Todo es cuestión de dinero: riqueza alardeada por el arte

Tony Rubino, Rubino dinero llamando al gángster empresario Navidad , 2022. Pintura, acrílico/litografía sobre lienzo, 50,8 x 50,8 cm.

Para hablar de dinero, o simplemente tomarse la molestia de exhibirlo de manera ostentosa y elitista, no es necesario abrir su gigantesca billetera frente a la parada de autobús para exhibir la reconocida Tarjeta American Express Centurion a su vecino que espera. De hecho, es posible aludir a su más absoluto estado de riqueza a través de múltiples expedientes menos directos y "vulgares". Es precisamente el mundo del arte el que nos proporciona un interesante material de reflexión, ya que, antes de llegar a la representación estilizada del dólar americano de Warhol, explicitó, a través de la representación de sujetos ricamente ataviados, colocados en gloriosos interiores y rodeados de símbolos aludiendo a las condiciones de vida relajadas y principescas. Todo esto, fue implementado con gran clase, rechazando la actitud más contemporánea, aunque burlona e irónica, de ostentación de los tramperos, sujetos capaces de empujar el medio verde de su riqueza en la cara de las personas, por no hablar de otras partes del cuerpo. En todo caso, para no defender esto último, es obligado decir que cada época ha conocido sus propias formas de manifestación de la riqueza, que siguen siendo, en la actualidad, subjetivas, relativas e inconmensurablemente múltiples. Dejando de lado tendencias más contemporáneas, para volver a mencionar la tópica mencionada, tal como ha sido entendida por la historia del arte más tradicional, es obligado referirse a dos obras maestras italianas, destinadas a inmortalizar a dos ilustres mujeres, tal como fueron. con la intención de hacer alarde de magníficos ejemplares de preciosidad, alusivos a su majestuoso linaje: Retrato de Leonor de Toledo con su hijo Giovanni (1545-46) de Agnolo Bronzino y Retrato de mujer joven de Sandro Botticelli (1475). Del primer óleo sobre tabla, es bueno destacar cómo, la identidad de su efigie más joven, fue develada y oficializada, recién en 1949, es decir, cuando la Historiadora del Arte Luisa Becherucci, refiriéndose a las antiguas palabras del célebre Giorgio Vasari, reconoció en la carabina de la duquesa al descendiente Giovanni. En este contexto parece legítimo preguntarse: ¿cómo tuvo el Bronzino la oportunidad de entrar en contacto e inmortalizar a tan célebre nobleza, convirtiéndose incluso en el pintor de la corte de Cosimo I? Este último duque, hábil procurador de talentos, no podía dejar pasar la genialidad de Bronzino, que tuvo oportunidad de comprobar en la realización de los frescos de la capilla de Eleonora en el Palazzo Vecchio, que pueden fecharse entre 1541 y 1545. Volviendo a el "rico", muy rico ($$$), retrato en cuestión, necesariamente debía hacer justicia al rango de Leonora de Toledo, noble española e hija del virrey de Nápoles, quien fue la primera esposa del citado Cosimo I de' Medici, segundo y último duque de la República Florentina y, más tarde, primer gran duque de Toscana, cargo que ejerció hasta su muerte, acaecida en 1574. En la obra maestra de hacia 1545, considerada una de las más importantes Expresiones del retrato renacentista florentino del siglo XVI, Eleonora di Toledo está sentada de frente mientras hace alarde de toda su facilidad financiera, sin armarse con "muchos dólares", botellas de champán, autos lujosos y banquetes extravagantes, sino vistiendo, en un estilo muy sobrio. , se De manera seria y elegante un precioso vestido adornado con finísimos bordados adamascados, acompañado de un fino collar de perlas, que ciñe su casto escote con dos vueltas.

Bronzino, Retrato de Leonor de Toledo , c. 1545. Óleo sobre tabla, 115 × 96 cm. Florencia: Galería Uffizi.

La interpretación realista de este lujo, que nos da a todos la idea de su preciosa manufactura, se debe al estilo manierista de Bronzino, destinado a dar vida a figuras, así como a detalles, de gran exactitud y nitidez de contorno. Otra obra maestra de la historia del arte, enriquecida también por la suntuosa presencia de las perlas, que en este caso incluso llegan a multiplicarse, tomando distintas posiciones sobre el soporte, es el citado Retrato de mujer joven (1475) de Sandro Botticelli. Sin embargo, antes de adentrarnos en la mera descripción del mencionado lujo, conviene desvelar la que, hasta el día de hoy, se considera como la identidad más probable de la efigie, quien, presentando rasgos somáticos similares a Venus (1482-85), Primavera (c. 1848) e Ideal Lady (1475-1480), realizadas por el maestro toscano, bien podrían ser, también en esta ocasión, Simonetta Vespucci. Esta última, apodada la "sin par", representó a una de las mujeres nobles más célebres del Renacimiento florentino, cuya belleza sin igual figuró en las obras de muchos artistas de la época, aunque, solo con Botticelli lo hizo, según las habladurías de los tiempo, también forjan un dudoso vínculo afectivo. Sin embargo, dado que el objeto indiscutible de nuestras atenciones no es el encanto de esta mujer, sino su dinero, vayamos al grano, describiendo cómo, en la pose de tres cuartos en la que ha sido retratado Vespucci, la obra maestra de 1475 realza un llamativo medallón que lleva alrededor del cuello, probablemente el reverso de una antigua reliquia, en el que se reproducen los rasgos de Apolo y Marsias. Además, la preciosidad de tal joya podría incluso aumentar si, como sugieren muchas fuentes, hubiera pertenecido previamente a Lorenzo de 'Medici. La muchacha, no contenta con esta pompa, perdió, quién sabe cuánto tiempo, arreglando su espesa cabellera en un peinado sofisticado, dentro del cual se tejían una variedad de perlas, culminando en un tocado complejo y ricamente decorado. Finalmente, la riqueza que narra la historia del arte no exime al espectador de acceder a los interiores más lujosos, como, por ejemplo, los descritos en Archiduques Alberto e Isabel visitando una colección (c. 1621-1623) de Jan Brueghel y Hieronymus Francken II y en Retrato de familia de Luis XIV con Madame de Ventadour (siglo VIII) de Nicolas de Largilliere.

Botticelli, Retrato de una mujer joven , 1475-1480. Fráncfort: Städel Museum, Fráncfort.

En conclusión, si ahora piensas que la riqueza es algo que pertenece exclusivamente al mundo de los vivos, ¡estás muy equivocado! De hecho, el género de las vanitas a menudo se ha acomodado, junto con espeluznantes esqueletos, animales muertos y velas gastadas, a joyas llamativas. En este último contexto, ejemplificado por el bodegón de Brueghel Jan the Younger, titulado Naturaleza muerta con copa y jarrón de flores y caja con joyas (ca. 1620), emerge la esencia moral más auténtica del género, destinada a hacernos pensar que: posterior a nuestra muerte, será el esqueleto quien se embellecerá con nuestras joyas, disfrutando por la eternidad de lo que hemos ganado con los sacrificios de toda una vida. Después de estas últimas e inquietantes revelaciones, el arte contemporáneo responde, proponiendo temas más ligeros destinados a celebrar el "dios" dinero, a través de puntos de vista inéditos bien ejemplificados por el trabajo de artistas de Artmajeur como Esteban Vera, Art Vladi y Dominik Rutz.

Wo$H, B86516208A , 2022. Pintura, pintura en spray / acrílico / rotulador / resina / collages sobre Tablero MDF, 85 x 85 cm.

Esteban Vera, Dinero , 2019. Pintura, Acrílico/spray sobre lienzo, 90 x 110 cm.

Esteban Vera: Dinero

La pintura de Vera, tal y como explica el propio artista, inmortaliza el icono del juego de mesa más famoso y vendido de todos los tiempos, el Monopoly, personificado por un hombrecito de elegante bigote que, inicialmente llamado Rich Uncle Pennybags, literalmente el tío rico con la bolsa llena de monedas, finalmente tomó el apelativo de Mr. Monopoly en 1999. Las características del conocido personaje, ideado por el dibujante Dan Foz, se inspiraron en el famoso magnate financiero John Pierpont Morgan (1837-1913), quien De manera similar, solía ocultarse detrás de un bigote grueso, secciones de barba en su época extremadamente de moda. Mr. Monopoly, junto a la gran celebridad que ha acumulado el juego, se ha convertido con el paso de los años en una auténtica estrella, tanto que en 2006 Forbes lo incluyó en su lista de los 15 personajes de ficción más ricos de todos los tiempos, situándolo por delante. de Bruce Wayne, es decir, el extremadamente rico hombre de negocios detrás de la máscara de Batman. Llegado a este punto, surge la pregunta: ¿cómo entró el mundo del Monopoly en el arte? ¿Hubo quizás un precursor que favoreció la creación de la obra original e inédita del artista de Artmajeur? ¡La respuesta es afirmativa! El progenitor de la difusión de este tema artístico de Monopoly es Alec Monopoly, un hombre generalmente enmascarado con un pañuelo y un sombrero, pero estrictamente armado con una lata de aerosol, que ahora se ha convertido en un niño dorado del arte callejero contemporáneo. Sin embargo, sus obras, que se encuentran entre las más buscadas en todo el mundo, tienen un origen "nefasto": el artista comenzó a representar al Sr. Monopoly porque, en el punto álgido de la crisis financiera de 2008, deseaba volver a la prosperidad de Wall Street, pasando gran parte de su tiempo dedicándose precisamente al "positivismo" monetario del Monopoly. Art Vladi, Money , 2016. Pintura, acrílico sobre lienzo, 100 x 100 cm.

Arte Vladi: Dinero

El cuadro de Vladi, titulado Dinero, alude directamente a esa especie de "gasolina" de papel, destinada a alimentar todo el movimiento de nuestro mundo, al son de "rasguear" abridores y cerradores de carteras. Dentro de la narrativa figurativa, sin embargo, la mención del "dios" dinero ocurre a través de una simple inscripción, que encuentra su lugar sobre las fauces abiertas de un cocodrilo, rodeadas por un fondo colorido cubierto con otras "etiquetas". ¿Todo este contexto pretende aludir a cierta agresividad, inherente al hombre que se presta a negocios de mucho dinero? Tal hipótesis podría estar justificada, en primer lugar, por la boca abierta del primo mayor del dinosaurio, junto con la presencia de etiquetas, que pretenden aludir a lograr la mejor versión de nosotros mismos, sin duda alcanzable a través de prósperas ganancias. En cualquier caso, la "presión" captada hasta ahora también podría interpretarse con menor intensidad, precisamente al reflexionar sobre el hecho de que, los propios cocodrilos permanecen con la boca abierta incluso cuando están relajados, con el fin de estabilizar su calor corporal. En lo que respecta a la historia del arte, por otro lado, la combinación de cocodrilo y dinero, en particular artículos de lujo, se ha materializado, de una manera más "realista", en la icónica foto de Tyler Shields titulada "Gator", una toma , que, presente en múltiples variantes, inmortaliza a un caimán intentando arrebatarle el bolso de la mano a una mujer, en alusión a toda la fragilidad y precariedad en la que se sumerge el estilo de vida de los ricos.

Dominik Rutz, Style break #1 money , 2022. Pintura, resina/laca/pigmentos sobre madera, 70 x 50 cm.

Dominik Rutz: Cambio de estilo #1 dinero

La pintura de Rutz reutiliza una cantidad no identificable de billetes de banco, que superpuestos unos sobre otros parecen aludir a tal riqueza que el soporte pictórico es sumamente reducido e inadecuado para contenerlos. Este ataque es respondido por la propia madera, que al teñirse de rojo y albergar una x en su parte inferior derecha, parece rebelarse contra la hegemonía del dólar, señalándolo como lo que realmente es: portador de guerras, sangre y egoísmo. Después de estas interpretaciones personales, es obligado referirse a algo más concreto, a saber, los artistas populares en la historia del arte que, como Rutz, han utilizado dinero dentro de su investigación artística, como, por ejemplo, Mister E y David LaChapelle. El primero es un artista estadounidense conocido por su uso creativo de los billetes de 100 dólares, que espera convertir de iconos del mal en portadores de ambición más sanos. De hecho, refiriéndose a las propias palabras del Sr. E, revela: "A través de mi trabajo, quiero mostrar el lado hermoso del dinero. El dinero representa la libertad; debe inspirar a las personas a trabajar duro y motivar a todos. El dinero puede permitir que las personas tengan la libertad para hacer lo que elijan, para ser caritativos, para vivir sin estrés". Hablando de LaChapelle, por otro lado, el fotógrafo y videoartista estadounidense, principalmente famoso por sus retratos editoriales hiperrealistas, altamente saturados y a menudo controvertidos de celebridades, ha abordado el "dios" dinero en su serie "Monedas negativas". Este último investiga dólares, euros, etc., convirtiéndolos en una especie de película fotográfica en negativo, en la que se ven las dos caras de los billetes a la vez. Este recurso es utilizado por el artista para hacer pensar a la gente, ya que, aunque hermosos y brillantes, sus billetes deberían recordarles cómo el dinero es la principal causa de especulación en el mundo en que vivimos.