Bo Kravchenko : Je suis né dans une famille d'artistes

Qu'est-ce qui vous a poussé à créer et à devenir artiste ? (Événements, émotions, expériences…)
D'une certaine manière, mon destin d'artiste était prédéterminé : je suis né dans une famille d'artistes. La seule question était de savoir quelle voie créative j'allais suivre.
Dans ma jeunesse, j'étais très attiré par le design de mode, mais j'ai finalement étudié le graphisme, puis l'illustration de livres, à l'Académie des Beaux-Arts de Kiev. J'ai mis en pratique toutes les connaissances acquises au cours de mes plus de 20 années d'expérience en tant qu'illustrateur et designer dans la publicité, devenant directeur artistique dans plusieurs agences, avant de fonder ma propre agence.
Ce qui m'a ramené à la peinture, c'est mon départ d'Europe pour les États-Unis. Ce nouvel environnement, et l'opportunité de prendre un nouveau départ, ont ravivé ma passion pour la peinture et m'ont également conduit à la photographie. En Floride, j'ai découvert la beauté des paysages naturels plats – plages, routes – et j'explore ce thème depuis dix ans.

Quelle est votre expérience artistique et quelles techniques ou thèmes avez-vous déjà expérimentés ?
Il y a eu une période où je me concentrais sur la peinture symbolique – des images chargées d’émotion qui me hantaient et devaient être libérées à la surface.
Aujourd’hui, j’équilibre entre paysages et abstraction, explorant à la fois des environnements naturels et urbains.

Quels sont les 3 aspects qui vous différencient des autres artistes et rendent votre travail unique ?
Je crois que c’est la variété des sujets que j’explore et mon expérimentation constante avec les techniques.
Chaque œuvre ou thème m'oblige à inventer une méthode pour en transmettre au mieux l'idée. C'est pourquoi ma pratique s'étend à des directions très variées, mais toujours avec un style reconnaissable.

D'où vient votre inspiration ?
De voyages, de conversations, d'expériences intérieures, de visites d'expositions et d'histoire de l'art. Et parfois, c'est simplement une coïncidence, un hasard qui résonne en moi sur le moment.

Quelle est votre démarche artistique ? Quelles visions, sensations ou émotions cherchez-vous à susciter chez le spectateur ?
Cela dépend du sujet de l'œuvre, mais en général, je cherche à évoquer le calme et la sérénité, parfois l'ironie ou une sensation de vitesse. Depuis que je vis loin de ma patrie, la peinture est devenue un refuge contre l'anxiété que je ressens pour mes proches et mon pays, surtout depuis les dix dernières années de guerre. C'est en quelque sorte une forme d'art-thérapie. J'essaie de peindre ce dont nous avons tous tant besoin : la confiance, la paix, la contemplation détendue et un sentiment de calme intérieur.

Quel est votre processus de création ? Est-il spontané ou suivez-vous une longue phase préparatoire (planification technique, inspiration de l'art classique, etc.) ?
J'apprécie une sorte de chaos planifié dans mon travail. J'utilise des croquis, des photos et l'ordinateur pour explorer les couleurs et les compositions. Mais le processus de peinture lui-même commence alors à suggérer de nouvelles nuances ; il est important de les écouter et d'y répondre dans une quête d'honnêteté. Un tableau réussi doit rayonner de vérité ; c'est seulement alors qu'il peut être véritablement aimé et finir par être accroché, pas seulement sur mon mur ! :)

Utilisez-vous une technique particulière dans votre travail ? Si oui, pouvez-vous l'expliquer ?
Je préfère travailler sur des surfaces rigides, comme des panneaux de bois ou des toiles montées sur un support rigide. Je n'aime pas les vibrations des toiles tendues sur un cadre traditionnel, d'autant plus que j'utilise souvent un couteau à palette et divers types de grattoirs pour créer des textures naturelles. Un de mes outils préférés, par exemple, est une vieille carte de crédit ou une carte-clé d'hôtel.

Y a-t-il des aspects innovants dans votre travail ? Pouvez-vous nous les décrire ?
Je recherche l'abstrait dans le réel. J'aime découvrir des fragments saisissants de la réalité pour créer de l'abstraction. J'apprécie quand le spectateur est d'abord intrigué et, après avoir passé un moment devant l'œuvre, sourit à sa propre réalisation.

Avez-vous un format ou un support préféré ? Si oui, pourquoi ?
J'apprécie particulièrement les formats carrés moyens – autour de 90 à 100 cm – pour leur polyvalence et leur équilibre. Ce format me permet également de terminer une œuvre relativement rapidement, ce qui est important pour préserver la fraîcheur de l'impression initiale. Parfois, je préfère même laisser un tableau légèrement inachevé plutôt que de le surcharger. À mon avis, seule une œuvre sur trois ou quatre est véritablement réussie – lorsque l'idée, la technique et cette présence insaisissable, ce brin de magie (qui souvent ne dépend même pas de moi), tout se réunit.
Actuellement, mes médiums préférés sont l'huile et l'acrylique. Lorsque je travaillais comme illustrateur, j'utilisais principalement l'aquarelle et le pastel.

Où créez-vous vos œuvres ? Chez vous, dans un atelier partagé ou dans votre propre atelier ? Et comment organisez-vous votre processus créatif dans cet espace ?
Je n'aime pas perdre de temps, alors j'ai toujours essayé de travailler près de chez moi. Actuellement, je travaille dans mon propre studio, baigné de lumière naturelle par deux murs. Je travaille mieux lorsque je peux m'immerger dans le processus seul, avec une musique d'ambiance.

Votre travail vous oblige-t-il à voyager pour rencontrer de nouveaux collectionneurs, participer à des foires ou des expositions ? Si oui, qu'est-ce que cela vous apporte ?
Je voyage beaucoup et je visite encore plus d'expositions et de musées. L'analyse des tendances, actuelles et historiques, est l'un de mes sujets de réflexion et de discussion préférés. Récemment, avec l'essor des ventes en ligne, les collectionneurs effectuent souvent des visites virtuelles, et bien sûr, ils viennent parfois en personne à l'atelier.

Comment envisagez-vous l’évolution de votre travail et de votre carrière artistique dans le futur ?
Je m'intéresse de plus en plus aux formats complexes, du diptyque au polyptyque. L'idée de créer des toiles plus monumentales et des solutions 3D m'inspire également. Je pense que cela pourrait évoluer vers un nouveau type de sculpture utilisant la couleur, d'autant plus que j'ai déjà une certaine expérience des reliefs en bois. Mais la vie va si vite qu'il est difficile de prédire avec certitude ce que je ferai dans quelques années. Je garde ma porte ouverte, comme on dit aux États-Unis !

Quel est le thème, le style ou la technique de votre œuvre la plus récente ?
Je travaille sur plusieurs séries simultanément, ce qui me permet de changer de perspective, d'analyser ce qui a été réalisé et de trouver de nouvelles solutions pour mes futures œuvres. L'un de mes thèmes récents est un nuage abstrait solitaire traversé par une bande colorée, comme une sorte de pépin ou d'erreur visuelle. Je trouve que cette combinaison fonctionne bien grâce au contraste des formes et des couleurs. C'est l'une des approches que j'explore dans ma recherche d'un langage pictural contemporain, que je compte également utiliser dans d'autres récits.

Parlez-nous de votre expérience d’exposition la plus importante.
J'ai participé à de nombreuses expositions, mais je crois que la plus importante est encore devant moi !

Si vous pouviez inviter un artiste célèbre (mort ou vivant) à dîner, qui choisiriez-vous ? Comment proposeriez-vous de passer la soirée ensemble ?
J'aimerais beaucoup inviter plusieurs personnes, mais si je devais n'en choisir qu'une, ce serait probablement Gerhard Richter. Je suis profondément impressionné par son évolution artistique et les orientations qu'il a ouvertes en peinture. J'aimerais beaucoup savoir quelles nouvelles pistes il souhaite explorer à l'avenir.