Πολύ συχνά, η κριτική τέχνης έχει δώσει ελάχιστη προσοχή σε μια ουσιαστική σύγκριση μεταξύ ακαδημαϊκά καταρτισμένων και αυτοδίδακτων καλλιτεχνών. Σε αυτήν την περίπτωση, στοχεύουμε να σπάσουμε αυτή την παράδοση, προσφέροντας μια καινοτόμο και αμερόληπτη ανάλυση που δεν επιδιώκει να επιβεβαιώσει την ανωτερότητα μιας κατηγορίας έναντι μιας άλλης, αλλά μάλλον να διερευνήσει τις πολλές οδούς μέσω των οποίων εκδηλώνεται το ταλέντο.
Αυτή η σύγκριση γίνεται εφικτή με την εξέταση τριών βασικών τεχνικών: τη ζωγραφική, τη γλυπτική και τη φωτογραφία. Για κάθε μορφή τέχνης, δύο ή περισσότερα έργα θα τοποθετηθούν σε διάλογο, με παρόμοια αισθητική ή θέμα, αν και δημιουργήθηκαν από καλλιτέχνες με ποικίλο υπόβαθρο.
Οι πίνακες θα συγκριθούν τόσο ως προς το ύφος όσο και ως προς το θέμα, τονίζοντας πώς καλλιτέχνες από διαφορετικά υπόβαθρα μπορούν να προσεγγίσουν παρόμοια θέματα και κινήσεις χρησιμοποιώντας μοναδικές τεχνικές και προσεγγίσεις. Η ενότητα που είναι αφιερωμένη στη γλυπτική θα αναλύσει την αναπαράσταση της ανθρώπινης φιγούρας, διερευνώντας πώς καλλιτέχνες με αντίθετα υπόβαθρα ερμηνεύουν το σώμα, τονίζοντας τόσο τις διαφορές όσο και τις ομοιότητες στη μεταχείρισή τους. Τέλος, η φωτογραφία θα αντιπαραβάλλει δύο γυναίκες καλλιτέχνες, η μία με ακαδημαϊκή κατάρτιση και η άλλη αυτοδίδακτη, δείχνοντας πώς οι απόψεις τους για τον κόσμο αντικατοπτρίζονται στις εικόνες τους, παρά τις διαφορετικές εμπειρίες και υπόβαθρα.
Σε αυτό το σημείο, σας προσκαλώ να ανακαλύψετε πώς το ταλέντο μπορεί να αναδειχθεί με απροσδόκητους τρόπους, ανεξάρτητα από την εκπαιδευτική διαδρομή: θα είναι μια ευκαιρία να ανακαλύψετε νέες προοπτικές και να δείτε την τέχνη με νέα μάτια!
«TRUST IN TECHNOLOGY» (2024) Πίνακας Hu/Lie
The Green Hill (2024) Πίνακας του di Yannick Aaron
The Street Art of Hu/Lie και Yannick Aaron
Η τέχνη του δρόμου είναι ένας «ποικιλόμορφος κόσμος», που κατοικείται σε μεγάλο βαθμό από αυτοδίδακτους καλλιτέχνες που χαράσσουν την πορεία τους μέσα από την εμπειρία και τον πειραματισμό, συχνά έξω από τα επίσημα πλαίσια των παραδοσιακών θεσμών τέχνης. Ωστόσο, υπάρχουν επίσης πολλές αξιόλογες προσωπικότητες μέσα στο κίνημα που έλαβαν ακαδημαϊκή εκπαίδευση, όπως ο Hu/Lie, ένας καλλιτέχνης που αναγνωρίζεται για το κριτικό του όραμα και την κυριαρχία σε διάφορες τεχνικές. Σε αυτή τη σύγκριση, θα εξερευνήσουμε ένα από τα έργα του μαζί με εκείνα του Yannick Aaron, ενός καλλιτέχνη επίσης παρών στο Artmajeur, ο οποίος αντιπροσωπεύει την αυτοδίδακτη πλευρά της τέχνης του δρόμου.
Ο Hu/Lie, γεννημένος το 1975 στη Γαλλία και σπουδασμένος στη Σχολή Καλών Τεχνών στο Στρασβούργο, εξερευνά τη σχέση μεταξύ της ανθρωπότητας και του σύγχρονου κόσμου. Η χρήση εφήμερων υλικών και έντονων χρωμάτων δημιουργεί μια βαθιά συναισθηματική σύνδεση με το κοινό. Στο έργο του "Trust in Technology" , χρησιμοποιεί λάδι και ακρυλικό σε καμβά για να αντιμετωπίσει ένα πολύ επίκαιρο θέμα: την άρνηση της κλιματικής αλλαγής και την αποσύνδεση μεταξύ της επίγνωσής μας για τις περιβαλλοντικές κρίσεις και των καθημερινών μας ενεργειών.
Οι εσωτερικοί μηχανισμοί απόρριψης αυτής της αλλαγής αναδύονται δυναμικά μέσω της χρήσης του χρώματος: το πρόσωπο του υποκειμένου κρύβεται εν μέρει από χρωματική παραμόρφωση, καθιστώντας την έκφρασή του αινιγματική και κατακερματισμένη - σύμβολο των αβεβαιοτήτων και των αντιφάσεων που κυριαρχούν στη σχέση μας με τη φύση περιβάλλο.
Αυτή η όψη έρχεται σε αντίθεση με το «La Colline Verte» του Yannick Aaron, όπου το μπλε χρώμα περνά μέσα από την ανθρώπινη φιγούρα διαφανώς, σαν ένα κύμα που δένει αρμονικά με το περιβάλλον. Και τα δύο έργα διερευνούν τη σχέση μεταξύ ανθρώπου και κόσμου, αλλά με αντίθετους τρόπους: ο Hu/Lie δίνει έμφαση στον κατακερματισμό και την αποσύνδεση, ενώ ο Aaron εξερευνά τη σύντηξη και τη συμβίωση.
Τέλος, όσον αφορά τον αυτοδίδακτο Yannick Aaron, γεννημένο το 1985 στο Fontainebleau, ανέπτυξε το στυλ του ξεκινώντας από τον κόσμο του γκράφιτι, εμπλουτίζοντάς το σταδιακά με μια διασταύρωση γεωμετρικών σχημάτων και χρωματικών παραλλαγών.
No. 1381_Untitled (2024) Πίνακας του Guido Lötscher
Abstract-211 (2023) Πίνακας του Nivas Kanhere
Αφαίρεση των Guido Lötscher και Nivas Kanhere
Γνωρίζατε ότι μερικοί από τους μεγαλύτερους αφηρημένους ζωγράφους στην ιστορία της τέχνης ήταν αυτοδίδακτοι, ενώ άλλοι έλαβαν επίσημη ακαδημαϊκή εκπαίδευση; Για παράδειγμα, ο François Morellet, που φημίζεται για τα γεωμετρικά του έργα, ήταν αυτοδίδακτος. Αντίθετα, ο Wassily Kandinsky, πρωτοπόρος της αφηρημένης τέχνης, σπούδασε σε μερικές από τις καλύτερες σχολές τέχνης της Ευρώπης, βελτιώνοντας τη θεωρητική του κατανόηση για το χρώμα και τη μορφή.
Σε αυτή την παράδοση, σήμερα βρίσκουμε καλλιτέχνες με πολύ διαφορετικά υπόβαθρα, όπως τον Guido Lötscher, έναν αυτοδίδακτο Ελβετό ζωγράφο και τον Nivas Kanhere, ο οποίος έχει ακαδημαϊκό υπόβαθρο. Ο πρώτος, παρών στο Artmajeur, είναι ένας αυτοδίδακτος καλλιτέχνης του οποίου το έργο "No. 1381_Untitled" δείχνει την εφαρμογή πολλαπλών στρωμάτων χρώματος, στη συνέχεια ξύνεται και τοποθετείται πάνω για να δημιουργήσει υφή και βάθος—ίσως προορίζεται να προκαλέσει την οπτική γλώσσα του Ρίχτερ.
Ο Nivas Kanhere, που εκπαιδεύτηκε στο Sir JJ School of Art στη Βομβάη, φαίνεται πιο κοντά στο παράδειγμα του Color Field. Επιδιώκει να δημιουργήσει έναν σύνδεσμο μεταξύ του αισθητηριακού και του μεταφυσικού, με στόχο να μεταφέρει μια στοχαστική ηρεμία, που δημιουργείται από την υπέρθεση χρωμάτων και σχημάτων για να δημιουργήσει μια δυναμική ισορροπία, που εκφράζει τόσο τη δύναμη όσο και την ηρεμία. Πράγματι, ενώ ο Lötscher εργάζεται με τυχαίες επικαλύψεις, ο Kanhere κατασκευάζει το έργο του με μια πιο πυκνή και δομημένη υφή, όπου κάθε πινελιά φαίνεται να σμιλεύει ένα συναισθηματικό τοπίο, σχεδόν σαν ο πίνακας να ήταν ένας αφηρημένος χάρτης των εμπειριών του.
Το καβούρι παρακολουθεί τον εαυτό του με τον πίνακα του (2024) του Babatunde Bakare
Πρωινό με τον Σρόντινγκερ (2020) Πίνακας του Igor Skaletsky
Το εξπρεσιονιστικό πορτρέτο των Μπαμπατούντε Μπακαρέ και Ιγκόρ Σκαλέτσκι
Ποιος είναι ο ορισμός του είδους πορτρέτου; Το πορτρέτο είναι μια καλλιτεχνική αναπαράσταση ενός ατόμου, με στόχο να συλλάβει τη φυσική, ψυχολογική και μερικές φορές συμβολική ουσία του θέματος. Είναι μια από τις παλαιότερες μορφές τέχνης και μπορεί να είναι παραστατική, στυλιζαρισμένη ή αφηρημένη, ανάλογα με την ευαισθησία και το ιστορικό πλαίσιο του καλλιτέχνη.
Τι εννοούμε εξπρεσιονιστικό πορτρέτο; Ένα εξπρεσιονιστικό πορτρέτο ξεπερνά την απλή ρεαλιστική απεικόνιση, δίνοντας έμφαση στην έκφραση συναισθήματος και υποκειμενικότητας του καλλιτέχνη. Ο στόχος δεν είναι να απεικονιστούν με ακρίβεια τα φυσικά χαρακτηριστικά του θέματος, αλλά μάλλον να μεταδοθούν συναισθηματικές καταστάσεις, εσωτερικές εντάσεις και το ψυχολογικό βάθος του θέματος μέσω παραμορφώσεων, φωτεινών χρωμάτων και έντονων πινελιών.
Με αυτό το κλασικό προοίμιο, ήρθε η ώρα να παρουσιάσουμε τα έργα δύο καλλιτεχνών Artmajeur με αυτό το θέμα: τον Babatunde Bakare, έναν αυτοδίδακτο Νιγηριανό καλλιτέχνη και τον Igor Skaletsky, έναν Ρώσο καλλιτέχνη με ακαδημαϊκή κατάρτιση. Το κομμάτι του Bakare, «The Crab Watches Itself with Its», χρησιμοποιεί λάδι και ύφασμα Άγκυρας σε καμβά για να εξερευνήσει το είδος του εξπρεσιονιστικού πορτραίτου. Συνδυάζει την αφρικανική παραστατική παράδοση με μια σύγχρονη εικαστική γλώσσα. Το μοντέλο, που χαρακτηρίζεται από ένα παραμορφωμένο και έντονα εκφραστικό πρόσωπο, προκαλεί μια βαθιά αίσθηση πολιτιστικού ανήκειν, όπου τα ζωντανά χρώματα και τα παραδοσιακά υφάσματα δεν είναι μόνο διακοσμητικά, αλλά προορίζονται να τονίσουν τον πλούτο των εθνικών ριζών.
Αντίθετα, ο Igor Skaletsky, εκπαιδευμένος στην Κρατική Ακαδημία Τεχνών της Μόσχας, χρησιμοποιεί τεχνικές κολάζ και ακρυλικού για να συνδυάσει φωτογραφία και ζωγραφική, χειραγωγώντας τα όρια μεταξύ πραγματικότητας και φαντασίας. Στο «Πρωινό με τον Σρέντινγκερ», ο Σκαλέτσκι δημιουργεί μια σουρεαλιστική σκηνή, όπου μια φιλική ανθρώπινη φιγούρα αλλοιώνεται από μια αφηρημένη μάσκα. Το έργο απεικονίζει πώς ο εξπρεσιονισμός μπορεί να συνδυαστεί με την ειρωνεία και τη φαντασία, καλώντας τον θεατή να αμφισβητήσει την πραγματικότητα και την ταυτότητα.
Γίνεται ξεκάθαρο ότι ενώ ο Babatunde Bakare εστιάζει σε τοπικά υλικά και εικονική παραμόρφωση σε πρώτο πλάνο τον πολιτιστικό πλούτο και την εσωτερική πάλη, ο Igor Skaletsky παίζει με το παράλογο και την ειρωνεία, δημιουργώντας σουρεαλιστικούς κόσμους όπου το πορτρέτο του ανθρώπου γίνεται αινιγματικό σύμβολο.
N°361 (2021) Γλυπτό του Maxime Plancque
Επιτραπέζιο ποδόσφαιρο XS (2024) Γλυπτό του Idan Zareski
Τα γλυπτά του Maxime Plancque και του Idan Zareski
Γνωρίζατε ότι μερικοί από τους μεγαλύτερους γλύπτες του κόσμου ακολούθησαν πολύ διαφορετικά εκπαιδευτικά μονοπάτια; Ο Henry Moore, διάσημος για τα μνημειώδη αφηρημένα γλυπτά του, έλαβε ακαδημαϊκή εκπαίδευση στο Leeds School of Art και αργότερα στο Royal College of Art του Λονδίνου. Αντίθετα, ο William Edmondson, ένας διάσημος Αμερικανός γλύπτης, ήταν εντελώς αυτοδίδακτος. Ο Έντμοντσον ξεκίνησε τη γλυπτική χωρίς επίσημη καλλιτεχνική εκπαίδευση, χρησιμοποιώντας στοιχειώδη εργαλεία όπως αιχμές και σφυριά για να δημιουργήσει θρησκευτικά γλυπτά και ταφικές φιγούρες. Το 1937 έγινε ο πρώτος Αφροαμερικανός καλλιτέχνης που έκανε ατομική έκθεση στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης (MoMA) της Νέας Υόρκης.
Στον σύγχρονο κόσμο του Artmajeur, ο Γάλλος καλλιτέχνης Maxime Plancque αντιπροσωπεύει ένα παράδειγμα ακαδημαϊκά καταρτισμένου καλλιτέχνη. Τα μεταλλικά γλυπτά του αντικατοπτρίζουν την απλοποιημένη παραστατική προσέγγισή του, με θέματα περιορισμένα σε μίνιμαλ σιλουέτες. Στο γλυπτό του "No. 361" , για παράδειγμα, τα σώματα στερούνται σχεδόν πλήρως ανατομικών λεπτομερειών και τα λεπτά πόδια τους δίνουν μια εντύπωση κίνησης και ελαφρότητας, παρά τη χρήση ενός βαρύ υλικού όπως το ατσάλι.
Από την άλλη, ο Idan Zareski, ένας αυτοδίδακτος καλλιτέχνης, αντλεί έμπνευση από διάφορους πολιτισμούς. Το γλυπτό του "Babyfoot XS" , μέρος της σειράς Bigfoot, υπερβάλλει ορισμένα μέρη του σώματος, όπως τα πόδια, ενώ διατηρεί μια ρεαλιστική αναπαράσταση της ανθρώπινης φιγούρας. Μέσα από αυτό το στυλ, ο Zareski αποτυπώνει την αθωότητα της παιδικής ηλικίας με μια καθιστή φιγούρα, της οποίας τα υπερμεγέθη κάτω άκρα έχουν σκοπό να συμβολίσουν το ταξίδι της ζωής και τα ίχνη που αφήνουμε πίσω μας.
Τέλος, αν και και τα δύο έργα ενισχύουν την ανθρώπινη μορφή, το «Νο. 361» ανάγει τη φιγούρα σε μια στυλιζαρισμένη αφαίρεση, ωθώντας τη φαντασία του θεατή να ερμηνεύσει τις ελάχιστες φόρμες και την υπονοούμενη κίνηση. Αντίθετα, «Babyfoot
Chamallow I (2023) Φωτογραφία από την Mathilde Oscar
Μην ανησυχείς βασίλισσα μου 20/03 (2020) Φωτογραφία di Bettina Dupont Φωτογραφία: Bettina Dupont και Mathilde Oscar
Φτάσαμε στο συμπέρασμα... με δύο εξαιρετικά φωτογραφικά έργα Γάλλων καλλιτεχνών: της αυτοδίδακτης φωτογράφου Bettina Dupont και της ακαδημαϊκής Mathilde Oscar. Στη συγκεκριμένη περίπτωση, η σύγκριση μεταξύ των δύο καλλιτεχνών καθίσταται δυνατή από την προσωπική και μοναδική τους προσέγγιση στο θέμα του ιερού, ένα θέμα που ασχολούνται και οι δύο, αλλά με πολύ διαφορετικές εικαστικές γλώσσες και νοήματα.
Η Mathilde Oscar, γεννημένη στο Παρίσι το 1980, έχει γερό υπόβαθρο στην ιστορία της τέχνης και τη γραφιστική. Το πάθος του για τη ζωγραφική και η ακαδημαϊκή του κατάρτιση αντικατοπτρίζονται ξεκάθαρα στις φωτογραφίες του, που συνδυάζουν τους κώδικες της κλασικής ζωγραφικής με την ψηφιακή τέχνη. Ο Chamallow I είναι ένα τέλειο παράδειγμα του στυλ του: ειρωνικό, αναχρονιστικό και οπτικά σαγηνευτικό. Σε αυτό το έργο, ο Όσκαρ πραγματεύεται το θέμα του ιερού με λεπτό χιούμορ και σουρεαλιστική πινελιά. Η αναπαράσταση του μοντέλου, που περιβάλλεται από παραδοσιακά ιερά σύμβολα, όπως ένα φωτοστέφανο και μια άψογη καρδιά, έρχεται σε ειρωνεία σε αντίθεση με σύγχρονες και επιπόλαιες λεπτομέρειες όπως marshmallows.
Από την άλλη, η Bettina Dupont, γεννημένη το 1996, είναι μια αυτοδίδακτη καλλιτέχνιδα που ξεκίνησε το δημιουργικό της ταξίδι στην εννοιολογική φωτογραφία. Η προσέγγισή του στο ιερό είναι πολύ πιο συμβολική και αντανακλαστική από αυτή του Όσκαρ. Στο Don't Worry My Queen 03/20, ο Dupont χρησιμοποιεί απλή αλλά δυνατή σύνθεση, με έντονες αναφορές στον θρησκευτικό συμβολισμό και τη λαϊκή κουλτούρα. Τα έργα του διερευνούν σύνθετα θέματα όπως η ανθρώπινη κατάσταση, η σχέση με τον χρόνο, το καλό και το κακό και η αντίληψή μας για τη σύγχρονη πραγματικότητα.
Η φωτογραφία απεικονίζει μια σουρεαλιστική σκηνή όπου μια φιγούρα επιπλέει, κρεμασμένη σε ένα ονειρικό σύμπαν, με σύννεφα και βέλη που παραπέμπουν σε βιβλικές και μυθολογικές αναφορές. Κάθε λεπτομέρεια είναι προσεκτικά μελετημένη για να προκαλέσει βαθιά σκέψη στον θεατή. Ο Dupont καλεί το κοινό να αμφισβητήσει αυτό που βλέπει, αφήνοντας χώρο για προσωπικές ερμηνείες.
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Magazine
