Η αφηρημένη τέχνη, στις πιο γνωστές αφηγήσεις της, συνδέεται συχνά με τους μεγάλους άντρες δασκάλους των οποίων τα ονόματα είναι πλέον ευρέως αναγνωρισμένα: Pollock, Kandinsky, Mondrian και άλλοι. Ωστόσο, δίπλα σε αυτές τις διάσημες φιγούρες, υπάρχουν γυναίκες καλλιτέχνες που έχουν κάνει εξίσου σημαντικές και μερικές φορές επαναστατικές συνεισφορές, αν και παρέμειναν λιγότερο γνωστές από τους άντρες ομολόγους τους.
Οι γυναικείες φιγούρες τελικά παίρνουν το επίκεντρο αυτής της εξερεύνησης, η οποία, αν και δεν είναι εξαντλητική, είναι ένα σημαντικό χαρακτηριστικό μερικών από τα πιο σχετικά ονόματα στην αφηρημένη μεταφορική γλώσσα. Το top 10 μας αποτίει φόρο τιμής σε εξαιρετικές προσωπικότητες όπως η Hilma af Klint, η Georgia O'Keeffe, η Agnes Martin, η Joan Mitchell, η Helen Frankenthaler, η Lee Krasner, η Elaine de Kooning, η Carmen Herrera, η Lygia Clark και η Judy Chicago.
Αυτό το κείμενο είναι μια γιορτή της «εκδίκησής» τους: μέσα από τα έργα τους, αυτοί οι καλλιτέχνες έχουν αποδείξει ότι η αφαίρεση δεν ήταν ποτέ αποκλειστικά αρσενικό πεδίο. Θα ανακαλύψουμε πώς το όραμά τους διαμόρφωσε ένα κρίσιμο μέρος της ιστορικο-καλλιτεχνικής αφήγησης.
Hilma af Klint, N. 7, Adulthood, 1907. Ίδρυμα Hilma af Klint
Hilma af Klint
Η Hilma af Klint (26 Οκτωβρίου 1862 – 21 Οκτωβρίου 1944) ήταν Σουηδή ζωγράφος και μυστικιστής, που τώρα αναγνωρίζεται ως ένας από τους πρώτους αφηρημένους καλλιτέχνες στην ιστορία της δυτικής τέχνης. Δουλεύοντας μπροστά από τους Kandinsky, Malevich και Mondrian, δημιούργησε πίνακες που εξερεύνησαν βαθιές πνευματικές έννοιες. Το στυλ της Hilma af Klint είναι μια μοναδική συγχώνευση γεωμετρίας, παραστατικότητας, συμβολισμού και πνευματικότητας. Τα έργα της, συχνά μεγάλης κλίμακας, διερεύνησαν έννοιες της οργανικής ανάπτυξης και των φυσικών διεργασιών, εμπνευσμένα από τις επιστημονικές και βοτανικές της μελέτες.
Ένα από τα αριστουργήματα του Hilma af Klint είναι "N. 7, Adulthood", μέρος της σειράς "The Ten Largest" στον κύκλο "Paintings for the Temple" . Αυτό το μεγάλο έργο, ύψους άνω των τριών μέτρων, συνδυάζει ρευστές οργανικές φόρμες και ζωηρά χρώματα όπως το κίτρινο, το κόκκινο και το πράσινο σε ένα λεπτό λιλά φόντο. Ανακαλώντας βοτανικά και μαθηματικά σχήματα, ο πίνακας συμβολίζει την ανάπτυξη και την ύπαρξη. Σε αυτό το ζωτικό πλαίσιο, ο κριτικός Adrian Searle αναγνώρισε την επιρροή των δαρβινικών θεωριών, ιδιαίτερα την ιδέα ότι η ανάπτυξη των φυτών και των φυσικών μορφών ακολουθεί μια μαθηματική πρόοδο. Υπό αυτή την έννοια, η παρουσία «στυλιζαρισμένων» αριθμών και γραμμάτων προσθέτει περαιτέρω στρώματα συμβολισμού.
Επιπλέον, ο Mark Hudson, ένας μελετητής, σημείωσε πώς οι καμπύλες μορφές και οι κρυπτικές επιγραφές, όπως "sox, sax, sex" ή "eros wu", υποδηλώνουν επίσης μια λεπτή κρυμμένη ερωτική φόρτιση. Τέλος, αξίζει να τονιστεί ότι η τεχνική που χρησιμοποιείται για την « Ενηλικίωση » , ζωγραφισμένη σε χαρτί και στη συνέχεια τοποθετημένη σε καμβά, προβλέπει την προτίμηση για μεγάλα φορμά, που συνήθως συνδέονται με Αφηρημένους Εξπρεσιονιστές και συχνά προορίζονται για άντρες καλλιτέχνες.
Georgia O'Keeffe, Sunrise, 1916. Ακουαρέλα σε χαρτί.
Τζόρτζια Ο'Κιφ
Η Georgia Totto O'Keeffe (15 Νοεμβρίου 1887 – 6 Μαρτίου 1986) ήταν πρωτοπόρος του αμερικανικού μοντερνισμού, που αναγνωρίστηκε ως μια από τις πιο σημαίνουσες προσωπικότητες στην ιστορία της τέχνης του 20ου αιώνα. Η καλλιτέχνης είναι γνωστή για την ικανότητά της να συνδυάζει αφαίρεση και αναπαράσταση με τρόπο που αποτυπώνει την ουσία και τη δύναμη της φύσης. Μία από τις χαρακτηριστικές πτυχές του στυλ της είναι η χρήση «μεγαλωμένων» μορφών, ιδιαίτερα στους πίνακές της με λουλούδια, όπου εστίασε την προσοχή στις λεπτομέρειες, μετατρέποντάς τις σε αφαιρέσεις μέσα από μια αρμονική συγχώνευση χρώματος και σχήματος. Οι ζωηρές χρωματικές της παλέτες και οι απαλές γραμμές της υπηρέτησαν επίσης στο να προκαλούν, πέρα από την ορατή εικόνα, μια βαθιά αίσθηση συναισθήματος και σύνδεσης με τη δημιουργία.
Ένα από τα πρώτα και πιο σημαντικά αφηρημένα έργα της είναι η ακουαρέλα «Sunrise» (1916). Δημιουργήθηκε την περίοδο που δίδασκε στη Νότια Καρολίνα, αυτό το έργο σε χαρτί αποτυπώνει τη λεπτότητα και τη δύναμη μιας ανατολής μέσω της αριστοτεχνικής χρήσης του χρώματος και της «συνθετικής» φόρμας. Η παλέτα του αριστουργήματος διαθέτει αποχρώσεις του κόκκινου, του μωβ και του κίτρινου για να ζωντανέψει έναν ουρανό που φωτίζεται σταδιακά, με μια ομόκεντρη σύνθεση που προκαλεί την ακτινοβόλο ενέργεια του ήλιου που αναδύεται από τον ορίζοντα. Το όραμα μεταφέρει μια αίσθηση γαλήνης αλλά και αναδυόμενης ζωτικότητας, που τονίζεται από την αντίθεση μεταξύ του έντονου φωτός στο κέντρο και των πιο σκούρων αποχρώσεων στις άκρες.
Τέλος, αυτό το έργο είναι απαραίτητο γιατί σηματοδοτεί μια κρίσιμη στιγμή στην καριέρα του O'Keeffe: την οριστική μετάβαση του ζωγράφου προς μια προσωπική εικαστική γλώσσα, που συνδυάζει την αίσθηση της αφαίρεσης με την αναπαράσταση του φυσικού κόσμου.
Agnes Martin, Happy Holiday, 1999.
Άγκνες Μάρτιν
Η Agnes Bernice Martin (22 Μαρτίου 1912 – 16 Δεκεμβρίου 2004) ήταν Καναδο-Αμερικανίδα αφηρημένη ζωγράφος, γνωστή για το μινιμαλιστικό της στυλ και τη συμβολή της στον αφηρημένο εξπρεσιονισμό. Τα έργα της, που χαρακτηρίζονται από απλά πλέγματα και γραμμές, μεταφέρουν μια αίσθηση γαλήνης και πνευματικότητας, που βρίσκονται στο σταυροδρόμι διαφόρων καλλιτεχνικών κινημάτων του 20ου αιώνα, συνδυάζοντας στοιχεία μινιμαλισμού και ζωγραφικής Color Field. Αν και αυτά τα χαρακτηριστικά δεν είναι εικονιστικά, αντικατοπτρίζουν μια ισχυρή σύνδεση με τη φύση, εμφανής στους τίτλους των έργων της καθώς και στα γραπτά της. Στην πραγματικότητα, η Martin βρήκε έμπνευση στην απλότητα της καθημερινής ζωής και στον οργανικό κόσμο, τον οποίο οργάνωσε αργότερα σε πλέγματα όπου τακτοποιήθηκαν απαλά, γαλήνια και φωτεινά χρώματα. Αυτή η προσέγγιση επέτρεψε επίσης στον ζωγράφο να εξερευνήσει άπειρες παραλλαγές χρώματος και μορφής, ικανές να μεταδώσουν μια πνευματική και στοχαστική ηρεμία, σε πλήρη αντίθεση με τη λιτή και μοναχική ζωή του καλλιτέχνη.
Ένα από τα πιο αντιπροσωπευτικά αριστουργήματα της Agnes Martin είναι το «Happy Holiday» (2000), ένας αφηρημένος πίνακας χωρισμένος σε δεκατέσσερις οριζόντιες ζώνες ίσου πλάτους, που εναλλάσσονται μεταξύ λευκού και ροδακινί. Οι γραμμές που χωρίζουν τις ζώνες σχεδιάζονται με το χέρι με ένα μολύβι και έναν κοντό χάρακα, δημιουργώντας μια αίσθηση ελαφρότητας και απλότητας που χαρακτηρίζει την προσέγγισή της στη ζωγραφική. Παρά τη χρήση ενός χάρακα, οι γραμμές έχουν στην πραγματικότητα μια τρέμουσα και ακανόνιστη ποιότητα, υπογραμμίζοντας τη σημασία του σχεδίου στη δουλειά της και την προσοχή της στη χειροκίνητη λεπτομέρεια. Τέλος, η βάση του καμβά, προετοιμασμένη με μια στρώση λευκού gesso, δίνει σε ολόκληρο τον πίνακα μια ζωηρή φωτεινότητα, ενώ τα ακρυλικά χρώματα, που εφαρμόζονται σε λεπτές στρώσεις, μοιάζουν να επιπλέουν στην επιφάνεια.
Joan Mitchell, Hemlock, 1956. Ζωγραφική. Μουσείο Αμερικανικής Τέχνης Whitney, Νέα Υόρκη.
Τζόαν Μίτσελ
Η Joan Mitchell (12 Φεβρουαρίου 1925 – 30 Οκτωβρίου 1992) ήταν Αμερικανίδα ζωγράφος, γνωστή για τη συνεισφορά της στο κίνημα του Αφηρημένου Εξπρεσιονισμού, αν και το έργο της απέκλινε από την πιο αυθόρμητη προσέγγιση που είναι χαρακτηριστική της Action Painting. Η παραγωγή της ωστόσο χαρακτηρίστηκε από ένα συναισθηματικά έντονο στυλ, επηρεασμένο από τοπία που θυμόταν και από μεγάλους μεταϊμπρεσιονιστές δασκάλους όπως ο Henri Matisse. Το πινέλο της Joan Mitchell ξεχωρίζει για τη χειρονομιακή του ένταση, συνδυάζοντας έντονα χρώματα με καθοριστικές πινελιές. Είναι επίσης γνωστό ότι η Μίτσελ σχεδίαζε τις συνθέσεις της ξυπνώντας μνήμες, που συχνά σχετίζονται με τη φύση και την ποίηση, μια μέθοδος που έδωσε στο έργο της μια αντανακλαστική ποιότητα που εξισορροπούσε τον αυτοσχεδιασμό με μια πιο καθορισμένη δομή.
Οι καμβάδες της ήταν γενικά μεγάλοι και με πλούσια χρώματα, συχνά χωρισμένοι σε πολλαπλά πάνελ, καθώς η καλλιτέχνις απέρριπτε την ιδέα της «ομοιόμορφα κατανεμημένης» τέχνης. Όπως σημείωσε ο επιμελητής John Yau, τα έργα της Mitchell «προώθησαν την ιδέα ότι ένας πίνακας μπορεί να κατασκευαστεί από ξεχωριστά αλλά συνυφασμένα μέρη», ένα χαρακτηριστικό που της επέτρεψε να ξεχωρίσει σε έναν ανδροκρατούμενο κόσμο τέχνης, καθιστώντας την μια από τις πιο σημαντικές φιγούρες Αφηρημένος Εξπρεσιονισμός.
Ανάμεσα στα πιο διάσημα αριστουργήματα του Μίτσελ είναι το «Hemlock» (1956), μια ελαιογραφία σε καμβά που χαρακτηρίζεται από τολμηρές πινελιές χειρονομίας, όπου κυριαρχούν οι ψυχροί τόνοι, με τα λευκά να τέμνονται με πράσινες και μαύρες οριζόντιες γραμμές, παραπέμποντας σε ένα χειμωνιάτικο αειθαλές τοπίο. Μάλιστα, το «Hemlock» πήρε το όνομά του από το δέντρο που αναφέρεται στο ποίημα του Wallace Stevens «Domination of Black», το οποίο ήταν σίγουρα πηγή έμπνευσης για τον καλλιτέχνη.
Helen Frankenthaler, Mountains and Sea, 1952. Λάδι και κάρβουνο σε καμβά. Εθνική Πινακοθήκη Τέχνης, Ουάσιγκτον, DC
Έλεν Φρανκεντάλερ
Η Helen Frankenthaler (12 Δεκεμβρίου 1928 – 27 Δεκεμβρίου 2011) ήταν μια από τις πιο σημαίνουσες καλλιτέχνες του 20ου αιώνα, διαδραματίζοντας κρίσιμο ρόλο στην ιστορία της μεταπολεμικής αμερικανικής ζωγραφικής. Γεννημένη στο Μανχάταν, εισήχθη από νωρίς στην καλλιτεχνική σκηνή της Νέας Υόρκης, όπου γνώρισε μορφές όπως ο Τζάκσον Πόλοκ, ο Φραντς Κλάιν και ο Ρόμπερτ Μάδεργουελ, τον οποίο αργότερα παντρεύτηκε. Αν και επηρεάστηκε από τον Αφηρημένο Εξπρεσιονισμό, η Frankenthaler ανέπτυξε τη δική της χαρακτηριστική τεχνική, το "moak-stain", που έφερε επανάσταση στη χρήση του χρώματος στη ζωγραφική. Αυτή η διαδικασία, η οποία περιελάμβανε την έκχυση αραιωμένης μπογιάς σε καμβά χωρίς αστάρι, δημιούργησε φωτεινές πλύσεις που συγχωνεύτηκαν με το ίδιο το ύφασμα του στηρίγματος, εξαλείφοντας κάθε ψευδαίσθηση τρισδιάστατου χαρακτήρα. Ενώ το έργο της αρχικά συνδέθηκε με τον Αφηρημένο Εξπρεσιονισμό, η καλλιτέχνις είναι περισσότερο γνωστή για τη συνεισφορά της στη Ζωγραφική Πεδίων Χρώματος, ένα κίνημα που γιόρταζε τη χρήση μεγάλων εκτάσεων καθαρού χρώματος σε καμβά. Παρά την αφαίρεση, οι πίνακές της εμπνέονταν συχνά από εντυπώσεις φυσικών τοπίων, αποτυπωμένες στις αισθήσεις και τις ατμόσφαιρές τους μέσω της χρήσης του χρώματος.
Το «Βουνά και Θάλασσα» θεωρείται το αριστούργημα που σηματοδότησε μια αποφασιστική καμπή στην καριέρα της Έλεν Φρανκεντάλερ, καθώς σε αυτόν τον πίνακα του 1952, η καλλιτέχνης εισήγαγε για πρώτη φορά την επαναστατική τεχνική της. Η σύνθεση εμπνεύστηκε από τα τοπία του Ακρωτηρίου Μπρετόν στη Νέα Σκωτία, το οποίο είχε επισκεφτεί ο Φράνκενθαλερ λίγο πριν δημιουργήσει το έργο. Σε αυτό το νατουραλιστικό πλαίσιο, το χρώμα πήρε κεντρικό ρόλο, με πλύσεις από ροζ, μπλε και πράσινο που σκιαγραφούσαν λόφους, βράχους και νερό. Τέλος, είναι σημαντικό να σημειωθεί η λεπτή αντίθεση μεταξύ των ελαφρά σκιαγραφημένων γραμμών από κάρβουνο και των ζωηρών αποχρώσεων που επεκτείνονται ελεύθερα στον μη ασταρωμένο καμβά.
Lee Krasner, Gaea, 1966. Λάδι σε καμβά. Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης, Νέα Υόρκη.
Λι Κράσνερ
Ο Lee Krasner (27 Οκτωβρίου 1908 – 19 Ιουνίου 1984) ήταν Αμερικανός ζωγράφος και μια από τις σημαντικότερες μορφές του Αφηρημένου Εξπρεσιονισμού, με πρωταρχική δράση στη Νέα Υόρκη. Αφού έλαβε ακαδημαϊκή εκπαίδευση στο Women's Art School of Cooper Union και στην Εθνική Ακαδημία Σχεδίου, εισήχθη στον κόσμο της σύγχρονης τέχνης μέσω της έκθεσής της στον μετα-ιμπρεσιονισμό στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης στη Νέα Υόρκη. Στη δεκαετία του 1930, σπούδασε με τον Χανς Χόφμαν, ενσωματώνοντας κυβιστικά στοιχεία στη δουλειά της και κατά τη διάρκεια της Μεγάλης Ύφεσης, εργάστηκε για το Federal Art Project. Μια δεκαετία αργότερα, ο Krasner έγινε εξέχουσα προσωπικότητα στη Σχολή της Νέας Υόρκης δίπλα σε ζωγράφους όπως ο Willem de Kooning και ο Mark Rothko. Ωστόσο, ο γάμος της το 1945 με τον Τζάκσον Πόλοκ, μια κεντρική φιγούρα του αφηρημένου εξπρεσιονισμού, συχνά επισκίαζε την καριέρα της. Μετά τον τραγικό θάνατο του Pollock σε αυτοκινητιστικό δυστύχημα το 1956, ο Krasner υπέμεινε μια περίοδο βαθιάς θλίψης, αλλά συνέχισε να εργάζεται με ανανεωμένη καλλιτεχνική ένταση, κερδίζοντας ολοένα και μεγαλύτερη αναγνώριση στα χρόνια που ακολούθησαν.
Ως προς το ύφος, το έργο του Krasner χαρακτηρίζεται από συνεχή εξέλιξη και εξαιρετική καλλιτεχνική ευελιξία. Αν και αρχικά συνδέθηκε με τον Αφηρημένο Εξπρεσιονισμό, απέρριψε την επαναληπτικότητα που αντιλήφθηκε στο έργο ορισμένων από τους συγχρόνους της, όπως ο Mark Rothko και ο Barnett Newman. Η επιθυμία της για ανανέωση, την οποία ονόμασε «διαλείμματα», την οδήγησε να αναπτύξει νέες μορφές καλλιτεχνικής έκφρασης, συμπεριλαμβανομένης της περίφημης σειράς «Little Image» στα τέλη της δεκαετίας του 1940, καθώς και τα τολμηρά κολάζ της της δεκαετίας του 1950 και τα μεγάλα, έντονα χρώματα της. καμβάδες της δεκαετίας του 1960. Ο Krasner ήταν επίσης ένας από τους πρώτους καλλιτέχνες που πειραματίστηκε με την τεχνική "all-over", εμπνευσμένη από το έργο του Piet Mondrian, που αργότερα επηρέασε τους διάσημους πίνακες drip του Jackson Pollock. Η τέχνη της εξελίχθηκε χωρίς να περιορίζεται σε μία τεχνική ή στυλ: η τάση της να επανεξετάζει και να ξαναδουλεύει τις δικές της δημιουργίες ήταν εμφανής στην πρακτική της να κόβει και να επανατοποθετεί παλιούς καμβάδες για να δημιουργεί κολάζ, μια διαδικασία που αντανακλά την επιρροή του Henri Matisse. Επιπλέον, ο Krasner προσπάθησε όχι μόνο να εξερευνήσει την αφαίρεση αλλά και να εκφράσει μια βαθιά σύνδεση με τη φύση και τον οργανικό κόσμο.
Ανάμεσα στα πιο αντιπροσωπευτικά έργα της Λι Κράσνερ είναι το «Gaea» (1966), μια μνημειώδης ελαιογραφία σε καμβά που ενσαρκώνει τη ζωηρή της εξερεύνηση του χρώματος και τη βαθιά σύνδεσή της με τη φύση.
Elaine de Kooning, Bacchus #81, 1983. Georgia Museum of Art, Atene, Η.Π.Α.
Ελέιν ντε Κούνινγκ
Η Elaine de Kooning (12 Μαρτίου 1918 – 1 Φεβρουαρίου 1989) ήταν μια αφηρημένη εξπρεσιονίστρια και παραστατική ζωγράφος που δραστηριοποιήθηκε στη μεταπολεμική περίοδο. Γνωστή και ως κριτικός τέχνης και καθηγήτρια, ήταν μια από τις πιο ενεργητικές και επιδραστικές φωνές στην καλλιτεχνική σκηνή της Νέας Υόρκης. Η καριέρα της επηρεάστηκε από βασικά πρόσωπα του κινήματος, συμπεριλαμβανομένου του συζύγου της Willem de Kooning και του Arshile Gorky. Αν και αρχικά επισκιάστηκε από τη φήμη του συζύγου της, η Elaine de Kooning ανέπτυξε μια προσωπική καλλιτεχνική γλώσσα που συνδύαζε αφηρημένα και εικονιστικά στοιχεία, απεικονίζοντας συχνά φίλους, αθλητές, ακόμη και έναν πρόεδρο των ΗΠΑ.
Όσον αφορά το στυλ, έχοντας αγκαλιάσει το Action Painting και τη χειρονομιακή, δυναμική προσέγγισή του, εστίασε στην αποτύπωση της ενέργειας και της προσωπικότητας των θεμάτων της και όχι στην ακριβή ομοιότητα τους. Στα πορτρέτα της, η de Kooning προσπάθησε να συλλάβει την ουσία ενός ατόμου μέσα από ζωηρές, ρευστές πινελιές, αποφεύγοντας την καθαρά ρεαλιστική αναπαράσταση. Αυτή η προσέγγιση είναι επίσης εμφανής στα έργα της που παρουσιάζουν μυθολογικά θέματα και πρωτόγονα θέματα, τα οποία χρησιμοποίησε συχνά για να εξερευνήσει τις εντάσεις μεταξύ μορφής και κίνησης.
Το "Bacchus #3" (1978), για παράδειγμα, είναι ένα από τα αριστουργήματα της Elaine de Kooning: ο μεγάλος πίνακας χαρακτηρίζεται από ζωηρά πράσινα, γκρι και μπλε που αναμειγνύονται στον καμβά, ενώ μαύρες γραμμές αναδύονται στην επιφάνεια, υποδηλώνοντας τη φιγούρα. μιας γλυπτικής ομάδας, πιθανώς εμπνευσμένη από το γλυπτό του Βάκχου στο Jardin du Luxembourg στο Παρίσι.
Carmen Herrera, Untitled, 1952. The Museum of Modern Art, Νέα Υόρκη.
Κάρμεν Ερέρα
Η Carmen Herrera (31 Μαΐου 1915 – 12 Φεβρουαρίου 2022) ήταν Κουβανοαμερικανίδα ζωγράφος γνωστή για τη συμβολή της στην αφηρημένη και μινιμαλιστική τέχνη. Γεννημένη στην Αβάνα, πέρασε μεγάλο μέρος της ζωής της στη Νέα Υόρκη, όπου μετακόμισε στα μέσα της δεκαετίας του 1950. Η καλλιτέχνης ήταν ενεργή σε μια περίοδο που η αφαίρεση κυριαρχούσε στην καλλιτεχνική σκηνή της Νέας Υόρκης, αλλά το στυλ της δεν ευθυγραμμίστηκε πλήρως με τους συναδέλφους της στο κίνημα του Αφηρημένου Εξπρεσιονισμού. Μάλιστα, συχνά δουλεύοντας μεμονωμένα, η καλλιτεχνική της γλώσσα χαρακτηριζόταν από μια τυπική καθαρότητα που συνδύαζε τη γεωμετρία με μια στοχαστική και ζωντανή χρήση του χρώματος. Το στυλ της έχει τις ρίζες της στην απλότητα και την ακρίβεια, που χαρακτηρίζεται από έντονες γραμμές και επίπεδα χρωματικά πεδία, που στοχεύουν στη δημιουργία απαραίτητων και ζωτικών συνθέσεων. Πράγματι, τα έργα της διερευνούν τη σχέση μεταξύ μορφής και χρώματος, με ιδιαίτερη έμφαση στις αλληλεπιδράσεις μεταξύ επιφανειών και χώρων.
Αυτή η προσέγγιση τη συνδέει με κινήσεις όπως η σκληρή αφαίρεση και η Op Art, αν και το έργο της παραμένει μοναδικό για την αυστηρή επίσημη αναγωγή και την προσοχή στην αρμονική διάταξη. Μιλώντας για αριστουργήματα, το "Untitled" (1952) είναι ένας από τους σημαντικότερους πίνακες του καλλιτέχνη. Το έργο, που δημιουργήθηκε με συνθετική βαφή σε καμβά, χαρακτηρίζεται από ασπρόμαυρες γραμμές που διασχίζουν την επιφάνεια, χωρίζοντας τον καμβά σε δύο τριγωνικά τμήματα. Η απλή αλλά εντυπωσιακή σύνθεση εξερευνά την ένταση μεταξύ τάξης και κίνησης, με αιχμηρές άκρες που υποδηλώνουν μια σχεδόν βίαιη δόνηση. Τέλος, τα γεωμετρικά σχήματα και οι χρωματικές αντιθέσεις δημιουργούν ένα οπτικό αποτέλεσμα που θυμίζει Op Art, αλλά η ενέργεια που πηγάζει από το έργο είναι το αποτέλεσμα μιας σαφώς πιο διαισθητικής και πειραματικής προσέγγισης.
Lygia Clark, Planes in Modulated Surface No. 4, 1957. Formica και βιομηχανική βαφή σε ξύλο. Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης, Νέα Υόρκη.
Λυγία Κλαρκ
Η Lygia Clark (23 Οκτωβρίου 1920 – 25 Απριλίου 1988) ήταν μια από τις πιο σημαίνουσες Βραζιλιάνες καλλιτέχνες του 20ου αιώνα, γνωστή για τους αφηρημένους πίνακές της και τις διαδραστικές εγκαταστάσεις της. Συνδέεται στενά με το κίνημα του Κονστρουκτιβισμού της Βραζιλίας και αργότερα συνίδρυσε το κίνημα Neo-Concrete μαζί με καλλιτέχνες όπως ο Amilcar de Castro, ο Franz Weissmann και η Lygia Pape. Η δουλειά της διακρίθηκε για την καινοτομία της στην αλληλεπίδραση μεταξύ έργων τέχνης και κοινού, φέρνοντας την έννοια της συμμετοχής στην τέχνη σε νέα επίπεδα. Μάλιστα, η Κλαρκ διερεύνησε αρχές που σχετίζονται με την αισθητηριακή αντίληψη και την ψυχολογική σύνδεση με το αριστούργημα, φτάνοντας να ορίσει το έργο της ως «ζωντανές εμπειρίες».
Ξεκινώντας από τη δεκαετία του 1970, επικεντρώθηκε όλο και περισσότερο στη θεραπευτική χρήση της τέχνης, χρησιμοποιώντας αντικείμενα και τη συμμετοχή ως μέσο αντιμετώπισης ψυχολογικού τραύματος και προσωπικών εμπειριών. Για το λόγο αυτό, η καλλιτέχνης σταδιακά απομακρύνθηκε από την παραδοσιακή ζωγραφική για να εξερευνήσει νέους τρόπους έκφρασης που εμπλέκουν ενεργά τον θεατή, τον οποίο θεωρούσε αναπόσπαστο μέρος του έργου τέχνης.
Ωστόσο, μιλώντας για το ζωγραφικό της έργο, αξιοσημείωτο είναι το αριστούργημα «Discovery of the Organic Line» (1954). Διατηρώντας ένα ισχυρό γεωμετρικό θεμέλιο, αυτό το κομμάτι σηματοδοτεί την αρχή της εξερεύνησής της στον τρισδιάστατο χώρο και τη στροφή της προς τη μεγαλύτερη αλληλεπίδραση με το κοινό.
Judy Chicago, The Dinner Party, 1979.
Τζούντι Σικάγο
Η Τζούντι Σικάγο (Σικάγο, 20 Ιουλίου 1939) είναι μια από τις πιο σημαίνουσες Αμερικανίδες φεμινίστριες καλλιτέχνες του 20ου αιώνα. Στη δεκαετία του 1970, ίδρυσε το πρώτο πρόγραμμα φεμινιστικής τέχνης στις Ηνωμένες Πολιτείες στο Πολιτειακό Πανεπιστήμιο της Καλιφόρνια, στο Φρέσνο. Κατάλληλα, το έργο της έχει εξερευνήσει θέματα που σχετίζονται με τη γέννηση, τη δημιουργία και τον ρόλο των γυναικών στην ιστορία και τον πολιτισμό. Αυτά τα θέματα μεταφέρονται μέσω ενός στυλ που διακρίνεται από τη χρήση ενός ευρέος φάσματος καλλιτεχνικών τεχνικών, όπως το κέντημα, η κεραμική και το γυαλί — δεξιότητες που παραδοσιακά θεωρούνται χειροτεχνία και συχνά συνδέονται με τη γυναικεία εργασία. Το Σικάγο ανύψωσε συνειδητά αυτά τα μέσα, που ιστορικά υποβιβάστηκαν στο περιθώριο της «υψηλής» τέχνης, ενσωματώνοντάς τα στα έργα της ως σύμβολα γυναικείας δύναμης και δημιουργικότητας.
Μία από τις κεντρικές πτυχές του έργου της είναι η αναμέτρηση με τις πατριαρχικές δομές εξουσίας και η ανάκτηση μιας γυναικείας ιστορίας τέχνης, που αναδεικνύεται με τη χρήση ακριβούς συμβολισμού. Πράγματι, οι δημιουργίες της στοχεύουν να ξαναγράψουν την αφήγηση της καλλιτεχνικής ανάπτυξης ρίχνοντας φως σε ξεχασμένες ή περιθωριοποιημένες γυναικείες φιγούρες. Το πιο διάσημο έργο της, «The Dinner Party», θεωρείται το πρώτο μεγάλο αριστούργημα της φεμινιστικής τέχνης και είναι μόνιμα εγκατεστημένο στο Elizabeth A. Sackler Centre for Feminist Art στο Μουσείο του Μπρούκλιν. Η εγκατάσταση γιορτάζει τη συνεισφορά των γυναικών στην ιστορία, παρουσιάζοντας ένα τριγωνικό τραπέζι με 39 θέσεις που προορίζονται για εξαιρετικές γυναίκες από διαφορετικές περιόδους του δυτικού πολιτισμού. Κάθε σκηνικό περιλαμβάνει ένα πιάτο διακοσμημένο με μοτίβα λουλουδιών ή πεταλούδων που συμβολίζουν τον αιδοίο και έναν δρομέα κεντημένο με το όνομα και την εικόνα της γυναίκας που τιμάται.
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Magazine
