Gustave Courbet, Autorretrato (Hombre con pipa) , 1848-1849. Óleo sobre lienzo, 45 x 37 cm.
¿Quién fue Gustave Courbet?
Jean Désiré Gustave Courbet fue un pintor francés que lideró el movimiento del realismo en la pintura francesa durante el siglo XIX. Rechazó la tradición académica y el romanticismo de la generación anterior de artistas visuales, comprometiéndose a pintar sólo lo que podía ver. Su enfoque único sirvió de ejemplo para artistas posteriores, como los impresionistas y los cubistas. Courbet ganó reconocimiento a fines de la década de 1840 y principios de la de 1850 por sus pinturas que desafiaron las convenciones al retratar a campesinos y trabajadores no idealizados en una gran escala típicamente reservada para temas religiosos o históricos. Sus obras posteriores incluyeron paisajes, marinas, escenas de caza, desnudos y naturalezas muertas, con temas políticos menos abiertos. Además de sus actividades artísticas, Courbet también participó en la política francesa como socialista. Fue encarcelado durante seis meses en 1871 debido a su participación en la Comuna de París y vivió exiliado en Suiza desde 1873 hasta su muerte cuatro años después. El impacto de Courbet en la pintura francesa del siglo XIX fue significativo, ya que fue un innovador y un artista que sin miedo hizo audaces declaraciones sociales a través de su trabajo.
Gustave Courbet, Hombre desesperado , 1843-1845. Óleo sobre lienzo, 45×54 cm. Colección privada.
Vida
Gustave Courbet nació en 1819 en Ornans, una ciudad en el departamento de Doubs de Francia. Sus padres, Régis y Sylvie Oudot Courbet, tenían creencias antimonárquicas, probablemente influenciadas por la participación de su abuelo materno en la Revolución Francesa. Las hermanas de Courbet, Zoé, Zélie y Juliette, fueron sus primeras modelos de pintura y dibujo. Después de mudarse a París en 1839, Courbet continuó regresando a Ornans con frecuencia para dedicarse a la caza, la pesca y obtener inspiración para su arte. Inicialmente trabajó en el estudio de Steuben y Hesse, pero pronto lo dejó para desarrollar su propio estilo. Estudió las obras de maestros españoles, flamencos y franceses en el Louvre y pintó copias de sus obras, mostrando un fuerte espíritu independiente en su búsqueda de la excelencia artística. Courbet inicialmente se inspiró en la literatura, creando obras como una Odalisca basada en la escritura de Victor Hugo y una Lélia inspirada en George Sand. Sin embargo, pronto abandonó estas influencias literarias y optó por crear pinturas basadas en la realidad observada. A principios de la década de 1840, creó varios autorretratos en un estilo romántico, representándose a sí mismo en varios roles. Algunos ejemplos notables incluyen Autorretrato con perro negro (c. 1842–44, exhibido en el Salón de París de 1844), Hombre desesperado (c. 1843–45), Amantes en el campo (1844, exhibido en el Musée des Beaux-Arts en Lyon), El escultor (1845), El hombre herido (1844-1854, exhibido en el Musée d'Orsay en París), Autorretrato con violonchelo (1847, exhibido en el Museo Nacional de Estocolmo y exhibido en el Salón de 1848 ) y Hombre con pipa (1848-1849, expuesta en el Musée Fabre de Montpellier). Los viajes de Courbet a los Países Bajos y Bélgica en 1846-1847 reforzaron su creencia de que los artistas deben pintar la vida que los rodea, como lo demuestran las obras de maestros holandeses como Rembrandt y Hals. En 1848, Courbet había obtenido el apoyo de los críticos más jóvenes, en particular de los neorrománticos y realistas, como Champfleury. En 1849, Courbet logró su primer éxito en el Salón con su cuadro Después de cenar en Ornans. La obra de arte, que recordaba a Chardin y Le Nain, le valió a Courbet una medalla de oro y fue comprada por el gobierno francés. Como resultado de este reconocimiento, las obras de Courbet ya no estaban sujetas a la aprobación del jurado para su exhibición en el Salón, un privilegio que disfrutó hasta 1857 cuando cambiaron las reglas. Entre 1849 y 1850, Courbet pintó The Stone Breakers, que lamentablemente fue destruido durante el bombardeo aliado de Dresde en 1945. La pintura fue muy apreciada por el filósofo francés Proudhon, quien la vio como un ícono de la vida campesina y un símbolo del trabajador. clase. The Stone Breakers se inspiró en una escena que Courbet había presenciado al borde de la carretera, y más tarde le contó a Champfleury y al escritor Francis Wey cómo llegó a ser la pintura: "No es frecuente que uno se encuentre con una expresión tan completa de pobreza y así, justo ahí mismo se me ocurrió la idea de un cuadro. Les dije que vinieran a mi estudio a la mañana siguiente”. The Stone Breakers ahora se considera una de las obras más importantes de Courbet y se reconoce como uno de los primeros ejemplos del movimiento Realismo.
Gustave Courbet, Señoritas a orillas del Sena , 1857. Óleo sobre lienzo, 174×200 cm. París: Musée du Petit Palais.
¿Qué significa Realismo?
El trabajo de Courbet no se alineó con las escuelas de arte predominantes románticas o neoclásicas. No vio la pintura de historia, que el Salón de París consideraba la forma más alta de arte, como una actividad que valiera la pena, creyendo que los artistas de una época no pueden capturar con precisión la esencia de otra época. En cambio, Courbet sostuvo que la única fuente verdadera para el arte eran las propias experiencias del artista. Junto a Jean-François Millet, encontró inspiración pintando la vida de campesinos y trabajadores. La producción artística de Courbet incluyó composiciones figurativas, paisajes, marinas y naturalezas muertas. Atrajo la controversia al abordar cuestiones sociales en su trabajo y representar temas que se consideraban vulgares, como la burguesía rural, los campesinos y las condiciones laborales de los pobres. Su obra, junto con la de Honoré Daumier y Jean-François Millet, pasó a ser conocida como Realismo. Para Courbet, el realismo no se trata de líneas y formas perfectas, sino más bien del manejo espontáneo y tosco de la pintura, capturando las irregularidades de la naturaleza a través de la observación directa. Describió las duras realidades de la vida y desafió las ideas académicas contemporáneas del arte. Una de las características definitorias del realismo de Courbet fue su conexión de por vida con su provincia natal, Franche-Comté, y su lugar de nacimiento, Ornans.
Gustave Courbet, Mujer con loro , 1866. Óleo sobre lienzo, 129,5×195,6 cm. Nueva York: Museo Metropolitano de Arte.
el fin de los dias
Después de completar su sentencia de prisión el 2 de marzo de 1872, los problemas de Courbet estaban lejos de terminar. En 1873, el recién elegido presidente de la República, Patrice Mac-Mahon, anunció planes para reconstruir la Columna de Vendôme, a cargo de Courbet. Incapaz de pagar, Courbet se exilió a sí mismo en Suiza para evitar la bancarrota. Durante este tiempo, participó en exposiciones regionales y nacionales suizas y se hizo conocido como el líder de la "escuela realista" en la pequeña comunidad artística suiza. Inspiró a artistas más jóvenes como Auguste Baud-Bovy y Ferdinand Hodler. Una de las obras importantes de Courbet durante este período incluye varias pinturas de truchas, que se interpretaron como autorretratos alegóricos del artista exiliado. En sus últimos años, Courbet se centró en los paisajes, incluidas escenas de agua que emerge misteriosamente de las profundidades de la tierra en las montañas del Jura a lo largo de la frontera entre Francia y Suiza. Courbet también trabajó en escultura durante su exilio, habiendo producido previamente algunas esculturas a principios de la década de 1860. Una de sus esculturas, El pescador de Chavots, había sido donada a Ornans para una fuente pública, pero fue retirada tras el arresto de Courbet. En mayo de 1877, el estado fijó el costo final de la reconstrucción de la Columna de Vendôme en 323.000 francos para que Courbet los pagara en cuotas anuales de 10.000 francos durante los próximos 33 años. Sin embargo, Courbet murió el 31 de diciembre de 1877, un día antes del vencimiento de la primera cuota, a la edad de 58 años en La Tour-de-Peilz, Suiza, debido a una enfermedad hepática agravada por el consumo excesivo de alcohol.
Las obras más famosas
Gustave Courbet, Hombre desesperado , 1843-1845. Óleo sobre lienzo, 45×54 cm. Colección privada.
El hombre desesperado (1843-1845)
El hombre desesperado es un retrato memorable principalmente por la iluminación y la expresión angustiada del artista. Su composición dramática puede recordar a algunos espectadores las obras de Caravaggio y Rembrandt.
Gustave Courbet, La ola , 1869-70.
La ola (1870)
Se argumenta que Courbet fue uno de los primeros artistas influenciados por los grabados japoneses, que luego se convirtieron en una importante fuente de inspiración para muchos de los primeros modernistas. Esta estética oriental es evidente en las pinturas de Courbet, que a menudo representan un trozo de agua aislado de una vista más amplia del espacio, posiblemente inspirado en los grabados japoneses. Este estilo de pintura se caracterizó por parches rotos de pintura aplicados tanto en las áreas oscuras como claras, creando una textura única que fue una inspiración para los impresionistas en ciernes. En definitiva, los paisajes terrestres y marinos de Courbet, con su tratamiento pictórico, se convirtieron en una importante fuente de inspiración para los artistas posteriores.
Gustave Courbet, Sueño , 1866. Óleo sobre lienzo, 135 cm × 200 cm. París: Petit Palais.
Sueño (1866)
Esta obra de arte en particular de Courbet muestra su fascinación por el realismo erótico, que se convirtió en un tema destacado en sus obras posteriores. La pintura presenta un erotismo crudo y explícito, sin justificaciones románticas ni mitológicas, lo que la hace impopular entre quienes se adhirieron a los gustos convencionales de la época. Los desnudos no santificados de Courbet provocaron mucha discusión sobre los defectos de su carácter y arte. Sin embargo, el artista disfrutó de la atención y la reputación que ganó como artista de confrontación. A pesar de las críticas, su controvertido estilo ayudó a establecerlo como una figura influyente en el mundo del arte.
Gustave Courbet, El estudio del pintor , 1855. Óleo sobre lienzo, 361 cm × 598 cm. París: Musée d'Orsay.
El estudio del pintor: una alegoría real que resume una fase de siete años de mi vida artística (1855)
Esta pintura de 19 pies de largo es una manifestación del amor propio y el orgullo de Courbet en su voluntad de hierro, trabajo duro y genio revolucionario. En una línea similar a la forma en que representó a otros en su obra anterior "Entierro en Ornans", Courbet se retrata a sí mismo como un héroe en esta pintura. Muestra una cantidad significativa de egoísmo y afirma que el progreso se produce cuando las personas piensan de forma independiente y desafían el statu quo. La pintura muestra a Courbet a tamaño real, con un pincel en la mano, trabajando en una pintura de paisaje. Sus amigos a la derecha simbolizan los espíritus afines y la innovación, mientras que el niño admirador representa la creencia de Courbet de que su legado perdurará por generaciones. El modelo desnudo detrás del artista es un tributo a su grandeza y su papel como musa. A la izquierda, se destacan los trabajadores pobres, ya que Courbet reconoce su derecho a ser incluidos. Su oponente, Napoleón III, es representado como un cazador furtivo con un arma de fuego y acompañado de sus perros. La mirada confiada de Courbet eclipsa la inclinación de la cabeza hacia abajo de Napoleón, un símbolo del innovador que domina al autoritario. En resumen, esta pintura es una expresión de la confianza en sí mismo de Courbet y su creencia en la importancia del individualismo y el desafío al sistema.
Gustave Courbet, El encuentro o Bonjour Monsieur Courbet , 1854. Óleo sobre lienzo, 129 cm × 149 cm. Montpellier: Museo Fabre.
El Encuentro o Bonjour Monsieur Courbet (1854)
En esta gran pintura, Courbet se representa reuniéndose con Alfred Bruyas, un importante mecenas y partidario. La obra de arte muestra el aprecio de Bruyas por el talento artístico de Courbet. El sirviente del cuadro está representado en un gesto de sumo respeto, enfatizando el momento de mutuo aprecio entre el artista y su patrón. La cabeza de Courbet está ligeramente inclinada hacia atrás y se encuentra directamente en la luz sin filtrar, lo que destaca su importancia e inteligencia. Sin embargo, la pintura también revela la importancia personal de Courbet, evidente en la forma en que su barba apunta hacia el patrón como si fuera un juicio. Además, Courbet lleva un palo que es el doble del tamaño de Bruyas, lo que enfatiza aún más la fuerza y el poder del artista. En general, la pintura captura la relación entre un artista y su mecenas, mostrando la admiración de Bruyas por Courbet y el propio sentido de importancia personal del artista.
Gustave Courbet, Las bañistas , 1853. Óleo sobre lienzo, 227 cm × 193 cm. Montpellier: Museo Fabre.
Los bañistas (1853)
En este cuadro, Courbet representa a dos mujeres de forma natural, no idealizada, sin ninguna justificación mitológica o retórica de su desnudez parcial. La pintura fue controvertida y recibió críticas negativas, incluso el renombrado artista Delacroix expresó su desaprobación. Sin embargo, esta atención negativa le dio publicidad a la obra y finalmente ayudó a Courbet a venderla. La pintura ejemplifica el rechazo de Courbet a las convenciones clásicas y su énfasis en retratar la realidad, incluso si algunos la consideraban vulgar.
Gustave Courbet, Entierro en Ornans , 1849. Óleo sobre lienzo, 315 cm × 660 cm. París: Musée d'Orsay.
Entierro en Ornans (1849)
Esta pintura, que mide 22 pies de largo y se encuentra en una sala prominente del Musée d'Orsay, sumerge al espectador en una atmósfera de cueva. Las figuras representadas en la pintura parecen desenfocadas en la ceremonia y están dispuestas en una composición no clásica. Como ejemplo por excelencia del realismo, la pintura se adhiere estrechamente a los detalles fácticos de un entierro real y evita cualquier connotación espiritual intensificada. En cambio, Courbet enfatiza la fugacidad de la vida e intencionalmente no usa la luz en la pintura para expresar lo eterno. Mientras que la puesta de sol podría haber simbolizado la transición del alma de lo temporal a lo eterno, Courbet cubre el cielo con nubes para que el paso del día a la noche sea simplemente un eco del ataúd que pasa de la luz a la oscuridad de la tierra. Algunos críticos vieron la adhesión de la pintura a los hechos de la muerte como un insulto a la religión, y criticaron su composición por estar en mal estado y su representación de la clase trabajadora por tener una importancia injustificada. Otros, como Proudhon, elogiaron la pintura por su sugerencia de igualdad y virtud entre todas las personas y reconocieron su potencial para cambiar el curso del arte y la política occidentales.
Gustave Courbet, Mujer entre las olas , 1868. Óleo sobre lienzo, 65,4×54 cm. Nueva York: Museo Metropolitano de Arte.
Conceptos clave
El Realismo de Courbet puede verse como parte de una investigación más amplia sobre el mundo físico que estaba teniendo lugar en el siglo XIX, particularmente en el ámbito de la ciencia. Sin embargo, dentro del mundo del arte, Courbet estuvo más influenciado por su desdén por las rígidas restricciones de la Academia Francesa. Rechazó los enfoques tradicionales del arte clásico o romántico y, en cambio, se centró en escenas humildes de la vida en el campo, que normalmente se consideraban temas para pinturas de género menor. A pesar de esto, Courbet transformó estos temas en material para importantes pinturas históricas, lo que le valió una notoriedad considerable. Durante la Comuna de París de 1871, Courbet dejó de lado temporalmente su pintura para asumir un papel en el gobierno, lo que estaba en línea con sus creencias políticas de izquierda. Aunque el arte de Courbet no era explícitamente político, todavía se reconocía dentro del contexto de la época cuando defendía la idea de la igualdad al representar a individuos comunes de manera heroica. Los retrató a gran escala, negándose a ocultar sus imperfecciones, lo que se alejaba de las representaciones idealizadas que se encontraban comúnmente en el arte tradicional. Como resultado, el trabajo de Courbet se convirtió en un símbolo de justicia social, resonando entre aquellos que buscaron promover los valores de igualdad y justicia durante este período tumultuoso de la historia francesa. Como Courbet rechazó las convenciones de la pintura de la Academia, a menudo creaba composiciones que se consideraban un collage y toscas en comparación con los estándares artísticos predominantes. A veces también abandonó la técnica tradicional de modelado cuidadoso, en lugar de aplicar pintura espesa y usar motas y losas rotas. Estas elecciones estilísticas innovadoras hicieron que Courbet fuera muy respetado por los modernistas posteriores que buscaban liberarse de las técnicas de composición tradicionales y centrarse en enfatizar la textura de la superficie. Courbet se separó de la confianza tradicional en el sistema Salon administrado por el estado al ser pionero en la retrospectiva en solitario como una empresa comercial privada. Este enfoque le permitió exhibir sus obras de forma independiente y en sus propios términos, lo que se convirtió en un modelo que siguieron muchos artistas posteriores que desafiaron las convenciones.
Resumen
Gustave Courbet desempeñó un papel fundamental en el surgimiento del movimiento Realismo a mediados del siglo XIX. Rechazó los estilos clásicos y teatrales de la Academia Francesa y, en cambio, enfatizó la realidad física de los objetos que observaba, incluso si esa realidad era simple e imperfecta. Como republicano comprometido, Courbet usó su realismo para defender a los campesinos y gente del campo de su ciudad natal. Courbet fue conocido por su respuesta a la agitación política que se extendió por Francia durante su vida, y finalmente murió en el exilio en Suiza después de ser responsable del costo de la reconstrucción de la Columna Vendome de París. Sin embargo, historiadores más recientes han reconocido la importancia de la obra de Courbet como precursora de otros artistas del primer modernismo, como Édouard Manet y Claude Monet. Las contribuciones de Courbet al Realismo y su dedicación a retratar la realidad de la vida cotidiana continúan convirtiéndolo en una figura importante en la historia del arte.
Gustave Courbet, Los picapedreros , 1849. Óleo sobre lienzo, 159×259 cm. Obra destruida durante el bombardeo de Dresde (1945).
Notoriedad
En el Salón de 1857, Courbet exhibió seis pinturas, entre ellas Señoritas a orillas del Sena (Verano) y escenas de caza. La pintura anterior, que retrataba a mujeres modernas mostrando casualmente su ropa interior, sorprendió a los críticos de arte acostumbrados a las mujeres desnudas convencionales en los paisajes. Courbet exhibió deliberadamente obras sensacionales junto con escenas de caza populares para asegurar notoriedad y ventas. Durante la década de 1860, creó obras cada vez más eróticas como Femme nue couchée, Sleep y The Origin of the World, que representaban los genitales femeninos y no se exhibieron públicamente hasta 1988. A principios de la década de 1860, el régimen de Napoleón III exhibió tendencias autoritarias, pero él más tarde hizo concesiones a sus oponentes liberales. Como señal de apaciguamiento de los admiradores de Courbet, Napoleón III lo nominó para la Legión de Honor en 1870. Sin embargo, el rechazo de Courbet de la cruz de la Legión de Honor enfureció a los que estaban en el poder pero lo hizo inmensamente popular entre la oposición.
Legado
La perspectiva única de Gustave Courbet transformó el arte occidental y sentó las bases para los movimientos modernos posteriores, incluidos el impresionismo y el posimpresionismo. Otros artistas, como Manet, Monet y Renoir, fueron influenciados por el trabajo de Courbet y su enfoque de la pintura. El uso de Courbet de pintura gruesa aplicada también sirvió como precedente para artistas posteriores del siglo XX, como Willem de Kooning, Lucian Freud y los pintores figurativos del Área de la Bahía. En general, las contribuciones de Courbet al mundo del arte han tenido un impacto duradero en el desarrollo del arte moderno.
Selena Mattei
