TOP 10 : œuvres inspirées de films

MIA WALLACE TOONS (2019) Peinture de Noé Pauporté (Art de Noé).

De nombreux films nous accompagnent, et j'ose même dire qu'ils s'inscrivent dans notre âme, à tel point que nous nous sentons comme certains de leurs personnages, ou que nous lions l'histoire de notre vie à leurs vicissitudes les plus complexes, recherchant par la suite la re-présentation presque compulsive des sensations inhérentes au film spécial en question, se référant à une mémoire claire et nette évoquée, ainsi que "débloquée", par le monde des images, qui nous est principalement fourni par la multiplication figurative de la photographie populaire et des affiches. Que se passe-t-il si, au lieu de l'implication des arts "mécaniques" susmentionnés, nous parlons d'un peintre qui tombe amoureux d'un film particulier, dont il "accouche" d'une version personnelle à l'huile, à l'acrylique, etc. Et si, au lieu de nous référer à la représentation plus statique et fidèle des images des affiches, nous racontions à nouveau l'histoire des films les plus célèbres, en nous référant uniquement à l'histoire plus intime révélée par le médium pictural ? Acheter une œuvre sur un film, c'est entrer en possession d'un sujet, ou d'une composition, qui a été examiné deux fois : la première fois par le réalisateur, les acteurs, les décorateurs, etc., et la deuxième fois par l'artiste lui-même, qui nous a donné l'occasion de savoir comment ses yeux, et son esprit, ont vu les images s'écouler, successivement, l'une après l'autre. C'est dans cette dernière vision que vous trouverez probablement votre interprétation la plus personnelle et la plus intime du film, celle que vous avez gardée cachée dans votre cœur, jusqu'à ce que vous la reconnaissiez dans l'art pictural. Par conséquent, mon top 10, en plus de relier le monde de l'art au monde du cinéma à travers la signification des films, vise également à vous fournir des images révélatrices, capables de vous faire réfléchir : moi aussi j'ai ressenti ce plan, cette scène ou ce geste, tel qu'il a été dépeint par l'artiste dans Artmajeur.

THE CROW (2016) Dessin par Péchane.

10. The Crow

The Crow, film réalisé en 1994 par Alex Proyas, est un film gothique bien connu, en ce sens qu'il présente un style visuel sombre, destiné à prendre forme dans une ville décadente et rongée par le crime, dans lequel le héros protagoniste est présenté comme une âme tourmentée en quête de vengeance, proposant une vision cinématographique capable, dans l'ensemble, de résumer les éléments de l'horreur, de la tragédie et de la romance. Toutes ces particularités stylistiques se retrouvent, de manière extrêmement concise et percutante, dans L'Encre de Péchane, où la seule présence isolée et intemporelle du Corbeau résume, par sa présence paranoïaque et pensive, tout le drame existentiel inhérent au protagoniste du film, culminant toutefois dans l'événement réel le plus amer qui, comme un poème d'une ironie amère, a vu l'acteur Brand Lee, mortellement blessé pendant le tournage du film en question, mettre fin à ses jours sur le plateau de tournage. Mais maintenant, je vous pose une question : comment trouver un lien, même s'il est un peu forcé, entre Le Corbeau et la plus autre des traditions picturales ? Rien de plus simple ! Il suffit de penser à la citation mythique du film : "Il ne peut pas pleuvoir éternellement", qui, bien qu'ayant une signification plus profonde, me fait penser que, dans les œuvres d'art les plus importantes, visant à immortaliser la pluie, celle-ci coulera éternellement, mouillant éternellement les visages, les mains, les cheveux et les corps des protagonistes du médium, comme elle le fait, par exemple, dans la Rue de Paris un jour de pluie (1877) de Gustave Caillebotte.

EDWARD MAINS D'ARGENT (2018) Peinture de Julie Mallard.

9. Edward aux mains d'argent

Avant de poursuivre la narration, je tiens à préciser que le classement en question est le résultat d'une recherche des œuvres les plus significatives à mes yeux, capables de résumer le sens de certains des films les plus iconiques, sans tenir compte de mes goûts personnels en matière de cinéma, même si je ne cache pas que la position numéro un représente, à toutes fins utiles, l'un des chefs-d'œuvre du cinéma auquel je suis le plus attaché. Après ce premier aveu, le second suit : les œuvres choisies démontrent également une certaine popularité, ainsi qu'une récurrence, de certains films au sein de l'art contemporain, car si pour certains films il m'a été difficile de trouver des sources iconographiques, pour d'autres le jeu a été extrêmement facile, comme pour démontrer une certaine affinité trouvée entre des sujets cinématographiques spécifiques et des supports picturaux. Je poursuis maintenant notre classement en plaçant au numéro 9 un autre film gothique, mais cette fois-ci avec un goût plus doux, féerique et moins dramatique : Edward Scissorhands, le film de Tim Burton de 1990. L'œuvre cinématographique en question, qui met en scène un personnage à l'allure grotesque, est souvent interprétée comme une lutte silencieuse contre le conformisme, car Edward, incapable de se conformer aux normes sociales et luttant constamment pour s'adapter, représente une métaphore de l'expérience de ceux qui se sentent aliénés de leur communauté. Ces thèmes culminent, à travers la figure d'outsider du protagoniste, dans la recherche humaine, ainsi que dans le besoin d'acceptation, de compagnie et de connexion humaine, stimulant une réflexion intime, visant à proposer l'attitude la plus positive et la plus tolérante d'acceptation de la différence. C'est précisément cette dernière bonne intention qui se concrétise dans l'amour, un sentiment sans limites qui s'épanouit, comme le montre l'œuvre romantique de l'artiste d'Artmajeur, entre Edward et Kim. Enfin, en matière d'histoire de l'art, comment ne pas penser aux monstres représentés par Hieronymus Bosch ? Bien que ceux-ci, plutôt que de suggérer l'entraide entre humains, ont souvent été interprétés comme une dénonciation ouverte, ou plutôt malveillante, de la décadence et de la corruption morale de la société de l'époque, fortement perçue par le maître flamand.

VOUS AVEZ CONTRÔLÉ VOTRE PEUR (2022) Peinture d'Esteban Vera.

8. Star Wars

Star Wars, franchise créée par George Lucas, développée à partir d'une saga cinématographique débutée en 1977, recèle, dans le récit plus classique du voyage du héros, centré principalement sur la lutte éternelle entre le bien et le mal, de multiples thèmes dont, par exemple, le pouvoir de l'amitié, les dangers de l'ambition et de la cupidité, ainsi qu'une allusion probable aux pièges du totalitarisme et à l'importance qui en découle de s'opposer à la répression. L'ensemble est constamment imprégné de l'importance du sacrifice personnel, censé se dérouler dans un contexte galactique maintenu par une énergie mystique, ou force, qui peut être utilisée à la fois pour le bien et pour le mal. Les plus religieux verront dans cette présence plutôt "ésotérique" une pseudo-manifestation de la nature divine, que, par exemple, Salvador Dali a également explicitée à sa manière dans La main de Dieu (1982), un tableau représentant une main gigantesque qui, privée ou non de son corps, émerge d'un paysage rocheux en tenant une sphère dorée voyante, destinée à briller d'une lumière éclatante, faisant allusion à l'extrême confiance que le maître espagnol plaçait dans le pouvoir divin. En revanche, plutôt que la présence salvatrice de Dieu, le portrait de Dark Vador, personnage du film susmentionné dans lequel se synthétisent et se résument probablement toutes les forces néfastes susmentionnées, est plutôt commercial.

JANET LEIGH DANS LE FILM PSYCHO D'ALFRED HITCHCOCK (2019) Peinture d'Alejandro Cilento.

7. Psycho

L'hyperréalisme d'Alejandro Cilento nous prend par la main pour nous conduire, accompagné d'un "son de klaxon", dans une scène bien connue du film Psyco d'Alfred Hitchcock, qui, en nous montrant un gros plan de Marion Crane, interprétée par Janet Leigh, saisit le personnage en train de conduire sa voiture sur une route déserte, capable, si l'imagination le permet, de nous conduire jusqu'au final iconique du film : le très gros plan de Norman Bates, interprété par Anthony Perkins, dont le visage s'estompe pour révéler les traits d'un crâne, puis se détache sur la voiture de Marion Crane, qui est extraite du marécage dans lequel elle était cachée. Une telle image, d'un point de vue psychanalytique, nous conduit à l'inconscient freudien, visant à amener Norman à s'identifier à sa mère décédée, figure envers laquelle il nourrit une véritable sujétion psychologique, cause du développement de sa double personnalité, qui, en perpétuel conflit, est à l'origine d'un violent trouble dissociatif de l'identité. Sans rien gâcher du film, déjà largement dévoilé, tentons une juxtaposition de ce dernier avec le monde de l'histoire de l'art, au sein duquel, un courant en particulier s'est montré très intéressé par la re-proposition, principalement en termes picturaux, des principes du psychanalyste autrichien susmentionné : le Surréalisme. Ce dernier mouvement d'avant-garde a été fortement influencé par les idées de la psychanalyse de Sigmund Freud, au point d'y reconnaître un moyen efficace d'exploration de l'esprit humain, capable de révéler des vérités cachées à dévoiler également à travers la création d'œuvres d'art chargées de sens.

CONDUCTEUR DE TAXI ! (2018) Peinture de Secam.

6. Taxi driver

Le gros plan de Robert de Niro, les citations de phrases du film et le titre du film apparaissent à l'unisson sur la toile de Secam, la transformant en une célébration claire de l'un des films les plus connus. Mon hypothèse est étayée par les propres déclarations de l'artiste dans Artmajeur, qui dit de son œuvre : "hommage à Robert de Niro dans Taxi driver". Pourquoi Secam a-t-il été si attiré par ce film ? Quelles significations cachées dissimule-t-il, mais qu'envoie-t-il en réalité au spectateur ? Le film de Martin Scorsese, daté de 1976, raconte l'histoire d'un chauffeur de taxi new-yorkais perturbé et solitaire qui se détache de plus en plus de la réalité à mesure qu'il s'enfonce dans un monde de violence, au point d'entraîner le spectateur dans les thèmes de l'aliénation, de la solitude et de la maladie mentale, interprétés par certains comme un commentaire silencieux sur les questions sociales et politiques de l'époque, notamment le délabrement urbain, la corruption et la guerre du Viêt Nam. En ce qui concerne l'histoire de l'art, l'aliénation et la maladie mentale font certainement partie de la recherche artistique de Théodore Géricault, dont le Cycle des aliénés, datant de 1822-23, fait apparaître sur la toile une réalité intérieure déviante, visant à démontrer que la folie était en fait une maladie dont ceux qui en souffraient portaient les marques sur leur visage.

ALEX (2016) Arts numériques par Clément Delerot.

5. Une orange mécanique

Alex DeLarge, le personnage excentrique et asocial de Clément Delerot, tourne vers nous son regard dérangé le plus emblématique, assumant sa propre ressemblance à travers la répétition de petits "labyrinthes" de lignes qui, à partir des couleurs "mécaniques" de l'art numérique, se multiplient de manière disproportionnée sur sa personne, construisant ses traits avec complexité et répétition ingénieuse. Le sujet en question est le protagoniste d'Orange mécanique, le film de Stanley Kubrick sorti en 1971, qui, basé sur le roman du même nom d'Anthony Burgess, explore les thèmes du libre arbitre, de la violence et des conséquences du contrôle sociétal. L'une des scènes où ces thèmes culminent est la scène du viol, dans laquelle Alex et sa bande agressent et violent une femme tout en chantant et en dansant sur de la musique classique. Dans ce contexte, l'allusion à la décadence morale et à la violence de la société atteint les sommets les plus absolus, qui sont répétés, de manière similaire mais résolument plus douce, dans certaines œuvres d'art traitant du même thème, dont, par exemple, Le viol des Sabines de Giambologna (1580-83), une sculpture de la Loggia dei Lanzi (Florence), destinée à immortaliser un épisode de l'histoire romaine antique, connu sous le nom de Viol des Sabines, selon lequel Romulus, roi et fondateur de la ville, aurait fait enlever les Sabines pour que les Romains aient quelqu'un avec qui procréer.

DOLCE VITA (2020) Photographie par Anna Sowinska.

4. La dolce vita

"Marcello, viens ici" : ces mots iconiques, prononcés par une version moderne plutôt procubescente d'Anita Ekberg, résonnent dans nos têtes lorsque nous regardons la cinématographie d'Anna Sowinska, qui repropose, même dans son titre, une allusion claire à La dolce vita de Fellini, un film de 1960 célèbre principalement pour le charme de ses deux protagonistes, plutôt que pour ses significations plus profondes, qui, selon les critiques, reproduirait un portrait satirique et cynique de la décadence et de la déchéance morale de la société italienne de l'après-guerre, en particulier à Rome. Cette perte de valeurs est mise en scène dans des séquences surréalistes et oniriques qui explorent également les thèmes de l'aliénation et de la crise existentielle, devenant ainsi une mise en garde contre la superficialité, qui doit être remplacée par quelque chose de plus significatif. Si ce discours vous semble plutôt d'actualité, il est peut-être plus éloigné de l'insouciance, voire de la superficialité, du Pop art italien de l'époque, bien illustré par le travail de Mimmo Rotella, qui, dans ses célèbres dècollages de personnalités connues, a également réinterprété le charme éternel de Mastroianni et d'Anita Ekberg.

FIGHT CLUB (2023) Peinture de Salomé Pérignon.

3. Fight Club

"Tous les passants le regardaient d'une manière si étrange et singulière et il sentait qu'ils le regardaient ainsi, qu'ils le fixaient, tous ces visages, pâles dans la lumière du soir ; il voulait fixer une pensée mais il ne pouvait pas, il avait le sentiment que dans sa tête il n'y avait rien d'autre que du vide... son corps était secoué par des tremblements, la sueur coulait sur lui". C'est en ces termes qu'Edvuard Munch décrivait son expérience de l'aliénation, résumée, picturalement parlant, dans des œuvres telles que Soirée sur l'avenue Karl Johan, dont les personnages vêtus de noir et aux visages d'une blancheur terrifiante semblent se répandre dans la rue comme des fantômes, pour se diriger vers le spectateur, qui préférerait fuir. Et si cette foule n'existait pas et n'était que la projection de nos peurs et de nos besoins ? C'est ce que nous ressentons lorsque notre perception est remise en question, comme dans le cas du double portrait de Salomé Pérignon des deux protagonistes du film Fight Club (1999), dans lequel la frontière entre la réalité et l'imagination devient souvent de plus en plus floue, à tel point que le public se demande si Tyler Durden, ou plutôt le Brad Pitt de la situation, existe vraiment ou n'est qu'une projection du subconscient de l'ego du narrateur, incarné par Edward Norton.

PULP FICTION INSPIRÉ PAR BANKSY, LOVE AND POPART (2022) Peinture d'Antoni Dragan.

2. Pulp-fiction

"Ezéchiel 25:17 : Le chemin de l'homme juste est menacé de toutes parts par la méchanceté des égoïstes et la tyrannie des méchants". Ce sont les mots prononcés dans Pulp fiction par Jules Winnfield, un Samuel L. Jackson qui, tenant une banane dans son poing, tel que représenté dans l'œuvre d'Antoni Dragan, arracherait un rire joyeux plutôt qu'une larme de terreur. Plus sérieusement, ou peut-être pas, on peut imaginer Raphaël Sanzio prononçant la même citation, juste avant de prendre son pinceau et de donner vie à la Vision d'Ezéchiel (vers 1517-1518), un panneau qu'il a peint dans le respect de l'œuvre de l'artiste. ), un panneau qu'il a réalisé en référence à un épisode du Livre d'Ézéchiel, dans lequel le Père éternel lève les bras en signe de bénédiction, soutenu par deux anges, l'aigle, le bœuf et le lion, symboles des évangélistes Jean, Luc et Marc, tandis que Matthieu apparaît sous les traits de l'ange élégamment vêtu. Outre le ciel, peuplé de têtes d'anges, et le paysage de terre et de mer que l'on aperçoit au loin, il convient de souligner que ce chef-d'œuvre, vraisemblablement de la période romaine du maître, a été exécuté à une époque où celui-ci avait l'habitude de confier d'importantes commandes à ses collaborateurs les plus talentueux, au point que certains spécialistes ont parfois remis en question l'attribution à Raphaël lui-même.

LE PARRAIN - BONASERA (2022) Peinture de Jamie Lee.

1.Le parrain

Et le gagnant est : Le Parrain ! Laissant de côté mes origines italiennes, l'œuvre pop de Jamie Lee reproduit, dans le format et les particularités stylistiques de la bande dessinée, la scène d'ouverture emblématique du Parrain, dans laquelle Marlon Brando, dans le film Don Corleone, reçoit Amerigo Bonasera dans son "bureau", mettant en évidence certains concepts fondamentaux de la mentalité mafieuse : le respect, l'honneur, la loyauté et l'échange silencieux de faveurs. Le film explore également les thèmes du pouvoir, de la famille, de la loyauté, de la violence et de la corruption, et dresse un portrait nuancé de l'expérience italo-américaine dans les États-Unis du milieu du XXe siècle. C'est à ce moment-là qu'intervient l'histoire de l'art, qui vise à raconter l'équilibre précaire existant entre le pouvoir et le compromis, comme dans le cas de Gaspare Mutolo, d'abord mafioso, puis collaborateur de la justice, qui est également devenu peintre. Celui que l'on appelle le "Picasso de la mafia" a commencé à aborder l'art en prison, lieu à partir duquel sa passion figurative s'est exprimée pour raconter, à travers des références même flagrantes, l'histoire de la mala vita italienne, abordée avec une approche de dénonciation mêlée à un probable désir d'expiation. Dans ce contexte, le phénomène mafieux est raconté à travers des symboles, à tel point que les associations criminelles prennent souvent l'aspect de pieuvres insidieuses, dont les tentacules renvoient aux liens et aux affiliations de l'organisation criminelle la plus connue au monde.