CERCLE 3 (2021)Collages de Morgan Paslier.
10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1...
10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1 : par le biais de cette apothéose numérique qui porte le nom de top 10, visant à placer les collages les plus pertinents de l'histoire de l'art les uns après les autres, par ordre de pertinence, je souhaite rapprocher le lecteur de la connaissance d'une technique artistique qui est souvent mise de côté face à la peinture, la sculpture et la photographie plus populaires. Ainsi, poursuivant cette intention à but purement didactique, je me propose d'introduire de manière appropriée ma sélection minutieuse, en illustrant brièvement les origines et les spécificités du collage, afin de permettre au lecteur de mieux apprécier ce mode d'exécution des œuvres, obtenu par la superposition de papiers, de photographies, d'objets, de coupures de journaux, de revues, etc. qui sont collés sur un support, qui peut être de différents types, mais généralement rigide. Du point de vue de l'histoire de l'art, cette technique est née au début du XXe siècle, période au cours de laquelle elle a été exploitée pour la réalisation de nombreux chefs-d'œuvre d'avant-garde, créés avant tout par les maîtres cubistes Picasso et Braque et, par la suite, par les représentants du futurisme et de l'abstractionnisme géométrique, ainsi que par les assemblages plus complexes du néo-Dada, du surréalisme, du pop et du nouveau réalisme. C'est pourtant ce que racontent les livres d'art occidentaux eurocentrés, qui omettent souvent d'expliquer qu'en réalité, le collage a été utilisé dès l'invention du papier, c'est-à-dire en Chine en 200 avant J.-C. et, à partir du Xe siècle, par les calligraphes japonais, qui ont commencé à appliquer des papiers collés, avec des textes en surface, pour écrire leurs poèmes. Néanmoins, c'est certainement au monde occidental que l'on doit l'invention du photomontage, c'est-à-dire du collage à partir de photographies, technique dont Richard Hamilton est, aujourd'hui encore, l'un des plus grands représentants. Quoi qu'il en soit, il convient de souligner que d'autres méthodes de combinaison d'images sont également appelées photomontage, telles que l'impression victorienne, l'impression de plusieurs négatifs sur une seule feuille de papier d'impression, la projection frontale et les techniques de montage par ordinateur. Après cette brève "leçon", nous arrivons au moment fatidique, car, maintenant chargé de notions, je vous laisse contempler, et comprendre, mon top 10 de la technique en question...
CONFINEMENT (2020) Collages d'Emily Coubard (Mil.)
Annegret Soltau (Autoportrait).
10. Annegret Soltau (Autoportrait)
Mon top 10 commence avec Annegret Soltau, une artiste visuelle allemande dont le travail, principalement axé sur l'art du photomontage, ayant pour sujet le corps et le visage humains cousus ou reliés avec du fil noir, a marqué un tournant dans l'art des années 1970 et 1980. L'autoportrait de Soltau que j'ai choisi pour illustrer cette sélection est un résumé de plusieurs concepts clés qui ont été répétés dans l'œuvre de l'artiste, comme, par exemple, la combinaison de l'idée de la ligne, rendue par des fils, avec celle de la figure humaine, dans ce cas personnifiée par Annegret elle-même. En outre, cette combinaison conduit à la création d'œuvres dans lesquelles le sujet, attaché avec les fils de soie noirs susmentionnés, génère une sorte d'"autoportrait", capable dans ce cas de réunir deux âges très distincts de la vie de l'artiste, qui se manifestent à la fois dans sa jeunesse et dans sa maturité. De cette manière, Annegret écrit également son histoire très personnelle en tant que femme, destinée à faire allusion, à travers les fragments de sa figure, aux conflits qui animent la position marginale du "beau sexe" dans le contexte social, ainsi qu'aux pressions et à la discrimination fondées sur le genre. Enfin, en juxtaposant les deux versions d'elle-même, elle parvient à mettre en évidence les changements physiques et psychologiques auxquels l'individu est naturellement confronté au cours de son existence.
Hannah Höch, Coupe au couteau de cuisine dans la dernière époque culturelle de l'Allemagne, celle de la grosse bedaine weimarienne , 1919–1920. Collage. Berlin : Nationalgalerie, Staatliche Museen zu Berlin.
9. Coupe au couteau de cuisine dans la dernière époque culturelle de l'Allemagne, celle de la grosse bedaine weimarienne (1919-1920)
Au neuvième rang, nous trouvons une autre femme, Hannah Höch, une artiste dada allemande née en 1978, connue pour ses collages et photomontages politiques pionniers, construits en utilisant et en combinant des images et des textes issus des médias de masse, dans le but d'expliciter une critique culturelle des échecs de la République de Weimar et des rôles socialement construits des femmes. Il convient de souligner que ses œuvres n'expriment pas seulement les opinions personnelles de l'artiste, mais qu'elles donnent également voix à une idéologie partagée par une grande partie du peuple allemand de l'époque, souvent animé par cet esprit rebelle et critique qui caractérise la période de l'entre-deux-guerres, perçue par beaucoup comme le début d'une nouvelle ère, dans laquelle l'avant-garde se chargeait d'expliciter le mécontentement. En ce qui concerne le chef-d'œuvre choisi pour illustrer ma classification, Coupe au couteau de cuisine dans la dernière époque culturelle de l'Allemagne, celle de la grosse bedaine weimarienne, il représente parfaitement les caractéristiques stylistiques et les idéaux de l'artiste décrits ci-dessus, puisque l'œuvre la plus célèbre de Höch en poursuit l'intention, L'œuvre la plus célèbre de Höch poursuit l'intention, à travers ses techniques synthétiques d'assemblage de coupures de journaux, de remettre en question les codes racistes et sexistes qui régissaient l'Allemagne de Weimar, en rendant explicite l'expérimentation d'une forme d'art capable de démontrer comment la créativité elle-même peut être incorporée dans la dynamique de la vie moderne quotidienne.
John Stezaker (Portrait de la couverture de la monographie de la Whitechapel Gallery)
8. John Stezaker (Portrait de la couverture de la monographie de la Whitechapel Gallery)
Ayant atteint la huitième position, je voudrais profiter de cette occasion pour clarifier la manière dont, au cours de la rédaction de ce top 10, je me suis souvent retrouvé à chercher désespérément les titres des œuvres en question, à tel point que, ne parvenant souvent pas à les trouver, je n'ai indiqué que le type de sujet représenté entre parenthèses, démontrant involontairement ce que j'avais prévu dans l'introduction, à savoir la moindre popularité de la technique du collage et l'accès limité à l'information pertinente qui en découle. Après avoir clarifié cet aspect, je présenterai brièvement la figure de John Stezaker, un artiste conceptuel britannique né en 1949, connu pour ses créations au ton surréaliste, souvent réalisées à l'aide de la technique du collage, avec pour sujet des images tirées de cartes postales, d'images fixes de films et de photographies publicitaires. Cette méthode de travail a principalement visé à créer des compositions illustrant des portraits glamour des années 1950, incluant parfois la présence de stars hollywoodiennes, qui ont été mélangées avec des images de paysages, dont l'effet perturbateur peut être observé, par exemple, dans le collage choisi comme couverture de la monographie de la Whitechapel Gallery (2011), où une figure féminine est interrompue, au niveau des yeux, par la présence d'une perspective rocheuse.
7. Eileen Agar, Pierres précieuses (1936)
Pierres précieuses, une œuvre de la photographe et peintre britannique Eileen Agar, capture la silhouette d'un visage masculin de profil, qui apparaît collée sur une feuille de papier blanc, où elle est à son tour encadrée par la présence d'un troisième support, qui donne lieu à une bordure rouge entourant l'image. Pour revenir au sujet principal, la figure en question a été découpée dans un livre illustrant certaines pierres précieuses, dont le quadrillage précis contraste avec le contour partiellement arbitraire de l'effigie, reflétant les tendances surréalistes de l'artiste, qui s'est souvent exprimée par le biais de la technique du collage. En outre, indépendamment des descriptions susmentionnées, l'œuvre est également importante parce qu'elle constitue l'une des premières œuvres d'Agar à inclure l'image d'une tête et d'un buste de profil, un sujet qui deviendra par la suite assez récurrent pour l'artiste. Toutefois, dans le cas précis de cette œuvre, il est important de souligner que le visage masculin a été en partie modelé sur celui du mari d'Eileen, Joseph Bard, qui, et ce n'est pas un hasard, était lui-même un collectionneur passionné de pierres précieuses. Enfin, une autre source d'inspiration pour la création de Precious Stones a certainement été les pièces de monnaie anciennes, dont les portraits de profil sont maintenant rendus d'une manière nettement plus ludique, naïve et imaginative.
Mimmo Rotella, Euromsa, 1963. Décollage.
6. Mimmo Rotella, Pepsi (1979)
Un fragment de publicité Pepsi de la fin des années 1970, collé sur un support, ou peut-être " arraché " à celui-ci, nous plonge au cœur du Nouveau Réalisme de l'époque, mouvement contemporain du Pop art américain, souvent conçu comme sa transposition en France, dont Mimmo Rotella lui-même fut le principal représentant italien. L'œuvre de ce dernier se concentre précisément sur l'exploration de la technique du décollage qui, chère à la démarche artistique susmentionnée, s'accompagne d'assemblage et de ready-made, réalisés avec des objets achetés chez des brocanteurs, tels que des capsules de bouteilles, des cordes, etc. Tout cela rappelle les objets quotidiens et usuels du Pop Art contemporain, bien qu'à partir du début des années 1970, l'artiste, comme dans le cas de Pepsi, ait commencé à développer un autre point de vue, en commençant à intervenir sur des publicités de magazines à l'aide de solvants, afin de les réduire au stade du frottage ou de les effacer.
Richard Hamilton, Qu’est-ce-qui rend nos foyers d’aujourd’hui si différents, si attirants ?, 1956. Collage, 26 cm × 24,8 cm. Kunsthalle Tübingen, Tübingen.
5. Richard Hamilton, Qu’est-ce-qui rend nos foyers d’aujourd’hui si différents, si attirants ? (1956)
En cinquième position, j'ai placé une icône de la technique du collage, car Qu’est-ce-qui rend nos foyers d’aujourd’hui si différents, si attirants ? est considérée par de nombreux critiques et historiens de l'art comme la première œuvre Pop de l'histoire ! Ce chef-d'œuvre a été créé en combinant des coupures de photos et des images de la presse américaine, donnant vie à un intérieur de maison bizarre, où sont disposés de nombreux objets et quelques personnages, dont les traits du bodybuilder à moitié nu, le logo Ford placé sur un abat-jour, la silhouette d'une pin-up allongée sur un canapé, l'image d'une femme au foyer au loin, une bande de BD Young Romanca placée sur le mur, etc. Si nous imaginons ce que nous venons de décrire en couleur, il est important de savoir que l'œuvre a été créée pour le catalogue de l'exposition londonienne This is Tomorrow, un événement pour lequel elle a en fait été publiée en noir et blanc, à tel point que plus tard, Hamilton a également créé plusieurs versions du même sujet, dans lesquelles il a retravaillé la composition.
Beeple, Everydays: the First 5000 Days , 2021. Art numérique.
4. Beeple, Everydays: the First 5000 Days (2021)
La quatrième position nous parle du photomontage dans sa variante réalisée à l'aide de la technologie informatique, l'instrument avec lequel Everydays : the First 5000 Days a pris vie, un collage numérique visant à juxtaposer 5000 images représentant des thèmes et des couleurs récurrents, capables de créer un ensemble esthétique qui, organisé dans l'ordre chronologique, révèle la présence d'images abstraites, fantastiques, grotesques et absurdes, habilement placées à côté d'événements d'actualité, ainsi que de moments de la vie personnelle. Ce qui vient d'être décrit interprète la peur la plus sincère de la technologie, le désir et le ressentiment envers la richesse, ainsi que l'agitation politique de l'Amérique, que l'artiste a reconnus comme les principaux fléaux de la société. Enfin, il est impératif de savoir que ce collage a été placé près du podium car il a connu un succès emblématique, son NFT ayant été vendu 69,3 millions de dollars chez Christie's en 2021, devenant ainsi le jeton non fongible le plus cher de tous les temps. À propos du créateur, Michael Joseph Winkelmann (né en 1981), connu sous le nom de Beeple, est un artiste numérique, graphiste et animateur américain, dont l'art utilise divers supports pour créer des œuvres comiques et fantasmagoriques visant à expliciter des commentaires politiques et sociaux, en utilisant souvent des personnages de la culture pop comme références.
Man Ray, Dora Maar , 1936.
3. Man Ray, Dora Maar (1936)
Impossible d'oublier le surréaliste Man Ray, surtout si le sujet de son collage daté de 1936 est précisément Dora Maar, photographe, poète et peintre française d'origine croate, qui, connue pour sa longue relation avec Pablo Picasso, a souvent été immortalisée par le photographe américain, qui jouait avec la féminité, les formes et les expositions multiples. C'est précisément à travers cette dernière approche du sujet que l'image du photographe à succès susmentionné a été capturée. D'abord formée à la peinture dans l'atelier d'André Lothe, elle devient ensuite, au début des années 1930 et sous l'influence de Man Ray, une amoureuse de l'objectif, connue pour ses techniques inhabituelles et fascinantes, qui lui permettent d'explorer des voies artistiques alternatives, telles que le cinéma, la photographie urbaine et la photographie de mode. Pablo Picasso, quant à lui, a certainement été impressionné par Maar en tant que modèle, à tel point qu'avant même de la rencontrer en personne, il a insisté pour que Ray réalise un portrait d'elle et a ensuite voulu l'immortaliser lui-même, à tel point qu'elle est devenue le sujet de certains de ses chefs-d'œuvre les plus connus, dont, par exemple : Portrait of Dora Maar (1937) et The Weeping Woman (1937). Malheureusement, cette dernière œuvre révèle toute la fragilité de la femme, dépeinte comme une figure tourmentée capable de se transformer en personnification de la douleur. Malgré cela, l'artiste espagnol a admis que c'est la mélancolie de Dora qui lui a fourni une inspiration digne de ce nom, capable de créer des figures féminines émotionnellement puissantes, parfois même représentées en larmes.
Georges Braque, Le quotidien , 1913. Craie, fusain, collage, papier, 74 x 106. Paris : Centre Pompidou.
2. Georges Braque, Le quotidien (1939)
Au début des années 1900, des artistes tels que Braque et Picasso ont commencé à utiliser une méthode appelée collage pour créer des œuvres d'art novatrices : c'est principalement pour cette raison que l'un des deux pères occidentaux de la technique artistique en question, à savoir Braque, est placé sur la deuxième marche du podium avec son Violon et Pipe de 1913, une œuvre qui fait partie d'une série de papiers collés, dans laquelle l'artiste français met l'accent sur la double lecture du tableau et de la peinture elle-même. Cette approche figurative est le résultat de l'investigation artistique menée par le cubisme synthétique sur le thème de la nature morte qui, dans ce cas précis, est composée de journaux, de papiers peints imprimés découpés et collés, de fusain, de mine de plomb et de pastel sur papier monté sur carton, support sur lequel un violon et une pipe prennent vie, interprétés dans une tonalité parfois presque abstraite. Au-delà du chef-d'œuvre, il convient de souligner comment Braque a utilisé la technique du collage pour développer une conscience de l'interaction de la forme et de la couleur au niveau pictural, donnant l'exemple à d'autres maîtres tels que Jim Dine et Wayne Thiebaud.
Pablo Picasso, Guitare et verre de vin , 1912.Collage, 47,9 × 37,5 cm. New York : MET.
1. Pablo Picasso, Nature morte à la chaise cannée (1912)
La première place revient au collage le plus ancien de l'histoire de l'art occidental : Nature morte à la chaise cannée, un chef-d'œuvre daté de 1912, visant à immortaliser la surface d'une table ovale, recouverte d'une découpe de toile, dans laquelle se trouvent divers objets, également créés grâce à l'utilisation de toile cirée, de papier et de corde sur toile. Au-delà de la technique, cette œuvre est également importante car c'est elle qui marque l'avancée du processus d'affirmation du cubisme synthétique qui, après l'analytique, voit l'artiste s'efforcer de créer une synthèse des plans, en les représentant sur un seul niveau de la toile, réduisant les mouvements à l'unique instant représenté. Pour en revenir enfin à la description de l'œuvre, dans le collage susmentionné, une corde apparaît au spectateur comme une corniche, tandis qu'un fragment de roseaux re-propose l'image d'une chaise empaillée, sujet à côté duquel l'artiste place d'autres objets à peine évoqués, parfois fragmentés, comme s'il voulait les évoquer, ou leur donner une représentation illusoire, plutôt que de les décrire en s'en tenant à la donnée réelle, aujourd'hui dépassée. Mais en même temps, pour ne pas tomber dans l'abstractionnisme, Pablo a introduit les caractères JOU, qui renvoient à la fois au mot journal et au mot jeu, concrétisant l'intention de l'artiste de mélanger les sens, montrant la différence fugace entre la réalité et la représentation.
Olimpia Gaia Martinelli
