ΖΩΝΤΑΝΗ Ανατολή του ηλίου (STRETCHED) (2024) Πίνακας της Nadiia Antoniuk
Γιατί εξπρεσιονισμός; Μια γέφυρα μεταξύ των καλλιτεχνικών πολιτισμών της Γερμανίας και της Αυστρίας
Μεταξύ των κινημάτων τέχνης που αναπτύχθηκαν έντονα τόσο στη Γερμανία όσο και στην Αυστρία, μερικά από τα πιο σημαντικά περιλαμβάνουν τον Εξπρεσιονισμό, το Bauhaus και την Απόσχιση της Βιέννης. Η σύγκριση του γερμανικού και του αυστριακού εξπρεσιονισμού είναι ευκολότερη από τη σύγκριση του Bauhaus και της Secession της Βιέννης. Στην πραγματικότητα, ο εξπρεσιονισμός είχε μεγάλη διάδοση και βαθύ αποτύπωμα τόσο στη Γερμανία όσο και στην Αυστρία, με σημαντικό αριθμό καλλιτεχνών και έργων που μπορούν να αναλυθούν παράλληλα. Αυτό το κίνημα εκφράστηκε μέσω διαφόρων μορφών τέχνης όπως η ζωγραφική, η γλυπτική και η γραφική τέχνη, και στις δύο χώρες οι εξπρεσιονιστές καλλιτέχνες μοιράζονταν παρόμοιους στόχους, όπως η εξερεύνηση της ανθρώπινης κατάστασης και η έκφραση των εσωτερικών συναισθημάτων, αν και με τοπικές και προσωπικές αποχρώσεις. Στη συνέχεια, γίνεται φανερό πώς ο Εξπρεσιονισμός προσφέρει ένα ευρύτερο κοινό έδαφος για σύγκριση μεταξύ Γερμανίας και Αυστρίας, ενώ το Bauhaus και η Απόσχιση της Βιέννης, που διαφοροποιούνται περισσότερο σε προθέσεις, ιστορικά πλαίσια και υποκείμενες φιλοσοφίες, θα έκαναν το έργο πιο επίπονο και περίπλοκο.
MISIFUX (2024) Dipinto di Eva Hidalgo
Χρώματα φορτωμένα με συναίσθημα: Κατανόηση του Εξπρεσιονισμού
Ο εξπρεσιονισμός, ένα κίνημα τέχνης που ξεκίνησε σε πολλές πόλεις της Γερμανίας, προέκυψε ως αντίδραση στην αυξανόμενη ανησυχία για την ολοένα και πιο δυσαρμονική σχέση της ανθρωπότητας με τον κόσμο και την απώλεια των συναισθημάτων της αυθεντικότητας και της πνευματικότητας. Αναδυόμενος εν μέρει ως αντίδραση ενάντια στον ιμπρεσιονισμό και την ακαδημαϊκή τέχνη, ο Εξπρεσιονισμός άντλησε μεγάλη έμπνευση από τα Συμβολιστικά ρεύματα του τέλους του 19ου αιώνα. Καλλιτέχνες όπως ο Vincent van Gogh, ο Edvard Munch και ο James Ensor, με την τάση τους να παραμορφώνουν τις φόρμες και να χρησιμοποιούν έντονα χρώματα, επηρέασαν βαθιά τους Εξπρεσιονιστές, επιτρέποντάς τους να εκφράσουν μια ποικιλία από αγωνίες και επιθυμίες.
Ήταν ακριβώς η έλευση του Εξπρεσιονισμού που προανήγγειλε νέα πρότυπα στη δημιουργία και την κρίση της τέχνης. Το τελευταίο έπρεπε να πηγάζει από το εσωτερικό του καλλιτέχνη, παρά από την αναπαράσταση του εξωτερικού οπτικού κόσμου, και το κριτήριο για την αξιολόγηση της ποιότητας ενός έργου τέχνης έγινε ο χαρακτήρας των συναισθημάτων του καλλιτέχνη, παρά η ανάλυση της σύνθεσης. Οι εξπρεσιονιστές καλλιτέχνες συχνά χρησιμοποιούσαν στροβιλιζόμενες, κυματιστές και «υπερβολικά» εκτελεσμένες πινελιές στην απεικόνιση των θεμάτων τους. Αυτές οι τεχνικές είχαν σκοπό να μεταφέρουν την ταραχώδη συναισθηματική τους κατάσταση ως αντίδραση στις αγωνίες του σύγχρονου κόσμου.
Η προαναφερθείσα προσέγγιση της τέχνης πρέπει επίσης να γίνει κατανοητή ως ένα ισχυρό εργαλείο κοινωνικής κριτικής, στην οποία οι αναπαραστάσεις της σύγχρονης πόλης συχνά περιλαμβάνουν αποξενωμένα ή ταλαιπωρημένα άτομα - ψυχολογικό υποπροϊόν της πρόσφατης αστικοποίησης - που χρησιμοποιήθηκαν για να σχολιάσουν τον ρόλο του καπιταλισμού στην η συναισθηματική αποστασιοποίηση των ατόμων μέσα σε αστικά πλαίσια.
Ο εξπρεσιονισμός, λοιπόν, όχι μόνο έφερε επανάσταση στις καλλιτεχνικές και εικαστικές προσεγγίσεις, αλλά πρόσφερε επίσης βαθιά τροφή για σκέψη για τον κόσμο, κάνοντας εμφανείς τις εντάσεις και τις αντιφάσεις της σύγχρονης ζωής.
Τέλος, από χρονολογική άποψη, είναι σημαντικό να επισημανθεί πώς η κλασική φάση του εξπρεσιονιστικού κινήματος, που διήρκεσε περίπου από το 1905 έως το 1920, εξαπλώθηκε σε όλη την Ευρώπη και στη συνέχεια επηρέασε πολλά άτομα και ομάδες, συμπεριλαμβανομένων του Αφηρημένου Εξπρεσιονισμού, του Νεοεξπρεσιονισμού και το London School. Μιλώντας για τον σύγχρονο κόσμο, μέσω της έντονης οπτικής γλώσσας και της ικανότητάς του για συναισθηματική έκφραση, ο Εξπρεσιονισμός συνεχίζει να είναι μια ισχυρή φωνή στον σημερινό εικονιστικό διάλογο.
KAZUMI TAUPE - FRAU IN GRÜN, OCKER, SCHWARZ ERNST (2022) Πίνακας της Carolyn Mielke (καρογραφικό)
Γερμανικός Εξπρεσιονισμός: Απαρχές, εξέλιξη και χαρακτηριστικά ενός επαναστατικού κινήματος
Ο γερμανικός εξπρεσιονισμός είχε τις ρίζες του στις αρχές του 20ου αιώνα, σημαδεύοντας βαθιά το καλλιτεχνικό τοπίο με δύο από τις κύριες ομάδες του, το "Die Brücke" (Η Γέφυρα) και το "Der Blaue Reiter" (Ο Μπλε Καβαλάρης).
Η ομάδα Die Brücke, η οποία ιδρύθηκε το 1905 στη Δρέσδη, είχε στόχο να συνδέσει την κλασική νεορομαντική ζωγραφική με νέες μορφές έκφρασης που αργότερα θα ταυτίζονταν με τον εξπρεσιονισμό. Τα μέλη του Die Brücke αναζήτησαν μια πιο αυθεντική και έντονη τέχνη, αντανακλώντας τη μοναξιά, την αποξένωση και τις εντάσεις της σύγχρονης ζωής. Χρησιμοποίησαν δυνατές γραφικές γραμμές και ζωηρά, κορεσμένα χρώματα για να εκφράσουν τα εσωτερικά τους οράματα, εστιάζοντας συχνά τα έργα τους σε δυναμικές, συναισθηματικά φορτισμένες αστικές σκηνές. Οι κύριοι εκφραστές του Die Brücke ήταν οι Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, Fritz Bleyl, Emil Nolde και Max Pechstein.
Το 1911 γεννήθηκε στο Μόναχο η Der Blaue Reiter, που ιδρύθηκε από τον Vasily Kandinsky και τον Franz Marc. Αυτή η ομάδα διακρίθηκε από μια πιο αφηρημένη και πνευματική προσέγγιση της τέχνης. Ο Der Blaue Reiter εστίασε λιγότερο στην αναπαράσταση της εξωτερικής πραγματικότητας και περισσότερο στην έκφραση της πνευματικής και εσωτερικής δυναμικής. Αυτό το κίνημα έδωσε λιγότερη έμφαση στις κοινωνικές εντάσεις και περισσότερο στην καθολική αρμονία, διερευνώντας τη χρήση του χρώματος και της μορφής για να εκφράσει αγνά και βαθιά συναισθήματα.
Ενώ ο Die Brücke έδωσε έμφαση σε μια ωμή και άμεση απεικόνιση της ανθρώπινης εμπειρίας, που χαρακτηρίζεται από έντονη και μερικές φορές βάναυση κοινωνική κριτική, ο Der Blaue Reiter έκλινε προς μια πιο λυρική και αφηρημένη άποψη της ύπαρξης, συχνά αποκομμένη από την άμεση αναπαράσταση του υλικού κόσμου. Η προσέγγιση του Der Blaue Reiter για την αφαίρεση έθεσε τις βάσεις για τα μελλοντικά καλλιτεχνικά ρεύματα που αναπτύχθηκαν μετά τον Α Παγκόσμιο Πόλεμο.
Νομίζεις ότι έχω ξεχάσει δασκάλους όπως ο Otto Dix; Μετά τον πόλεμο, ο εξπρεσιονισμός εξελίχθηκε σε ένα εξαιρετικά ρεαλιστικό ύφος, που χαρακτηριζόταν από πρωτοφανή σκληρότητα, συνοδευόμενο από ωμότητα και συγκλονιστικές απεικονίσεις. Αυτές οι ιδιότητες βρίσκονται ακριβώς στην τέχνη του Otto Dix, καθώς και στα έργα των Max Beckmann και George Grosz.
ΝΕΚΡΗ ΖΩΗ (2018) Πίνακας του Borys Buryak
Αυστριακός Εξπρεσιονισμός: Ιστορία, Χαρακτηριστικά και Εκθέτες
Ο αυστριακός εξπρεσιονισμός ήρθε στη ζωή γύρω στο 1909-1910 στη Βιέννη, με βασικές προσωπικότητες όπως ο Oskar Kokoschka και ο Egon Schiele να ωθούν τη ζωγραφική σε νέα συναισθηματικά σύνορα, που επιτυγχάνονται μέσα από έντονα προσωπικά πορτρέτα. Το κίνημα τελείωσε τραγικά λόγω των καταστροφών του Α' Παγκοσμίου Πολέμου και της επιδημίας της ισπανικής γρίπης που έπληξε την Ευρώπη, οδηγώντας στον πρόωρο θάνατο δασκάλων όπως ο Gustav Klimt και ο ίδιος ο Schiele. Αυτή η περίοδος έντονης καλλιτεχνικής δημιουργικότητας σημαδεύτηκε περαιτέρω από την κατάρρευση της Αυστροουγγρικής Αυτοκρατορίας και τις βαθιές πολιτικές αβεβαιότητες της εποχής.
Ο βιεννέζικος εξπρεσιονισμός διακρίνεται από την έντονη εξερεύνηση της ανθρώπινης φιγούρας, χρησιμοποιώντας το σώμα ως όχημα για ακραία συναισθηματική απόδοση, συχνά αγκυροβολημένο σε συγκεκριμένα συναισθήματα και διαθέσεις. Σε ένα πλαίσιο όπου τα αφηρημένα κινήματα κυριαρχούσαν στην καλλιτεχνική σκηνή, αυτοί οι καλλιτέχνες ανακάλυψαν ξανά τη σημασία των θεμάτων, χρησιμοποιώντας έντονες πινελιές και δυναμικές φόρμες για να εμφυσήσουν την «έκφραση» στα έργα τους.
Ernst Ludwig Kirchner, Marzella, 1909 - 1910. Λάδι σε καμβά, 76×60 εκ. Museet, Στοκχόλμη.
Egon Schiele, Two Little Girls, 1911.
Σύγκριση του "Marzella" του Ernst Ludwig Kirchner και του "Two Little Girls" του Egon Schiele
Τα έργα «Marzella» του Ernst Ludwig Kirchner και «Two Little Girls» του Egon Schiele, παρά το γεγονός ότι έχουν τις ρίζες τους στον εξπρεσιονισμό, απεικονίζουν ξεχωριστές και προσωπικές προσεγγίσεις στην απεικόνιση της νεότητας.
Ζωγραφισμένο μεταξύ 1909 και 1910, το "Marzella" δείχνει μια τολμηρή εξερεύνηση του γυναικείου πορτρέτου. Ο Kirchner χρησιμοποιεί όξινα χρώματα όπως το πράσινο και το πορτοκαλί, δημιουργώντας μια οπτική αντίθεση που αποκλίνει απότομα από τη γαλήνη που χαρακτηρίζει τα πορτρέτα της νεολαίας. Το υποκείμενο, ένα γυμνό κορίτσι, κάθεται με τα χέρια σταυρωμένα πάνω από την ηβική της κοιλότητα, σε μια χειρονομία που θυμίζει την «Εφηβεία» του Edvard Munch, αλλά με μια πολύ πιο άτακτη και συνειδητή στάση. Το σκηνικό, ενισχυμένο από μαξιλάρια και διακοσμητικά αντικείμενα, σε συνδυασμό με τη χρήση φωτεινών χρωμάτων και «παραμορφωμένων» σχημάτων, συμβάλλει σε μια ατμόσφαιρα παρακμιακής πολυτέλειας. Η Kirchner εκφράζει σε αυτόν τον καμβά μια κριτική στην υποκρισία και τη διαφθορά της σύγχρονης κοινωνίας, αντανακλώντας την ανησυχία του σύγχρονου ανθρώπου.
Από την άλλη, το «Two Little Girls» του 1911 εκφράζει το βαθύ ενδιαφέρον του Schiele για την παιδική ψυχή και την αθωότητα, αντιμετωπίζοντας τα θέματά του με μια αίσθηση ενδοσκοπικού ρεαλισμού και ευαλωτότητας. Ο Schiele, ο οποίος περιέγραψε τον εαυτό του ως «αιώνιο παιδί», αποτυπώνει τη συναισθηματική πολυπλοκότητα της ενηλικίωσης μέσα από τα νεαρά μοντέλα του, τα οποία απεικονίζει με έναν έντονο αλλά συχνά αγνό παραστατικό. Τα δύο κορίτσια, που απεικονίζονται σε φυσικές, χαλαρές πόζες, εκφράζουν μια ηρεμία και έναν αυθορμητισμό, που έρχεται σε αντίθεση με τη συναισθηματική ένταση που είναι πιο χαρακτηριστική των έργων του Schiele, καθώς και την εν μέρει αντιληπτή στη «Marzella» απαγόρευση.
2 (2019) Πίνακας του Ramadan Hussien
SITZENDE IM GRÜNEN KLEID (2020) Σχέδιο Barbara Kroll
Γερμανικός και σύγχρονος αυστριακός εξπρεσιονισμός: σύγκριση γυναικείων θεμάτων
Το "2" του Ramadan Hussien και το "Sitzende im grünen kleid" της Barbara Kroll είναι δύο έργα τέχνης από καλλιτέχνες που εργάζονται στην Αυστρία και τη Γερμανία, σχεδιασμένα να παρέχουν μοναδικές και βαθιά προσωπικές οπτικές για τη γυναικεία φιγούρα, διατηρώντας παράλληλα μια βαθιά σύνδεση με την εξπρεσιονιστική παράδοση.
Το έργο του Ramadan Hussien, ενός Σύρου καλλιτέχνη που ζει στην Αυστρία, δημιουργήθηκε με τη χρήση ακρυλικού και κάρβουνου σε καμβά προκειμένου να δημιουργηθεί μια «πολυχρωμική» εικόνα σχεδιασμένη να αποτυπώνει τη συναισθηματική ουσία και την πολυπλοκότητα του γυναικείου θέματος. Τα φωτεινά χρώματα και τα «παραμορφωμένα» σχήματα χρησιμοποιούνται ακριβώς για να εκφράσουν έντονα συναισθήματα, πιθανώς να υπαινίσσονται την ψυχική κατάσταση του ομοιώματος του εσωτερικού βασανισμού. Και πάλι για να αποδώσει την τελευταία πτυχή, ο Hussien συνδύασε επίσης εν μέρει αφηρημένες λεπτομέρειες με εικονιστικά στοιχεία, εκσπλαχνίζοντας έτσι μια βαθιά εσωτερικότητα, η οποία υπερβαίνει την απλή οπτική αναπαράσταση. Τέλος, φέρνοντας ενέργεια και κίνηση στην ενδοσκοπική σύνθεση είναι οι κυρίαρχες αποχρώσεις του πράσινου, του μπλε και του ροζ, που συνδυάζονται με έναν ρευστό και δυναμικό τρόπο.
Από την άλλη πλευρά, η Barbara Kroll, μια Γερμανίδα καλλιτέχνης, ακολουθεί μια πιο «γυμνή» και «μινιμαλιστική» προσέγγιση στο έργο «Sitzende im grünen Kleid», όπου το λευκό στήριγμα αναδύεται κάτω από το παχύ κτύπημα, με σκοπό να δημιουργήσει μια άλλη γυναικεία μορφή. . Το τελευταίο δημιουργήθηκε μέσω ενός συνδυασμού conté, ακρυλικού σε χαρτί και μικτών μέσων, μέσω των οποίων η Kroll εξερεύνησε την ευπάθεια και την ανακλαστικότητα του θέματός της, που μερικές φορές διαποτίζεται από θολές γραμμές. Όσον αφορά τη χρήση των χρωμάτων, ωστόσο, η Γερμανίδα αποδεικνύεται για άλλη μια φορά πιο συγκρατημένη και συνθετική από την Αυστριακή συνάδελφό της, καθώς χρησιμοποιεί μόνο το μπλε, το πράσινο και το κόκκινο, τα οποία διανέμονται είτε σε γραμμές είτε σε φόντο.
Στη συνέχεια, γίνεται φανερό πώς, αν και και τα δύο έργα δείχνουν μια έντονη εξερεύνηση της ανθρώπινης έκφρασης και της οπτικής γλώσσας, ο Hussien χρησιμοποιεί φωτεινά χρώματα και έντονα σχήματα για να επικοινωνήσει μεγαλύτερη συναισθηματική κίνηση, ενώ ο Kroll χρησιμοποιεί μια στενότερη παλέτα και ρευστές γραμμές για να προκαλέσει μια κυρίαρχη ενδοσκόπηση. ηρεμία.
NUDE 2 (2019) Πίνακας του Borys Buryak
THE YELLOW FLOWER (2022) Πίνακας της Victoria Cozmolici
Δύο άλλα εξπρεσιονιστικά έργα, που αφορούν ένα γυναικείο θέμα, είναι το «Γυμνό 2» του Borys Buryak και το «The Yellow Flower» της Victoria Cozmolici. Ξεκινώντας από τον Borys Buryak, ο καλλιτέχνης με έδρα την Αυστρία δημιούργησε μια όρθια γυμνή γυναικεία φιγούρα, με στόχο να ζωντανέψει έναν αισθησιακό λυρισμό, ο οποίος συνδυάζεται με μια οικεία ατμόσφαιρα με μια άκρως ενδοσκοπική γεύση. Στην πραγματικότητα, είναι ακριβώς στον αισθησιασμό ενός αμυδρά φωτισμένου εσωτερικού χώρου που η όμορφη γυμνή γυναίκα σχεδόν μας γυρίζει την πλάτη, για να σηκώσει τα χέρια της σαν να έχει δει κάτι ενδιαφέρον μπροστά στο παράθυρο, πιθανότατα παρόμοιο ή θεραπευτικό, τα δράματα της μοναχικής της καρδιάς.
Όσο για τη Victoria Cozmolici, η ζωγράφος, κάτοικος Γερμανίας, δημιούργησε το «The Yellow Flower», ένα έργο που απεικονίζει μια καθιστή γυμνή γυναικεία φιγούρα. Η συναισθηματική ένταση του θέματος δεν αποδίδεται τώρα με μισοφέγγαρο, αλλά, αντίθετα, με ζωηρή παλέτα και ενεργητικές πινελιές. Είναι οι τελευταίες που δίνουν μορφή σε μια φιγούρα που περιβάλλεται από μπλε, κίτρινο, πράσινο και καφέ, αποχρώσεις που συνδυάζονται για να σφυρηλατήσουν εικονιστικά στοιχεία καθώς και αφηρημένα στοιχεία όπως σκέψεις.
Τέλος, γίνεται φανερό πώς οι συγγενικές κινήσεις της ψυχής αποδίδονται διαφορετικά από τους δύο πίνακες, οι οποίοι γίνονται ικανοί να μας κάνουν να αναλογιστούμε πώς η ροή της σκέψης μπορεί να μας φτάσει σε οποιοδήποτε πλαίσιο...
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Magazine
