Laura Ruffinelli, Serie cromatica, Magenta n. 2 , 2019. Acrilico / gouache / nastro / filo / tessuto su carta, 70 x 50 cm.

Magenta: da Fattori alle origini del colore

Siamo di fronte all'olio su tela, che, intitolato La battaglia di Magenta , datato 1862 e realizzato dal toscano Giovanni Fattori, massimo esponente della pittura macchiaiola, mira a immortalare, nella parte alta del suo supporto, un cielo quasi terso di nuvole, mentre la metà inferiore della superficie pittorica, è arricchita dalla presenza dei fanti, dei cavalieri, dei cadaveri e del carro delle monache soccorritrici, tutti soggetti immersi in un paesaggio agreste piuttosto spoglio, in cui la presenza di poche " spiccano gli alberi giovani" e magri. Proprio in tale contesto, il tumulto che segna i volti della figura umana si ripete nella natura tormentata, segnata dalla presenza di alcuni rami spezzati, che, nonostante la loro frantumazione, riescono, quando tendono a protendersi verso l'alto, come il verde cime degli alberi, per unire il dramma umano alla più pacata atmosfera celeste. Dal punto di vista storico-artistico, invece, la suddetta composizione è degna di nota in quanto, oltre ad essere eseguita con una tecnica pittorica tradizionale, nella quale emergono i primi accenni di "macchia", è anche il primo dipinto per documentare un evento della storia della neonata nazione italiana: la battaglia di Magenta. Arrivati a questo punto, ci si potrebbe chiedere: cosa c'entra il suddetto conflitto bellico con il colore magenta, la tonalità scelta da Pantone come simbolo del 2023? In realtà, la sfumatura rosa rossastra brevettata in Francia nel 1859 e successivamente, cioè un anno dopo, in Gran Bretagna da Simpson, Maule & Nicholson, fu inizialmente chiamata da quest'ultimo solferino , appellativo che fu presto mutato in magenta, poiché , all'epoca, questo nome era popolarissimo in tutta Europa, proprio per l'episodio cruento citato sopra dal capolavoro toscano.

Stanko, Farbfeld rot (Magenta) in gelb orange , 2022. Olio/acrilico su tela di lino, 100 x 100 cm.

Magenta: il colore dell'anno raccontato da Nickolas Muray, Arthur Dove, Mark-Rothko e Richard Anuszkiewicz

Abbandonando per un attimo il contesto storico-artistico, è importante fare riferimento alle dichiarazioni di Leatrice Eiseman, direttore esecutivo del Pantone Color Institute, che giustifica la scelta di Viva Magenta 18-1750, come colore del 2023, perché , questa tonalità, radicata nella natura, in quanto discendente dalla famiglia dei rossi, risulta essere estremamente vigorosa, vitale, espressiva, coraggiosa, esuberante, gioiosa, ottimista e ribelle, cioè capace di favorire la sperimentazione, l’inclusione e l’espressione di sé senza freni. Questi sentimenti sono proprio ciò di cui avevamo bisogno, ora che, superata in parte la pandemia di Covid-19, siamo in grado di riprendere in mano la nostra vita, consapevoli ancora di più del fatto che nessun minuto della nostra preziosa esistenza dura, dovrebbe essere sprecato. A ciò si aggiunge un ulteriore motivo, che, sempre legato alla suddetta epidemia, ha fatto concordare gli esperti di Pantone sulla scelta del magenta, sfumatura ispirata ai colori della cocciniglia, che, così ricchi e saturi da sembrare totalmente artificiali, sembra alludere all'attuale fusione tra mondo reale e tecnologia, favorita proprio dall'isolamento del Covid-19. Ne consegue che non esiste colore più attuale del Viva Magenta 18-1750 promosso dal suddetto ente, universalmente riconosciuto come la più autorevole fonte di informazioni cromatiche tramite previsioni stagionali. A questo punto, svelate le motivazioni alla base della promozione di una tale tonalità, possiamo provare a riconoscerne le sfumature presenti all'interno di alcuni dei più noti capolavori della fotografia e della pittura, come, ad esempio, Frida Kahlo con Magenta Rebozo di Nickolas Muray, Magenta di Arthur Dove, Magenta, Black, Green on Orange di Mark Rothko e Deep Magenta Square di Richard Anuszkiewicz. A proposito di Frida Kahlo con Magenta Rebozo , proprio le foto volte a immortalare l'omonima star dell'indagine figurativa messicana, Frida Kahlo, rappresentano il soggetto più noto indagato dall'obiettivo di Muray, che, oltre ad esserne stata la ritrattista, è stata anche sua amica e amante. Nello scatto citato in particolare, datato 1938-39 e realizzato durante un soggiorno invernale a New York di Kahlo, il colore magenta è ben visibile nel rebozo indossato dall'artista, tipico scialle dell'abbigliamento femminile messicano, a cui allude la stessa Frida in lei ringrazia Muray per il bellissimo scatto che la ritrae: "Caro Nick, ho ricevuto la mia bellissima immagine che mi mandi, la trovo ancora più bella che a New York. Diego dice che è meravigliosa come quelle di Piero della Francesca. A per me è più di questo, è un tesoro e, inoltre, sarà sempre un ricordo di quando andavamo nel suo studio a fare le foto. Questa era una di quelle. E ora ce l'ho accanto a me. Lo farai essere sempre all'interno del magenta rebozo." Facendo finta di prendere un microscopio e analizzare il manto del suddetto tessuto magenta, possiamo invece immaginare di intravedere qualcosa di simile alla visione astratta, eseguita, nella stessa tonalità cromatica, da Arthur Dove, artista americano nato nel 1880, noto proprio per aver utilizzato un'ampia gamma di mezzi espressivi a volte non convenzionali impiegati per produrre immagini staccate dal mondo reale. Più vicine alla percezione "classica" delle cose risultano essere le forme geometriche "imprecise" di Rothko, che in Magenta, Black, Green on Orange , ha indagato il colore 2023 legandolo a un sottile rettangolo, posto all'estremità superiore di la tela del 1949, opera in cui il magenta dimostra tutta la sua adattabilità, giustapponendosi con garbo a colori reciprocamente più chiari e più scuri. Questo punto di vista, infine, sembra culminare nel preciso “perimetro quadrato”, eseguito nella citata tonalità rosso-rosa, che Richard Joseph Anuszkiewicz ha collocato al centro del supporto pittorico in Deep Magenta Square , capolavoro volto a sintetizzare tutta la sua interesse per i cambiamenti ottici che si verificano quando diversi colori ad alta intensità vengono applicati alle stesse configurazioni geometriche, un aspetto che lo ha reso uno dei più prolifici esponenti dell'Op art.

Margarita Ivanova, Magenta , 2022. Olio su tela, 50 x 40 cm.

Margherita Ivanova: Magenta

L'interpretazione delle sfumature del colore magenta diventa, nell'omonimo dipinto di Ivanova, celebrativo del potenziale simbolico di questa tinta, svelato sopra dagli esperti di Pantone, l'occasione per giustapporre a questa sfumatura vitale un bianco e nero più composto, destinato a prendere forma nel volto semicoperto del protagonista dell'opera. Infatti, ciò che contorna la pelle dei suoi capelli fino al di sotto del livello degli occhi è una distesa rossastra, che prende forma nei lineamenti di un maglio dal collo alto, i cui confini poco chiari, lo fanno sembrare come improbabile esteso all'intero sfondo del mezzo. Questa visione del mondo, percepita prevalentemente in forma “monocromatica”, è giustificata dalle rivelazioni della stessa Ivanova, la quale, senza giri di parole, chiarisce come il suo intento pittorico fosse proprio quello di valorizzare al meglio il carattere selvaggio, forte e originale di magenta, dandogli più spazio possibile sulla tela. Nella storia dell'arte, invece, altri due artisti hanno fatto assumere alla loro arte significati specifici attraverso, se non "monocromi", l'immagine di volti semi o totalmente coperti, come, la più contemporanea Ewa Juszkiewicz e il "classico" René Magritte. Infatti, se nel primo caso la pittrice "nasconde" i suoi ritratti per "ribellarsi" ai canoni dell'estetica femminile tramandati dalla tradizione artistica occidentale, il secondo "nasconde", sia per alludere alla visione traumatica della morte della madre, e di fare esplicito riferimento alla sua sfacciata passione per i romanzi polizieschi, generando opere che hanno la forma di una sorta di "enigma".

Susana Ribeiro, Magenta . Acrilico su tela, cm 130x100.

Susana Ribeiro: Magenta

In un inedito contesto magenta appare alla nostra vista, quasi come una sorta di inaspettata sorpresa, una delle immagini più ricorrenti dell'indagine figurativa occidentale: una donna nuda intenta a fare il bagno. Infatti questa visione, avendo un manuale di storia dell'arte alla mano, è possibile ritrovarla nell'opera di grandi maestri, tra questi, gli indimenticabili Paul Cézanne, Tiziano, Edgar Degas, Guercino, Georges Seurat, Pierre-Auguste Renoir, Ernst Ludwig Kirchner, ecc. Cercando però di associare l'opera dell'artista di Artmajeur ad un contesto meno scontato e più innovativo, è possibile accostare al bianco e nero della protagonista di Magenta una fotografia, scattata nelle stesse tonalità, durante la Anni Cinquanta, dal fotografo di guerra David Douglas Duncan, che per l'occasione non si è limitato ad immortalare un anonimo modello, ma il più grande pittore del suo tempo: Picasso nudo nella sua vasca da bagno! Questo scatto è dovuto al fatto che Douglas Duncan ebbe la foga di suonare, nel 1957, il campanello della grande casa-laboratorio del maestro spagnolo, situata nei pressi di Cannes, luogo all'interno del quale fu accolto dalla moglie dell'artista, Jaqueline Roque al tempo, che lo condusse al piano di sopra dove Picasso si stava lavando. In questo preciso momento il fotografo ha colto l'occasione per chiedere il permesso per il primo di molti altri scatti, volti a ritrarre il cubista alle prese con la sua quotidianità meno sponsorizzata.

Sumit Mehndiratta, Composizione n. 390 , 2022. Acrilico su tela, 76,2 x 124,5 cm.

Sumit Mehndiratta: Composizione n. 390

Il movimento sinuoso e ondulatorio delle spesse linee di colore nero e magenta, dipinte ad acrilici sulla tela, sembra culminare nell'unico cerchio, che, disposto nel limite destro del supporto, invita ad approfondire i significati di questo figura geometrica, estremamente presente nel mondo dell'arte, in molteplici vesti, dalle più remote origini della cultura figurativa. Rifacendosi alla tradizione interpretativa più classica riguardo a questa figura geometrica, il cerchio può essere inteso come un punto esteso che simboleggia la perfezione e l'omogeneità, associato indelebilmente a tutto ciò che è celeste, cioè il cielo, l'anima, l'illimitato e Dio, così tanto che il movimento circolare è inteso come perfetto, immutabile, senza inizio né fine. Riportando invece un'interpretazione più personale della suddetta forma geometrica, è possibile considerare il punto di vista di Vasilij Kandinskij, il primo artista ritenuto autore di opere astratte, che vedeva nel cerchio una forma che, seppur modesta, era capace di affermarsi con prepotenza, peculiarità dovuta all'ambivalenza insita nel suo essere: a metà tra stabilità e instabilità, tra sonorità e silenzio. Tale ricchezza fa sì che l'artista abbia trovato nel cerchio ampie possibilità di espressione del proprio essere, che finalmente può essere considerato anche nella sua quarta dimensione, quella temporale. Un esempio dell'utilizzo di tale forma all'interno dell'indagine artistica del maestro russo è l'opera Squares with Concentric Circles , acquerello, guazzo e pastello su carta, volta a descrivere gli effetti percettivi dell'interazione dei colori e delle loro qualità sensoriali, che si realizzano nella forma ripetuta del cerchio.