Julia Dogan: L'arte è sempre stata il mio modo di comunicare

Cosa ti ha ispirato a creare arte e a diventare un artista?

L'arte è sempre stata il mio modo di comunicare con il mondo: quando le parole non bastano, i miei dipinti parlano. Ho sperimentato così tanto nella vita che richiedeva espressione: momenti di gioia, dolore, libertà e desiderio. Ogni cambiamento, ogni sfida, ogni momento di crescita ha aggiunto strati alla mia voce artistica.

Creare arte mi consente di entrare in contatto profondo con le persone, aiutandole a cambiare prospettiva, proprio come ho fatto io. Non voglio semplicemente creare oggetti belli, voglio ispirare gli altri ad abbracciare la libertà nelle loro vite, a vedere le sfide della vita non come barriere ma come opportunità di crescita. Questo desiderio mi ha spinto a sviluppare il Conceptual Pop Realism , uno stile che combina immagini realistiche con profondità filosofica ed emozioni edificanti.

Tutto ciò che dipingo porta con sé un messaggio: la libertà è una scelta e può portare alla felicità. Credo nell'uso di energia vibrante e positiva per coinvolgere gli spettatori e invitarli a riflettere sulle complessità della vita senza sentirsi sopraffatti da esse. Si tratta di trasformazione, ed è questo che è la mia arte: un viaggio continuo di auto-liberazione e scoperta.

Quindi, per me, diventare un'artista non è stata solo una carriera; è stato inevitabile. È ciò che sono nel profondo. Ogni tela che tocco è un invito per le persone a riflettere, a sentirsi rafforzate e, in definitiva, a diventare versioni più libere di se stesse.

Qual è il tuo background artistico, le tecniche e i soggetti che hai sperimentato finora?

Il mio percorso artistico è stato un'esplorazione dinamica sia della tecnica che del significato. Ho iniziato con il disegno classico, che mi ha dato una solida base nella forma e nella composizione. Nel tempo, mi sono immerso nella pittura a olio, affascinato dalla sua ricchezza e dalla sua capacità di trasmettere emozioni complesse. Ho sperimentato diversi generi, ritrattistica, natura morta e concetti astratti, finché non ho trovato la mia voce unica nel realismo. Ma non ho mai voluto semplicemente replicare la realtà; volevo usarla come ponte verso qualcosa di più profondo.

All'inizio, i miei soggetti erano principalmente tratti dalla vita di tutti i giorni: persone, oggetti e momenti che portavano una risonanza emotiva. Con l'evoluzione, la mia attenzione si è spostata verso idee filosofiche. Ho iniziato a incorporare il simbolismo, creando composizioni in cui ogni dettaglio ha un significato, spingendo gli spettatori a pensare oltre la superficie. È così che è nato il Conceptual Pop Realism : una fusione di immagini luminose e accessibili con strati di significato che si dispiegano gradualmente per coloro che sono disposti a guardare più da vicino.

Tecnicamente, amo giocare con i contrasti, sia nei colori che nei contenuti. Spesso uso palette vivaci per controbilanciare temi più pesanti, invitando gli spettatori a conversazioni serie in modo spensierato. Sperimento anche con le texture, mescolando un realismo fluido con tratti espressivi e più ruvidi per creare tensione visiva ed energia. Ogni pezzo è un viaggio, non solo per lo spettatore ma anche per me, poiché esploro costantemente come spingere i confini tra realismo e concetto.

In definitiva, il mio lavoro riguarda la libertà: libertà di espressione, di pensiero e di essere. Attraverso questi esperimenti su soggetti e tecniche, ho scoperto che la mia arte non riguarda solo ciò che dipingo, ma anche il modo in cui fa sentire le persone: forti, ispirate e connesse a qualcosa di più grande di loro.

Quali sono i tre aspetti che ti differenziano dagli altri artisti, rendendo unico il tuo lavoro?

1. La creazione di   Realismo pop concettuale
   Ho sviluppato il Conceptual Pop Realism come un modo per unire realismo, filosofia ed emozione, offrendo un'alternativa ai temi pesanti che spesso si trovano nell'arte concettuale. Mentre il realismo concettuale tradizionale può sembrare oscuro e pesante, il mio approccio invita gli spettatori a impegnarsi con idee profonde attraverso una lente positiva e vibrante. Utilizzo colori vivaci e immagini accessibili per stimolare la riflessione, incoraggiando gli spettatori a esplorare questioni filosofiche in un modo che li elevi e li rafforzi. Questa fusione di significato e umore, pensieri profondi senza pesantezza, rende il mio stile distinto.

2. La libertà come tema centrale
   La ricerca della libertà non è solo un tema, è l'anima del mio lavoro. Ogni pezzo che creo è una testimonianza della convinzione che la libertà porti felicità e crescita. A differenza di molti artisti che si concentrano esclusivamente sull'estetica o sulla narrazione, uso i miei dipinti come mezzo per ispirare la liberazione personale negli altri. La mia arte non riguarda solo il raccontare una storia; si tratta di invitare le persone a riflettere sulla propria vita, mettere in discussione i limiti ed esplorare nuove possibilità. Ogni dipinto è un invito all'azione: vivere autenticamente, abbracciare il cambiamento e cercare la libertà interiore.

3. Connessione emotiva attraverso il realismo e il simbolismo
   Ciò che distingue il mio lavoro è il modo in cui unisco la padronanza tecnica a una profonda risonanza emotiva. I miei dipinti non sono solo rappresentazioni realistiche, sono viaggi simbolici. Ogni oggetto, colore ed elemento all'interno della composizione ha uno scopo, trasportando più livelli di significato. Credo che l'arte non debba essere solo visivamente coinvolgente, ma anche evocare forti emozioni e provocare pensieri. Questa miscela di realismo e sottile simbolismo assicura che il mio lavoro risuoni sia a livello intellettuale che emotivo, creando un impatto duraturo su coloro che vi si impegnano.

Insieme, questi elementi rendono la mia arte più di semplici opere visive: sono esperienze trasformative che mirano a suscitare consapevolezza di sé e libertà interiore in ogni spettatore.

Da dove trai la tua ispirazione?

La mia ispirazione deriva da una profonda connessione con la vita stessa, la sua complessità, le sue contraddizioni e la sua bellezza. La trovo sia nei momenti grandiosi che in quelli ordinari: la sensazione della luce del sole sulla mia pelle, il ritmo delle onde mentre faccio surf o il modo in cui le emozioni si dispiegano in situazioni apparentemente banali. Ogni esperienza, gioiosa o impegnativa, porta con sé un messaggio e io lo canalizzo nella mia arte.

La natura gioca un ruolo significativo nel mio processo creativo. L'oceano, in particolare, è una fonte costante di ispirazione: il surf mi insegna la libertà, il flusso e la resilienza, lezioni che porto nel mio lavoro. L'interazione dinamica tra caos e armonia nel mondo naturale rispecchia i temi che esploro nei miei dipinti.

Sono anche profondamente ispirato dalle emozioni umane e dalle storie che portiamo dentro di noi. Osservare le persone, le loro interazioni, vulnerabilità e trionfi, fa scaturire idee per composizioni. Mi sforzo di catturare non solo un momento nel tempo, ma anche le emozioni e i pensieri sotto la superficie, usando la mia arte per riflettere ciò che le parole spesso non riescono a esprimere.

Infine, la libertà è la pietra angolare della mia ispirazione. La vedo come l'obiettivo finale e sto costantemente esplorando cosa significhi vivere liberamente, mentalmente, emotivamente e creativamente. Questa esplorazione alimenta ogni pennellata. La mia ispirazione non si limita a eventi o oggetti specifici; è una continua ricerca di significato e connessione, con ogni dipinto che diventa un pezzo di quel viaggio.

Qual è il tuo approccio artistico? Quali visioni, sensazioni o sentimenti vuoi evocare nello spettatore?

Il mio approccio artistico è radicato nella convinzione che l'arte possa trasformare le persone risvegliandole al loro potenziale. Ogni dipinto che creo è una fusione deliberata di tecnica, significato ed emozione. Il mio obiettivo è andare oltre la mera estetica: il mio obiettivo è connettermi con gli spettatori a un livello più profondo, ispirandoli a riflettere sulle complessità della vita attraverso una lente di libertà e positività. Voglio che lascino i miei dipinti non solo come spettatori, ma come partecipanti al loro viaggio emotivo.

Dal punto di vista visivo, mescolo rappresentazioni realistiche con elementi simbolici per offrire livelli di significato che si dispiegano gradualmente. Voglio che gli spettatori siano prima attratti dalla bellezza e dall'energia vibrante dell'opera, solo per scoprire questioni filosofiche più profonde sotto la superficie. Questa interazione tra semplicità e profondità riflette il mio desiderio che gli spettatori si fermino, riflettano e si impegnino, non solo con l'arte, ma con i propri pensieri ed emozioni.

Il sentimento principale che voglio evocare è la libertà : mentale, emotiva e creativa. Credo che attraverso l'arte le persone possano confrontarsi con i propri limiti, sfidare le proprie convinzioni e scoprire nuovi modi di pensare. I miei dipinti sono pensati per elevare, ispirare e accendere un senso di possibilità. Voglio che le persone se ne vadano con una leggerezza nel cuore, la sensazione di essere capaci di più di quanto immaginassero e l'impulso a perseguire la propria versione di felicità.

Allo stesso tempo, abbraccio i contrasti nel mio lavoro, bilanciando luce e ombra, gioia e malinconia, dolcezza e forza. Questa tensione riflette la realtà della vita, dove la libertà spesso deriva dal confronto con verità difficili. Attraverso questi contrasti, voglio che gli spettatori provino un senso di liberazione emotiva, come se avessero incontrato un momento di chiarezza o pace nel caos.

In definitiva, il mio approccio riguarda la connessione: tra l'osservatore e l'arte, tra pensiero e sentimento, e tra ogni persona e il proprio sé interiore. Ogni dipinto è un invito a vivere la vita in modo più profondo, più libero e con più gioia.

Qual è il processo di creazione delle tue opere? Spontaneo o con un lungo processo preparatorio?

Il processo di creazione delle mie opere è un mix di spontaneità e preparazione meticolosa. Di solito inizia con un'idea o un sentimento, una scintilla di ispirazione che potrebbe provenire da un'esperienza personale, un'emozione o persino una scena di vita quotidiana. Tuttavia, non mi precipito mai direttamente sulla tela. Mi prendo del tempo per far maturare l'idea, per riflettere su come voglio tradurla in un'esperienza visiva.

La preparazione comprende sia elementi concettuali che tecnici. Abbozzo le idee iniziali, a volte sperimentando composizioni per garantire che il flusso visivo sia allineato con il messaggio di fondo. Questa fase comprende anche la ricerca, che si tratti di rivisitare classici dell'arte per trarre ispirazione o esplorare concetti filosofici che voglio trasmettere. Amo immergermi nelle opere di maestri come Vermeer o Hopper, non per imitarli, ma per capire come hanno catturato luce, emozione e narrazione.

Una volta che ho una visione chiara, inizia il vero lavoro. Spesso preparo più strati sulla tela, costruendo texture per creare profondità. Il processo di pittura in sé è dove la spontaneità prende il sopravvento. Anche se arrivo sulla tela con un piano, lascio spazio all'imprevisto. A volte, i dettagli più significativi emergono organicamente durante l'atto della pittura: una pennellata improvvisa, un cambiamento di colore o un nuovo elemento che cambia la direzione del pezzo.

Vedo anche le mie opere come dialoghi tra intuizione e intenzione. So dove voglio andare, ma lascio che sia il dipinto a guidarmi lungo il cammino. Questo equilibrio tra controllo e libertà rispecchia i temi che esploro nella mia arte: la vita è sia imprevedibile che piena di intenzione, ed è in questa interazione che spesso emerge la bellezza.

Ogni dipinto può richiedere settimane o addirittura mesi per essere completato, soprattutto se voglio costruire strati complessi di simbolismo. Non si tratta solo di raggiungere la perfezione tecnica; si tratta di sentire che l'opera è emotivamente completa, che porta con sé l'energia che mi sono prefissato di catturare. Quando faccio un passo indietro e sento che il dipinto ha una vita propria, è allora che so che è finito.

Utilizzi una tecnica di lavoro particolare? Se sì, puoi spiegarla?

Sì, uso principalmente la tecnica della pittura liscia ( gladkoe pis'mo ), che affonda le sue radici nelle tradizioni dei vecchi maestri. Questo metodo prevede l'applicazione di più strati sottili di smalto traslucido, noto come lazur , per creare profondità, luminosità e sottili gradazioni di tono senza alcuna texture visibile o in rilievo sulla tela. Ogni strato viene applicato con cura e asciugato prima di aggiungere il successivo, il che si traduce in una superficie perfettamente liscia al tatto, senza pennellate che sporgono dalla tela.

Oltre a questo approccio tradizionale, ho sviluppato la mia tecnica di primer colorato . Invece di iniziare con una base di gesso neutra o bianca, applico delle basi colorate vivaci, che fungono da base per il dipinto. Questa tecnica consente ai pigmenti di interagire con i colori sottostanti in un modo unico, creando un effetto luminoso. I colori rimangono vividi e intensi, esaltando l'energia del dipinto e, cosa più importante, rimangono luminosi e freschi per sempre, resistendo all'effetto smorzante che spesso si verifica con il tempo. Questa innovazione garantisce che le mie opere mantengano il loro impatto emotivo originale nel corso degli anni.

La combinazione di pittura liscia e primer colorato conferisce al mio lavoro una profondità visiva e una luminosità uniche. Gli strati traslucidi si sviluppano sulla base vibrante, consentendo alla luce di attraversare la vernice e riflettersi, rendendo i colori ricchi e vivi. È un processo che richiede molto tempo, precisione e pazienza, ma mi consente di raggiungere un'armonia perfetta tra padronanza tecnica e risonanza emotiva.

Questo approccio meticoloso riflette la mia filosofia secondo cui l'arte dovrebbe apparire naturale e armoniosa, anche quando porta con sé temi profondi e complessi. La superficie liscia e impeccabile invita gli spettatori a impegnarsi profondamente con il significato nascosto nell'immagine, senza distrazioni. Attraverso queste tecniche, creo opere che non solo catturano le emozioni, ma preservano anche il loro spirito vibrante per le generazioni a venire.

Ci sono aspetti innovativi nel tuo lavoro? Puoi dirci quali?

L'innovazione più importante nel mio lavoro è la creazione del Conceptual Pop Realism . Questo stile, che ho fondato nel 2019, rappresenta una nuova direzione nell'arte contemporanea, combinando immagini realistiche con un profondo significato filosofico ed energia emotiva positiva. A differenza dell'arte concettuale tradizionale, che spesso enfatizza temi pesanti, malinconici o astratti, il mio approccio invita lo spettatore a una riflessione significativa attraverso immagini vibranti ed edificanti. Questo equilibrio tra pensiero profondo ed estetica accessibile rende il Conceptual Pop Realism unico e necessario nel mondo di oggi.

In un'epoca in cui l'arte può sembrare scollegata da esperienze emotive positive, credo che il Conceptual Pop Realism colmi un vuoto importante. Il mio obiettivo è ispirare gli spettatori non solo a pensare, ma anche a sentirsi forti e liberi. Ogni dipinto affronta un problema filosofico, come la libertà personale, la crescita o la liberazione emotiva, ma lo fa in un modo che incoraggia l'ottimismo e l'azione. Il tono emotivo dell'opera è importante quanto la sua profondità concettuale; voglio che la mia arte susciti gioia, ispiri riflessione e fornisca forza. Questo approccio sposta l'attenzione dalla lotta alla possibilità, mostrando agli spettatori che il pensiero profondo non deve essere pesante, può essere trasformativo ed edificante.

Oltre all'impatto emotivo, l'aspetto visivo del Conceptual Pop Realism è attentamente studiato per coinvolgere lo spettatore. Utilizzo colori vivaci, forme pulite e simboli scelti con cura per rendere più accessibili idee complesse. La combinazione di realismo con un'estetica "pop" attrae le persone, creando un momento di connessione prima che scoprano il significato più profondo sotto la superficie. Questa dualità, in cui la leggerezza visiva incontra la profondità intellettuale, è ciò che conferisce al mio lavoro la sua potenza.

Il Conceptual Pop Realism non è solo uno stile; è una filosofia. Riflette il modo in cui vedo il mondo: ogni sfida porta con sé un'opportunità, ogni limitazione può essere ridefinita e ogni individuo ha il potenziale per vivere liberamente e autenticamente. Attraverso questo approccio innovativo, il mio obiettivo non è solo creare splendide opere d'arte, ma anche aiutare le persone a trasformare il modo in cui pensano e sentono. Si tratta di creare un'arte che risuoni, ispiri l'azione e, in definitiva, renda la vita più ricca e significativa.

C'è un formato o un mezzo con cui ti senti più a tuo agio? Se sì, perché?

Sì, mi sento più a mio agio con l'olio su tela . C'è qualcosa di senza tempo e profondamente appagante nel lavorare con la pittura a olio: mi dà il controllo di cui ho bisogno per creare superfici lisce e raffinate, offrendo anche infinite possibilità di sperimentazione. L'olio mi consente di creare strati sottili attraverso velature, dando profondità e luminosità al mio lavoro, il che si allinea perfettamente con i principi del Conceptual Pop Realism .

La tela è il mio medium preferito per la sua flessibilità e durevolezza. Supporta i molteplici strati sottili di smalti che applico senza perdere integrità nel tempo. Questo è essenziale per ottenere la superficie liscia e senza soluzione di continuità a cui aspiro, dove non sporge alcuna pennellata e l'attenzione dell'osservatore rimane sull'emozione e sul significato all'interno dell'opera. La combinazione di tecniche di pittura liscia con primer colorato funziona magnificamente anche sulla tela, assicurando che l'energia vibrante delle mie opere rimanga radiosa e viva per gli anni a venire.

L'esperienza tattile del lavoro con l'olio è altrettanto importante per me. La ricchezza e la reattività della pittura consentono sia precisione che spontaneità. Mi dà la libertà di seguire il mio intuito, apportando modifiche e aggiustamenti lungo il percorso, mantenendo comunque il controllo sul risultato finale. Ciò rispecchia la mia filosofia artistica: un equilibrio tra struttura e libertà, dove ogni elemento contribuisce a un insieme armonioso.

In definitiva, l'olio su tela offre tutto ciò di cui ho bisogno per trasmettere la profondità, il significato e la vivacità che definiscono la mia arte. È il mezzo perfetto per esprimere le dimensioni emozionali e filosofiche del Conceptual Pop Realism , dove immagini luminose incontrano idee profonde e ogni dipinto diventa un invito a riflettere, sentire e crescere.

Dove produci i tuoi lavori? A casa, in un laboratorio condiviso o nel tuo laboratorio? E in questo spazio, come organizzi il tuo lavoro creativo?

Creo le mie opere nel mio studio privato , che è una stanza dedicata nella casa in cui vivo. Questo spazio è il mio santuario, progettato specificamente per promuovere creatività e concentrazione. Ha grandi finestre che inondano la stanza di luce naturale , creando le condizioni perfette per dipingere. La luce del giorno che entra mi consente di vedere i veri colori del mio lavoro così come appariranno in diversi ambienti, il che è fondamentale per la vivacità e la luminosità che cerco di ottenere attraverso il Conceptual Pop Realism .

Lo studio è organizzato per supportare sia gli aspetti tecnici che quelli emotivi del mio processo. Tengo i miei strumenti e materiali meticolosamente sistemati: i miei pennelli, i colori a olio e le vernici sono sempre a portata di mano, così posso muovermi senza problemi tra le idee senza interrompere il flusso. La tecnica di pittura fluida che utilizzo richiede precisione e concentrazione, quindi avere uno spazio di lavoro pulito e ben organizzato è essenziale.

Ho anche delle aree nello studio dedicate alle diverse fasi della creazione. C'è uno spazio per schizzi e pianificazione, dove esploro composizioni e simbolismo, e un'altra area per il processo di pittura vero e proprio. Spesso ho più lavori in corso contemporaneamente, il che mi consente di allontanarmi da un pezzo e ritornarci con occhi nuovi.

Oltre all'impostazione pratica, lo studio è il luogo in cui trovo chiarezza mentale. È pieno di luce naturale, energia pacifica e la libertà di creare senza distrazioni. Questo ambiente mi aiuta a connettermi profondamente con i temi che esploro (libertà, crescita e liberazione emotiva) e assicura che ogni dipinto trasmetta l'energia vibrante che intendo. Il mio studio non è solo uno spazio di lavoro; è il luogo in cui le mie idee prendono vita, dove mi sento più a casa e dove invito l'ispirazione a fluire.

Il tuo lavoro ti porta a viaggiare per incontrare nuovi collezionisti, per fiere o mostre? Se sì, cosa ti porta?

Sì, viaggio spesso per mostre, fiere ed eventi artistici, e questi viaggi sono una parte essenziale della mia carriera. Mi portano successo commerciale, maggiore riconoscimento e visibilità nel mondo dell'arte. Ogni mostra apre nuove porte, mettendomi in contatto con collezionisti, artisti e galleristi da tutto il mondo. Queste interazioni sono inestimabili, non solo per le opportunità immediate che offrono, ma anche per le relazioni e le collaborazioni a lungo termine che spesso emergono.

Viaggiare per le mostre mi consente anche di sperimentare nuovi ambienti, culture e prospettive, tutti elementi che ispirano e influenzano il mio processo creativo. Ogni evento è un'opportunità unica per presentare il mio lavoro a un nuovo pubblico, comunicare la mia filosofia dietro il Conceptual Pop Realism e impegnarmi in conversazioni che sfidano ed espandono le mie idee.

Inoltre, questi eventi offrono momenti di incontro con altri artisti e galleristi, cosa che trovo sia arricchente che motivante. Scambiare idee e imparare dagli altri mi aiuta a crescere, mentre vedere come diverse comunità rispondono al mio lavoro rafforza la mia visione artistica.

Per molti versi, questi viaggi non riguardano solo il successo aziendale o professionale: sono una fonte di ispirazione e sviluppo personale. Affermano l'importanza della libertà, della connessione e dell'autenticità, che sono al centro della mia arte. Incontrare persone che risuonano con il mio lavoro rafforza la mia convinzione che l'arte abbia il potere di ispirare il cambiamento, non solo all'interno degli individui, ma anche tra culture e comunità.

Come immagini l'evoluzione futura del tuo lavoro e della tua carriera di artista?

Immagino che il mio lavoro si evolva verso un'esplorazione concettuale più profonda, continuando a ispirare emozioni positive e crescita personale. Il Pop Realism concettuale rimarrà il fulcro del mio percorso artistico, ma ho intenzione di spingerne i confini, sperimentando progetti su larga scala, narrazioni multistrato e persino incorporando nuovi media come installazioni o elementi digitali. Il mio obiettivo è creare esperienze immersive che coinvolgano gli spettatori visivamente, emotivamente e intellettualmente, incoraggiandoli a riflettere, sognare e agire.

Una parte fondamentale della mia visione futura è quella di attrarre più artisti a dipingere nello stile del Conceptual Pop Realism . Voglio ispirare e guidare altri creativi verso questo approccio, aiutandoli a incorporare un significato filosofico nel loro lavoro, mantenendolo edificante e accessibile. La mia ambizione è che il Conceptual Pop Realism diventi un movimento, unendo artisti che credono che l'arte possa sia sfidare che ispirare, offrendo un significato profondo mentre eleva l'anima.

Sogno anche di creare un museo dedicato al Conceptual Pop Realism , uno spazio in cui questo stile artistico possa prosperare ed evolversi nel tempo. Questo museo non servirà solo come casa per le mie opere, ma anche come piattaforma per altri artisti che lavorano con questa filosofia. Sarà un luogo per mostre, dialogo e scambio, invitando il pubblico a impegnarsi con l'arte che offre libertà e risonanza emotiva.

In futuro, vedo la mia carriera espandersi a livello globale. Voglio raggiungere un pubblico eterogeneo attraverso mostre internazionali e costruire relazioni durature con collezionisti, gallerie e istituzioni. Oltre al successo commerciale, il mio obiettivo è lasciare un'eredità che consolidi il Conceptual Pop Realism come uno stile influente nell'arte contemporanea.

Inoltre, ho intenzione di continuare a pubblicare libri, incluso quello a cui sto lavorando attualmente, per aiutare gli artisti a trovare la loro voce unica e creare un'arte significativa e di impatto. Condividere le mie esperienze e intuizioni mi consentirà di entrare in contatto con altri creativi e guidarli verso carriere artistiche appaganti e commerciabili.

In definitiva, la mia evoluzione come artista rifletterà la mia crescita personale. Continuerò a esplorare cosa significhi vivere liberamente e autenticamente, cercando sempre nuovi modi per comunicare queste idee attraverso l'arte. Il mio sogno non è solo quello di lasciare dietro di me delle belle opere, ma di creare un movimento duraturo, che dia potere sia agli artisti che agli spettatori di abbracciare libertà, gioia e significato nelle loro vite.

Qual è il tema, lo stile o la tecnica della tua ultima produzione artistica?

La mia ultima produzione artistica rimane profondamente radicata nella filosofia e nell'estetica del Realismo Pop Concettuale, continuando a esplorare i temi della libertà, del rilascio emotivo e della trasformazione personale. Le opere di questa nuova serie invitano gli spettatori a riflettere sul proprio mondo interiore, utilizzando colori vibranti ed energia positiva per ispirare un senso di gioia e possibilità. Attraverso queste creazioni, esploro l’idea che abbracciare la libertà—sia essa emotiva, mentale o creativa—conduca alla felicità e alla crescita.

Dal punto di vista tecnico, continuo a impiegare la mia caratteristica tecnica pittorica fluida, costruendo profondità attraverso sottili strati di velature traslucide. Ogni strato interagisce con la base cromatica sottostante, rendendo i colori radiosi e garantendo che la brillantezza del dipinto rimanga vivida nel tempo. Questo metodo permette alla luce di penetrare attraverso gli strati e riflettersi all’indietro, creando un effetto luminoso e vibrante che amplifica l’energia emotiva dell’opera.

I soggetti di queste opere recenti spesso ruotano attorno a oggetti e figure simboliche, scelte per rappresentare il contrasto tra lotta e liberazione, confinamento e libertà. Sebbene questi temi siano universali, cerco sempre di presentarli attraverso una prospettiva positiva—ogni composizione serve da promemoria che, anche nei momenti più difficili, esiste un potenziale per la crescita e l’emancipazione.

L’obiettivo delle mie ultime opere non è solo creare immagini belle, ma anche ispirare gli spettatori a guardare dentro sé stessi, riconoscere le barriere che affrontano e sentirsi motivati a superarle. Ogni dipinto diventa un viaggio, sia per me che per chi lo osserva—un dialogo tra pensiero ed emozione, luce e profondità, libertà e significato.

Queste nuove opere rappresentano un’evoluzione nella mia pratica creativa, portando ancora più precisione e vivacità ai principi fondamentali del Realismo Pop Concettuale, rimanendo fedele alla mia filosofia: l’arte deve elevare, ispirare e trasformare.

Puoi raccontarci la tua esperienza espositiva più importante?

Esibire il mio lavoro è una parte essenziale del mio percorso artistico. Ogni mostra porta con sé nuove opportunità—far conoscere la mia arte a nuovi pubblici, aumentare la mia visibilità e far progredire la mia carriera. Una delle esperienze più significative che ho vissuto è stata una mostra a New York. Circa sei mesi dopo l’evento, un importante gallerista mi ha contattato con una proposta di collaborazione. È stato un punto di svolta nella mia carriera, e da allora lavoriamo insieme. Questa partnership ha aperto molte porte, ampliando il mio raggio d’azione e permettendo alla mia arte di evolversi in nuove direzioni.

Ogni mostra ha per me un grande valore, indipendentemente dalla sua localizzazione. Ogni esposizione offre nuove prospettive e mi consente di entrare in contatto con nuovi pubblici, collezionisti e professionisti del mondo dell’arte. Non si tratta solo di esporre le mie opere, ma di dialogare con le persone, condividere la mia filosofia del Realismo Pop Concettuale e costruire relazioni durature. Le mostre sono una parte fondamentale del mio processo artistico: favoriscono il riconoscimento, ispirano nuove direzioni nella mia produzione e spingono costantemente la mia carriera verso nuovi orizzonti.

Se avessi potuto creare un’opera famosa nella storia dell’arte, quale avresti scelto? E perché?

Se avessi potuto creare un’opera famosa nella storia dell’arte, avrei scelto La Trahison des Images di René Magritte. Questo dipinto, con la sua rappresentazione di una pipa accompagnata dalla scritta "Ceci n’est pas une pipe" ("Questa non è una pipa"), sfida lo spettatore a riconsiderare ciò che vede. Suggerisce che l’immagine di un oggetto non è l’oggetto stesso, invitandoci a riflettere sul concetto che la realtà può essere illusoria. Questa idea stimola le persone a guardare oltre la superficie e a considerare molteplici prospettive—un tema che risuona profondamente con la mia filosofia artistica.

L’opera di Magritte si allinea perfettamente con gli obiettivi del Realismo Pop Concettuale. Così come il suo dipinto ci spinge a mettere in discussione le nostre supposizioni, la mia arte mira a ispirare gli spettatori a riflettere sulla vita, sulle emozioni e sulla libertà attraverso immagini vibranti e messaggi filosofici più profondi. La capacità di Magritte di trasformare qualcosa di familiare in un’affermazione filosofica potente è per me fonte di grande ispirazione.

Come Magritte, credo che l’arte non sia solo ciò che vediamo, ma anche come la percepiamo. Questo concetto è centrale nel mio lavoro: prendere oggetti o situazioni apparentemente semplici e infonderli di significati che si rivelano gradualmente. Sia il suo approccio che il mio sfidano lo spettatore a un coinvolgimento più profondo, dimostrando che l’arte può stimolare il pensiero, ispirare azioni e trasformare il modo in cui viviamo la realtà.

Se potessi invitare a cena un artista famoso (vivo o morto), chi sarebbe? Come proporresti di trascorrere la serata?

Se potessi invitare tre artisti a cena, sceglierei René Magritte, Banksy e Andy Warhol. Ognuno di loro ha profondamente influenzato il modo in cui l’arte viene percepita e ha avuto un impatto su diversi aspetti della mia filosofia creativa. Oltre al loro genio artistico, tutti e tre sono personalità incredibilmente affascinanti e carismatiche, il che rende la loro arte così potente. La loro capacità di rompere le convenzioni e trasmettere idee profonde attraverso il loro lavoro li rende il trio perfetto per una serata di conversazioni stimolanti e di esplorazione creativa.

Con René Magritte, approfondirei le sue idee su realtà, percezione e illusione. Il suo lavoro ci insegna che ciò che vediamo non è sempre ciò che sembra, incoraggiando gli spettatori a interrogarsi sul mondo che li circonda—un concetto che risuona con il mio Realismo Pop Concettuale. La nostra conversazione potrebbe generare nuove idee su come esplorare ulteriormente questo equilibrio tra superficie e profondità nell’arte.

Da Banksy, vorrei ascoltare storie su come l’arte e l’attivismo possano intrecciarsi, e come sia riuscito a rimanere anonimo pur creando alcune delle opere più incisive del nostro tempo. La sua capacità di provocare riflessioni in modo giocoso ma profondo riflette la mia stessa convinzione che l’arte possa ispirare libertà e trasformazione personale. Sarebbe interessante scambiare idee su come l’arte possa sfidare le norme sociali rimanendo al tempo stesso accessibile e coinvolgente.

Con Andy Warhol, il discorso si sposterebbe sulla fama, il consumismo e il mercato dell’arte. Il suo approccio visionario alla produzione di massa e alla cultura pop ha ridefinito il ruolo dell’arte nella società. Gli chiederei come affronterebbe oggi il mondo dell’arte contemporanea e la cultura digitale. Sarebbe affascinante esplorare con lui come i principi del Realismo Pop Concettuale si adattino al panorama artistico attuale.

La serata sarebbe rilassata e spontanea, un fluire libero tra conversazioni profonde e momenti di ispirazione creativa. Dopo cena, potremmo anche abbozzare idee o immaginare nuovi progetti artistici insieme, per il puro piacere di condividere le nostre menti creative.

Sarebbe un incontro indimenticabile, in cui surrealismo, street art e cultura pop si intrecciano, dando vita a nuove idee e prospettive.