Tetiana Cherevan: Il disegno mi accompagna fin dall'infanzia

Cosa ti ha ispirato a creare arte e a diventare un artista? (eventi, sentimenti, esperienze...)

Il disegno mi accompagna fin dall'infanzia, ce l'ho nel sangue. Casa nostra era piena di libri di storia dell'arte e potevo passare ore a sfogliarli, studiandone ogni dettaglio e assorbendone l'atmosfera. Già prima di compiere 18 anni, sapevo di voler diventare un'artista. Ho frequentato uno studio che preparava gli studenti all'ammissione alle università d'arte. In seguito, ho fatto domanda all'Accademia di Belle Arti di Kiev.

Qual è il tuo background artistico, le tecniche e i soggetti che hai sperimentato finora?

Ho una formazione artistica classica, conseguita presso diverse istituzioni in Ucraina. Il mio percorso è iniziato con il disegno e la pittura accademici, per poi evolversi gradualmente verso un'arte contemporanea più espressiva. Nel corso degli anni, ho iniziato a sperimentare di più, sia con i materiali che con i temi. Lavoro con acrilico, olio, grafica, foglia d'oro, tecniche miste e talvolta integro la calligrafia. La mia arte si concentra sulla figura femminile, sulla sensualità, sull'incarnazione e sulla libertà interiore. Esploro anche i temi dello shibari, dell'esperienza fisica, dell'ornamentazione e del simbolismo. Le mie opere sono sempre un dialogo tra forma, emozione e significato.

Quali sono i tre aspetti che ti differenziano dagli altri artisti e rendono unico il tuo lavoro?

Sensualità e corpo femminile – I miei lavori esplorano spesso la forma femminile come fonte di potere, desiderio e mitologia, evitando la volgarità ma mantenendo una profonda tensione emotiva.

Disegno improvvisato: disegno quasi come se danzassi: in modo intuitivo, lasciando che le linee emergano attraverso il movimento, senza schizzi precedenti, il che crea un'energia grezza e personale.

Una fusione di modernità e simbolismo: utilizzo immagini, ornamenti e motivi antichi, reinterpretandoli in un contesto contemporaneo per creare nuovi miti.

Da dove trae ispirazione?

Tutto ciò che accade intorno a me influenza i temi del mio lavoro. Le persone interessanti che incontro diventano spesso parte della mia arte. Traggo ispirazione da individui liberi, aperti e onesti: ne percepisco la presenza attraverso le linee, ne percepisco l'energia e lo sguardo, e li traduco sulla tela. Amo anche studiare le opere di grandi maestri come Gustav Klimt, Raffaello e William Morris: la loro influenza si percepisce nelle mie creazioni.

Qual è il tuo approccio artistico? Quali visioni, sensazioni o sentimenti vuoi evocare nello spettatore?

Il mio approccio è intuitivo, emotivo e profondamente connesso al corpo. Spesso lavoro senza schizzi, lasciando che la forma e la linea emergano durante il processo. Voglio che lo spettatore percepisca la presenza del corpo: il tocco, la tensione o la tenerezza. La mia arte parla un linguaggio che va oltre le parole, attraverso l'energia di uno sguardo, una posa, una linea. Il mio obiettivo è creare uno spazio in cui lo spettatore possa incontrare i propri desideri, sogni, vergogna o senso di libertà.

Qual è il processo creativo delle tue opere? Spontaneo o con un lungo processo preparatorio (tecnico, ispirazione da classici dell'arte o altro)?

Molto spesso, l'idea nasce durante il processo stesso: attraverso l'azione, l'interazione con le persone, uno sguardo, il modo in cui la luce tocca il corpo o le curve di una figura. Lavoro con modelli dal vivo: posano per me e io ne modello la forma come se stessi scolpendo con l'argilla, cercando espressione, fluidità e tensione interiore. Poi inizia la fase creativa: schizzo in Procreate, lavoro con riferimenti, creo collage, aggiungo e combino elementi, e solo allora passo alla tela. Con le opere grafiche, il processo è diverso: prendo semplicemente la carta e inizio a disegnare in modo intuitivo, abbandonandomi alle impressioni. Spesso non so quale sarà il risultato finale: inizio ad aggiungere elementi durante il processo per dare equilibrio e struttura alla composizione.

Utilizzi una tecnica di lavoro particolare? Se sì, puoi spiegarla?

Nei miei dipinti utilizzo tecniche diverse a seconda del periodo e dell'atmosfera della serie. Ad esempio, nei miei lavori del 2018, ho creato sfondi con acrilico liquido, poi ho dipinto le figure sopra con linee scure, aggiungendo gradualmente luci e accenti. Nel 2024, ho lavorato con una tecnica ispirata alla pittura di icone: ho costruito lo sfondo con linee texturizzate per dare volume al dipinto, ho applicato la foglia d'oro sopra e ho usato velature a olio sui corpi delle figure.

Nelle mie opere lo sfondo, l'ornamento e i disegni sul corpo si fondono sempre tra loro, a volte formando fiori sulla pelle, come tatuaggi.

Nelle mie opere grafiche, adoro lavorare con inchiostro e penne a immersione antiche: mi piace come l'imperfezione del tratto ne interrompa la precisione. Sia nella pittura che nella grafica, aggiungo spesso la foglia d'oro alla fine: per me non è solo un elemento decorativo, ma anche uno strato simbolico e radioso.

In generale, mi piace sperimentare nuove tecniche, aggiungendo ogni volta qualcosa di nuovo.

Ci sono aspetti innovativi nel tuo lavoro? Puoi indicarci quali?

L'innovazione nel mio lavoro non risiede tanto nella tecnologia, quanto nel modo in cui combino contenuto, forma e approccio. Esploro temi che in passato erano spesso considerati tabù: l'incarnazione, l'erotismo, lo shibari e la sensualità femminile, eppure li presento con delicatezza, con profondo rispetto per il corpo e le emozioni. È innovativo anche il modo in cui combino elementi tradizionali, come la foglia d'oro e i motivi ornamentali, con una visione contemporanea della figura.

Utilizzo i modelli come “sculture viventi” con cui lavoro in modo intuitivo, spesso documentando il processo performativo e trasformandolo successivamente in pittura.
La fase di preparazione assomiglia spesso a una performance vera e propria, e questo mi ispira profondamente. Sempre più spesso, considero le foto del processo come parti significative e integranti dell'atto creativo.

C'è un formato o un mezzo con cui ti senti più a tuo agio? Se sì, perché?

Mi piace lavorare con tecniche diverse: non mi limito a un singolo formato o materiale. Tuttavia, mi sento più a mio agio quando ho abbastanza spazio per muovermi. Ecco perché adoro lavorare su tele di medie e grandi dimensioni. Mi permettono di pensare con il corpo ed esprimere liberamente le linee, quasi come se stessi danzando. Combino pittura e disegno: acrilico, olio, inchiostro e foglia d'oro. Ogni tecnica apre nuove possibilità, ed è nella loro combinazione che sento la massima libertà creativa.

Dove produci le tue opere? A casa, in un laboratorio condiviso o nel tuo laboratorio? E in questo spazio, come organizzi il tuo lavoro creativo?

Lavoro nel mio studio, che fa anche parte della mia casa. È uno spazio intimo e profondamente personale, dove mi sento libera. Tutto qui è permeato d'arte: opere incompiute, schizzi alle pareti, pittura sul mio grembiule e tracce di tocco su ogni superficie. Il mio studio ha spazio sia per grandi tele (e continuano a moltiplicarsi!) sia per opere grafiche.

Ho un grande tavolo dove lavoro al computer, creo schizzi digitali e disegno elementi grafici. Anche i miei colori e la tavolozza sono sempre a portata di mano. Ho un gatto che è curioso di tutto, soprattutto del momento in cui applico la foglia d'oro. Si siede lì vicino, ipnotizzato dai riflessi dorati.

Il mio studio si trova nel centro storico di Barcellona. Una volta all'anno partecipo agli Open Studio Days di Barcellona e apro le porte a nuovi visitatori.

Il tuo lavoro ti porta a viaggiare per incontrare nuovi collezionisti, per fiere o mostre? Se sì, cosa ti porta?

Quando ero agli inizi, i miei dipinti viaggiavano per il mondo senza di me. Ho visitato di persona per la prima volta una mostra internazionale nel 2013: l'International Ukrainian Art Exhibition alla Artpeople Gallery di San Francisco. Il sindaco della città mi ha sostenuto finanziariamente, ed è stato allora che ho capito quanto sia importante per l'artista essere presente, parlare del proprio lavoro, condividere la propria storia e stabilire un contatto diretto con collezionisti e spettatori.

Da allora, ho viaggiato regolarmente, partecipando a mostre internazionali, festival d'arte e inaugurazioni di gallerie in diversi paesi. Durante la pandemia, la mia mostra personale si è tenuta al Bangkok Centre for Contemporary Art, ma non ho potuto partecipare: gli organizzatori hanno stampato una mia sagoma a grandezza naturale perché le persone potessero scattarsi foto accanto.

Di recente, sono tornata dal Seattle Erotic Art Festival, la più grande mostra d'arte erotica al mondo, che riunisce amanti dell'arte da tutto il mondo. Per me, questi eventi non sono solo occasioni per esporre le mie opere, ma anche un'opportunità per incontrare nuovi collezionisti, costruire legami significativi e scambiare energie con curatori, galleristi e il pubblico. Queste esperienze arricchiscono sempre la mia pratica artistica e aprono nuove direzioni.

Come immagini l'evoluzione futura del tuo lavoro e della tua carriera di artista?

In futuro, sogno di avere uno studio separato, uno spazio dove non devo preoccuparmi di schizzare la vernice su pavimenti o pareti, dove posso lavorare liberamente su opere di grandi dimensioni e avere un deposito adeguato per i miei lavori grafici. Al momento a Barcellona è difficile permettersi sia un alloggio che uno studio, quindi lavoro da casa. Vivo qui da tre anni: mi sono trasferito nel 2022, quando la Russia ha invaso l'Ucraina e ha iniziato a bombardare il mio Paese.

Professionalmente, cerco collaborazioni più approfondite con le gallerie, così da potermi concentrare interamente sulla creazione artistica. Il mio obiettivo è smettere di spendere troppe energie in logistica e amministrazione, e dedicarmi invece completamente al processo creativo.

Qual è il tema, lo stile o la tecnica della tua ultima produzione artistica?

I miei ultimi lavori — Celebrate Every Curve e Permission to Be Beautiful (118×89 cm, 2025) — sono un manifesto visivo dell'accettazione del corpo e del permesso di essere se stessi senza scuse. Queste opere nascono da conversazioni con altre donne, dalla mia esperienza personale e dal desiderio di restituire bellezza al corpo – la bellezza per come è veramente: viva, imperfetta e libera.

In Celebrate Every Curve, utilizzo il motivo di una tenda – non per nascondere, ma per rivelare ciò che la società ci ha insegnato a nascondere. Raffaello un tempo aprì le tende a dei e santi – qui, si aprono per rivelare qualcosa di sacro in sé: il corpo reale, vivente.

Due figure femminili avvolte in delicati nastri ne enfatizzano la fisicità. Le loro espressioni non parlano di vergogna, ma del puro piacere di essere – essere se stesse, vivere nel proprio corpo senza paura. Sullo sfondo, volti sfocati suggeriscono osservatori, una folla giudicante o simboli di controllo sociale – ma questi sguardi non hanno più potere. Le eroine non si nascondono, non si scusano e non provano vergogna.

Mi sono ispirata alla filosofia di Michaela Stark, secondo cui ogni piega è una storia, ogni curva è arte e ogni parte del corpo merita amore, nonché all'approccio sacro di Raffaello alla forma umana.

Questi dipinti sono realizzati con tecniche miste: olio, acrilico, calligrafia e scritte in oro. Lavoro con contrasti di luce e ombra e con linee improvvisate che sembrano sfiorare. Questo è il mio manifesto personale: la bellezza che non ha bisogno di permesso.

Puoi raccontarci qual è stata la tua esperienza espositiva più importante?

Ognuno sente e sceglie la mostra più significativa a modo suo... Ad esempio, una delle mostre più importanti della mia vita si è tenuta nella mia città natale, presso il museo d'arte locale. Un'azienda di caffè della capitale, per la quale avevo disegnato il packaging, ha partecipato all'inaugurazione. I soci di una boutique gourmet hanno servito vino, un ristorante di sushi appena aperto ha deliziato gli ospiti con il sashimi, un artista culinario ha offerto dolci prelibatezze e una band si è esibita dal vivo in mio onore. Amici provenienti da diverse parti dell'Ucraina...

E sapendo che tutto questo sarebbe successo, ho chiesto al mio compagno di sposarmi. In soli tre giorni, ho cucito il mio vestito, ho preso il mio bambino di sei mesi e siamo andati all'ufficio anagrafe. Ho mostrato loro un articolo di giornale in cui il mio ritratto era intitolato "mio marito", e hanno accettato di sposarci. Solo tre persone lo sapevano: la mia cara amica, il fratello di mio marito e il mio figlio maggiore.

Il giorno dell'inaugurazione della mostra ci siamo sposati e poi siamo venuti direttamente alla mostra. Tutti sono rimasti a bocca aperta.
È stato un momento molto emozionante e quella mostra è davvero speciale, solo per me.

Ma professionalmente, alcune delle mie mostre più importanti si sono tenute al Center Contemporary Art (CCAB) di Bangkok, al Seattle Erotic Art Festival e alla Stroke Art Fair di Monaco. Ci sono state molte mostre straordinarie lungo il percorso. Il mio percorso creativo è lungo 25 anni: né troppo breve, né troppo lungo.
E la parte più emozionante deve ancora venire.

Se avessi potuto creare un'opera famosa nella storia dell'arte, quale avresti scelto? E perché?

Non vorrei aver creato l'opera di qualcun altro. Rispetto profondamente la grande eredità della storia dell'arte, ma credo che ogni artista abbia una propria voce e una propria visione unica.

Tuttavia, sono profondamente ispirato dalle opere di Gustav Klimt, Raffaello, Egon Schiele e Alphonse Mucha: il loro senso della linea, dell'ornamento, della luce e del corpo umano risuona in me. Non vorrei creare le loro opere, ma sono grato di poter dialogare con loro attraverso le mie.

16. Se potessi invitare a cena un artista famoso (vivo o morto), chi sarebbe? Come gli suggeriresti di trascorrere la serata?

Inviterei Gustav Klimt. Non a una cena formale, ma a una serata tranquilla in studio, con un bicchiere di vino e conversazioni su donne, linee, ornamenti e oro. Mi piacerebbe vedere come lavora, come osserva il corpo, l'emozione, il silenzio tra una pennellata e l'altra.

Potevamo sederci insieme vicino a una tela, condividere pensieri senza parole – attraverso sguardi, dettagli – e lasciare che l'arte parlasse per noi. E poi passeggiavamo in riva al mare, bevevamo altro vino e nuotavamo nudi al chiaro di luna. ☾