Paula Solís Burgos : la passion de l'huile sur toile

Qu'est-ce qui vous a inspiré à créer de l'art et à devenir artiste (événements, sentiments, expériences...) ?

J'ai toujours eu une attirance pour le domaine des arts plastiques, depuis toute petite, -du moins c'est ce que me dit ma mère-, j'aimais dessiner les dessins animés que je voyais à la télévision, les personnages pour enfants qui faisaient les couvertures des cahier, voire portraits de proches, sculpture et peinture. Même si je le considérais comme un passe-temps dans l'enfance et l'adolescence.

J'ai toujours été une personne introvertie, mais j'ai quand même eu une enfance heureuse, mais pas à l'adolescence, et c'est à cette étape que dessiner et créer étaient un refuge contre les mauvais moments que j'avais à l'école. À mesure que le moment de choisir l’enseignement supérieur approchait, j’ai envisagé plusieurs options, mais au fil du temps, j’ai commencé à choisir de plus en plus le domaine de l’art. Celui qui n'était qu'un "hobby" deviendrait quelque chose dont je ne pourrais plus me passer et sinon je savais que je n'avais pas les outils pour faire autre chose. Fort de cette détermination, en 2004, toujours sans avoir terminé mes études secondaires, j'ai postulé pour entrer au niveau de base du programme de premier cycle des Beaux-Arts de l'Université du Chili. J’ai été accepté et c’est ainsi que mon chemin a commencé, il y a presque 20 ans maintenant.

Quel est votre parcours artistique, les techniques et les thèmes que vous avez expérimentés jusqu’à présent ?

Comme je l'ai déjà mentionné, quand j'étais enfant, j'aimais dessiner les dessins animés qui figuraient dans les cahiers et autres fournitures scolaires ou jouets, puis j'ai commencé à copier les personnages de l'anime, j'ai donc dessiné et colorié de manière autodidacte. pendant l'enfance et l'adolescence, jusqu'à ce que je réussisse à entrer dans la phase fondamentale de la carrière des arts plastiques à l'Université du Chili. C'est à ce moment-là que j'ai commencé mes études formelles. Cette étape consistait en deux années avant d'entrer en licence, au cours de cette période j'avais des matières de dessin, de volume, de surface et d'esthétique. Ensuite, j’ai pu me lancer dans la carrière et j’y ai passé plusieurs années à étudier différentes matières. J'ai terminé l'atelier de peinture, qui était le cours principal, ainsi que le dessin et les matières théoriques, mais j'ai laissé certaines matières optionnelles inachevées, donc ma carrière était inachevée.

Quant aux techniques, ma spécialisation aurait correspondu à la peinture, l'essentiel de mon travail correspond donc à des huiles sur toile. Dans une moindre mesure, j'utilise également de l'huile sur bois.

L'aquarelle sur carton foncé est une autre des ressources que j'utilise habituellement, notamment pour une de mes séries axées sur les images d'encyclopédie. Ici, j'expérimente ce matériau en appliquant du ruban de masquage et en le mélangeant également avec d'autres éléments. Le thème de cette série est de prendre ces images, de les sortir de leur contexte et de les amener dans un domaine où elles peuvent être exploitées de manière picturale.

Dans les différentes techniques et matériaux, les éléments récurrents dans mes œuvres sont l'inclusion d'animaux, de flore et de figures humaines. Parfois ce sont des éléments extraits de leur contexte mais dans d’autres c’est l’image originale qui intervient.

Quels que soient le projet et la matérialité impliquée, toutes mes tentatives se concentrent sur un référent reconnaissable. Il y a un guide entre les deux, et le processus peut être élargi pour atteindre parfois un certain point d'abstraction, mais qui sera également contenu dans les limites permises par la fonction représentative.

Tout cela, en cherchant à trouver un équilibre entre ces éléments graphiques reconnaissables et les aspects abstraits et aléatoires qui naissent au cours du processus de réalisation de l'œuvre, qui ne sont pas conçus à l'avance mais surviennent par essais et erreurs.

Quels sont les 3 aspects qui vous différencient des autres artistes et rendent votre travail unique ?

Même si je partage beaucoup de choses en matière d’art figuratif avec un grand nombre de collègues, la manière d’aborder les références figuratives pourrait faire la différence. Cela pourrait être le degré de licence que je me donne lors de l'interprétation des aspects à capturer dans une œuvre, j'essaie de peindre d'une manière qui n'est pas si contenue même si je ne suis jamais complètement satisfait de l'affirmation de mon travail, dans chaque œuvre je essayez d'établir une plus grande synthèse lors de la traduction des référents.

J'essaie d'expérimenter au-delà de ce que j'ai déjà réalisé dans le travail précédent, j'essaie de ne pas me contenter d'un résultat.

J'accorde de l'importance au fait que l'on puisse voir les couches dans lesquelles l'image est structurée, les zones transparentes qui révèlent les étapes qui ont façonné le travail.

D'où vient votre inspiration?

De la matérialité de la peinture comme médium en soi, ses possibilités d'exploitation et la manière de l'utiliser pour représenter les différents êtres et éléments dont la présence me fascine, comme les animaux, leur donnant une existence sur un plan différent, les rendant présents dans des endroits où ils ne semblent pas appartenir, les laissant en dehors du rôle utilitaire qui leur est habituellement attribué.

Quelle est votre démarche artistique ? Quelles visions, sensations ou sentiments souhaitez-vous évoquer chez le spectateur ?

Chez le spectateur j'espère qu'il aura un moment d'abstraction, pour partir pour un moment de sa vie quotidienne, pour voir quelles interprétations et sensations l'œuvre l'émeut picturalement et quelles choses elle lui parle métaphoriquement, pour ma part je pense qu'il y a quelque chose cela pourrait peut-être remonter à l’enfance. Je me souviens, enfant, de plusieurs contes de fées, dans lesquels les animaux personnifiaient les comportements humains, laissant un enseignement qui devait être appris. Peut-être que dans mes tableaux ces personnages s'affrontent : l'animal, l'humain, et la question de savoir quelle est la bête qu'il faut personnifier, et à cela s'ajoute le facteur de la composition florale, qui vient rappeler que tout cela se flétrit à un certain point, cela ajoute aussi à la représentation d'animaux comme le huemul, que son danger même d'extinction souligne cette caractéristique du périssable. Ici le mélange de la figure humaine et de ces présences animales au sein d'un même espace pourrait être vu comme le choc de ces mondes, l'invasion de l'homme, mais ce n'est qu'un regard, car il se pourrait aussi que plus qu'un choc ce soit un une sorte de dialogue que nous ne pouvons pas entendre, mais que nous pouvons assister et imaginer.

Quel est le processus de création de vos œuvres ? Spontané ou avec un long processus préparatoire (technique, inspiration des classiques de l'art ou autres) ?

Cela dépend de la série d'œuvres sur laquelle je travaille, s'il s'agit de la série d'aquarelles, il s'agit généralement d'un processus de sélection d'une image et de partir de là, s'il s'agit d'autres œuvres, le processus est plus long, car je dois composer une scène. en utilisant différents éléments pouvant provenir de différentes images. Je prends généralement des jours pour composer une scène que je trouve cohérente et attrayante sur le plan pictural.

Utilisez-vous une technique de travail particulière ? Si oui, pouvez-vous l'expliquer ?

Dans mes travaux récents je peins le fond en noir, noir uni, et je passe par couches, où je laisse le fond comme l'ombre la plus sombre puis je délimite ces zones avec du ruban adhésif, je passe une couche de taches, j'ajoute aléatoirement de petits des taches, ou des taches plus grandes, sur toute la toile, j'attends que cela sèche et j'identifie les zones qui restent dans le niveau d'obscurité, je délimite à nouveau avec du masking tape et voilà arrive une couche où j'essaye d'utiliser un gros pinceau et ça la marque qui laisse est visible, j'attends qu'elle sèche, et à partir de là, je commence à peindre de manière plus conventionnelle, pour ainsi dire. Je mets également une couche de ruban de masquage lorsque les plantes sont interposées contre la figure humaine, les animaux ou d'autres éléments inclus dans l'image, et cet entrelacement est ce qui m'attire le plus dans ce processus, où les parties saturées de peinture à l'huile contrastent avec d'autres où les couches inférieures sont visibles, donnant l'impression que certains éléments et parties des figures étaient transparents, leur donnant ce caractère transitoire, où les éléments ne semblent pas complètement présents.

Y a-t-il des aspects innovants dans votre travail, pouvez-vous nous dire lesquels ?

Je pense qu'en termes de peinture, il pourrait être difficile d'indiquer quelque chose d'aussi innovant, peut-être que le processus que j'ai mentionné plus haut pourrait être caractéristique.

Avez-vous un format ou un support avec lequel vous vous sentez plus à l’aise ? Si oui, pourquoi?

Je dirais que l'huile sur toile est mon médium préféré, car il y a une fenêtre de temps pour modifier le tableau avant qu'il ne sèche complètement, on peut manipuler sa texture, sa fluidité. Même si à l'huile sur bois je trouve que l'acte de peindre devient plus fluide que lorsqu'il est sur toile. J'espère utiliser davantage ce média à l'avenir.

Où produisez-vous votre travail, chez vous, dans un studio partagé ou dans votre propre studio ? Et dans cet espace, comment organisez-vous votre travail créatif ?

Je réalise mes œuvres chez moi, dans mon atelier-chambre pour ainsi dire, qui a été agrandi au fil des années pour avoir plus d'espace, cependant ce n'est pas un lieu très grand ce qui limite la taille des formats que je dois utiliser, je j'espère qu'à l'avenir, je n'aurai plus cette restriction, car j'aimerais expérimenter des œuvres plus importantes. J'ai un espace dédié aux peintures sur toile et/ou bois, où j'ai quelques chevalets et un autre espace où j'ai une table à dessin que j'utilise pour les aquarelles.

Votre travail vous amène à voyager, à rencontrer de nouveaux collectionneurs, à l'occasion de foires ou d'expositions ? Si oui, qu'est-ce que cela vous apporte ?

J'ai pu voyager pour exposer à certaines occasions dans d'autres régions du Chili, c'est enrichissant de connaître la scène artistique d'autres endroits. Cependant, ce sont mes œuvres qui ont voyagé beaucoup plus que moi, elles ont atteint d'autres continents, des endroits où je n'ai jamais atteint et où peut-être je n'atteindrai jamais non plus. Ils ont parcouru des kilomètres à travers le monde, traversé les océans et atteint différents pays en portant un petit morceau de moi en eux.

Comment imaginez-vous l’évolution de votre travail et de votre carrière d’artiste dans le futur ?

J'espère continuer à expérimenter et progresser en termes de technique dans la réalisation de mes œuvres. J'espère aussi avoir plus de visibilité, exploiter les possibilités offertes par les réseaux sociaux pour publier le processus créatif impliqué dans les œuvres. Continuez bien entendu à postuler aux différents appels. Continuer à produire et à me positionner dans des expositions collectives et individuelles.

Quel est le thème, le style ou la technique de votre dernière production artistique ?

Ma dernière production artistique correspond à la série Arrangements Floraux, où comme dans les séries précédentes le nom est lié à la disposition des éléments que j'inclus, même si dans ce cas je laisse déjà un peu des intérieurs, ou plutôt laisse entrer l'extérieur, pour inclure l'élément de la flore, et ici au début de cette série je continue à utiliser des fonds jaunes et rouges, couleurs primaires, qui vous obligent à ce que les couleurs que vous utilisez aient la même intensité, Dans ces fonds j'ai déplacé les personnages de ce nouveau séries, reprenant l'usage de la figure humaine, parfois aussi la présence d'animaux et de flore, de feuilles, d'arbres fruitiers parfois, de différents types de fleurs, d'arbustes, qui sont disposés dans une composition florale où tout est voué à se faner, nous sommes périssables, et cela est souligné dans la manière dont sont résolues certaines zones des dernières œuvres de cette série, où les fonds de couleurs intenses ne sont plus là, mais un noir uni, un vide, qui se voit dans la transparence de certaines zones, puisque les œuvres de cette série tentent de capturer cela, le momentané, le transitoire en laissant voir les couches inférieures qui composent l'image.

Pouvez-vous nous parler de votre expérience d’exposition la plus importante ?

Il est difficile de déterminer l'expérience d'exposition la plus importante, car il y a des expériences dont l'importance réside dans le fait d'être un début, d'autres dans le fait d'être une exposition personnelle, de remporter un prix dans le cadre de cette exposition ou dans le prestige du lieu où elle a été exposée. Si je prends ce dernier comme référence, le plus important serait le concours Arte en Vivo qui a eu lieu au Musée National des Beaux-Arts en 2010, et dont la participation m'a été désignée par l'Université. Une autre expérience qui serait importante en raison de l'espace où elle se déroulait était l'exposition du Mavi Young Art Award au Musée des Arts Visuels en 2022, car j'avais postulé à des occasions précédentes sans beaucoup de chance mais c'était dans cette version où j'ai a finalement été sélectionné. En ce qui concerne les récompenses, la plus élevée a été la Première Place, le "First Artist Award" du circuit de la Réserve Fédérale 2017.

Si vous aviez pu créer une œuvre célèbre dans l’histoire de l’art, laquelle choisiriez-vous ? Et pourquoi ?

Toute œuvre de Joaquin Sorolla que j'aurais aimé créer, avoir cette fluidité et cette précision en termes de couleurs, chaque coup de pinceau semble avoir été posé avec un tel niveau de conviction et de naturel à la fois, des œuvres aux couleurs vibrantes qui continuent à inquiet à ce jour.

Une œuvre spécifique, mais d'un autre artiste serait "Ivan le Terrible et son fils" d'Ilya Repin, je trouve qu'elle choque, tant sur le plan pictural qu'émotionnel. Vous pouvez ressentir à la fois l’horreur sur les visages et la texture du tapis et des draperies.

Si vous pouviez inviter un artiste célèbre (vivant ou mort) à dîner, qui serait-ce ? Comment leur proposeriez-vous de passer la soirée ?

Compte tenu de ma réponse précédente, je pense que Joaquín Sorolla, je l'inviterais à quelques hamburgers d'un restaurant défunt. "Satanique", on les appelait, avec quelques frites. Je lui suggérerais de passer la nuit à peindre quelques œuvres afin de pouvoir, le cas échéant, assimiler quelque chose d'un peintre aussi talentueux.