Davide Hockney
David Hockney, nato il 9 luglio 1937 a Bradford, Inghilterra, è uno degli artisti più influenti e innovativi del XX e XXI secolo. È emerso come una figura chiave nel movimento della Pop Art durante gli anni '60, ottenendo riconoscimenti internazionali per le sue opere vibranti e audaci che spesso esplorano temi di identità personale, sessualità ed esperienza umana.
Hockney ha studiato al Bradford College of Art e in seguito al Royal College of Art di Londra, dove il suo talento è diventato subito evidente. Le sue prime opere, come "A Bigger Splash" e "Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)", hanno messo in mostra il suo uso distintivo del colore e della prospettiva, consolidando il suo posto come uno dei principali artisti contemporanei.
Al Royal College of Art, Hockney, insieme a Peter Blake, è stato protagonista della mostra New Contemporaries, che ha segnato l'emergere della Pop art britannica. Sebbene legato al movimento, i suoi primi lavori mostrano qualità espressioniste che ricordano lo stile di Francis Bacon. Nel 1964, Hockney si è trasferito a Los Angeles, dove è stato ispirato a creare una serie di dipinti di piscine utilizzando colori vivaci nel nuovo medium acrilico. Durante la fine degli anni '60 e gli anni '70, ha vissuto alternativamente a Los Angeles, Londra e Parigi. Hockney ha esplorato varie forme d'arte, tra cui pittura, disegno, incisione, acquerelli e fotografia, nonché media non convenzionali come fax, polpa di carta, applicazioni per computer e programmi di disegno per iPad. Il suo lavoro abbraccia un'ampia gamma di soggetti, dalle nature morte e paesaggi ai ritratti di amici, i suoi cani e scenografie per prestigiosi luoghi come il Royal Court Theatre, Glyndebourne e il Metropolitan Opera di New York City.
David Hockney - Stampa litografica della mostra Pool and Steps (2021)
Nel corso della sua carriera, Hockney è stato noto per la sua disponibilità a sperimentare vari media, tra cui pittura, incisione, fotografia e arte digitale. Negli anni '80, ha ottenuto ulteriori consensi con i suoi innovativi fotocollage, noti come "joiners", che prevedevano l'assemblaggio di più fotografie per creare un'unica immagine coesa. Nel 21° secolo, ha abbracciato la tecnologia digitale, creando arte utilizzando iPad e iPhone e continuando a spingere i confini delle forme d'arte tradizionali.
Le opere di Hockney sono state esposte nei principali musei del mondo e ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti per il suo contributo all'arte. La sua influenza si estende oltre il suo lavoro, poiché ha ispirato innumerevoli artisti e rimane una figura fondamentale nel mondo dell'arte. L'eredità di David Hockney è fatta di innovazione costante, esplorazione e un profondo impatto sull'arte contemporanea.
Ritratti e riflessioni: l'esplorazione di Hockney di soggetti familiari e di sé
A partire dal 1968 e continuando per diversi anni, Hockney si è concentrato sulla pittura di ritratti e doppi ritratti di amici, amanti e parenti. Queste opere, appena al di sotto delle dimensioni naturali, sono state realizzate in uno stile realistico che ha abilmente catturato l'essenza dei suoi soggetti. Hockney ha spesso rivisitato gli stessi soggetti, tra cui la sua famiglia, i dipendenti, artisti come Mo McDermott e Maurice Payne, vari scrittori, gli stilisti di moda Celia Birtwell e Ossie Clark (in particolare raffigurati in "Mr. and Mrs. Clark and Percy", 1970-71), il curatore Henry Geldzahler, il mercante d'arte Nicholas Wilder, George Lawson e il suo compagno di danza classica Wayne Sleep. Anche i suoi partner romantici nel corso degli anni, come Peter Schlesinger e Gregory Evans, sono apparsi frequentemente nelle sue opere. Oltre a questi, Hockney ha spesso rivolto il pennello verso se stesso, producendo più di 300 autoritratti.
Tra il 1999 e il 2001, Hockney ha utilizzato una camera lucida, un vecchio strumento basato su lenti, per condurre ricerche per i suoi studi di storia dell'arte e per il suo lavoro in studio. Durante questo periodo, ha prodotto oltre 200 disegni di amici, familiari e se stesso utilizzando questo dispositivo.
Nel 2016, la Royal Academy ha esposto la serie di Hockney "82 Portraits and 1 Still-life", che è stata poi esposta a Ca' Pesaro a Venezia, in Italia, al Guggenheim Museum di Bilbao nel 2017 e al Los Angeles County Museum of Art nel 2018. Hockney si riferiva a questi dipinti, iniziati nel 2013, come "esposizioni di venti ore", poiché ogni ritratto richiedeva dalle sei alle sette ore distribuite in tre giorni consecutivi per essere completato.
Il percorso artistico di Hockney attraverso litografie e incisioni
Hockney iniziò a sperimentare con la stampa già nel 1954 con un autoritratto litografico e in seguito esplorò le incisioni all'acquaforte durante il suo periodo al Royal College of Art. Nel 1965, fu invitato dal laboratorio di stampa Gemini GEL a creare una serie di litografie a tema Los Angeles, che diede vita a "The Hollywood Collection", dove immaginò una collezione d'arte appartenente a una star di Hollywood. Hockney continuò a collaborare con Gemini GEL, producendo portfolio come "Friends", "The Weather Series" e "Some New Prints". Durante gli anni '60, creò anche serie di stampe che chiamò "racconti grafici", come "A Rake's Progress" (1961-63), "Illustrations for Fourteen Poems from CP Cavafy" (1966) e "Illustrations for Six Fairy Tales from the Brothers Grimm" (1969).
Nel 1973, Hockney avviò una collaborazione con Aldo Crommelynck, lo stampatore preferito di Picasso, adottando le tecniche di Crommelynck per opere come "Artist and Model" (1973–74) e "Contrejour in the French Style" (1974). Uno dei loro progetti significativi fu "The Blue Guitar" (1976–77), una serie di 20 incisioni ispirate sia a Wallace Stevens che a Picasso.
Nel 1978, Hockney trascorse sei settimane nello studio di Ken Tyler a New York, sperimentando una nuova tecnica che prevedeva l'uso della carta liquida, producendo 29 opere uniche, tra cui una serie di girasoli e piscine. I suoi portfolio di stampe successivi includono "Home Made Prints" (1986), "Recent Etchings" (1998) e "Moving Focus" (1984-1986). Una retrospettiva delle sue stampe si è tenuta alla Dulwich Picture Gallery di Londra e al Bowes Museum nel 2014, con opere realizzate con fax e stampanti a getto d'inchiostro.
I falegnami e il ritorno alla pittura
Nei primi anni '80, Hockney iniziò a creare collage di foto, che inizialmente chiamava "joiners" nei suoi album fotografici personali. Iniziò con stampe Polaroid e in seguito usò stampe a colori da 35 mm, disponendole in composizioni patchwork di singoli soggetti. Queste immagini, realizzate da diverse prospettive e tempi leggermente diversi, riflettevano un'influenza cubista, allineandosi con l'interesse di Hockney nell'esplorazione della visione umana. Alcune delle sue opere degne di nota includono il paesaggio "Pearblossom Highway #2" e ritratti come "Kasmin 1982" e "My Mother, Bolton Abbey, 1982".
La creazione di "joiners" avvenne per caso. Verso la fine degli anni '60, Hockney notò che gli obiettivi grandangolari distorcevano le fotografie, cosa che non gli piaceva. Mentre lavorava a un dipinto a Los Angeles, scattò delle foto Polaroid di un soggiorno e le incollò insieme involontariamente, formando una composizione. Si rese conto che questo metodo creava una narrazione, come se l'osservatore si stesse muovendo nello spazio, il che lo portò a concentrarsi esclusivamente sulla fotografia per un po', mettendo in pausa il suo dipinto.
Tuttavia, Hockney alla fine si sentì frustrato dai limiti della fotografia, in particolare dalla sua incapacità di catturare lo spazio, un elemento chiave nei paesaggi. Osservò che persino la fotografia di Ansel Adams non riusciva a trasmettere appieno l'esperienza dello Yosemite. Deluso dalla prospettiva "monocolo" della fotografia, Hockney tornò alla pittura.
Grandi mostre e collezioni
David Hockney è stato protagonista di oltre 400 mostre personali e 500 mostre collettive. La sua prima mostra personale è stata alla Kasmin Limited nel 1963 all'età di 26 anni. Nel 1970, la Whitechapel Gallery di Londra ha organizzato una grande retrospettiva che ha girato l'Europa. Il LACMA ha tenuto una retrospettiva nel 1988, che in seguito è stata esposta al Met e alla Tate.
Nel 2006, la National Portrait Gallery di Londra ha esposto una delle più grandi esposizioni di ritratti di Hockney, con oltre 150 opere. La sua mostra del 2012, "A Bigger Picture", si è concentrata sui paesaggi e ha attirato oltre 600.000 visitatori. La retrospettiva è stata poi trasferita al Guggenheim Museum di Bilbao e al Ludwig Museum di Colonia.
La più grande mostra personale di Hockney, "A Bigger Exhibition", si è tenuta al de Young Museum di San Francisco nel 2013, con quasi 400 opere. La sua retrospettiva del 2017 alla Tate Britain è diventata la mostra più visitata della galleria, con oltre 4.000 visitatori al giorno. La mostra è stata esposta al Centre Georges Pompidou e al Met, attirando grandi folle a Parigi e New York.
Nel 2018, Hockney ha esposto nuovi lavori alla Pace Gallery, tra cui tele esagonali e disegni fotografici 3D. I suoi primi lavori sono stati esposti nello Yorkshire nel 2019 e nel 2022, Cambridge ha ospitato "Hockney's Eye: The Art and Technology of Depiction". Nel 2023, l'Honolulu Museum of Art ha presentato la più grande retrospettiva delle stampe di Hockney.
I suoi pezzi sono conservati presso la Tate nel Regno Unito, il Metropolitan Museum of Art di New York e il Centre Georges Pompidou di Parigi. A livello locale, il suo lavoro è esposto in modo prominente a Salts Mill a Saltaire, vicino alla sua città natale di Bradford, e conservato dalla David Hockney Foundation. Altre collezioni significative includono il Museum of Fine Arts di Boston, la National Gallery of Australia di Canberra e l'Art Institute di Chicago. La sua arte è anche esposta al Museum of Fine Arts di Houston, al Louisiana Museum of Modern Art di Humlebæk, Danimarca, e al J. Paul Getty Museum di Los Angeles. Ulteriori collezioni si trovano al Los Angeles County Museum of Art, al Walker Art Center di Minneapolis e al Museum of Modern Art di New York. A livello internazionale, il suo lavoro è incluso nel Museum of Contemporary Art di Tokyo, Aboa Vetus & Ars Nova di Turku, Finlandia, e al Mumok, Ludwig Foundation di Vienna. Negli Stati Uniti, le sue opere sono esposte presso l'Hirshhorn Museum and Sculpture Garden e lo Smithsonian American Art Museum di Washington, DC, nonché presso il Muscarelle Museum of Art di Williamsburg, Virginia.
Selena Mattei
