Top 10 : chefs-d'œuvre de la peinture espagnole

Pablo Picasso, Portrait de Dora Maar , 1937. Huile sur toile, 92×65 cm. Musée national Picasso, Paris.

Grands maîtres et grands chefs-d'oeuvre...

L'histoire de la peinture espagnole peut être racontée en se référant aux périodes les plus importantes qui ont marqué son développement et son évolution, comme le gothique, le maniérisme, le siècle d'or et le XXe siècle. Ces époques peuvent également être interprétées comme un déversement progressif de l'inspiration du pays susmentionné, car si, à l'époque gothique, elle a reproduit presque passivement les caractéristiques stylistiques françaises et italiennes et, à l'époque de la Renaissance et du maniérisme, elle a pris le Bel Paese et les Pays-Bas comme modèles, Ce n'est que plus tard, et donc avec l'Espagne du Siècle d'or et du XXe siècle, que s'est matérialisée l'existence d'une langue purement espagnole, exprimée par la présence de maîtres de renommée internationale tels que El Greco, Diego Velázquez, Francisco Goya et, plus tard, Pablo Picasso, Salvador Dali, Miró, etc. Toutes ces personnalités étaient essentiellement indépendantes d'une multitude de représentants d'un même mouvement, tendance ou courant artistique pour être principalement liées à l'expression d'un pays spécifique, comme l'ont été, par exemple, la Renaissance pour l'Italie et l'Impressionnisme pour la France. Si l'on prend l'exemple de Dali, comme on pourrait le faire pour Picasso, il a été le seul Espagnol extrêmement populaire à faire partie du surréalisme, mais sa présence a été d'une extrême importance pour le mouvement, à tel point qu'il a pu transmettre universellement les valeurs de la culture espagnole grâce à son rôle prépondérant au sein de la "tendance" susmentionnée. Par conséquent, nous pourrions également dire que l'art espagnol, plutôt que d'être constitué de mouvements et de courants, est composé de personnalités influentes et individuelles qui, avec des caractéristiques stylistiques claires, ont guidé à elles seules l'expression entière d'un pays dans le monde entier. Cela confère à mes dix premiers tableaux le rôle de guide, dans le cadre d'un véritable récit de l'histoire de l'art espagnol composé principalement de grands maîtres et de grands chefs-d'œuvre.

Top 10

Juan Gris, Portrait de Picasso , 1912.

10. Juan Gris, Portrait de Picasso (1912)

En dixième position, j'ai choisi de mettre en lumière l'œuvre de Juan Gris, peintre espagnol et représentant du cubisme, connu, entre autres, pour son célèbre Portrait de Picasso, un chef-d'œuvre datant de 1912, dans lequel le maître madrilène immortalise l'un des artistes les plus importants du XXe siècle, en faisant appel à son cubisme intégral distinctif, c'est-à-dire un style individuel caractérisé par la fracturation la plus régulière des formes, où les figures géométriques sont liées à des structures diagonales, dans le but de créer des apparences presque cristallines. En ce qui concerne la relation entre les deux peintres, Gris est arrivé à Paris en 1906, où il a rencontré Picasso et Braque, se joignant au développement du courant cubiste, qui l'a identifié, six ans plus tard, comme un disciple de Pablo. En fait, le point de vue de Juan s'inspire du cubisme analytique de l'Andalou, en se référant à sa déconstruction et à son point de vue simultané sur les objets, mais avec une géométrie plus systématique et cristalline, rendue, dans le portrait en question par une tête fragmentée, où le cou et le torse sont décomposés en différents plans et formes géométriques simples, organisés dans une structure de composition régie par des diagonales, le tout rendu explicite par l'utilisation d'une palette de tons froids, bleus, bruns et gris. Enfin, les caractéristiques stylistiques du Portrait de Picasso donnent naissance à une œuvre destinée à immortaliser le peintre représenté, puisque le sujet tient une palette dans ses mains, un détail qui, tout comme l'inscription "Hommage à Pablo Picasso", suggère clairement l'estime que Gris porte à l'innovateur du cubisme par excellence.

Joan Miró, Carnaval de l'Arlequin , 1924/1925. Huile sur toile, 66 cm × 90,5 cm. Albright–Knox Art Gallery, Buffalo, New York.

9. Joan Mirò, Carnaval d'Arlequin (1924-25)

La toile de Joan Mirò, datée entre 1924 et 1925, est occupée par une multitude de figures hybrides et festives qui, mi-humaines, mi-animales, sont parfois anthropomorphisées, car elles possèdent des parties anatomiques humaines, associées par l'Espagnol à des formes d'objets. Cette atmosphère insouciante invite le spectateur à se perdre dans la fête, lui suggérant même de prendre le temps d'imaginer une mélodie, qui sert de toile de fond à la vivacité des figures. D'un point de vue purement historique, l'œuvre s'inscrit dans la période surréaliste de Mirò, en particulier avant le moment où Breton rédige le manifeste du mouvement, bien que dans le chef-d'œuvre de Joan l'automatisme psychique promu plus tard par le poète français susmentionné soit déjà bien établi. En effet, Le Carnaval d'Arlequin donne forme aux visions fantastiques et surréalistes de l'imagination, que l'artiste veut extérioriser en les associant à un élément de la réalité, qui, prenant un autre sens, se transforment, donnant lieu à de nouvelles interprétations visionnaires. En ce sens, il convient de préciser que ce qui a été rendu par le peintre est la dimension de l'inconscient, souvent racontée à travers la représentation d'un escabeau qui, récurrent dans l'œuvre du maître et également présent dans le tableau en question, représente un tremplin, visant à partir de la réalité pour aller au-delà, c'est-à-dire vers la fantaisie.

El Greco, L'enterrement du comte d'Orgaz , 1586. Huile sur toile, 480×360 cm. Église Saint-Thomas, Tolède.

8. El Greco, L'enterrement du comte d'Orgaz (1586)

Mon top 10 n'aurait pas été crédible, dans sa fonction de synthèse des figures clés de l'art espagnol, s'il n'avait pas mentionné le Greco, peintre, sculpteur et architecte grec, et l'une des figures les plus importantes de la Renaissance espagnole, souvent considéré comme le premier maître du Siècle d'or. Le chef-d'œuvre en question, l'Enterrement du comte d'Orgaz, daté de 1586, représente de manière allégorique l'événement explicité par le titre lui-même, le sujet principal étant le défunt seigneur de la ville d'Orgaz, qui a été miraculeusement enterré par saint Étienne et saint Augustin, descendus du ciel exclusivement pour l'occasion. Ce thème, inspiré d'une légende du début du XIVe siècle, a été rendu par le peintre dans le respect du contrat passé avec l'église paroissiale de Santo Tomé à Tolède (Espagne), où le tableau est encore conservé aujourd'hui. Cependant, malgré l'exécution fidèle des demandes des mécènes, le Greco a introduit quelques éléments de modernisation, tels qu'une série d'éléments attribués à un cortège funèbre coutumier du XVIe siècle, les vêtements des deux saints, ainsi que la représentation d'éminentes personnalités tolédanes de son époque. Ce mode d'interprétation devait servir l'objectif purement didactique de l'huile qui, conformément aux doctrines de la Contre-Réforme, cherchait à promouvoir la vénération des saints et les bonnes actions pour le salut de l'âme.

Francisco Goya, Saturne dévorant un de ses fils , 1821-1823. Murale technique mixte transférée sur toile, 143,5 cm × 81,4 cm . Musée du Prado, Madrid.

7. Francisco Goya, Saturne dévorant un de ses fils (1821-1823)

Le chef-d'œuvre réalisé entre 1821 et 1823 offre une vision macabre : Saturne mord le corps de son fils comme s'il s'agissait d'une proie animale, qui, en partie couvert de ruisseaux de sang, apparaît maintenant privé de sa tête, tandis que le bras gît dans la bouche du père, le tout entouré d'un fond indéfini et sombre, qui fait de l'acte extrême le centre de l'attention. En ce qui concerne l'interprétation de cette composition glaçante, qui fait partie du cycle des Peintures noires, œuvres que l'artiste a créées pour les murs de sa propre maison sur les rives du Manzanares (Madrid), elle pourrait évoquer à la fois le conflit entre la jeunesse et la vieillesse, où le temps semble tout dévorer, et la personnification de l'Espagne de l'époque, un pays capable de manger ses enfants à travers des guerres acharnées, des révolutions et de l'absolutisme. À cela s'ajoute une autre signification attribuable au chef-d'œuvre, qui est simplement liée à une volonté plus évidente de dépeindre la condition humaine à l'époque moderne. Bien que le doute de l'interprétation subsiste, il est clair que le tableau représente le point culminant des Peintures noires, caractérisé non seulement par des tons sombres et menaçants, mais aussi par un fil thématique lié précisément à la figure de Saturne, traditionnellement associée au désespoir et à la vieillesse, rendue dans des chefs-d'œuvre antérieurs qui, comme celui de Rubens, apparaissent certainement plus conventionnels, ainsi que loin de la folie freudienne du protagoniste de l'œuvre de Goya.

Francisco Goya, La Maja desnuda, 1790-1800. Huile sur toile, 97 cm × 190 cm. Musée du Prado, Madrid.

6. Francisco Goya, La Maja desnuda, (1790-1800)

Un jeune modèle nu observe le spectateur avec une confiance impudique, alors qu'elle apparaît sensuellement étendue, les mains croisées derrière la nuque, un point de son corps où ses cheveux sombres et bouclés tombent également sur les côtés de son visage, entourés de ses joues pleines et enflammées. Cette vision est placée sur la surface d'un canapé recouvert de velours vert, où sont également disposés les deux coussins doublés sur lesquels la femme s'appuie, ainsi que le drap qui recouvre le bas de son corps. Le chef-d'œuvre provocateur en question, connu non seulement pour son audace et sa malice, mais aussi pour avoir montré de manière innovante et scandaleuse la linea nigra qui relie la vulve au nombril, pourrait représenter aussi bien l'amie du peintre, la duchesse d'Albe, que son amante Pepita. Ce qui est certain, c'est que cette toile représente le nu profane le plus explicite de la collection Godoy, militaire et homme politique espagnol de grande renommée, qui possédait une riche collection sur le genre susmentionné, comprenant des chefs-d'œuvre de toute l'Europe, ainsi que la célèbre Vénus Rokeby de Vélasquez. C'est précisément dans ce contexte qu'il convient de préciser qu'au XVIIIe siècle, les peintures de nu étaient en fait interdites en Espagne, car contraires à la doctrine chrétienne, à tel point que Godoy commanda également la version vêtue du chef-d'œuvre susmentionné, afin de dissimuler la version plus explicite.

Pablo Picasso, Les demoiselles d'Avignon, 1907. Huile sur toile, 243,9 cm × 233,7 cm. Musée d'art moderne. Acquis grâce au legs Lillie P. Bliss, New York.

5. Pablo Picasso, Les demoiselles d'Avignon (1907)

Pourquoi Les Demoiselles d'Avignon sont-elles un chef-d'œuvre incontournable de l'histoire de l'art, ou l'une de ces œuvres qui, si elles n'avaient pas été réalisées, auraient certainement pris d'autres chemins dans la recherche créative telle que nous la connaissons ? La réponse réside dans le fait que le tableau est considéré comme la première œuvre cubiste de Picasso qui, réalisée dans la période africaine du maître, postérieure à la période rose, a probablement été inspirée par une vision que l'artiste a eue en fréquentant un bordel barcelonais situé dans la rue d'Avinyò. En outre, il convient de souligner que le tableau en question est le résultat de plus d'une centaine d'études, dans lesquelles l'artiste a également inclus la présence de quelques figures masculines, ce qui a conduit à l'hypothèse que le sujet pourrait représenter une sorte de memento mori, dans lequel le peintre a voulu mettre en garde contre les dangers du sexe, c'est-à-dire la syphilis, alors très répandue. En ce qui concerne la description du chef-d'œuvre daté de 1907, il représente cinq jeunes filles qui, citant probablement les Vénus de la tradition classique, s'offrent au spectateur en affichant effrontément leur nudité. Enfin, en ce qui concerne leurs visages, ils représentent une rupture délibérée avec la tradition artistique précédente, en ce sens qu'ils sont réalisés dans l'intensité de leurs regards, à la fois directs et reconnaissables, et plus insaisissables, toujours caractérisés par une difformité, destinée à rappeler l'exemple des masques africains traditionnels.

Francisco Goya, Le 3 mai 1808, 1814. Huile sur toile, 268 cm × 347 cm. Musée du Prado, Madrid.

4. Francisco Goya, Le 3 mai 1808 (1814)

Francisco Goya, 3 mai 1808 (1814) : dans un décor plongé dans l'obscurité, où seule une lanterne éclaire la pénombre du soir, un rayon de lumière vient éclairer avec plus d'intensité un paysan rebelle démuni qui, avec beaucoup de dignité et de courage, accepte de sacrifier son existence au nom de la liberté. De la même manière, souffrant et en difficulté extrême, la figure du Christ crucifié s'est souvent présentée dans le récit de l'histoire de l'art. Dans ce cas profane, il est entouré de ses camarades tombés ou effrayés, qui ont devant eux un peloton d'exécution composé d'un groupe de soldats français sous le commandement de Napoléon. En fait, le tableau raconte explicitement la résistance des troupes madrilènes à l'armée française, qui a eu lieu pendant l'occupation de 1808, lors de la guerre d'indépendance espagnole. D'autres œuvres de l'artiste traitent également d'un thème similaire, notamment la série de gravures intitulée Les désastres de la guerre, où le maître concrétise sa douleur face à l'invasion de l'Espagne par les troupes napoléoniennes. En ce qui concerne le style du chef-d'œuvre de 1814, le drame austère de ce dernier ne peut être considéré comme purement romantique, bien qu'il soit incontestable que l'extériorisation sensible des émotions s'apparente à l'œuvre des peintres du mouvement en question. De même, le tableau s'éloigne de l'idéalisation de la beauté poursuivie tant par le romantisme que par le néoclassicisme.

Diego Velázquez, Las Meninas , 1656. Oli sur toile, 320,5 cm × 281,5 cm. Musée du Prado, Madrid.

3. Diego Velázquez, Las Meninas (1656)

L'une des scènes les plus célèbres de l'histoire de l'art, que je ne souhaite pas décrire de manière banale, s'est déroulée dans l'atelier de Diego Velázquez, le peintre ayant obtenu du roi Philippe IV d'Espagne, vers 1650, l'autorisation d'utiliser la salle principale de l'Alcazar royal de Madrid comme atelier. En ce qui concerne le chef-d'œuvre en question, il ne représente qu'apparemment un portrait de cour, car il a été conçu pour devenir un manifeste de propagande, visant à expliquer comment l'art peut effectivement reproduire la réalité. Quoi qu'il en soit, la composition complexe est sujette à de multiples interprétations et questions, notamment : pourquoi les souverains apparaissent-ils dans le miroir ? Il est probable que ces personnages aient eu l'intention d'épier la scène dans la pénombre, tandis que la lumière provient de l'arrière-plan, où se trouve l'assistante de la reine Nieto, dont l'arrivée sur la scène reste quelque peu énigmatique. Enfin, la présence de l'artiste lui-même dans l'œuvre est d'une grande importance, une figure probablement destinée à indiquer son intention de se célébrer lui-même, sa présence à la cour de Philippe IV, son rôle, ainsi que son désir d'exprimer sa conception personnelle selon laquelle la peinture est le supérieur parmi les arts.

Salvador Dali, La persistance de la mémoire , 1931. Huile sur toile, 24 cm × 33 cm. Musée d'art moderne, New York.

2. Salvador Dali, La persistance de la mémoire (1931)

Nombreux sont ceux qui se souviennent des horloges "molles", c'est-à-dire à la consistance presque liquide, de La persistance de la mémoire, mais peu savent qu'elles ont été inspirées par l'observation de l'étirement du fromage de Camembert, que Salvador admirait lorsqu'il était exposé à une source de chaleur. En fait, c'est précisément le cerveau excentrique du maître espagnol qui a été capable de transformer cette vision ordinaire en un chef-d'œuvre, visant à concrétiser le passage du temps qui, bien que mesurable, reste quelque peu variable lorsqu'il est considéré par rapport à la perception humaine, c'est-à-dire aux états d'esprit qui le rendent, quand il est joyeux, plus rapide, quand il est douloureux, plus lent. D'ailleurs, selon Dali, la mémoire fonctionne de la même manière, en ce sens qu'il est facile de se souvenir des choses qui nous intéressent, même si elles sont lointaines, alors qu'il est très probable d'oublier des moments proches de nous et plutôt insignifiants. En résumé, les horloges peintes dans La persistance de la mémoire symboliseraient cette condition temporelle incontrôlable associée aux états d'âme, ainsi qu'à la mémoire. Enfin, toujours à propos du chef-d'œuvre, il convient de souligner que cette œuvre, l'une des plus connues de Dali, a été exposée par le marchand d'art Julien Levy dans sa galerie new-yorkaise en 1931, ce qui a suscité l'intérêt du public et de la critique pour le maître catalan.

Pablo Picasso, Guernica , 1937. Huile sur toile, 349,3×776,6 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

1. Pablo Picasso, Guernica (1937)

Même dans le cas de l'œuvre qui occupe le podium, je veux aller au-delà de la description la plus simple et la plus courante du tableau, pour me concentrer sur ses caractéristiques stylistiques, résultat du rapprochement de Pablo, au milieu des années 20, avec le point de vue surréaliste, qui à l'époque s'exprimait principalement à travers la création d'intérieurs avec des natures mortes, des objets et des instruments de musique. Ce sont précisément ces thèmes traditionnels qui donnent lieu à des innovations, si bien qu'à cette même époque, Picasso prend conscience des multiples façons de briser la forme, ainsi que de la présentation de la composition à partir de perspectives multiples, qui animeront plus tard la "révolution" cubiste. Quoi qu'il en soit, l'artiste, qui considérait l'art comme un instrument d'extériorisation de l'ego, a rendu cette recherche figurative par la construction d'espaces claustrophobes, probablement inspirés par les tristes événements de la Première Guerre mondiale, contemporaine et angoissante. Outre les recherches intimistes susmentionnées, l'œuvre du maître espagnol de l'époque est également marquée par la présence constante de la figure féminine, comprise comme une muse inspiratrice capable de prendre la forme des relations nombreuses et turbulentes entreprises par le maître. En outre, dans les années précédant la création de Guernica, Picasso s'est concentré sur le symbolisme véhiculé par le corps féminin, une recherche qui a culminé, avec les précédentes, dans la réalisation du chef-d'œuvre en question. En fait, Guernica représente l'apogée de l'œuvre artistique de Picasso, dans laquelle sont incorporées toutes les caractéristiques visuelles qui l'ont rendu célèbre, à tel point que l'œuvre ne peut être comprise sans analyser, même brièvement, les étapes précédentes et nécessaires dans le développement de son langage visuel. Quoi qu'il en soit, le tableau est surtout connu parce que, représentant les horreurs de la guerre, il est devenu le symbole par excellence de la lutte contre toutes les formes de conflits néfastes.