Qu'est-ce qui vous a inspiré à créer de l'art et à devenir artiste ? (événements, sentiments, expériences...)
Quand j’ai commencé à expérimenter l’autoportrait, je le faisais uniquement par introspection. Je voyais cela comme une façon de me regarder de l’extérieur pour me comprendre de l’intérieur, et parfois, j’oserais même dire que cela me servait de thérapie. Petit à petit, j’ai commencé à partager ces images et à les utiliser pour partager mes expériences personnelles. J’ai réalisé que beaucoup de gens les trouvaient utiles pour réfléchir et traiter leurs propres émotions, et c’est à ce moment-là que j’ai compris que mon travail avait une utilité dans la société. Aujourd’hui, je vois mon art comme, d’une part, un outil essentiel pour parler de mes préoccupations, de mes apprentissages et de mes expériences, et d’autre part, comme un moyen de comprendre d’où nous venons et où nous allons. J’aime créer des liens entre les récits passés et présents et réfléchir à la façon dont nous serons perçus dans 1000 ans. Je veux que lorsque les générations futures nous étudieront, elles sachent que nous étions aussi une civilisation avec une grande sensibilité pour l’art et que la technologie avait aussi un but pacificateur et créateur de beauté.
Quel est votre parcours artistique, les techniques et les thèmes que vous avez expérimentés jusqu'à présent ?
À 16 ans, je suis parti étudier la photographie à Malaga. J'ai commencé à étudier la photographie analogique, en consacrant une année entière à la prise et au développement de photographies avec pellicule. Pendant cette période, j'ai compris la photographie depuis ses racines, depuis ses fondements. J'ai découvert une technique si merveilleuse que j'ai décidé de continuer à l'étudier et, dès que j'ai terminé, j'ai suivi un cursus supérieur beaucoup plus axé sur l'imagerie numérique. Au cours de ces trois années, j'ai expérimenté toutes sortes d'appareils photo et de formats, d'une boîte à chaussures avec du papier photosensible aux appareils photo grand format. À 19 ans, j'ai eu l'opportunité de faire mon stage à Rome, où j'ai passé trois mois avec l'équipe de Parioli Fotografia, un studio très actif qui organise des cours et des expositions dans la ville. Au cours de cette expérience, j'ai découvert ma passion pour l'art et j'ai commencé à expérimenter l'autoportrait. Au fil des ans, j'ai essayé tous les types de genres photographiques, mais je n'en ai pas trouvé un qui me touche autant que la photographie mise en scène.
Quels sont les 3 aspects qui vous différencient des autres artistes, rendant votre travail unique ?
Je ne pense pas faire quelque chose de techniquement unique ou différent des autres artistes. N'importe qui peut apprendre à éclairer une scène ou à faire du montage avec Photoshop et obtenir des effets spectaculaires. Pour moi, ce qui rend chaque artiste différent, c'est la charge émotionnelle portée par chacune de ses œuvres. L'histoire qui se cache derrière, toutes les émotions impliquées dans le processus créatif : la colère, la frustration, ou encore la tristesse, la fascination ou le bonheur. L'expérience de chaque individu et son âme sont des choses qui ne peuvent pas être reproduites, et c'est ce qui rend le travail de chaque artiste unique.
D'où vient votre inspiration ?
J’ai tendance à être très curieuse et à prêter attention à tout ce qui se passe autour de moi. L’inspiration peut me venir à travers des histoires de famille, pendant mes moments d’étude, mes visites de musées ou même lors d’une conversation avec des amis. Lorsque je trouve un sujet qui retient mon attention, j’ai tendance à devenir assez obsédée et à rechercher beaucoup d’informations à ce sujet. Je lis des articles, je recherche des images ou des peintures connexes et je recherche des événements historiques à comparer avec la façon dont nous voyons les choses aujourd’hui. Au cours de ce processus, de nombreuses idées qui apparaîtront plus tard dans mon œuvre finale surgissent.
Quelle est votre démarche artistique ? Quelles visions, sensations ou sentiments souhaitez-vous susciter chez le spectateur ?
Au premier regard, je veux que le spectateur se sente mal à l’aise. Je remplis mes œuvres d’une aura de mystère et d’une atmosphère sombre qui donne envie au spectateur d’en savoir plus, de savoir ce qui se cache derrière toute cette obscurité. C’est lors de la deuxième impression que le lien avec l’œuvre se produit, lorsque le spectateur recherche des expériences similaires et des similitudes avec sa réalité personnelle. Pour certains, il peut s’agir simplement d’une œuvre esthétique et belle, tandis que pour d’autres, elle peut ouvrir toute une montagne d’émotions. C’est ce qui est merveilleux dans le fait de sortir des œuvres de l’atelier : voir comment elles apparaissent différemment aux yeux de chaque individu dans la société.
Quel est votre processus de création ? Spontané ou avec un long processus préparatoire (technique, inspiration des classiques de l'art ou autres) ?
Je dis toujours que mon processus créatif commence par un croquis, mais en réalité, il commence par la recherche. Comme je l’ai mentionné plus tôt, pendant la phase de recherche, je trouve de nombreux éléments que je souhaite voir apparaître dans l’œuvre et je les note pour ensuite réaliser le croquis avec le schéma d’éclairage et la scénographie. Avec ce plan, je commence à chercher tous les accessoires dont j’ai besoin : les arrière-plans, les sols, les costumes et tous les objets qui soutiennent le message que je souhaite transmettre. Une fois le décor prêt, je fais le premier test d’éclairage et je laisse tout préparé pour la séance. Pendant la séance, je prends les photos prévues dans le croquis mais je me laisse aussi de l’espace pour expérimenter et suivre mon intuition. Parfois, avec la scène devant moi, je préfère changer la position de certains objets ou même la pose des personnages. Une fois que j’ai toutes les photographies nécessaires, je commence la post-production. C’est la partie où je me laisse le plus aller ; je dirais même que parfois j’entre dans une sorte de transe. Au final, le mouvement de mes mains lorsque je retouche les photographies avec un style pictural ne diffère pas beaucoup de l’acte de peindre ou de dessiner, et je suppose que cela me ramène à mon enfance et évoque des sentiments très positifs. L’étape finale est l’impression de l’œuvre – pour moi, le processus n’est pas terminé tant que je n’ai pas l’œuvre physique devant moi.
Utilisez-vous une technique de travail particulière ? Si oui, pouvez-vous l'expliquer ?
L'une des techniques présentes dans mon travail est l'effet pictural. Je crée cet effet aussi bien avec le maquillage qu'en postproduction. Dans le maquillage, j'utilise des ombres et des reflets pour mettre en valeur les points lumineux des visages et des corps, créant dès le départ une impression de tridimensionnalité que j'améliore ensuite avec Photoshop. Grâce à Dodge & Burn et à la séparation des fréquences, je cache ce que je ne veux pas et mets en valeur ce que je veux. L'utilisation des ombres et de la lumière m'aide à créer une texture qui rappelle la peinture classique, tout en ajoutant plus de drame et d'emphase aux lumières et aux ombres de l'image.
Avez-vous un format ou un support avec lequel vous vous sentez le plus à l'aise ? Si oui, pourquoi ?
Travailler de manière numérique me donne une liberté de création absolue. J'ai l'impression d'avoir moins de limites et la possibilité de revenir en arrière et d'apporter des modifications en cours de processus stimule ma créativité et m'encourage à expérimenter et à continuer d'apprendre.
Où réalisez-vous vos œuvres ? Chez vous, dans un atelier partagé ou dans votre propre atelier ? Et dans cet espace, comment organisez-vous votre travail créatif ?
J'ai créé des œuvres dans des espaces aussi petits qu'une pièce de 3x3 mètres, en utilisant la porte pour accrocher l'arrière-plan, et aussi grands que les pièces d'un château du XIIIe siècle dans le nord de l'Italie. C'est drôle parce que l'œuvre créée dans le plus petit espace (Censored Art - 160x110cm) a fini par être la plus grande que j'ai dans mon atelier aujourd'hui.
Ces dernières années, j'ai voyagé et déménagé plusieurs fois, donc l'espace n'a jamais été une limitation pour moi. C'est ce que j'aime dans l'art numérique : il permet de créer des univers entiers avec juste un ordinateur et une tablette graphique.
Je vis actuellement entre l'Espagne et l'Italie, j'ai donc un petit studio dans ma ville natale en Espagne, et quand je suis en Italie, je crée généralement à la maison ou au château de Monesiglio quand il est disponible.
Votre travail vous amène-t-il à voyager pour rencontrer de nouveaux collectionneurs, à l’occasion de salons ou d’expositions ? Si oui, qu’est-ce que cela vous apporte ?
Avoir l'opportunité de voyager avec mon travail est très enrichissant. Exposer dans des villes hors d'Espagne, comme Rome ou Rivoli, m'a donné de nouvelles perspectives sur le monde de l'art. Je crois que chaque culture et chaque pays ont leurs propres « filtres » lorsqu'il s'agit de valoriser l'art, et pour moi, il est très intéressant de voir comment l'opinion du spectateur change d'un pays à l'autre.
Rester dans son propre pays, c’est fermer les frontières à un public qui pourrait tomber amoureux de votre travail au premier regard.
Comment imaginez-vous l’évolution de votre travail et de votre carrière d’artiste dans le futur ?
J’imagine des œuvres plus complexes en termes de décors et de personnages. À l’avenir, je souhaite qu’il soit nécessaire de revenir deux ou trois fois pour voir l’œuvre et de retrouver des détails qui n’avaient pas été remarqués auparavant. Je souhaite que le format des photographies soit si grand qu’il donne au spectateur le sentiment d’être à l’intérieur de la scène.
De plus, j’aspire à continuer à travailler sur ma présence sur le marché international de l’art, à voyager, à participer à des expositions collectives et individuelles, à des foires d’art et à collaborer avec des galeries et des collectionneurs.
Quel est le thème, le style ou la technique de votre dernière production artistique ?
Mon dernier travail est « Le Jugement », une photographie mise en scène de 60x90 cm sur papier baryté Hahnemühle, qui parle de l'auto-jugement, de la façon dont les humains sont capables de se limiter par peur du jugement extérieur, mais en réalité, c'est l'autocritique qui les paralyse.
Il s’agit d’une pièce de style néo-baroque qui crée un sentiment de malaise dû à l’observation constante des figures sans visage entourant le personnage central.
L'image est un autoportrait créé avec un photomontage numérique, composé de 6 images maximum prises dans le même cadre et dans les mêmes conditions d'éclairage, qui ont ensuite été fusionnées dans Photoshop pour créer une pièce pleine de personnes.
Pouvez-vous nous parler de votre expérience d’exposition la plus marquante ?
L'été dernier, j'ai eu « Oscura Luce », ma première exposition personnelle en Italie, au Museo Casa del Conte Verde de Rivoli, un bâtiment du XVe siècle situé dans le centre historique de la ville. Cette exposition a marqué mon entrée sur le marché international, générant une attention médiatique importante en Italie.
Si vous aviez pu créer une œuvre célèbre dans l'histoire de l'art, laquelle auriez-vous choisi ? Et pourquoi ?
La Vocation de saint Matthieu de Caravage, qui se trouve dans l'église San Luigi dei Francesi. Je crois que cette œuvre contient deux éléments qui m'inspirent énormément : le nombre de personnages figés dans un moment précis de la scène et la grande utilisation du clair-obscur par Michelangelo Merisi. Je pense que c'est une œuvre dans laquelle on peut se perdre en regardant tous les détails et en essayant de comprendre ce que chaque personnage ressentait au moment de l'événement. J'aime le fait que dans la scène, il y ait une séparation entre les personnages et le spectateur, comme s'ils n'avaient pas conscience que nous les regardions.
Si vous pouviez inviter un artiste célèbre (vivant ou décédé) à dîner, qui serait-ce ? Comment lui proposeriez-vous de passer la soirée ?
J'aimerais rencontrer de nombreux artistes et leur poser de nombreuses questions pour apprendre d'eux, mais comme je ne peux en choisir qu'un seul ici, je choisirais Eugenio Recuenco, un photographe et artiste espagnol qui travaille à la fois avec la photographie cinématographique et picturale. Je lui demanderais d'expliquer son expérience tout au long de sa carrière de photographe créatif en Espagne.
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Magazine
