione dell'arte. I design geometrici e ottici di Vasarely trovarono applicazioni in vari contesti commerciali e industriali, dalla progettazione grafica e dal packaging dei prodotti ai progetti architettonici. Il lavoro di Vasarely fu celebrato in numerose mostre in tutto il mondo e ricevette molti riconoscimenti nel corso della sua carriera. Uno dei suoi progetti significativi fu l'istituzione della Fondazione Vasarely ad Aix-en-Provence, inaugurata nel 1976, che mirava a preservare la sua eredità e promuovere lo studio dell'arte cinetica e ottica. Inoltre, l'influenza di Vasarely si estese all'istruzione e all'arte pubblica, come si vede nelle sue installazioni su larga scala e nelle collaborazioni con gli architetti. L'eredità di Victor Vasarely è profonda, influenzando non solo il campo dell'Op Art, ma anche ispirando le generazioni future di artisti interessati a esplorare i confini della percezione visiva e dell'astrazione. Morì il 15 marzo 1997 a Parigi, lasciando dietro di sé un ricco corpus di opere che continua ad affascinare e ispirare. Il suo uso innovativo di forme geometriche e illusioni ottiche rimane un capitolo significativo nella storia dell'arte moderna, consolidando il suo status di figura pionieristica il cui lavoro trascende il tempo e continua a risuonare nel panorama dell'arte contemporanea.
Breve storia dell'OP Art
L'Op Art, o "arte ottica", è uno stile di arte visiva unico che utilizza illusioni ottiche per creare esperienze dinamiche e interattive. Caratterizzata da motivi astratti, spesso in bianco e nero, l'Op Art offre all'osservatore impressioni di movimento, immagini nascoste e vibrazioni visive. Il movimento ha radici in varie forme d'arte, tra cui Neo-Impressionismo, Cubismo, Futurismo, Costruttivismo e Dada, con influenze iniziali dei Divisionisti, che esplorarono le illusioni ottiche e gli effetti della luce. Il termine "Op Art" acquisì popolarità dopo che la rivista Time evidenziò gli Optical Paintings di Julian Stanczak nel 1964, ma opere d'arte come Zebras (1938) di Victor Vasarely mostravano già le caratteristiche distintive del movimento. Vasarely, spesso chiamato il "nonno" dell'Op Art, fu cruciale nel suo sviluppo, utilizzando forme geometriche e colori contrastanti per manipolare la percezione visiva. Le sue opere, come Vega-Nor e Tlinko , esemplificano l'esplorazione della profondità e del movimento da parte del movimento, mentre la sua serie di alfabeti in plastica divenne un segno distintivo dell'Op Art. La mostra "Mouvements" del 1955 a Parigi, che presentava l'opera di Vasarely e il "Manifesto giallo", introdusse i concetti di arte cinetica e ottica a un pubblico più vasto. La mostra del 1965 "The Responsive Eye" al Museum of Modern Art di New York City spinse ulteriormente l'Op Art sotto gli occhi del pubblico, esponendo artisti come Vasarely, Bridget Riley e Richard Anuszkiewicz. La mostra fu un successo di pubblico, nonostante l'accoglienza mista della critica, e contribuì a consolidare il posto dell'Op Art nella cultura visiva. L'influenza dell'Op Art si estese alla grafica, alla moda e alla pubblicità, riflettendo il fascino dell'epoca per le nuove tecnologie. La difesa di Vasarely per la democratizzazione dell'arte, promuovendo l'uso di multipli e tecniche industriali, culminò nella fondazione della Fondazione Vasarely ad Aix-en-Provence, dedicata alla conservazione e alla promozione del suo lavoro e del movimento dell'Op Art.
Kallion (1989) di Victor Vasarely
Victor Vasarely, Kallion , 1989. Incisione, Serigrafia su carta, 264,2 cm x 185,4 cm.
Kallion (1989) è un'opera d'arte di stampa in edizione limitata di Victor Vasarely. Questo pezzo, numerato 89 su 250, mette in mostra la maestria di Vasarely nell'uso di forme geometriche e colori vivaci. L'opera d'arte presenta un complesso gioco di linee rette, curve e motivi ripetitivi che si sovrappongono, creando una composizione dinamica e visivamente accattivante. Dominato da caldi marroni e arancioni, Kallion coinvolge l'osservatore con la sua ricca tavolozza di colori e il design intricato. Vasarely ha utilizzato la tecnica della serigrafia per questo pezzo, un processo che prevede il trasferimento dell'inchiostro attraverso uno schermo a maglie sottili per imprimere motivi sulla carta. Questo metodo ha permesso a Vasarely di riprodurre meticolosamente i suoi motivi ed esplorare l'interazione di colori e texture. Kallion è un esempio sorprendente dello stile distintivo di Vasarely, in cui manipola abilmente gli effetti per evocare illusioni di movimento e profondità. Gli arrangiamenti vibranti dell'opera d'arte esemplificano la capacità dell'artista di trasformare immagini statiche in esperienze apparentemente cinetiche, sfidando la percezione dell'osservatore. Kallion non riflette solo la bravura artistica di Vasarely, ma anche la sua significativa influenza sui movimenti dell'Op Art e dell'arte cinetica.
Città del Messico di Victor Vasarely
Victor Vasarely , Città del Messico. Stampa, 66 cm x 66 cm.
Mexico City è una serigrafia originale in edizione limitata di Victor Vasarely. Questa opera di stampa, firmata a matita dall'artista, misura 26"x26" senza cornice. L'opera d'arte presenta in modo evidente una tavolozza di colori gialli vivaci, con linee nere che aggiungono intricatamente profondità e dimensione alla composizione. I toni gialli creano un effetto sfumato, sfumando verso i bordi della tela e convergendo in un punto focale centrale, che appare come una forma sferica. L'opera d'arte è caratterizzata da un motivo a griglia, un segno distintivo dello stile di Vasarely, che aggiunge un elemento strutturato ma dinamico all'opera. Mexico City mette in mostra influenze di vari movimenti artistici, tra cui Impressionismo, Cubismo, Futurismo e Dada, fondendo questi stili in una composizione che rasenta l'astratto. L'interazione di forme geometriche e gradienti di colore in questa serigrafia non solo dimostra la padronanza di Vasarely delle illusioni ottiche, ma anche la sua esplorazione dei confini della percezione visiva.
Opere d'arte iconiche
Sophia (1954) esemplifica la transizione di Vasarely dall'astrazione figurativa a quella geometrica, con una griglia di linee nere su uno sfondo bianco che crea illusioni di movimento e tridimensionalità. Quest'opera riflette l'esplorazione dell'astrazione di Vasarely influenzata dal costruttivismo e il suo fascino per la percezione visiva. Vega III (1957-59) è un pezzo chiave che mostra il caratteristico motivo a scacchiera distorto per produrre illusioni concave e convesse, segnando uno sviluppo significativo nel suo stile e un momento critico nella storia dell'Op Art. Alphabet VR (1960) rappresenta il rivoluzionario "Alphabet Plastique" di Vasarely, un sistema di forme progettate per infinite possibilità compositive, che riflette il suo desiderio di un linguaggio visivo universalmente accessibile. Vega-Nor (1969) presenta una forma sferica composta da quadrati distorti, dimostrando l'uso di colori vivaci da parte di Vasarely e la sua continua ricerca di rappresentare profondità e movimento. Ambigu-B (1970), dalla serie "Homage to the Hexagon", combina variazioni di colore e forme per creare illusioni ottiche dinamiche, colmando il divario tra macrocosmo e microcosmo. Infine, Kettes (1984), un pezzo scultoreo adornato con motivi esagonali, illustra l'applicazione della teoria del colore da parte di Vasarely a forme tridimensionali, riflettendo il suo interesse per le dimensioni sia spirituali che scientifiche.
Victor Vasarely ha ricevuto diversi premi prestigiosi, tra cui il Guggenheim Prize nel 1964, il French Chevalier de L'Ordre de la Légion d'honneur nel 1970, l'Art Critics Prize a Bruxelles e una medaglia d'oro alla Triennale di Milano. La sua eredità è celebrata in vari musei dedicati alla sua opera, tra cui la Fondation Vasarely ad Aix-en-Provence, Francia, fondata nel 1976, e i Vasarely Museums a Pécs, Ungheria (1976) e Zichy Palace, Óbuda, Budapest, Ungheria (1987). Il Vasarely Museum nel Saint-Firmin Palace a Gordes, Francia, è stato operativo dal 1970 fino alla sua chiusura nel 1996. La sua eredità continua a risuonare nel mondo dell'arte, con la sua influenza che si estende attraverso più generazioni e media. Nel 2012, il Musée en Herbe di Parigi ha presentato una nuova mostra di Vasarely, evidenziando il suo impatto duraturo sull'arte contemporanea. Il suo lavoro ha persino fatto il suo ingresso nella cultura popolare, onorando la copertina originale britannica dell'album del 1969 di David Bowie, "David Bowie". Il Centre Georges Pompidou ha onorato Vasarely nel 2019 con la mostra "Le Partage des Formes", consolidando ulteriormente il suo ruolo di figura fondamentale nel movimento Op Art. Più di recente, nel luglio 2024, è stata inaugurata una mostra permanente delle sue opere della Arkas Collection presso l'Arkas Art Center di Alaçatı, con la partecipazione di suo figlio, Jean-Pierre Yvaral. Questa presenza duratura in importanti mostre e collezioni sottolinea la profonda e continua influenza di Vasarely sia sulla comunità artistica che sul più ampio panorama culturale.
Selena Mattei
