Γαλλικός ιμπρεσιονισμός εναντίον όλων!

Armen Ghazayran, Θέα από το παράθυρο , ακρυλικό σε χαρτόνι, 50,8 x 40,6 cm.

Όταν οι άνθρωποι μας μιλούν για τον ιμπρεσιονισμό, γενικά, θυμόμαστε την εικόνα του «τυπικού» γενειοφόρου και κάπως «clochard» Γάλλου ζωγράφου, ο οποίος, με την πρόθεση να ζωγραφίσει με τα χέρια του λερωμένα με χρώμα, να κρυφτεί κάτω από μια ομπρέλα ή ένα καπέλο, είναι έτοιμο να απαθανατίσει τις μεταβαλλόμενες εποχές, τα φώτα, τις σκιές και τα χρώματα, τις εποχές που θα εκδηλωθούν στο ίδιο θέμα ή πολλά. Μια τέτοια διανοητική αναπαράσταση, πιθανώς αλλοιωμένη από τα ίδια τα χαρακτηριστικά του Claude Monet, «bo$$» του κατ' εξοχήν καλλιτεχνικού ρεύματος, οδηγεί κάποιον να αναλογιστεί το γεγονός του πώς, ο γαλλικός ιμπρεσιονισμός, επιβλήθηκε δυναμικά στη σύλληψή μας, συχνά «επισκιάζοντας» τον εαυτό του. την περιέργεια της γνώσης «ξένων» ερμηνειών της ίδιας τάσης. Το θέμα της απεικόνισης των γυναικών στο είδος του τοπίου φαίνεται τέλειο για τη σύγκριση του παριζιάνικου στυλ με το αμερικανικό, το ιταλικό και το ισπανικό στυλ, δηλαδή μερικές μόνο από τις πολλαπλές απόψεις που έχουν προκύψει για το προαναφερθέν ρεύμα. Ξεκινώντας από τον πιο διάσημο δάσκαλο, το Monet's Walk on the Cliff (1882) βυθίζει κυριολεκτικά τη φιγούρα της γυναίκας στη φύση, έναν φυσικό κόσμο μέσα στον οποίο, η συγχώνευση και η χρωματική αρμονία οδηγούν στην αντίληψη του ανθρώπου ως "προέκταση" τον ίδιο τον γκρεμό. Επιπλέον, στην παραπάνω περιγραφή προστίθενται τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα της γυναικείας ερμηνείας του Μονέ, ο οποίος, σε αριστουργήματα του διαμετρήματος των The Walk (1875) και The Poppies (1873), είχε ήδη αναπαραστήσει γυναίκες εξοπλισμένες με τα «γραφικά» φορέματα του χρόνο συνοδευόμενο από «φτερουγισμένα» καπέλα και ομπρέλα ηλίου. Ένας τέτοιος τρόπος γυναικείας αναπαράστασης φαίνεται να «μελετείται», προκειμένου να εμπλουτιστεί το τοπίο με απολαυστικές φιγούρες, οι οποίες, καλοντυμένες, φέρνουν στη φύση τη χάρη της πιο ήρεμης και «επιφανειακής» θηλυκότητας, κατανοητή ως σιωπηλή μορφή να συλλογιστεί στην ομορφιά του. Επιστρέφοντας για λίγο στο αριστούργημα Walk on the Cliff, είναι σημαντικό να αφηγηθούμε πώς, ο εμβληματικός πίνακας, που στεγάζεται στο Ινστιτούτο Τέχνης στο Σικάγο, αντιπροσωπεύει έναν γνήσιο καρπό της ευαισθησίας του δασκάλου, ο οποίος δημιούργησε ένα φρέσκο, άμεσο, βαθύ και φωτεινό σύνθεση, μέσα στην οποία διακρίνονται τρεις διακριτές μάζες, δηλαδή αυτή του ουρανού της θάλασσας και του γκρεμού, στην οποία παρεμβάλλει με δεξιοτεχνία τις φιγούρες των δύο γυναικών, τα πανιά στη θάλασσα και τα σύννεφα στον ουρανό. Ένα όραμα του γυναικείου φύλου που επικεντρώνεται περισσότερο σε μια «εσωτερική» και «οικεία» ερμηνεία, αν και ακόμα λεπτή και επιμελώς κομψή, μας παρέχεται από ένα μεταγενέστερο έργο του 1872, το οποίο, με τίτλο Άνοιξη, πλαισιώνει πιο στενά την εικόνα της Camille. Ο Μονέ, ο οποίος, σιωπηλός και απορροφημένος στην ανάγνωση, παγιδεύεται σε μια τυπικά οικιακή σκηνή, που διαδραματίζεται στο Argenteuil, ένα χωριό βορειοδυτικά του Παρισιού στο οποίο ο ζωγράφος μετακόμισε με την οικογένειά του το 1871.

Claude Monet, Walk on the cliff , 1882. Λάδι σε καμβά. Σικάγο: Ινστιτούτο Τέχνης του Σικάγο

John Singer Sargent, The Black Brook , περ. 1908. Ελαιογραφία σε καμβά. Λονδίνο: Tate.

Ο αμερικανικός ιμπρεσιονισμός «απάντησε» στον Μονέ εξαλείφοντας το βιβλίο και, ως εκ τούτου, αυξάνοντας τη συναισθηματική φόρτιση του ομοιώματος, που βρίσκεται «χαμένη» μέσα στη δική της εσωτερικότητα, όπως ακριβώς φαίνεται στο The Black Brook (1908) του John Singer Sargent και Το πορτρέτο μιας νεαρής κοπέλας της Mary Cassat (1899). Μιλώντας για το πρώτο αριστούργημα, το σκεπτικό και μοναχικό θέμα που απεικονίζει ο γνωστός Αμερικανός ζωγράφος είναι η ανιψιά του καλλιτέχνη, Ρόουζ-Μαρί Όρμοντ, η οποία τότε ήταν 15 ετών και καθόταν δίπλα σε ένα ρυάκι στην Αόστα, μια πόλη στην βόρεια Ιταλία. Ακριβώς αυτό το νατουραλιστικό σκηνικό χρησιμεύει στον ζωγράφο ως το δεύτερο επίκεντρο του έργου, το οποίο επιδιώκει να συλλάβει την κίνηση του φωτός και της σκιάς στο ρέμα, τα λουλούδια και το φόρεμα της κοπέλας, μέσα από ένα παχύ και ανεπεξέργαστο εικαστικό «κτύπημα ." Όσο για τη Mary Cassat, η «ανάλογη» ερμηνεία της για τη γυναικεία μορφή λαμβάνει χώρα στο Château Beaufresne ή κοντά στο Château Beaufresne, δηλαδή κοντά στο σπίτι που είχε αγοράσει ο καλλιτέχνης το 1894 στην κοιλάδα του ποταμού Oise, περίπου πενήντα μίλια βορειοδυτικά του Παρίσι. Μια τέτοια άποψη, ωστόσο, εμπλουτίζεται από ένα υπερυψωμένο πλεονέκτημα, το οποίο καθιστά τον χώρο ισοπεδωμένο και χωρίς ορίζοντα, χαρακτηριστικά που αποσκοπούν να υποδηλώσουν τη σημαντική επιρροή που άσκησε η ιαπωνική τέχνη στον υπερπόντιο ζωγράφο. Μιλώντας για την Ιταλία, από την άλλη πλευρά, ο πίνακας του Macchiaiolo Giovanni Fattori γίνεται απόδειξη του πώς, με τις τυπικές ομπρέλες και τις «σκηνογραφικές» στάσεις του Monet, μπορούν να συνοδεύονται πιο οικείες και μοναχικές συμπεριφορές, που στοχεύουν στη στέρηση του θέματος. μέρος της πιο επιπόλαιης θηλυκότητάς του. Ένα τέτοιο «στόχο» επεδίωξε ο Τοσκανός καλλιτέχνης στο Lady in the Open Air (1866), μια ελαιογραφία που διατηρείται στην Pinacoteca di Brera (Μιλάνο), στην οποία η ιδέα της ανάμνησης μας δίνεται με τη χρήση του μια κυρίως σκοτεινή παλέτα, η οποία, τείνει προς το καφέ, περιβάλλει το ομοίωμα ως ένα είδος μελαγχολικής «αύρας» που στοχεύει να φέρει τη σιωπή, τη μοναξιά και τον προβληματισμό. Επιπλέον, το πρόσωπο της γυναίκας σκοτεινιάζει από τη σκιά της ίδιας της ομπρέλας, κάτω από την οποία, μυστηριωδώς, αποκαλύπτονται τα χαρακτηριστικά μιας απρόσωπης φιγούρας, δηλαδή χωρίς μάτια, στόμα, μύτη κ.λπ. Παρόλα αυτά, παρεμβαίνει για να φωτίσει τις σκέψεις της γυναίκας. ο προνοητικός ήλιος, λαμπερό αστέρι που δίνει τον καλύτερό του εαυτό για να λάμψει το λευκό του μακριού φορέματος της πρωταγωνίστριας του τραπεζιού. Τέλος, μιλώντας «ισπανικά», φτάνουμε σε έναν από τους πιο γνωστούς εκφραστές του ιμπρεσιονισμού στην Ιβηρική Χερσόνησο, τον Joaquín Sorolla, ο οποίος, στο Instantánea, Biarritz, έργο του 1906, δείχνει μεγάλες συγγένειες με τον Μονέ, έχοντας δημιουργήσει ένα τυπικά καλοκαίρι. ζωγραφική, στην οποία η πρωταγωνίστρια, ντυμένη στα λευκά και απεικονίζεται στο κέντρο του έργου, είναι σχεδόν σίγουρα η σύζυγος του ίδιου του καλλιτέχνη, Clotilde Garcia del Castillo. Η γυναίκα, που έγινε αντιληπτή με γρήγορες πινελιές και χρωματικές πινελιές, που χαρακτηρίζεται από μερικές χρωματικές πινελιές με σκοπό τη δημιουργία των φιγούρων, φαίνεται να είναι η μακρινή Ισπανίδα ξαδέρφη της Camille Monet του The Promenade (1875), ενός έργου που ο Monet έκανε από ένα διαφορετικό εικονιστικό, χωρικό και φωτεινό πλαίσιο. Η ιστορία του παγκόσμιου ιμπρεσιονισμού συνεχίζεται μέσα από το έργο καλλιτεχνών Artmajeur που ερμήνευσαν ένα από τα πιο εμβληματικά ρεύματα της τέχνης, όπως οι Yue Zeng, Xuan Khanh Nguyen και Natalya Savenkova.

Yue Zeng, Μελέτη τοπίου #9 μπάλες άχυρου , 2021. Λάδι σε καμβά, 27,9 x 35,6 cm.

Yue Zeng: Μελέτη τοπίου #9 Μπάλες από άχυρο

Η ελαιογραφία του Zeng απεικονίζει, μέσα από πολλαπλές και φευγαλέες πινελιές καθαρά ιμπρεσιονιστικού τρόπου, ένα εκτεταμένο και ηλιόλουστο χωράφι με σιτάρι, μέσα στο οποίο, στα δεξιά, σκιαγραφείται η φιγούρα του αδιαμφισβήτητου πρωταγωνιστή του έργου, δηλαδή ένα από αυτά τα τυπικά άχυρα που, πολλαπλά και σιωπηλά, είναι διατεταγμένα στα αγροτικά τοπία, μεταφέροντας στον θεατή όλη την ασυδοσία που ενυπάρχει στην παρουσία ενός άψυχου όντος. Μια τέτοια περιγραφή θα μπορούσε εν μέρει να «ανακυκλωθεί» για να περιγράψει ένα από τα αδιαμφισβήτητα αριστουργήματα του προαναφερθέντος κινήματος, που απαθανάτισε ένα παρόμοιο θέμα: τις θημωνιές. Το εν λόγω έργο, που δημιουργήθηκε από τον Monet, με τίτλο Haystacks, End of Summer και χρονολογείται το 1890, είναι μέρος μιας σειράς έργων ζωγραφικής στους οποίους ο Γάλλος δάσκαλος, όπως συνηθιζόταν, ανατέμνει το ίδιο θέμα απαθανατίζοντάς το από πολλαπλές φωτεινές απόψεις. Στη συγκεκριμένη περίπτωση, ο καλλιτέχνης πήγε συγκεκριμένα σε ένα χωράφι όχι μακριά από το Giverny, μια τοποθεσία στην οποία δραστηριοποιήθηκε για αρκετούς μήνες, προκειμένου να καταγράψει πιστά τις μεταβαλλόμενες καιρικές συνθήκες. Ανάμεσα στα πολλά επιτεύγματα, αυτό του 1890 ξεχωρίζει για την απόδοσή του στον καμβά στήριξης ενός τοπίου λουσμένου στο φως του ήλιου, μέσα στο οποίο επιβάλλεται η παρουσία δύο μοναχικών στάβων από μίσχους σιταριού, μεταξύ των οποίων, το ένα στα δεξιά, πιο κοντά. για τον θεατή, αποδεικνύεται πολύ μεγαλύτερο από το δεύτερο, παρά το γεγονός ότι ο τελευταίος είναι στην πραγματικότητα λίγο πιο μακριά. Τέλος, οι δύο βουβές συστάδες σιταριού σχεδόν μοιάζουν να κοιτάζουν ρομαντικά τον ορίζοντα, στον οποίο, στο βάθος, η παρουσία τους αντικαθίσταται από αυτή των δέντρων και των λόφων, που κρέμονται από έναν ουρανό καθαρό από σύννεφα.

Xuan Khanh Nguyen, Row of red trees #12 , 2023. Ακρυλικό σε καμβά, 60 x 50 cm.

Xuan Khanh Nguyen: Σειρά με τα κόκκινα δέντρα #12

Ο Frederick Childe Hassam Αμερικανός ιμπρεσιονιστής ζωγράφος, γεννημένος το 1859, δημιούργησε τον κήπο της Celia Thaxter, Isles of Shoals, Maine το 1890, έναν πίνακα που αντιπροσωπεύει το αποκορύφωμα της παραγωγής του, που έλαβε χώρα τα καλοκαίρια του τέλους του δέκατου ένατου αιώνα, που πέρασε στην τοποθεσία Appledore. Island (New Hampshire), στον πολυτελή κήπο της ποιήτριας Celia Thaxter, στενής φίλης του καλλιτέχνη. Η ιδέα πίσω από την επιτυχία αυτού του έργου είναι ακριβώς η χρωματική αντίθεση, που ο ζωγράφος έχει συνθέσει στην απεικόνιση του κόκκινου των λουλουδιών και του λευκού του βραχώδους εδάφους, τα οποία, στο βάθος, παρέχουν ένα προοπτικό σκηνικό μαζί με τον ωκεανό. . Οι αισθήσεις που παρέχει η προαναφερθείσα τονική αντιστοίχιση προκαλούν μια ξεκάθαρη διέγερση των αισθήσεων, η οποία, που αναφλέγεται από το κόκκινο και απαλύνεται από τους παστέλ τόνους, έχει σκοπό να επαναλάβει την άγρια εμφάνιση των λουλουδιών, θριαμβεύοντας την οριζόντια ισορροπία του ήσυχου φόντου. Αυτή η περιγραφή έχει κοινά σημεία με τον πίνακα του καλλιτέχνη Artmajeur Nguyen, του οποίου το έργο, με τίτλο Row of the red trees #12, φαίνεται να δείχνει «κατάφυτα» λουλούδια, τα οποία, έχοντας γίνει κόκκινα δέντρα, επιβάλλονται στη σύνθεση, τραβώντας την προσοχή του θεατή. καθώς ενισχύονται από την ηρεμία του περιβάλλοντος χρωματισμού. Προσθέτοντας σε αυτό τα λόγια του ίδιου του καλλιτέχνη, το «φανταχτερό» ακρυλικό θα επιδίωκε να αφηγηθεί την ιστορία της ρουτίνας των βιετναμέζων μαθητών που, ντυμένες σύμφωνα με την τοπική παράδοση, συγκεκριμενοποιούν, μέσω της τέχνης, την αφήγηση της πιο απλής καθημερινότητας.

Natalya Savenkova, Ιταλία ζωγραφική Riomaggiore , 2022. Λάδι σε καμβά, 30 x 40 cm.

Natalya Savenkova: Η Ιταλία ζωγραφίζει τον Riomaggiore

Η ικανότητα ενός ζωγράφου είναι να συλλαμβάνει την ομορφιά ή τη σημασία του πραγματικού, εξετάζοντας προσεκτικά με τα μάτια του αυτό που τον περιβάλλει, για να το «ανασυνθέσει» σε αποκαλυπτικά οράματα, ικανά να επιδείξουν στην ανθρωπότητα τη δύναμη της δημιουργίας. Αυτές οι φράσεις, με μια μάλλον ρομαντική τάση, μοιάζουν να παίρνουν μια «ελάσσονα» αξία, αν βρεθεί κανείς σε ένα μέρος του διαμετρήματος του Riomaggiore (Λιγουρία, Ιταλία), έναν κατ' εξοχήν τουριστικό προορισμό στον οποίο η φύση, πρώτα, επιβλήθηκε. ως αριστοτεχνικός καλλιτέχνης, ικανός να συνδυάζει απόψεις και χρώματα, αντάξιος ενός σύγχρονου Πυγμαλίωνα που, αφού δημιούργησε ένα τέτοιο αριστούργημα, θα έπρεπε να το είχε ερωτευτεί χωρίς να επιτρέψει στον άνθρωπο να το απολαύσει. Ακριβώς σε αυτό το πλαίσιο το έργο του καλλιτέχνη εμφανίζεται σχεδόν διευκολυνόμενο, καθώς οι Cinque Terre προσφέρουν σε όλες τους τις παραλλαγές, έτοιμα εξαιρετικά οπτικά στοιχεία. Μέσα στην ιστορία της τέχνης, ένα παράδειγμα «αυτή η τέχνη μέσα στην τέχνη» μας προσφέρει η παραγωγή του Φλωρεντίνου Macchiaiolo Telemaco Signorini, ο οποίος, αφού ερωτεύτηκε τον Riomaggiore, εγκαταστάθηκε εκεί στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα. περίοδο κατά την οποία απαθανάτισε το χωριό από διαφορετικές οπτικές γωνίες και οπτικές γωνίες, εκφράζοντας την αγάπη του για τον τόπο με αυτά τα λόγια: «Ανάμεσα σε εκείνο το ίζημα από θόλους και σκάλες κατεβήκαμε στο στενό φαράγγι του λιμανιού, στη μαρίνα, και υπήρξε το ξύπνημα των αισθήσεών μας». Η καλλιτέχνης Artmajeur Savenkova φαίνεται να κάνει μια τέτοια «σύνθεση» να αντηχεί στην άποψή της για το Cinque Terre, προσφέροντάς μας μια προοπτική που μας θυμίζει, με μοναδικό και πρωτότυπο τρόπο, τα τοπία της Λιγουρίας του δασκάλου της Τοσκάνης.