Le donne di cui parleremo qui non sono " donne di ", erano già artiste prima di incontrare i loro mariti, avevano i loro stili e le loro ambizioni, ed erano abili e talentuose come le loro compagne.
Elin Danielson-Gambogi, Alla fine della colazione , 1890.
1. Josephine Hopper ( ed Edward Hopper )
Tutti conoscono Edward Hopper, ma chi ricorda sua moglie, Jo?
Il suo vero nome Josephine Verstille Nivison, era però destinata a un futuro molto promettente. Nata a Manhattan nel 1883, si avvicinò giovanissima alla carriera artistica , esprimendosi con disinvoltura attraverso il disegno e il teatro sui banchi dell'università. Nel 1905, quando aveva appena 22 anni, conobbe Robert Henri , una figura di spicco del realismo americano . Dopo averle chiesto di posare per uno dei suoi ritratti ( The Art Student , 1906), diventa il suo insegnante di disegno e stabilisce con lei un rapporto tanto amichevole quanto professionale.
Ha poi lavorato come insegnante per le ragazze e ha dedicato il suo tempo libero alla pittura ad olio. Fino ai suoi 40 anni, ha goduto di una vita di totale indipendenza, frequentando molti artisti, viaggiando in tutta Europa con il suo insegnante di disegno e i suoi colleghi pittori in erba, e partecipando a colonie artistiche in Nuova Scozia, in Inghilterra durante ogni estate. Inizia a godere di una notoria visibilità grazie all'esposizione di alcune sue opere nelle gallerie di New York, al fianco di artisti rinomati come Pablo Picasso , Amedeo Modigliani o Man Ray . È in questo microcosmo artistico che incontra il suo futuro marito Edward, prima al liceo artistico, poi durante varie colonie artistiche negli Stati Uniti.
Robert Henri, Lo studente d'arte (Ritratto di Josephine Nivison) , 1906.
Gli amanti si sposarono nel 1924 . Josephine V. Nivison diventa Jo Hopper, e partecipa alla costruzione di una coppia tanto tumultuosa quanto stimolante . Viaggiano attraverso l'America e dipingono insieme, ma la fantasia di una storia d'amore creativa si trasforma rapidamente in un fardello coniugale per Josephine . Il duo combatte regolarmente e queste tensioni ricorrenti indeboliscono la loro ambizione. A poco a poco, trascurò la sua passione per diventare l'impresaria del marito , e si occupò della maggior parte delle faccende domestiche per offrirgli più tempo possibile per la creazione.
Suo marito è diventato rapidamente leggendario, durante la sua vita, grazie a opere enigmatiche, raffinate e silenziose , che descrivono la vita quotidiana di un'America remota e profondamente solitaria. Tuttavia, senza l'assistenza della moglie, Edward Hopper non sarebbe mai riuscito a raggiungere il successo che oggi gli viene riconosciuto . Molto più che una semplice modella o una comune musa, Josephine ha contribuito enormemente all'ascesa artistica di suo marito. Poiché era timido e riservato, lo ha aiutato a costruire relazioni con professionisti del mercato dell'arte, al fine di promuovere il suo lavoro.
Se sei mai rattristato dalla rinuncia di Josephine, tieni duro, perché c'è molto, molto più angosciante in questa storia :
Edward Hopper morì nel 1967, all'età di 84 anni, senza discendenti. La vedova Giuseppina, gli sopravviverà per un anno, prima di morire anche lei all'età di 84 anni, nel 1968, nell'indifferenza generale . Approfitterà di questi pochi mesi di lutto per organizzare i posteri del suo lavoro e di quello del marito. Documenterà così il loro lavoro e lascerà in eredità al Whitney Museum di New York un numero considerevole di opere della coppia . Oggi sono presentate tutte le opere firmate dalla mano di Edward, ma nessuna traccia delle centinaia di opere prodotte e lasciate in eredità da Joséphine .
Jo Hopper, Untitled (Studio del paesaggio intorno alla Hopper House con Cape Cod Bay in lontananza).
Opere conservate nelle riserve del museo? Se solo…
In effetti, la stragrande maggioranza delle opere di Joséphine è ormai completamente scomparsa . Dalla sua morte, il Whitney Museum non ha mai esposto una sola opera dell'artista e, peggio ancora, ha fatto in modo di sbarazzarsi di questo ceppo fantasma, giustificando la mancanza di spazio nelle riserve del museo. Il museo bruciò parte delle opere, e diede l'altra parte agli ospedali, che per mancanza di spazio le distrussero anche, per la maggior parte . Delle cento opere prodotte rimangono oggi solo poche incisioni, acquerelli e fotografie in bianco e nero.
Ricompensa sinistra per una donna che ha sacrificato il suo destino per stabilire il trionfo del marito.
2. Margaret Keane (e Walter Keane)
Margaret Keane, Nel giardino , 1963.
Riconosci quegli occhi grandi?
Alcuni di voi sicuramente conosceranno questa storia, visto che è stata oggetto di un sublime lungometraggio diretto da Tim Burton nel 2014: Big Eyes (già citato nel nostro articolo Quando il cinema rende omaggio ai capolavori. opera di Storia dell'Arte ).
È il furto di identità più sconcertante dall'avvento dell'arte moderna : un'epopea emancipatrice che mescola machismo , malizia e indecenza . Resisti, ti portiamo nel cupo e luminoso mondo di Margaret Keane .
Questa curiosa artista è nata sotto il bel nome di Peggy Doris Hawkins , nel 1927, a Nashville ( Tennessee ). Quando aveva solo 2 anni, ha subito un incidente durante un'operazione medica apparentemente benigna, che le ha danneggiato irrimediabilmente il timpano destro . Fin da piccola manifesta un profondo interesse per il disegno , attività che pratica enormemente. A 10 anni si iscrive a una scuola di disegno per approfondire le sue conoscenze e la sua tecnica. Stava già realizzando i suoi primi dipinti ad olio in quel momento. Il suo timpano ferito gli impedisce di sentire bene. Questo handicap lo rinchiuderà in una particolare solitudine, e lo costringerà a concentrarsi sullo sguardo dei suoi interlocutori per comprenderli meglio (vedi il collegamento che arriva con i famosi grandi occhi ). Timida e riservata, si isola gradualmente in una bolla di solitudine , che si avverte nella scelta dei suoi soggetti ( bambini, donne, gatti, cani, cavalli ), nonché nella scelta dei colori e della tecnica utilizzata ( pittura in olio mescolato con acrilico ).
Il suo stile insolito è al confine tra il surrealismo kitsch e l' arte naif .
Discreta, sconosciuta e lontana dal mondo dell'arte, è quando ha più di 25 anni, a metà degli anni Cinquanta, che il suo destino cambia radicalmente . Incontra un artista dalla tecnica mediocre ma dal successo crescente: Walter Keane . Sebbene entrambi siano sposati, si innamorano e si uniscono nel 1955 a Honolulu.
Bob Campbell, Margaret Keane e Walter Keane , The Chronicle.
Walter Keane è un personaggio atipico : carismatico , seducente , loquace e inconfondibilmente egocentrico . Un bell'esempio di mascolinità tossica mentre ne facciamo di più ( e senza rimpianti ). Si innamora rapidamente delle tele con gli occhi spalancati della sua amata, e segretamente geloso della sua padronanza del pennello . Sa che i suoi dipinti sono unici e possono essere venduti a un buon prezzo. Con il suo carisma e la sua esperienza commerciale, decide quindi di realizzare ciò che Margaret, troppo timida, non è stata in grado di fare: promuovere e vendere il suo lavoro .
Un marito che aiuta la moglie, artista riservata, a vendere le sue opere: che male c'è?
Per attirare acquirenti, Walter ha esposto le opere di sua moglie in un club di San Francisco. Di fronte al grande successo di questa operazione e ai tanti estimatori che cercano di saperne di più sulla firma che accompagna questi strani ritratti, il marito decide allora, all'insaputa della compagna, di affermare di essere l'autore di queste opere . Fu l'inizio di un vasto inganno che sarebbe durato diversi anni e avrebbe causato a Margaret enormi sofferenze. Troppo fragile per difendersi di fronte alle imposture e alle minacce del marito, rimarrà in silenzio e arriverà persino a confermare in pubblico che è proprio lui l'autore di queste magnifiche facce da cerbiatto.
A poco a poco, Walter Keane si chiude nella sua illusione di successo . Dato che è un ottimo spot pubblicitario, le opere fluiscono sempre più velocemente e il denaro scorre liberamente. Comincia quindi a inventare una mitologia intorno alla " sua " opera, e rinchiude Margaret nelle sue stesse bugie, incanalando il suo ardore emancipatore con grandi rinforzi di minacce e intimidazioni , e costringendola a dipingere tutto il giorno (a volte anche fino alle 16 ore al giorno ). . D'altro canto, le grandi gallerie americane vanno a ruba i suoi quadri, e anche Andy Warhol cade sotto il suo incantesimo .
Bill Ray, Margaret e Walter Keane , Life Magazine, 1965.
Fortunatamente, un bel giorno, la pressione diventa insopportabile per Margaret. Decide di lasciare Walter e, nel 1970, annuncia in diretta radiofonica di essere la vera creatrice di questi quadri dagli occhi grandi . Dopo un lungo periodo di polemiche e crociate giudiziarie, Margaret viene finalmente riconosciuta per il suo talento, e lo sguardo triste e malinconico dei bambini che dipingeva quando era vittima della crudeltà del marito lascia il posto a teneri, fioriti ritratti e coloratissimi , simboli di una rinnovata gioia di vivere . Un meritato lieto fine , a differenza dei dispiaciuti posteri di Josephine Hopper.
E se non avete mai visto Big Eyes , il film di Tim Burton che racconta la vita tumultuosa di Margaret Keane, ve lo consigliamo vivamente!
3. Sophie Taeuber-Arp (e Jean Arp)
Sebbene sconosciuta al grande pubblico, l'artista svizzera Sophie Taeuber-Arp ha avuto una carriera tanto brillante quanto eccezionale . A suo agio in (molto) molte discipline: pittura, scultura, moda, architettura, arti applicate e danza, ha frequentato i più grandi artisti del primo Novecento , ed è stata una figura di spicco del movimento Dada, Costruttivismo e arte concreta.
Sophie Taeuber-Arp, Tête Dada , 1920. Museum of Modern Art, New York.
Tuttavia, poche cose hanno predestinato la giovane Sophie Taeuber a una grande carriera artistica . È nata nel 1889 a Davos, in Svizzera. Suo padre, farmacista di professione, è morto quando lei aveva solo 2 anni. È poi cresciuta con la madre, stilista e fotografa, e i suoi fratelli nella profonda e bucolica campagna svizzera , accanto a tessitrici che le hanno insegnato l'arte del cucito.
Sua madre lo incoraggiò a sviluppare le sue prime doti artistiche e gli fece anche da modello. Quando Sophie morì, quando Sophie aveva solo 20 anni, decise di prendere in mano il suo destino e andò a studiare arti applicate a Monaco e poi ad Amburgo , in Germania. Scopre ( tra le altre cose ) l'arte della ceramica, la tornitura di oggetti in legno, il design e la realizzazione di costumi.
Nel 1915, quando infuriava la prima guerra mondiale, fu costretta a tornare in Svizzera. Si stabilisce a Zurigo e fa molti amici artisti , loro stessi rifugiati forzatamente, in fuga dalle devastazioni di un conflitto che non perdonano. Lì racconta le sue doti artistiche e incontra Jean Arp, che sposò nel 1922. Anche se nella coppia Taueber-Arp non tutto è così roseo, siamo lontani dalla tensione tra Edward e Jo Hopper, o dalle manipolazioni esercitate da Walter Keane sul suo compagno. I due sopravvivono grazie alle entrate di Sophie, ma creano insieme e si ispirano a vicenda.
Sophie Taeuber-Arp e Jean Arp, Ascona (Spagna), 1925.
Nel 1929, Sophie e Jean ottennero la nazionalità francese. Approfittano di questo nuovo inizio per stabilirsi a Meudon, vicino a Parigi. Jean è già molto conosciuto sulla scena parigina , e fa conoscere a Sophie molti artisti influenti dell'epoca, che diventeranno suoi amici: in particolare Max Ernst , oltre a Sonia e Robert Delaunay . Gli ospiti si accalcano alla porta della loro casa-laboratorio a Meudon, e le ambizioni di Sophie iniziano ad essere amputate dal successo del marito . A quel tempo, era vista più come la padrona di casa e la moglie di Jean Arp, che è ancora al centro dell'attenzione . Ha prodotto molte opere in questo periodo, ma ha osato presentarle sempre meno, preferendo il conforto del ritiro all'arroganza dei riflettori che percepiva nello sguardo del marito .
L'unione tra Sophie e Jean era ben lontana dalle tensioni tossiche che legavano le coppie Hopper e Keane. Quando Sophie morì per avvelenamento da monossido di carbonio causato da una stufa a legna difettosa nel 1943, suo marito rimase inconsolabile . Le ci vorranno anni per tornare a una vita normale, e tutta la sua produzione artistica sarà influenzata dalla sua perdita d'amore . Chiederà inoltre che le sue opere possano essere esposte solo accanto a quelle di Sophie. Una richiesta virtuosa dalle conseguenze paradossali , poiché per sempre il nome di Sophie Taeuber, moglie ma artista indipendente , sarà associato a quello di Jean Arp.
Sophie Taeuber-Arp, Composizione di cerchi e angoli sovrapposti , 1930.
Nonostante tutti questi sforzi, Sophie verrà presto dimenticata dal grande pubblico , che sarà interessato solo alle opere di Jean Arp. La colpa di un sistema : istituzioni, musei, gallerie e collezionisti che non vogliono riconoscere l'importanza di un'opera così potente, perché prodotta da una donna. Riscoperto di recente, alla fine del XX secolo, il suo volto è oggi biglietto dada di 50 franchi svizzeri , e le istituzioni internazionali hanno scattato le sue opere radicali , uniche e originali.
4. Lee Krasner (e Jackson Pollock)
Lee Krasner, Combat , 1965. National Gallery of Victoria, Melbourne .
Lee Krasner è considerata oggi come una pioniera dell'espressionismo astratto negli Stati Uniti, anche se per molto tempo è stata eclissata dall'aura ancora vigorosa di suo marito, Jackson Pollock , che ogni anno manda nel panico le sale d'asta. stillicidio leggendario .
Nata negli Stati Uniti nel 1908 da una famiglia di immigrati ebrei ucraini fuggiti dall'antisemitismo e dalla guerra, mostra fin da subito un forte interesse per la pratica artistica . Come le sue sorelle Jo Hopper, Sophie Taeuber e Margaret Keane, ha voluto intraprendere la carriera artistica fin dalla tenera età, e quindi si è iscritta a una scuola per ragazze a Washington che ha un corso artistico. Ottiene rapidamente il diploma di insegnante d'arte, e gradualmente crea una rete di artisti e amici professionisti del mondo dell'arte , che stimolano la sua creatività e ambizione.
Nel 1933 si unì al movimento degli artisti astratti americani e incontrò il talento creativo dell'epoca: Willem de Kooning , Arshile Gorky , Adolph Gottlieb , Mark Rothko , Barnett Newman o persino Clyfford Still , solo per citarne alcuni. Crea opere astratte, gestuali ed espressive in grandi formati e sperimenta una moltitudine di tecniche: pittura, carboncino, collage, mosaico ... Molto esigente con il proprio lavoro, distrugge regolarmente le sue tele e talvolta recupera pezzi per loro. aggiungere a nuovi traguardi. Di conseguenza, il numero di opere sopravvissute è molto modesto : il suo catalogo ragionato elenca circa 600 opere conosciute , che è abbastanza limitato per un artista che produce da quasi 50 anni .
Jackson Pollock e Lee Krasner nel loro studio, 1950. Foto di Lawrence Larkin
Conobbe Jackson Pollock nel 1941. Si innamorarono e si sposarono 4 anni dopo, nel 1945. Creativamente, i due esseri si ispirano a vicenda , avventurandosi in campi simili senza essere volgari copia e incolla . Lee porta la sua esperienza e le sue conoscenze, darà tutto il possibile per promuovere il lavoro di suo marito . I loro approcci sono diversi, ma le loro ambizioni sono le stesse. Grazie a sua moglie, Jackson Pollock incontrerà critici e galleristi influenti, come Peggy Guggenheim o Clement Greenberg . La loro relazione nasce da un vero e proprio scambio : Lee consiglia a Jackson di smettere di dare titoli alle sue opere in modo che il pubblico possa contemplare i suoi quadri senza cercare riferimenti esterni, mentre Jackson aiuta la moglie a correre più rischi nella realizzazione delle sue opere.
Tuttavia, anche se all'interno del laboratorio le cose stanno andando bene, fuori le sensazioni sono molto diverse. Lee Krasner soffrirà regolarmente della ricezione pubblica della sua identità. I contemplatori faranno sistematicamente il collegamento tra il suo lavoro e quello del marito. I critici, dal canto loro, la considereranno una musa ispiratrice , o peggio ancora, una banale imitatrice , senza mai cercare di analizzare il suo lavoro indipendentemente da quello del marito , o su un piano di equità. Anche dopo la macabra morte di Jackson Pollock (di cui abbiamo già parlato nel nostro articolo su 3 artisti torturati dai tragici destini ), avrà difficoltà ad affermarsi come artista indipendente , nonostante un'evoluzione in autonomia nel corso della sua vita, e il suo rifiuto di prendere il cognome del marito. Un critico la chiamerà addirittura " Action Widow ", una contrazione di Action Painting (una pratica artistica di cui Jackson Pollock era la figura principale), e di vedova , per insistere sulla particolare dipendenza di Lee Krasner dal suo defunto marito. Un atteggiamento profondamente misogino, sintomatico di una società patriarcale del tutto disinibita.
Lee Krasner, Siren , 1966. Barbican Centre, Londra.
In conclusione, ricordiamo che questi 4 talentuosi artisti non sono le uniche vittime collaterali del trionfo del marito . L'elenco non può mai essere esaustivo, ma citiamo ad esempio Dorothea Tanning , moglie di Max Ernst, Jean Cooke , moglie di John Bratby, o Elaine de Kooning , moglie di Willem de Kooning...
In effetti, sono così numerosi che il loro sfavore non può essere dovuto semplicemente al caso . È il simbolo amaro di un comportamento comunemente accettato, di un tempo in cui gli uomini, per paura o disprezzo, non volevano riconoscere alle donne artiste il posto che tuttavia meritavano. Oggi le cose stanno cambiando , e ogni giorno possiamo scoprire la storia di una nuova artista donna , riscoperta nel suo tempo e riabilitata nella sua influenza.
Quindi speriamo che il passato appartenga solo al passato, e che gli errori del passato non si ripetano così tanto.
Bastien Alleaume (Crapsule Project)