Sculptures d'art tribal à vendre

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Comment définir style Art premier ?

Les arts visuels et la culture matérielle des peuples autochtones sont appelés art tribal, parfois appelé art non occidental, art ethnographique ou, plus controversé, art primitif. L'art tribal a généralement une fonction rituelle ou spirituelle. La conception et l'artisanat d'objets issus de cultures tribales, généralement d'origine rurale, sont appelés art tribal.

Au XIXe siècle, les célèbres professionnels de l'art occidentaux ne considéraient même pas l'art non occidental comme de l'art. Au lieu de cela, ces objets étaient considérés comme des reliques et des exemples de sociétés «exotiques» ou «primitives». Mais dans la seconde moitié du XXe siècle, les attitudes à l'égard des arts tribaux ont changé. Avant l'émergence du postmodernisme dans les années 1960, les critiques d'art considéraient les arts tribaux principalement d'un point de vue formaliste, accordant peu d'importance à la signification symbolique, au contexte historique ou culturel ou à l'intention de l'artiste de l'œuvre. Depuis lors, l'art tribal, comme l'art africain dans les collections occidentales, est devenu très apprécié par les collectionneurs internationaux, les expositions et le marché de l'art.

L'expression «tribal» pourrait évoquer un type d'art moins sophistiqué associé au primitivisme et suggérer un manque de compétence, de conception, d'intention ou de concept. Cependant, à mesure que les musées réexaminent et réorganisent leurs collections en reconnaissance du fait que l'art tribal est loin d'être simple et primitif et qu'il a souvent une compétence d'exécution bien au-delà de ce que nous attendons, il suscite de plus en plus l'intérêt du public. De plus, il a le pouvoir d'atteindre nos âmes. Nos instincts intérieurs peuvent être éveillés et nous nous connectons à leur vérité en raison de leur présence irrésistible et de leur énergie émotionnelle, améliorant notre perception de la profondeur spirituelle.

Historiquement, les anthropologues occidentaux, les collectionneurs privés et les musées d'ethnographie et d'histoire naturelle ont collectionné des œuvres d'art tribales. Dans les collections des musées, l'art tribal peut être divisé en trois grandes catégories : l'art des Amériques et de l'Océanie, notamment celui d'Australie, de Mélanésie, de Nouvelle-Zélande et de Polynésie ; et l'art africain, notamment celui d'Afrique sub-saharienne.

Art tribal africain

Les sculptures sur pierre, les sculptures sur bois (masques et sculptures), les bijoux, la vannerie, les textiles, les pipes, les instruments de musique, les armes, les perles et la conception d'éléments architecturaux tels que les portes et l'ornementation des murs sont tous des exemples d'art tribal africain. Le développement de ces métiers a été impacté par l'accessibilité des outils, des ressources et des savoir-faire ; toutes les tribus ne se sont pas engagées dans ces efforts artistiques. Le matériau le plus typique était le bois, souvent décoré d'argile, de peinture, de coquillages, de perles, d'ivoire, de métal, de plumes, de poils d'animaux, de raphia et, à de rares occasions, même de pierres semi-précieuses.

L'art africain était un élément fondamental d'une religion englobante. Les forces vitales prétendument présentes dans tous les êtres vivants étaient représentées par des images spécifiques qui agissaient comme leurs incarnations ou leurs représentants. L'essence de l'ascendance tribale a été préservée par ces représentations des morts, qui parlaient fréquemment pour eux et donnaient aux gens une chance de se connecter avec les esprits des ancêtres. Les artefacts tribaux africains étaient généralement créés en tant qu'art religieux - pour un usage rituel ou cérémoniel spécifique - malgré le fait que de nombreuses formes utilisées incluent des éléments profanes et que certaines œuvres d'art sont purement décoratives et ornementales.

L'initiation à des groupes d'âge, tels que les «sociétés» de jeunes hommes ou de vieillards, qui ont chacune leurs propres symboles et motifs de culte, est à la base de nombreux rituels tribaux. Ces «sociétés» sont connues pour leur abondance de figurines et de masques sculptés, dont beaucoup représentent des divinités protectrices comme le dieu du tonnerre ou le dieu du feu. Bien que les sculptures aient été presque exclusivement fabriquées comme un article de luxe par certaines sociétés, elles étaient tout aussi omniprésentes et populaires que les masques et avaient une signification rituelle. La tribu Yoruba au Nigeria était d'habiles sculpteurs de figures rondes et couronnait fréquemment leurs masques généralement grands avec des hordes de poupées très vivantes, créant l'illusion qu'une fête était en cours. Les sculpteurs pouvaient atteindre une stature et une notoriété qui s'apparentaient quelque peu à celles d'un artiste bien connu en Occident en raison de l'excellent calibre et de la réputation de la sculpture africaine parmi les autres tribus, notamment les Yoruba.

Art tribal océanien

La sous-région Océanie est composée de quatre régions ethnogéographiques distinctes : la Polynésie, la Micronésie, la Mélanésie et l'Australasie. L'art tribal océanien fait référence aux traditions culturelles et à l'histoire créative des peuples autochtones qui vivent dans ces quatre régions. Cette culture Lapita a finalement eu un impact sur la majeure partie de la Polynésie, de la Micronésie et de la Mélanésie. Un autre facteur était la civilisation vietnamienne Dong-Son, qui a prospéré à partir d'environ 600 après JC et était un important commerçant dans le Pacifique occidental. Des artefacts en bronze de cette civilisation ont été trouvés dans toute l'Océanie.

Bien que chaque région et groupe d'îles ait ses traditions esthétiques uniques qui ont façonné ses arts et son artisanat, l'art tribal océanique était lié à des événements païens impliquant le surnaturel, le culte des esprits et la fertilité. Une grande variété de formes d'art, y compris la peinture corporelle, le tatouage, la peinture, la sculpture, la sculpture sur bois et l'art textile, ont été produites, la majorité des matériaux utilisés par les artistes et artisans étant périssables. En conséquence, seul un petit nombre d'exemples - à l'exclusion des bâtiments en pierre et de la sculpture - ont persisté.

Les sculptures monumentales en pierre (moai) de Rapa Nui / île de Pâques et des Marquises, illustrant l'utilisation de dessins incorporant des figures anthropomorphes avec des langues saillantes et des yeux exorbités, communes à de nombreuses régions orientales et reculées de la Polynésie, font partie des exemples célèbres de l'art polynésien. qui ont survécu. D'autres exemples incluent le tissu d'écorce très orné en Polynésie occidentale.

Parce qu'ils étaient utilisés dans des rites païens compliqués et des pratiques de culte dans toute la Mélanésie, les masques étaient un motif clé de l'art indigène. Les reliques tribales micronésiennes comprennent également des bols en bois sculpté, des bateaux peints et des masques en bois stylisés en plus de la peinture corporelle et du tatouage. La peinture corporelle, la peinture rupestre, la peinture sur écorce, les gravures rupestres, les pierres dressées, la sculpture, la sculpture et les ornements ornementaux sur les outils et les armes ne sont que quelques exemples des nombreux styles et médias utilisés dans l'art aborigène australien.

Art tribal américain

L'art amérindien a été profondément marqué à la fois par le mode de vie nomade et chasseur des premiers et par l'environnement un peu plus statique mais néanmoins appauvri des seconds. Un autre aspect important de l'émergence de traditions créatives régionales distinctes était l'accessibilité des ressources, notamment le bois, l'osier, le métal, les os d'animaux, l'argile et le coton.

Les tribus du sud-ouest étaient expertes dans le tissage, la fabrication de céramiques et la création de fresques. Ces tribus comprenaient les peuples Zuni, Navaho et Hopi ainsi que les Hohokam du sud de l'Arizona, les Ansazi du nord de l'Arizona et du Nouveau-Mexique, les Mimbres du sud-ouest du Nouveau-Mexique et les Ansazi. Les Amérindiens du Sud-Ouest ont inventé la peinture au sable, souvent connue sous le nom de peinture sèche (notamment les Navajo).

Dans le Midwest, les tribus étaient seules responsables de façonner la culture. Ces tribus étaient reconnues pour leur art textile complexe ainsi que leurs travaux de terrassement bien connus, ou "monticules d'effigies", qui ont été construits pour ressembler à différents animaux. L'art tribal comprenait également des pipes en pierre sculptée avec des motifs allant de l'extrêmement réaliste à l'abstrait, en plus de bols en bois sculpté et d'ornements en pierre polie et en cuivre.

La région du Sud-Est a également produit des pipes en forme d'oiseaux et d'animaux, des coquillages finement sculptés et des accessoires vestimentaires minutieusement peints. Malgré l'utilisation d'argile de qualité inférieure, il était réputé pour produire de la poterie exquise. Des pièces de poterie ont été créées et ornées d'une variété de motifs floraux et géométriques à des fins cérémonielles, religieuses et privées.

La vannerie amérindienne était un type d'art important sur la côte ouest, en particulier en Californie. La tribu iroquoise des Indiens du Nord-Est, en particulier, était connue pour ses ceintures de wampum tissées, ses piquants de porc-épic et ses masques de la False Face Society. Le meilleur art tribal produit dans le Nord-Ouest était la sculpture, en particulier la sculpture sur bois. Les totems, les petites figurines en bois et les masques minutieusement peints et fréquemment incrustés de pierres et de coquilles d'ormeaux étaient parmi les styles les plus populaires de sculpture sculptée à la main.

Comment l'art tribal a influencé l'art moderne

Au milieu du 19ème siècle, alors que de plus en plus d'expéditions rapportaient des artefacts tribaux, l'intérêt pour ce qui était alors connu sous le nom de primitivisme / art primitif - typiquement l'art de l'Afrique noire - a commencé à croître. D'importantes expositions d'art tribal de la fin du XIXe et du début du XXe siècle ont également exposé l'art non occidental à la communauté artistique occidentale. Des expositions importantes, telles que l'art indien américain de 1941 et l'art nègre africain de 1935, ont eu lieu au Musée d'art moderne.

Les artistes ont découvert un modèle d'alternative à l'art occidental dans les statues de dieux tribaux et les masques rituels, dont les formes non naturalistes et hautement stylisées incorporaient également des images puissantes et très émotives. L'art tribal a eu une influence significative sur des artistes célèbres comme Vincent Van Gogh et Henri Matisse, Paul Gauguin et Pablo Picasso. L'effet précoce le plus frappant est le cubisme qui, en fragmentant l'image et en abandonnant la perspective, a rapidement affaibli le paradigme occidental en s'appuyant principalement sur les implications formelles de l'art tribal. L'art abstrait en fut l'un des principaux résultats.

Le groupe allemand Die Brücke a commencé à se concentrer davantage sur les éléments primitifs, instinctifs et rituels de l'art non occidental vers la même période, établissant le principal mouvement d'art moderne connu sous le nom d'expressionnisme. Les dadaïstes ont favorisé l'effondrement du paradigme occidental en s'inspirant de l'art tribal, du cubisme et de l'expressionnisme à Zürich, New York et enfin Paris. L'œuvre picturale ou sculpturale de Dada était principalement composée de collage et d'assemblage, son pendant tridimensionnel. Le fait que l'art peut être créé à partir de n'importe quoi et n'a pas besoin d'être peint, sculpté ou modelé a été établi par cette œuvre composée de matériaux trouvés. Son imagerie incorporait fréquemment des aspects de l'art tribal et était conflictuelle sur le plan politique, social ou esthétique. Dada a présenté les concepts qui ont finalement conduit à l'art conceptuel, dont l'impact s'est mélangé à ceux des autres courants de l'art moderne pour créer le fleuve vaste, large, extrêmement riche, varié et globalement diversifié de l'art contemporain dont le monde bénéficie actuellement.

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