Karin Aznavour, Αστροναύτης Έλληνας θεός , 2020. Ψηφιακή τέχνη, πολλές διαθέσιμες μορφές.
Η σημασία της αρχαίας ελληνικής γλυπτικής
Η γλυπτική της αρχαίας Ελλάδας αποτελεί ουσιαστικό σημείο αναφοράς για τη μελέτη της ρεαλιστικής απόδοσης του ανθρώπινου σώματος, στην πραγματικότητα, έχει σημαδέψει ανεξίτηλα την ιστορία της δυτικής τέχνης στα πιο ποικίλα ρεύματα και εκδηλώσεις της, που έχουν επεκταθεί από τη σύγχρονη εποχή έως τη σύγχρονη αυτές. Ποια είναι όμως η προέλευση αυτής της μορφής τέχνης που άλλαξε τον κόσμο;
Yaroslav Kurbanov, War of the world , 2016. Λάδι / ακρυλικό / τέμπερα σε καμβά, 100 x 80 cm.
Secam, V.nus - antik gaming , 2019. Ακρυλικό / σπρέι χρώμα / μαρκαδόρος / στένσιλ / πλαστικό σε καμβά, 116 x 73 cm.
Σύντομη ιστορία της γλυπτικής της αρχαίας Ελλάδας
Οι αρχαιότερες εκδηλώσεις της αρχαίας ελληνικής γλυπτικής, που βρέθηκαν μεταξύ 800 και 300 π.Χ., έχουν σαφείς αναφορές στην μνημειακή τέχνη της Αιγύπτου και της Εγγύς Ανατολής, η οποία, μόνο αργότερα, εξελίχθηκε σε ένα μοναδικό ελληνικό αισθητικό όραμα. Στην Ελλάδα μάλιστα του 8ου αιώνα π.Χ., η παραγωγή μικρών συμπαγών μορφών από πηλό, ελεφαντόδοντο, μπρούτζο και ξύλο ήταν πολύ διαδεδομένη, έστω και αν ελάχιστα δείγματα του τελευταίου υλικού έχουν διασωθεί λόγω της ευαισθησίας του στη διάβρωση. Τα θέματα που απεικονίζονταν με αυτά τα στηρίγματα ήταν συχνά μορφές ανδρών και ζώων, ανθρώπινα κεφάλια και γρύπες, που χρησιμοποιούνταν ως προσαρτήματα σε χάλκινα αγγεία ή ως αναθήματα που προορίζονταν για ιερά. Όσον αφορά την τεχνοτροπία, οι προαναφερθείσες ανθρώπινες μορφές παρουσιάζουν έντονη συγγένεια με τη σύγχρονη γεωμετρική κεραμική, αφού χαρακτηρίζονται από επιμήκη άκρα και τριγωνικούς κορμούς. Όσον αφορά τα παλαιότερα γλυπτά από ασβεστόλιθο, χρονολογούνται στα μέσα του 7ου αιώνα π.Χ., περίοδο κατά την οποία άρχισαν να γίνονται πιο κοινά πιο περίπλοκα χάλκινα έργα, που απεικονίζουν πολεμιστές, αρματιστές και μουσικούς. Τα μαρμάρινα γλυπτά, από την άλλη, διαδόθηκαν από τον έκτο αιώνα π.Χ., μέσω της κατασκευής μνημειακών ή αγαλμάτων σε φυσικό μέγεθος, που προορίζονταν να αποτελέσουν αφιερώματα για ιερά και ταφικά σημάδια. Επιστρέφοντας στα πέτρινα γλυπτά, τα πιο δημοφιλή και μεγάλα δείγματα, που χρονολογούνται από τον έβδομο αιώνα π.Χ., είναι γνωστά με το όνομα Κούροι , όταν απαθανατίζουν νεαρά αρσενικά, ή Κόρη , στην περίπτωση που αναπαριστούν γυναικείες μορφές ντυμένες. Αυτοί οι χαρακτήρες, που χαρακτηρίζονται από μια έντονη ακαμψία, παρόμοια με αυτή των αιγυπτιακών μνημειακών αγαλμάτων, χαρακτηρίζονται από χέρια που κρατούνται ευθεία στα πλάγια του σώματος, προχωρημένο πόδι, σταθερό βλέμμα και ανέκφραστη μορφολογία προσώπου. Αυτός ο στατισμός ξεθώριασε με τον καιρό, ιδίως χάρη στην εισαγωγή λεπτομερειών γεμάτη «ζωή», αποτέλεσμα της επινοητικότητας των Ελλήνων γλυπτών, που απομακρύνθηκαν από τους άκαμπτους κανόνες της αρχαϊκής εννοιολογικής τέχνης, για να αρχίσουν να αναπαράγουν αυτό που στην πραγματικότητα. παρατηρείται από τη ζωή. Η αναζήτηση ενός τέτοιου ρεαλισμού εξερράγη με δύναμη κατά την κλασική περίοδο, όταν οι καλλιτέχνες άρχισαν να δημιουργούν μαρμάρινα γλυπτά σε φυσικό μέγεθος, με στόχο να εξυμνήσουν την ανθρώπινη μορφή και ιδιαίτερα την ανδρική μορφή. Από αυτή τη στιγμή, οι φιγούρες, φτιαγμένες με έναν πρωτοφανή αισθησιασμό, είχαν παγώσει σε κατάσταση δράσης, σαν να ήταν πραγματικά ζωντανές ένα δευτερόλεπτο πριν. Η καινοτόμος μελέτη των σωμάτων συνδυάζεται επίσης με μια νέα προσέγγιση στην απεικόνιση προσώπων και ρούχων, στην πραγματικότητα, τα πρώτα απέκτησαν μεγαλύτερη εκφραστικότητα, υπενθυμίζοντας μια ιδιαίτερη κατάσταση του νου, ενώ τα δεύτερα σμιλεύτηκαν με πιο ρεαλιστικό και λεπτή, ικανή να αποκαλύψει τα περιγράμματα των σωμάτων. Εν ολίγοις, αυτά τα γλυπτά πέτυχαν να μεταμορφώσουν τη σκληρή, άψυχη ύλη σε άυλες ιδιότητες όπως η ισορροπία, η διάθεση και η χάρη, που δημιούργησαν μερικά από τα μεγαλύτερα αριστουργήματα της παγκόσμιας τέχνης.
Egidio Gariano, Apollo MMXXI , 2021. Ακρυλικό σε καμβά, 100 x 100 cm.
Marko Grgat, Fragment 8 , 2020. Πήλινο γλυπτό σε ξύλο, 31 x 17 x 14 cm / 2,00 kg.
Η Ελληνική Γλυπτική στη Σύγχρονη Τέχνη
Η αρχαία ελληνική γλυπτική, με την κομψότητα, τη φινέτσα και την εκλεπτυσμένη εκτέλεση, συνεχίζει να εμπνέει καλλιτέχνες σε όλο τον κόσμο, συμπεριλαμβανομένων των Artmajeur, που μας έχουν προσφέρει μια σύγχρονη ερμηνεία εμβληματικών έργων και θεμάτων, ικανή να «αναστήσει» τον ελληνικό αρχαϊσμό και ο κλασικισμός σε νέες ατμόσφαιρες, που προέρχεται από τον Αφαιρετικό, τον Σουρεαλισμό και την τέχνη της Pop-Street. Αυτό αποδεικνύεται καλά από τους Kouros του Antoni Dragan, Nike που απελευθερώθηκε από τον Marco Tidu και Zeus Pop από τον Vincent Bardou.
Αντώνη Ντράγκαν, Κούρος, 2022. Πέτρινο γλυπτό, 35 x 10 x 10 cm / 2,00 kg.
Αντώνης Ντράγκαν: Κούρος
Το γλυπτό του καλλιτέχνη του Artmajeur, Αντώνη Ντράγκαν, επαναπροτάσσει έναν αρχαϊκό Έλληνα κούρο σεβόμενη τις τυπικές του ιδιαιτερότητες. Μάλιστα, ο νεαρός γυμνός, φτιαγμένος από πέτρα, απαθανατίζεται στην τυποποιημένη πόζα του, με τα χέρια στα πλαϊνά του σώματος και ένα πόδι μπροστά. Είναι σημαντικό να τονιστεί ότι στο ελληνικό πλαίσιο αυτή η έλλειψη τήρησης των κανόνων του ρεαλισμού συνδέθηκε τόσο με μια «επιφανειακή» παρατήρηση της πραγματικότητας και με την ανάγκη να αναπαραστήσουμε πρώτα και κύρια την έννοια της νεότητας, σύμβολο της οποίας ήταν ο Κούρος . . Στο έργο του Ντράγκαν προστίθεται ένας νέος συμβολισμός σε αυτήν την παράδοση, ο οποίος, που αποδίδεται από μια καινοτόμο χρωματική χύτευση κόκκινου και μαύρου, τοποθετεί το έργο σε ένα νέο πλαίσιο στα μισά του δρόμου ανάμεσα στον αρχαϊσμό και τη συγχρονικότητα. Στην πραγματικότητα, η τεχνική με την οποία ο καλλιτέχνης τοποθετεί τη μπογιά στο στήριγμα ακολουθεί αυτή του dripping του Pollock, ενός αδιαμφισβήτητου δεξιοτέχνη της ιστορίας της τέχνης του εικοστού αιώνα.
Vincent Bardou, Zeus Pop, 2022. Ακρυλικό / σπρέι / μελάνι / μαρκαδόρος / χρωστικές σε καμβά, 100 x 80 cm.
Vincent Bardou: Zeus Pop
Ο Δίας, η υπέρτατη θεότητα της ελληνικής θρησκείας, αποτέλεσε αντικείμενο πολλών αναπαραστάσεων στον αρχαίο κόσμο, μεταξύ των οποίων η πιο εμβληματική είναι σίγουρα αυτή της Ολυμπίας (Ελλάδα), δυστυχώς τώρα χαμένη. Το άγαλμα της πόλης των Αγώνων, που φτιάχτηκε από τον περίφημο Φειδία και τοποθετήθηκε μέσα στο Ναό του Διός, στην πραγματικότητα θεωρούνταν ένα από τα επτά θαύματα του κόσμου. Μάλιστα, το έργο ξεχώρισε, τόσο για το ύψος του, σχεδόν 12 μέτρα, όσο και για την πολυτιμότητά του, επιχρυσωμένο και ελεφαντόδοντο και εμπλουτισμένο με λεπτομέρειες από κέδρο στολισμένο με έβενο, ελεφαντόδοντο, χρυσό και πολύτιμους λίθους. Δυστυχώς, ο ναός που περιείχε αυτό το αριστούργημα καταστράφηκε το 426 μ.Χ., με αποτέλεσμα να μείνει μόνο η θρυλική του φήμη από το άγαλμα. Ωστόσο, ο μύθος της εικονογραφίας του Δία συνεχίζει να ζει, με εκπληκτικό τρόπο, ακόμη και στη σύγχρονη τέχνη, όπως αποδεικνύεται από τη δυναμική και πολύχρωμη ζωγραφική του καλλιτέχνη Artmajeur Vincent Bardou. Στην πραγματικότητα, αυτό το έργο, στα μισά του δρόμου ανάμεσα στη χρωματική ζωντάνια της Pop art και τις ετικέτες και τα γκράφιτι της Street art, γιορτάζει τον θεό με έναν βέβηλο και εντελώς νέο τρόπο, σχεδόν σαν να είχε γίνει δημοφιλής σταρ του Χόλιγουντ.
Marco Tidu, Nike liberated, 2016. Κάρβουνο σε χαρτόνι, 136 x 96 cm.
Marco Tidu: Nike liberata
Ο σουρεαλιστικός υπερρεαλισμός του κάρβουνου που πραγματοποίησε ο Marco Tidu αναδεικνύει, σε ένα ακατόρθωτο πλαίσιο, την τελειότητα των ελληνικών στιλιστικών στοιχείων, τα οποία γιορτάζονται μέσα από νέα και καινοτόμα remakes, μεταξύ των οποίων αυτά της Winged Victory of Samothrace και της Venus of Milo. ξεχωρίζουν ξεκάθαρα. Μάλιστα, όπως υποδηλώνει ο τίτλος, φαίνεται ότι η Winged Victory , πρωταγωνίστρια του έργου, κατάφερε, σε αντίθεση με τις άλλες δύο στατικές «γυναίκες», να «απελευθερωθεί» από την ακινησία της, αποκτώντας τον δυναμισμό ενός ζωντανού όντος. Αυτό που ειπώθηκε σίγουρα έγινε εφικτό από τον ρεαλισμό του αριστουργήματος του Πυθόκριτου, αφού μόνο ένα άγαλμα, που ήδη από μόνο του φαίνεται αληθινό, θα μπορούσε πραγματικά να γίνει τέτοιο. Επομένως, με αυτό το παραμύθι της ελευθερίας, το έργο του Tidu, εκτός από την ομορφιά του κλασικισμού, μας προσκαλεί και στην αφηρημάδα.
Olimpia Gaia Martinelli
