Kumi Sugai en 1962, via Wikipédia
Kumi Sugai
Kumi Sugai (1919-1996) était un peintre et graveur japonais réputé pour son évolution dynamique de l'abstraction lyrique à l'abstraction hard-edge, reflétant son profond engagement envers l'art d'avant-garde et contemporain. Son œuvre, marquée par sa transformation et son innovation, a laissé un héritage durable dans le monde de l’art.
Né en 1919 au Japon, Sugai a commencé sa carrière artistique au lendemain de la Seconde Guerre mondiale. Pour subvenir à ses besoins, il a d'abord illustré des manuels scolaires. Son éducation artistique formelle a commencé par la peinture de style japonais (nihonga) sous la direction de Teii Nakamura, membre de l'école. du Nihon Bijutsuin. Les premiers travaux de Sugai ont été influencés par Yoshihara Jirō, une figure de proue du groupe Gutai. L'accent mis par Yoshihara sur la matérialité de la peinture et les formes abstraites, ainsi qu'un intérêt partagé pour les formes enfantines et abstraites, ont profondément influencé Sugai. Cette influence est évident dans les œuvres de Sugai de cette période, qui présentaient souvent un motif d'oiseau récurrent et reflétaient l'esthétique de Paul Klee, Joan Miró et Max Ernst. Les premières réalisations de Sugai comprennent l'obtention d'un prix à la 4e exposition de la ville d'Ashiya, où Yoshihara a été juge.
Ses premières peintures possèdent une vivacité immédiate et élégante, évoquant des récits primordiaux de vie, de mort, d'amour, de perte, de victoire, de tragédie et de transcendance. Ces œuvres servent de passerelles vers le monde de la création dans l'œil de l'esprit de ce magicien-scribe. peintre. Sugai, l'un des grands expressionnistes abstraits du Japon d'après-guerre, a précédé les artistes de l'école Gutai sur leur chemin vers Paris et était à la fois un iconoclaste et une source d'inspiration pour ses contemporains. Il appartenait à la première génération d'artistes japonais du XXe siècle à devenir Il se familiarise avec les techniques de peinture occidentales, tout en explorant la typographie et la calligraphie japonaise, qui deviendront des éléments importants dans son travail ultérieur.
Kumi Sugai - La quête sans fin (1962). Gravure sur bois, sur papier BFK de Rives. 33 x 50 cm
Paris et l'Avant-Garde
En 1952, poussé par son intérêt pour la peinture d'avant-garde, Sugai s'installe à Paris. S'installant à Montparnasse, il étudie à l'Académie de la Grande Chaumière auprès d'Édouard Goerg. Ses premières œuvres à Paris conservent un style figuratif et font écho à l'art informel, avec notamment des paysages urbains vides aux lignes géométriques gravées dans une épaisse couche de peinture à l'huile. Sugai a également continué à simplifier les formes animales dans ses peintures.
Sugai vit d'abord à Paris en solitaire, car il parle peu le français. Il intègre néanmoins une communauté d'artistes japonais, parmi lesquels Toshimitsu Imai, Hisao Domoto et le sculpteur américano-japonais Shinkichi Tajiri, associé au groupe CoBrA. Tajiri a joué un rôle clé dans les débuts de la carrière parisienne de Sugai en l'invitant à exposer au salon Octobre de Charles Estienne en 1953. Le marchand d'art John Craven a offert à Sugai un contrat et sa première exposition personnelle à Paris, établissant ainsi davantage sa présence sur la scène artistique. son travail a également été reconnu par le critique Michel Ragon, ce qui lui a valu d'être inclus dans deux expositions avec la Nouvelle École de Paris.
Depuis ses débuts à Paris, Sugai a remporté de nombreux prix et consolidé sa position comme l'un des plus grands peintres abstraits du Japon, atteignant le sommet de sa popularité au milieu des années 1960. Aujourd'hui, cependant, il est plus communément associé à ses lithographies de la période tardive et à ses œuvres géométriques. peintures aux couleurs primaires vives, qui sont plus abondantes que les œuvres sublimes de son époque parisienne. Ce sont les huiles abstraites rares et précieuses que Sugai a peintes dans les années 1950 et 1960 qui restent les plus appréciées des musées et des collectionneurs, apparaissant rarement sur le marché libre en raison de leur faible qualité. à leur rareté.
Évolution du style
Au milieu des années 1950, l'œuvre de Sugai a commencé à passer des formes figuratives à des formes plus abstraites. À la fin des années 1950 et au début des années 1960, il a produit de grandes toiles aux couleurs vives dominées par des formes géométriques calligraphiques en blocs. Les titres de ces œuvres, tels que oni, samouraï, et les raisins évoquent le folklore japonais. Malgré leur simplicité de composition, ces peintures ont conservé une qualité de texture épaisse.
En 1955, Sugai commence à expérimenter la gravure et réalise sa première lithographie. Ce nouveau médium, rare au Japon mais populaire en France, marque une expansion significative de sa pratique artistique. Ses lithographies de 1957 illustrent le recueil de poésie de Jean-Clarence Lambert, La Quête sans fin. Sugai s'est également lancé dans la sculpture à la fin des années 1950, créant des œuvres comme Objet, un pinceau monté sur un socle, enveloppé de peinture et abstrait. En 1960, il a reçu le prix du Musée national d'art moderne de Tokyo à la Biennale internationale de la gravure.
Reconnu comme faisant partie des mouvements de la « Nouvelle École de Paris » et du « Nouveau Réalisme », il a commencé à s'éloigner de « l'abstraction lyrique » en 1962. Passant de motifs organiques calligraphiques principalement monochromes à une imagerie géométrique, son art abstrait est désormais caractérisé comme « dur ». -bord."
Des années plus tard et des changements transformateurs
1962 est une année charnière pour Sugai, qui marque une transformation significative dans son style. Il s'éloigne de la matérialité informelle pour adopter une abstraction géométrique et hard-edge, utilisant des surfaces mates et de la peinture acrylique. Sa fascination pour les automobiles et la vie urbaine, en particulier après l'acquisition de L'invention d'une Porsche en 1960 a profondément influencé sa nouvelle esthétique. L'œuvre de Sugai durant cette période se caractérise par des formes géométriques clairement délimitées et des formats monumentaux. Il a créé une cinquantaine d'œuvres entre 1964 et 1968, chacune comportant le mot « Auto » dans le titre, reflétant sa passion pour vitesse et panneaux de signalisation.
En 1969, Sugai retourne au Japon pour la première fois depuis 18 ans pour créer une fresque de 16 mètres de long et 3,6 mètres de haut intitulée Festival de Tokyo pour le Musée national d'art moderne de Tokyo. Cette fresque est la plus grande œuvre de sa carrière et marque ses premières expositions personnelles au Japon. Sa carrière ultérieure consiste à produire des œuvres en série et à se concentrer sur les lithographies à partir des années 1970. Sugai revient fréquemment au Japon, où des rétrospectives de son travail sont organisées.
Expositions et collections
L'œuvre de Sugai a reçu de nombreuses distinctions, notamment le Grand Prix de la Triennale internationale de l'impression en couleur de Grenchen en 1961, le Grand Prix de la Biennale internationale de l'estampe de Cracovie en 1965 et le Prix d'honneur de la Biennale internationale de l'estampe de 1972 en Norvège. En 1996, peu de temps après, Avant sa mort le 14 mai à Kobe, il a été honoré du prix Shiju-Hosho par l'empereur du Japon pour son grand mérite culturel. Son art est présent dans des collections prestigieuses à travers le monde et sa carrière, marquée par une évolution et une exploration continues, souligne son impact significatif sur l’art japonais et international.
Ses œuvres ont été présentées dans des expositions majeures à travers le monde, notamment « Japon des avant-gardes 1910-1970 » au Centre Pompidou (1986), « Contemporary Art/Postwar » au Museum of Modern Art, Kamakura (1979) et « Development of L’art japonais d’après-guerre : abstrait et non figuratif » au Musée national d’art moderne de Tokyo (1973). Parmi les expositions personnelles notables, citons « Kumi Sugai » au Musée d’art de la préfecture de Hyogo et au Musée d’art contemporain de Tokyo (2000), et rétrospectives au Musée Seibu, Tokyo (1983) et au Musée d'art Ohara, Okayama (1984). Sugai a également bénéficié de rétrospectives de milieu de carrière à la Kunstnernes Hus d'Oslo (1967) et au Städtisches Museum de Leverkusen (1960), et a eu des expositions personnelles à la Kootz Gallery de New York (1959-1964), à la Galerie Creuzevault de Paris (1958). et 1963) et le Palais des Beaux-Arts de Bruxelles (1954). Parmi ses commandes publiques figurent une fresque pour le Musée national d'art moderne de Tokyo (1968-1969) et une fresque pour le centre sportif de Hanovre pour les Jeux olympiques de 1972 Ses œuvres sont présentes dans d’importantes collections institutionnelles à travers le monde, telles que le musée Solomon R. Guggenheim, le Metropolitan Museum of Art, le musée d’art moderne de San Francisco et le musée des beaux-arts de Boston, entre autres.
Selena Mattei
