IRILAC

Le Manifeste du livre d’artiste

(3ème rédaction)  

« Le livre, instrument spirituel » 

S. Mallarmé

SPHINX BLANC : le livre, source philosophique, outil intellectuel, expérience existentielle 

1° notre siècle : Avec nos œuvres nous ouvrons les nouveaux chemins pour l’art du livre (Livre dans l’art) ;

2° livre d’artiste se métamorphose : Nos livres sont en dehors des cadres. Le carré du livre est infini (Forme du carré blanc) ;

3° blanc et noir : Nous considérons la divergence entre le blanc et le noir comme la plus basique pour la mise en action du livre d’artiste. Perpetuum mobile du mécanisme des interactions dans le livre (tension) ; 

4° plan quasi-carré : Le carré n’est pas une rupture, mais il est la première construction à partir de laquelle se développe toute croissance sur les pages du livre d’artiste (théorie de la forme) ;

5° expression plastique libérée par le point : Nos plumes et nos pinceaux sont capables de créer les œuvres majeures d’après un seul point (nouvelle vie construite) ;

6° vide plein : Nous affirmons la forme nouvelle synthétique et son infinie dans le livre d’artiste (effet réciproque des phénomènes) ;

7° absence du vide : Nos livres-œuvres sont opposés au vide (résistance) ; 

8° union du silence et de la parole : Nous transcrirons dans nos livres la musique des bruits et la musique des pauses (signatures) ;

9° au-delà : Nous choisissons la science de l’art comme la base de recherche et développement dans le livre d’artiste (échos) ;

10° assez de substitutions : Nous n’avons rien à voir avec la production dite livre d’artiste sans en être (nécessité intérieure) ; 

11° foule tue : La pseudo-ouverture de l’art et la désacralisation du livre visent à étrangler le livre d’artiste (assez de simulacres) ;

12° contre : Nous attendons ceux qui sont contre l’idéologie dans l’art, qui sont contre les prescriptions, contre les interdictions, restrictions et spéculations (obstacles) ; 

13° mais pas pour la révolte, au contraire, pour ne plus la faire : Nous nous concentrons sur la création même et non pas sur le combat contre les fantômes des fausses affirmations (intuition – pensée nue) ; 

14° en dépit de la fatigue : Nous réunissons ceux qui ne baissent ni mains ni têtes, même si les autres veulent les ignorer (caractère dynamique) ;

15° absence du cadre : Nous donnons au monde les œuvres non encadrées, échappées du contrôle, de la nomenclature officielle et des postulats imposés ( post-scriptum post-moderne) ;

16° rupture avec les formules conventionnelles : Nous avons besoin d’aller vers les propriétés constitutives de l’œuvre originale (sans aucune imitation ou esprit artificiel) ;

17° gouffre à la traversée : Nos ateliers sont les formes de la vie, nos projets-livres sont les êtres vivants la lutte pour l’existence (quotidienneté) ;

18° sphère intellectuelle : Les conceptions de nos livres-œuvres sont basées sur le réflexion polyvalente ; elle exigent un effort du travail mental à leurs récipients et… (chemins ménagés dans l’œuvre) ; 

19° …une philosophie : Avec le livre nous faisons le travail orienté vers l’expérimentation en continu. Action artistique permanente… (genèse ultérieure) ;

20° le spirituel de la pensée, enfant qui embrasse le monde : Aujourd’hui la pensée créative trouve sa réalisation dans l’œuvre traversant mille obstacles (plénitude lucide) ;

21° blanc sur blanc : Lieu de destination le blanc, point de départ, multitude, liberté, sonorité, éclat, vie, non-vide. La pensée est multiple, mais l’œuvre est unique. 

Serge Chamchinov et Anne Arc

Publication

Description technique

Le Manifeste du livre d’artiste, Groupe Sphinx Blanc, éd. MELA-IRILAC, 2020 

Livre d’artiste, n.p., 11 doubles-feuilles pliées 33x48,5cm, portfolio, jaquette, texte imprimé, jet d’encre sur Fabriano 225 g/m², typographie analytique visuelle, polices de caractère Haettenschweiler, tirage limité. Exemplaires signés et numérotés, avec un collage original. 

N.B. La première version de ce manifeste a été rédigée en 2013, le texte du manifeste a été présenté par les artistes-auteurs à Trinity College de Cambridge, le 8 septembre 2013, lors du colloque international « Les espaces du livre : supports et acteurs de la création texte/image, XXe-XXIe siècles ».

Laboratoire du livre d’artiste. Conception du « MÉTA-LIVRE »

Le Laboratoire du livre d’artiste (LLA) a été fondé en 2008. À ce jour, c’est une organisation unique consacrée à la fois à la création des livres par des artistes, à l’expérimentation et à la recherche systématique sur le livre d’artiste. Les expériences menées au sein du Laboratoire se dirigent vers la structuration de la conception innovante du « méta-livre ». Actuellement, il rassemble les contributions de trente-cinq participants (artistes, poètes, chercheurs et critiques d’art). Les actions du Laboratoire se répandent dans plusieurs pays d’Europe, certains de ses volumes se retrouvent dans une trentaine de collections publiques[1]. 

Le Laboratoire fonctionne comme un atelier de la création de livre mais aussi comme une institution de recherche autour du livre. S’appuyant sur les traditions de l’art du livre depuis des époques anciennes et suivant les tendances ultracontemporaines, le Laboratoire englobe plusieurs aspects du livre d’artiste et offre à voir ses différents modes de fonctionnement, analysant plusieurs visions sur le livre de création artistique ; il refonde aujourd’hui les critères d’approche du livre d’artiste. Or, pour le Laboratoire, il ne s’agit pas de réinventer le livre d’artiste, ni de faire  table rase par rapport aux sources. Il ne s’agit pas d’ailleurs de retour au siècle précédent. Il n’est pas non plus question de mélange des visions sur le livre d’artiste : le Laboratoire se distingue catégoriquement de deux visions contradictoires sur le livre d’artiste, dont l’une le rattache à la bibliophilie et l’autre aux idées de l’art conceptuel pour, dans ces deux cas, ne pas reconnaître l’autonomie réflective et méthodologique du livre d’artiste.

Au sens global, le Laboratoire constitue une unité de livres d’artiste portant une nouvelle vision sur l’esthétique et les perspectives de ce domaine de l’art. Ou même, on peut dire que le Laboratoire, dans l’ensemble des livres qui y sont créés, représente lui-même un méta-livre d’artiste. Le travail du Laboratoire du livre d’artiste est orienté vers l’expérimentation en continu avec le livre, vers la valorisation du livre d’artiste actuel ainsi que vers la recherche des perspectives pour ce domaine de la création. Le Laboratoire montre un exemple unique et universel à la fois. Sa démarche particulière consiste dans la création des ouvrages qui se trouvant en correspondances internes, en composant ainsi une œuvre polyphonique.

Composition de la collection du LLA

    À ce jour, la collection « Laboratoire du livre d’artiste » (format carré) compte trente-trois volumes. Ces volumes appartiennent à dix sections développant différentes thématiques.

Genèse des formes : l’accent sur les formes de base comme le point, la ligne, le carré, la spirale, la croix, etc., la théorisation des « formes en mouvement », la réflexion sur le pré-geste.

Temps : l’interrogation sur la nature du temps et l’expression de l’intuition du temps comme une catégorie sacrale, la réflexion sur le chronotope du livre-œuvre.        

Mythe : l’interprétation graphique des matières et des sujets légendaires, la construction des paradigmes de personnages mythiques et la convocation des archétypes.  

Reflets : la présentation par l’artiste de la poésie contemporaine, les voies de la transformation de la matière textuelle en langage des formes et des couleurs.  

Cryptogrammes : les recherches sur les systèmes de codage et sur la sensibilité de la lecture vis à vis du textuel expérimenté.  

Art moderne : la composition des liens intertextuels avec l’époque de l’art moderne et ses acteurs (par exemple, Paul Klee), ainsi qu’avec le début de la tradition française du livre d’artiste (Édouard Manet).                                

Translation : la mise en place des différents types de traduction en tant que système de translation, voir la transmission des valeurs esthétiques et intellectuelles d’une culture à une autre, d’une époque à une autre.

Arts graphiques : les corrélations des pratiques de l’écriture typographique, de l’écriture sonore et des graphismes picturaux, ainsi que la construction des formes plastiques et leur disposition.

Sans titre : la déclaration de l’action provocatrice visée sur le relativisme de toute classification et de toute systématisation, la recherche sur le phénomène du titre, sur le paradoxe de la nomenclature comme structure hiérarchique.

Hors série : la présentation synthétique des volumes du Laboratoire, par leurs extraits et selon leur chronologie, en correspondance avec la conception du livre-galerie ou du livre-exposition mobile.

Il faut souligner que toutes les sections du Laboratoire se coordonnent entre elles, comme les axes de recherche à l’intérieur d’une structure scientifique. Cela dit, le Laboratoire ne doit pas être considéré comme un projet éditorial. On peut même dire que ce n’est pas une édition au sens ordinaire du terme, puisque chaque volume est construit selon le principe de la présence de la main de l’artiste, ce qui donne à chaque exemplaire le caractère de l’œuvre unique. Lors de la création de ces livres, la publication n’est pas l’objectif ; l’objectif recherché est la réalisation d’une nouvelle phase de l’expérience sur le livre comme support et objet du travail artistique. Dans ce sens, tous les livres formant l’ensemble du Laboratoire composent une unité, une œuvre plastique complexe. 

Voici quelques exemples.

La section « Genèse des formes » montre le vecteur fondamental de ligne éditoriale du Laboratoire, qui renouvelle la conception du livre d’artiste au premier quart du XXIe siècle. Selon celle-ci le livre d’artiste est une oeuvre d’arts plastiques et graphiques, utilisant le support du livre, y impliquant plusieurs aspects de l’art conceptuel, minimal, d’avant-garde et de l’édition de création[2]. Un tel livre fait par l’artiste lui-même (et non par l’éditeur) contient donc non seulement l’œuvre finale mais aussi son propre dossier génétique, quoique  ce soit sa matière : esquisses, manuscrits, ou idées philosophiques.

Dans cette section, les recherches se déroulent notamment autour du pré-geste dans le processus de la création artistique. Elle met l’accent sur les formes de base comme le point, la ligne, le carré, la spirale, la croix, etc. Le travail dans cette section se dirige vers la théorisation des « formes en mouvement » et vers la réflexion sur leur multiple genèse.

Ainsi, il semble important d’évoquer que le premier volume de cette section qui ouvre le Laboratoire en 2008 s’adresse au pré-geste et à la pré-forme dans les dessins d’enfant. Le livre Drôle… Drôle… Drôle… s’interroge sur l’expression plastique comme acte physique, sur la nature du geste. C’est pourquoi ce n’est pas un hasard si dans ce livre cette problématique est retravaillée en correspondance avec les idées de Wassily Kandinski, Paul Klee et Henri Michaux. La thématique du geste mène vers l’élaboration et l’argumentation d’un des principes de la collection : « présence de la main » dans le livre d’artiste.

 En effet, ce principe trouve sa réalisation condensée dans deux autres livres de la même section, livres intitulés Opposition binaire et Système binaire, 2011. Ici la problématique du geste est abordée par l’étude de la dualité d’hémisphères cérébraux et, par conséquent, des correspondances et divergences entre la main gauche et la main droite. La main, le geste, le cerveau sont donc des objets d’analyse dans le livre et, en même temps, des outils de sa création. D’autre part, le système des oppositions est présenté au niveau verbal par les constructions multilinguistes et par le concept de la multilecture. Possédant chacun différents modes d’expression, les artistes-auteurs de ces deux volumes ont travaillé sur le geste réel fixé, sur son reflet miroité, sur le vide et le rempli, ainsi que sur l’opposition clair/obscur.

Le dernier livre de la section « Genèse des formes », Architectonique du Sphinx, 2013, lance la thématique de l’architecture virtuelle. Il entre en dialogue avec les idées de suprématisme et de constructivisme et élabore le premier Manifeste du nouveau mouvement artistique Sphinx blanc[3] qui expérimente à différents niveaux le livre d’artiste et qui remet l’accent sur les aspects spirituel, intellectuel et existentiel, issus de la dominante de l’artiste-auteur dans le processus de création de l’œuvre-livre.

Dans l’Architectonique du Sphinx est effectuée la recherche sur la genèse des formes à travers les multiples métamorphoses subies par la matière proprement plastique. Le contenu du livre se base sur la série des tableaux Expressions abstraites[4]. Les visuels des tableaux, grâce à l’utilisation du support-livre, sont transformés en signes. Ces signes implantés dans le texte poétique Un soir d’antan… (Anne Arc, 2012) deviennent les centres visuels, autrement dit des unités graphiques accentuées dans le texte qui rappellent des pictogrammes. L’approche entre ce qui est lisible et ce qui est illisible renvoie, entre outre, à l’idée de Roland Barthes sur la « sémiographie particulière », dans le sens de l’écriture imaginaire. Cela est remarquable car la symbiose entre l’écriture imaginaire et l’écriture réelle dans l’Architectonique du Sphinx organise le mouvement interne dans le tissu textuel.

Dans le même contexte, il faut évoquer que le livre Métamorphoses du rire, qui appartient à une autre section intitulée « Art moderne », retravaille les problématiques susmentionnées, mais à sa propre façon. Par exemple, il élabore la thématique du gestuel dans un aspect de la gestualité de la gorge. C’est notamment la physiologie du rire qui est l’objet des dessins dans ce livre consacré à des recherches autour du personnage pictural Clown, de Paul Klee. Ici l’artiste Serge Chamchinov mène une expérience sur la nature du rire, en effectuant un enregistrement pictural de la sonorité du rire venant des vibrations musculaires d’un être humain. Ainsi, le composant sonore joue ici un rôle indicateur par le biais de la ligne sinusoïdale dessinée, comme si la main de l’artiste est devenue l’instrument pour un spectrogramme, enregistrant les amplitudes des ondes du rire, répondant ainsi au phénomène visuel qui peut s’apparenter aux systèmes de partitions graphiques.

Un livre, Les Fleuves impossibles [sic], de la section « Arts graphiques », aborde de nouveau la thématique sonore. L’ouvrage est concentré sur l’idée de la création d’une sorte d’écriture typographique qui se base sur les corrélations entre le graphisme et la sonorité des entités textuelles. Force est de constater que la visualisation du poème Le Bateau ivre, d’Arthur Rimbaud, se passe sous le signe de la lecture musicale. Par conséquent, l’espace du blanc se coordonne souvent avec les pauses dans la lecture du poème effectuée à l’époque par Léo Ferré. La voix de Léo Ferré résonne avec la répétition des deux premières strophes sur les pages translucides. Celles-ci sont mises en ordre perpendiculairement par rapport au sens de lecture habituel. Cet ordre imite une sinusoïde d’enregistrement phonogramme. Enfin, le textuel est devenu une figure visuelle qui a obtenu les caractéristiques vocales.

Dans un autre livre, Vers la Barque (section « Arts graphiques », 2012), on voit comment l’utilisation de la « typographie analytique » apporte une musicalité visuelle au texte en imitant un chant, créant ainsi une écriture sonore. Par ailleurs, ici une page représente un document-objet implanté dans le livre, comme s’il s’agissait d’une vraie partition sous forme de papier perforé plié, à la manière de celles utilisées pour les machines mécaniques comme par exemple l’orgue de Barbarie. Dans le livre on suit donc comment la barque, avec ses personnages sur le bord, s’est mise en mouvement, navigue, on « entend » avec l’œil le chant qui s’éloigne (« l’œil écoute », Paul Claudel) et on possède les documents de cette navigation (journal de bord, soit un certain dossier génétique composé d’après des esquisses d’Hermann Rapp).

Un des domaines de recherche est représenté dans la section « Translation » – qui comprend cinq volumes – et a pour objectif de mettre en place les différents types de traduction. Il s’agit d’un système de translation au sens large du terme, système qui comprend la transmission non seulement d’une langue à une autre, mais aussi la transmission des valeurs esthétiques et intellectuelles d’une culture à une autre, d’une époque à une autre. Il s’agit aussi de la transformation de la matière textuelle en langage des formes et des couleurs.

Pour illustrer les mécanismes du travail de cette section, présentons un livre paru en 2013 et intitulé La Symphonie du temps. Ce livre introduit les idées rimbaldiennes de modernité dans le xxie siècle. Lors du travail sur cet ouvrage, le « Laboratoire », avec le soutien de la Maison internationale de la Poésie Arthur Haulot (Bruxelles), a lancé un appel aux poètes d’aujourd’hui pour effectuer les nouvelles traductions du poème d’Arthur Rimbaud Le Bateau ivre. Les contributions

À propos du livre « Jamais plus. Blanc/Noir » de l'artiste Serge Chamchinov

Le livre Jamais plus. Blanc/Noir, paru dans la section « Translation » du Laboratoire du livre d’artiste en 2011, représente une expérimentation réalisée à plusieurs niveaux : niveau linguistique, niveau typographique (mise en page), niveau pictural qui intègre plusieurs techniques (dessin, gravure et pliage) et niveau théorique.

Le travail sur cette œuvre relève le défi réalisé par Stéphane Mallarmé par rapport à la traduction de Charles Baudelaire de The Raven, le poème d’Edgar Allan Poe. Prenant comme repère l’édition 1875 du Corbeau avec les gravures d’Édouard Manet – un des livres les plus significatifs pour la naissance du genre du livre d’artiste en France –, Serge Chamchinov relève donc son propre défi, en plaçant son expérience à un point de coordination historiquement extrêmement important. L’idée novatrice de ce défi se trouve dans l’analogie symbolique avec l’action de Stéphane Mallarmé retraduisant à l’époque ce célèbre texte, notamment dans la représentation complètement inattendue d’une matière déjà connue et dite canonique.

Le livre Jamais plus. Blanc/Noir est construit en deux volumes. Le second accompagne le premier et représente le journal autocritique de l’artiste, soit son journal de bord tenu pendant deux ans de travail comportant la théorisation de sa démarche. Pour l’édition de Jamais plus. Blanc/Noir, le second volume sert en tant que corpus de documents explicatifs pour le premier. Par son principe, le journal d’expérience précède l’œuvre finale marquant son passé. Or dans la construction du livre, ce dossier génétique est présenté dans le second volume qui suit l’œuvre. Pourtant, il faut souligner que le second volume n’est pas un livre auxiliaire, c’est-à-dire qu’il ne se contente pas d’être juste une suite du premier volume. Le second volume comporte sa propre esthétique dans le mode de présentation des matériaux du dossier génétique. Le journal d’expérience devient aussi à son tour un livre d’artiste.

On trouve très peu d’exemples de ce genre dans le panorama historique du livre d’artiste. Ainsi, le livre Jamais plus. Blanc/Noir ouvre une perspective et un sens innovants pour le livre d’artiste. On peut rappeler quelques livres du siècle précédent, notamment de Marcel Duchamp (La Mariée mise à nu par ses célibataires, même, dit la Boîte Verte, 1934) ou d’Henri Michaux (Misérable miracle, 1956, Par des traits, 1984), ou même de Georges Perec (La Vie mode d’emploi, 1978) qui sont apparentés à l’idée de la présentation dans le livre d’artiste d’un dossier génétique ou d’écrits analytiques. La particularité de Jamais plus. Blanc/Noir consiste dans le fait que c’est peut-être la première fois dans l’histoire du livre d’artiste que le dossier génétique y est exploité non seulement comme recueil de documents, mais également comme méthode, comme approche conceptuelle vers l’idée même du livre d’artiste qui n’est pas seulement un objet esthétique, mais aussi un objet d’étude et presque un outil de recherche sur les procédés plastiques et graphiques.

Le titre de l’ouvrage, Jamais plus. Blanc/Noir, renvoie vers au moins deux allusions. Le segment « Jamais plus » est une allusion littéraire. Le livre comporte le texte intégral du Corbeau (le poème d’Edgar Allan Poe en anglais) et ses deux traductions en français (Baudelaire et Mallarmé). Par contre, l’enjeu ne se situe pas dans une simple publication du texte, mais dans l’expérimentation artistique avec le texte. Le second segment du titre, « Blanc/Noir », représente une expression qui doit marquer une tension significative entre le blanc et le noir, en correspondance avec les théories des couleurs.

Le livre est construit de telle sorte qu’il commence avec un objet tactile en papier blanc plié dont on peut toucher et sentir la résistance comme si c’était une aile d’oiseau. À la fin du livre se trouve une autre aile, qui est noire. Le corps du livre est donc placé entre deux ailes. Le jeu entre le blanc et le noir représente symboliquement le passage du blanc d’attente de l’œuvre (dans l’esprit mallarméen) à travers le noir des mots qui remplissent la page, vers le noir.

Chaque volume est composé de deux parties. Entre elles, au milieu, se trouve le plan neutre du livre. Représenté par la page grise, le plan neutre est suivi par un dessin au crayon lithographique avec la silhouette schématique du corbeau. La technique du crayon lithographique permet de faire une empreinte en regard du dessin.

Selon la conception artistique, le poids du bloc du livre dans la position fermée exerce une pression permanente au fil du temps et augmente l’intensité de l’empreinte. Ainsi, avec le temps l’action plastique continue, c’est une réalisation du principe de la « genèse dans le futur » qui, comme nous le rappelons, est l’objectif du travail du Laboratoire dans sa troisième branche. C’est un des aspects les plus importants de la conception de ce livre car il est pensé comme une œuvre ayant une action plastique permanente.

Le contenu textuel peut être considéré comme un riche terrain pour l’emploi de la « typographie analytique ». Ainsi, une présentation visuelle spécifique de The Raven/Le Corbeau est mise en place : le texte a été traduit en langage des formes graphiques et picturales. Pour cela il a été élaboré un code qui opère des rapports, des interactions entre le système des signes de l’écriture et le système des éléments-formes graphiques. Travaillant sur ce code, l’artiste mène ses recherches qui dépassent les problèmes purement picturaux et purement linguistiques.

Cet ouvrage propose une vision synthétique sur le phénomène du livre d’artiste d’aujourd’hui. Son savoir-faire et ses connaissances approfondies de certains aspects de l’art du livre, de l’art minimaliste, de l’art conceptuel et de la critique génétique ont permis d’effectuer cette synthèse. L’ensemble de deux volumes de Jamais plus. Blanc/Noir a l’ambition d’apporter une contribution considérable au livre d’artiste, révélant de nouvelles perspectives pour ce domaine de la création. Les deux volumes élaborent et conjuguent plusieurs modules universels de la présentation de l’œuvre qui est à la fois textuelle et visuelle. Ces modules peuvent être exploités hors du livre donné. Les artistes, les poètes, les linguistes, les typographes, les éditeurs, les théoriciens d’art contemporain peuvent prendre cet ouvrage dans l’arsenal de leurs outils et l’appliquer dans leurs propres pratiques.

Avec cet exemple on peut constater que le travail du Laboratoire du livre d’artiste est orienté vers l’expérimentation en continu avec le livre, vers la valorisation du livre d’artiste actuel ainsi que vers la recherche des perspectives pour ce domaine de la création. Le Laboratoire montre un cas unique et universel à la fois. Sa démarche particulière consiste dans la création de livres représentant un ensemble d’ouvrages se trouvant en corrélation et composant une œuvre polyphonique.

Anna Samson, Serge Chamchinov

Musée européen du livre d'artiste (MELA)

Institut de recherches interdisciplinaires du livre d'artiste contemporain

Granville