Les autoportraits d'Egon Schiele : une biographie figurative

Evgen Semenyuk, Homme au masque blanc, style Egon Schiele, 2020. Huile / acrylique sur toile, 40 x 30 cm.

"L'art ne peut pas être moderne. L'art est primordialement éternel".

Ces mots d'Egon Schiele, peintre et graveur autrichien emblématique né en 1890, introduisent un concept fondamental dans l'histoire de l'art, visant à démontrer comment les chefs-d'œuvre de tous les temps échappent à une dimension spatio-temporelle effective et limitée, trouvant leur place dans un lieu qui, semblable à un présent éternel et continu, les reconnaît comme des objets à contempler indéfiniment, afin de rappeler, démontrer et exalter les plus hautes capacités de l'homme. Dans ce récit sans date limite, nous ne pouvons pas ne pas mentionner les autoportraits du maître susmentionné, qui sont entrés dans l'histoire, à la fois comme un outil de recherche figurative hautement expressionniste et comme un moyen d'expliquer et de faire connaître le tempérament de l'artiste, saisi à différentes étapes de sa carrière. En effet, les nombreux autoportraits de Schiele, exécutés entre 1910 et 1918, représentent une authentique exploration de l'état d'esprit de Schiele, nous permettant d'entrer " en confidence " avec l'un des peintres les plus célèbres du XXe siècle. Par conséquent, pour connaître à la fois l'œuvre et l'artiste, nous devons commencer par l'année 1910, date d'exécution de trois chefs-d'œuvre du genre susmentionné : Autoportrait avec chemise à rayures, Autoportrait avec une paupière tirée vers le bas et Autoportrait en pied. Dans le premier dessin à l'aquarelle, un Schiele d'une vingtaine d'années se présente au spectateur vêtu d'une chemise à rayures, même si, à travers son regard intense et engageant, il peut sembler " nu ", car ses yeux nous révèlent son essence la plus profonde, hautement rebelle, curieuse et spirituelle. D'un point de vue chromatique, cependant, les nuances des vêtements sont répétées dans celles de la tête du protagoniste, ce qui rend la composition harmonieuse. En ce qui concerne l'Autoportrait avec une paupière tirée vers le bas , l'œuvre, qui révèle une fois de plus l'intérêt de Schiele pour l'autoportrait, une tendance figurative considérée comme plutôt inhabituelle à l'époque, se démarque clairement des caractéristiques stylistiques de Klimt qui avaient prévalu jusqu'alors dans l'œuvre de son élève. En effet, l'aquarelle susmentionnée, tout en reproposant des couleurs vives et décoratives dérivées du maître Baumgarten, introduit un nouveau langage expressif du corps, visant à suggérer le poids des pensées et des sentiments de l'effigie, souvent axés sur des préoccupations liées aux thèmes de la mort, de l'amour, du sexe et du processus de devenir artiste. Également de la même année, Autoportrait en pied représente l'apogée du tournant introspectif de Schiele, une tendance qui s'exprime de manière hautement dramatique, crue et radicale précisément par la grimace de douleur dans laquelle l'artiste s'est immortalisé, poursuivant le but de révéler un point de vue plus authentique et douloureux sur la vie, désormais définitivement éloigné de l'or somptueux et scintillant de la dérivation klimtienne. Ce phatos est également visible dans une aquarelle plus tardive, l'Autoportrait attribuable à 1911, dans laquelle l'artiste apparaît dans une pose et une attitude similaires. 

Gabriele Donelli, Portrait de Egon Schiele, 2009. Acrylique sur carton, 62 x 46 cm.

Emily Starck, Egon Schiele, 2020. Acrylique / aquarelle / graphite / huile / collage sur papier, 65 x 50 cm.

En ce qui concerne l'année 1912, il est impossible de ne pas mentionner Autoportrait à la lanterne chinoise, l'une des œuvres les plus admirées de l'artiste autrichien, qui, visant à capturer l'image de Schiele dans une perspective inédite, comprime le protagoniste dans un format horizontal novateur. En outre, la tension inhérente à l'effigie est également accrue par la position adoptée par sa tête, qui, tournée vers la droite, est "éloignée" de ses yeux, décidés à fixer le spectateur qui regarde dans la direction opposée.  Dans ce contexte chargé d'émotion, les épaules de l'artiste se détachent avec force sur le fond clair, enrichi par la présence de la brindille à feuilles et des lanternes chinoises. Enfin, toujours à propos de la couleur, il ne faut pas négliger le riche chromatisme de la peau et de l'œil, qui, avec sa pupille rouge, révèle une sensibilité et un sens artistique hors du commun. Résumant l'élan créatif de 1915, l'une des œuvres emblématiques du maître, Mort et la jeune fille, est une toile dans laquelle Schiele veut exprimer toute la tristesse qu'il a ressentie en abandonnant son modèle et amante Wally. En effet, le chef-d'œuvre représente les deux amants qui, figurés en train de s'embrasser, sont disposés sur un drap froissé, placé sur un fond rocheux, destiné à faire allusion, par sa géométrie, à l'emboîtement des corps des effigies. C'est précisément cette proximité physique qui n'est pas censée faire référence à une véritable extase amoureuse, mais à une attitude qui précède le détachement, cristallisée dans les postures improbables, qui renvoient à un sentiment tangible d'agitation, de précarité et de mort. L'épilogue de ce sentiment est également confirmé par les regards distants des effigies, car la femme s'attache à regarder vers l'extérieur, comme si elle était perdue dans ses pensées, tandis que son compagnon, les yeux grands ouverts dans le néant, semble être perdu dans son propre monde intérieur compliqué. Si l'on se réfère à la vie de Schiele, la fin de ce sentiment n'est cependant pas due à un simple manque d'amour, puisque l'artiste n'a quitté Wally que pour obtenir un mariage avantageux avec une femme plus présentable socialement. Ainsi, il apparaît comment même dans le monde plus passionné et instinctif de l'art de Schiele, à certaines occasions, la rationalité et le calcul se sont imposés à la passion plus authentique.

Gaspard De Gouges, Gustavia et ses amis, 1999. Huile / acrylique / charbon de bois sur panneau MDF, 157 x 104 cm.

Walter Diem, Image 21 120 collection diem, 2021. Peinture, craie / aquarelle sur papier, 70 x 50 cm.

La vie de Schiele : le récit se poursuit dans les œuvres d'Artmajeur

L'œuvre de Schiele a développé une approche expressive caractérisée par des figures contorsionnées et des coups de pinceau "acérés", extrêmement chargés d'énergie émotionnelle, qui représentent encore aujourd'hui un symbole puissant d'expression psychologique, émotionnelle et sexuelle. En effet, la collection d'œuvres d'Artmajeur est riche, tant en points de vue inspirés par la recherche figurative du maître viennois qu'en véritables "remakes" de ses plus grands chefs-d'œuvre, des tableaux à travers lesquels on peut poursuivre l'histoire de la vie de l'artiste, comme Julianne Moore interprète Schiele de Francesco Dezio, Le embrasse de Dmitriy Trubin et Après Egon Schiele de Sébastien Montag.

Francesco Dezio, Julianne Moore interprète Schiele, 2022. Acquerello su carta, 56 x 45 cm.

Francesco Dezio: Julianne Moore interprète Schiele

L'aquarelle sur papier de Dezio représente la "troisième génération" d'un grand chef-d'œuvre de l'histoire de l'art, puisque l'artiste italien a réinterprété la célèbre photographie de Peter Lindbergh, qui, à son tour, a actualisé le chef-d'œuvre de Schiele intitulé Femme assise au genou plié (1917). En effet, sur le cliché du photographe allemand, Wally, l'amant et le modèle de Schiele, prend la forme de la célèbre actrice américaine Julianne Moore, qui, dans le même contexte, a également imité les protagonistes d'autres œuvres d'art célèbres, telles que.. : Portrait d'Adele Bloch-Bauer I (1907) de Gustav Klimt, The Cripple (1997) de John Currin, Little Dancer of Fourteen (1879-1881) d'Edgar Degas et Portrait de Lunia Czechowska avec éventail (1919) d'Amedeo Modigliani. Revenant plutôt au chef-d'œuvre du maître allemand, dont Dezio et Lindbergh se sont inspirés, il représente Wally dans une pose informelle, qui, le regard tourné vers le spectateur, adopte une attitude hautement expressive, désinvolte et érotique. Cependant, derrière la confiance de Wally, assis avec un genou plié, se cache le désir le plus profond de l'artiste, qui, bien qu'il soit marié à une autre femme, continue de faire revivre son amour contrarié dans la dimension de la toile.

Dmitriy Trubin, Le embrasse . Peint, dimensions disponibles sur demande.

Dmitriy Trubin: Le embrasse  

Le tableau de Trubin représente une réinterprétation originale et personnelle de Le embrasse de Schiele, un chef-d'œuvre datant de 1917, dans lequel l'artiste se représente enlacé dans une étreinte passionnée avec sa femme Edith Harms, qu'il a épousée en 1915. Ainsi, la composition est imprégnée d'un fort sentimentalisme qui, caractérisant les œuvres créées après le mariage du maître, a rendu son travail moins tourmenté que d'habitude. Néanmoins, un semblant voilé de mélancolie douloureuse reste palpable, un sentiment probablement prémonitoire des sinistres événements de 1918, l'année où la grippe espagnole a non seulement fait des millions de victimes, mais a également emporté Edith sa femme. Quant à l'interprétation du film Le embrasse par Trubin, elle conserve le point de vue voyeuriste iconique de l'original, selon lequel le spectateur s'insinue dans la sphère privée d'un jeune couple, désormais transformé en deux spécimens de mannequins dignes du pinceau de Giorgio de Chirico. Ce dernier, à partir de 1915, a peuplé ses tableaux de figures monumentales qui, mystérieusement dépourvues d'yeux, de bouche et d'oreilles, faisaient probablement allusion à sa capacité d'étudier la réalité au-delà de son apparence phénoménale. En outre, il est également possible d'interpréter les mannequins du maître italien comme des symboles d'une humeur extrêmement mélancolique, une humeur qui peut certainement être liée au pessimisme voilé de Schiele.

Sebastien Montag, Après Egon Schiele , 2021. Acrylique, peinture en spray sur toile, 41 x 33 cm.

Sebastien Montag: Après Egon Schiele 

Après Egon Schiele est une réinterprétation " silencieuse " et " minimaliste " de l'Autoportrait à la tête baissée, en ce sens que, dans le " remake " de l'artiste d'Artmajeur, le regard intense du chef-d'œuvre de Schiele a été " effacé ", ainsi que les autres traits distinctifs du personnage. Probablement, ce nouveau point de vue a été inspiré par la contemporanéité, c'est-à-dire par une réalité dans laquelle, par rapport au passé, il y a une tendance à être plus rapide, direct et synthétique, grâce aussi à la forma mentis que nous transmettent les nouvelles technologies. Pour en revenir à l'Autoportrait à la tête baissée, en revanche, l'autoportrait se caractérise par le fait qu'il immortalise Schiele avec la tête penchée, une position qui souligne le regard vers le haut du personnage, visant à assumer une attitude extrêmement grotesque et inquiétante. En outre, un autre détail important du tableau est la grande main gauche qui, avec ses doigts écartés, reprend la même pose que dans Les Ermites et un autre autoportrait de la même année. En réalité, les mains s'avèrent être un "must" dans la production artistique de Schiele en général, car elles sont également les protagonistes des nombreuses photographies qui immortalisent le maître. Ils sont probablement le symbole d'une attitude défensive envers la vie et le monde, que l'artiste assume en les faisant passer avant tout ce qui se présente à lui.