Dita Lūse: l'ispirazione è sopravvalutata

Cosa ti ha ispirato a creare arte e a diventare un artista? (eventi, sentimenti, esperienze...)

Sono nato in una famiglia di artisti, quindi l'interesse è venuto naturale come parte del nostro stile di vita, e disegnare e dipingere erano un'abitudine infantile. La mia formazione artistica professionale è iniziata all'età di 11 anni, quando ho iniziato gli studi in una scuola d'arte, e in seguito ho continuato all'Accademia d'arte della Lettonia.

Qual è il tuo background artistico, le tecniche e i soggetti che hai sperimentato finora?

Avendo studiato in una scuola d'arte, in un'accademia d'arte e nel dipartimento d'arte di un'università, ho provato varie tecniche di pittura e disegno. Tuttavia, dopotutto, amo lavorare con l'olio su tela e trovo che sia il più adatto alle mie idee.

Quali sono i tre aspetti che ti differenziano dagli altri artisti, rendendo unico il tuo lavoro?

Le persone che seguono il mio lavoro riconoscono le mie opere nelle mostre collettive, quindi ci deve essere qualcosa che mi differenzia, ma non è stato un obiettivo particolare per me. Ma forse potrebbe essere la combinazione di attenzione ai dettagli, allo stesso tempo approccio da schizzo e strati trasparenti di vernice nelle mie opere, e anche la gamma molto limitata di colori che uso nei dipinti.

Da dove trai la tua ispirazione?

L'ispirazione è sopravvalutata, secondo me. Mi sveglio ogni mattina e vado nel mio studio, dove lavoro su schizzi, dipingo o faccio qualche lavoro banale come tendere o preparare le tele. Di solito pianifico il mio lavoro in anticipo, quindi mi metto al lavoro e spesso continuo finché c'è luce del giorno.

Qual è il tuo approccio artistico? Quali visioni, sensazioni o sentimenti vuoi evocare nello spettatore?

Dipende dal tema. Ci sono opere in cui esploro lo scintillio di luci, finestre, facciate, spazi architettonici, e queste opere intendo essere come un rifugio, pieno di equilibrio e tranquillità, dove il tempo rallenta per chi guarda il mio lavoro. Uso sovrapposizioni di luce, ricordi e spazio, e gli aspetti meditativi dei pattern per catturare lo spettatore, per farlo perdere e dimenticare il tempo.

I dipinti a raggi X, d'altro canto, rivelano il nostro nucleo fisico o corporeo interiore, che non può essere visto né in una foto né in uno specchio, che è un tema molto personale, persino intimo, ma allo stesso tempo mostra la struttura fisica naturale su cui sono stratificati i nostri valori ereditati, rendendoci così diversi e belli. Spero che evochino le sensazioni della nostra fragilità e la presenza del tempo nelle nostre vite.

E poi ho Amalgams of time series, che riguardano il legame con le generazioni precedenti e il modo in cui i ricordi dei nostri genitori e nonni influenzano la nostra percezione della realtà e le decisioni che prendiamo oggi. Mi concentro sui cardini della storia del XX secolo, sui nostri ricordi ereditati, ritratti attraverso dipinti di vecchie foto e lettere. Un'immagine indirettamente presente nelle mie opere è la guerra, che, proprio come ora, ha cambiato vite, ha fatto a pezzi famiglie e ha colpito le persone coinvolte così come le generazioni future. Nelle mostre personali che ho avuto con questa serie, le persone si sono avvicinate a me con le loro storie familiari e ho capito che era esattamente ciò che volevo ottenere: provocare il senso di legame delle persone con i loro antenati.

Qual è il processo di creazione delle tue opere? Spontaneo o con un lungo processo preparatorio (tecnico, ispirazione da classici dell'arte o altro)?

Sono un appassionato collezionista di impressioni e foto e quando inizio a progettare un dipinto scelgo quelle dal mio archivio che mi suscitano emozioni e mi aiutano a trasmettere l'idea. Poi lavoro su schizzi sia a mano che al computer. Spesso pianifico un'intera serie, realizzando una serie di schizzi e pensando all'atmosfera e alle sensazioni che le opere dovrebbero trasmettere. Pianifico attentamente il processo di pittura prima di iniziarlo: lavoro con strati molto sottili, lavaggi e velature e non posso permettermi errori. Se accadono, devo ricominciare da zero.

Utilizzi una tecnica di lavoro particolare? Se sì, puoi spiegarla?

Utilizzo la tecnica classica a olio, solo meno impasto e più lavaggi e velature. Prima viene la pittura di fondo, poi il disegno a pennello, poi la pittura vera e propria, la velatura, infine la verniciatura, se necessario. Sono piuttosto esigente con i pennelli, dato che realizzo molti dettagli fini.

Ci sono aspetti innovativi nel tuo lavoro? Puoi dirci quali?

Ho avuto qualche esperienza spiacevole nei miei primi anni, quando gli esperimenti hanno portato a screpolature o ingiallimenti alcuni anni dopo aver completato quelle opere, e questo mi ha convinto che la tecnica classica è la più affidabile. Mi concedo anche di essere parte di molte generazioni di pittori che hanno lavorato con l'olio su tela.

C'è un formato o un mezzo con cui ti senti più a tuo agio? Se sì, perché?

Il mio medium è l'olio su tela e i miei formati variano dai 20 cm ai 3 metri, tutto dipende dall'idea e dalla dimensione più adatta.

Dove produci i tuoi lavori? A casa, in un laboratorio condiviso o nel tuo laboratorio? E in questo spazio, come organizzi il tuo lavoro creativo?

Sono fortunata ad avere il mio laboratorio accanto alla casa, che a sua volta è vicina al mare. La luce viene dall'alto e le pareti sono bianche, il che mi consente di concentrarmi sul mio lavoro. Amo stare lì, perché il posto stesso spinge a pensare e a lavorare.

Il tuo lavoro ti porta a viaggiare per incontrare nuovi collezionisti, per fiere o mostre? Se sì, cosa ti porta?

Ho viaggiato parecchio per lavoro, sia per le mie mostre che per vedere le mostre di altri artisti. Tuttavia, ancora più importante per me è raccogliere foto per lavori futuri durante i viaggi, quindi funziona in entrambi i modi: mostrare ciò che ho fatto e ottenere nuove impressioni.

Come immagini l'evoluzione futura del tuo lavoro e della tua carriera di artista?

I temi che mi ispirano evolvono e cambiano nel corso degli anni, e osservo il mio lavoro con interesse, riflettendo su quale sarà il passo successivo e quali delle mie idee dureranno fino a trasformarsi in qualcosa di nuovo.

Qual è il tema, lo stile o la tecnica della tua ultima produzione artistica?

Uno degli ultimi lavori è un dipinto di un lampadario. È stato dipinto a olio su tela, in una tavolozza sobria e laconica. Volevo mostrare l'intricato lampadario sullo sfondo di una carta da parati riccamente decorata. I brillanti pendenti di cristallo bianco del lampadario catturano e riflettono la luce, ma sul lato destro il lampadario è in ombra profonda, il che porta a una certa confusione sulle origini della luce e sui modi in cui può essere percepita.

Puoi raccontarci qual è stata la tua esperienza espositiva più importante?

È stato emozionante essere stato selezionato da NordArt non solo una ma due volte, e una nuova esperienza è stata l'anno scorso, quando il mio lavoro è stato selezionato ed esposto da Arte Laguna all'Arsenale di Venezia. Ho avuto alcune grandi mostre personali di cui sono orgoglioso, e sono state importanti perché mi hanno dato la possibilità di valutare il mio lavoro in un certo periodo e capire in quale direzione muovermi da lì.

Se avessi potuto creare un'opera famosa nella storia dell'arte, quale avresti scelto? E perché?

Immagino che ogni artista provi quell'invidia di tanto in tanto, guardando il lavoro di un altro artista e desiderando di averlo fatto lui stesso... Forse un po' di arte rupestre? Sarebbe stato davvero affascinante, per non parlare di visitare quell'epoca almeno per un po'!

Se potessi invitare a cena un artista famoso (vivo o morto), chi sarebbe? Come gli consiglieresti di trascorrere la serata?

Mi piacerebbe invitare Marlene Dumas. Sarebbe una meravigliosa serata calda d'estate, ci siederemmo sulla terrazza, berremmo vino e parleremmo d'arte. Avrei un po' paura della sua lingua tagliente, ma mi piacerebbe anche ascoltare la sua saggezza e imparare da lei.